Moja przebieranka, kochanie/Kisekoi zawsze była urocza, ale osiągnęła nowy poziom dzięki kontynuacji, która jest bardziej szalenie kreatywna, węższa tematycznie, a przez to bardziej zróżnicowana pod względem eksplorowanych subkultur. Przyjrzyjmy się zmianom w produkcji, które opłaciły się wyjątkowo dobrze!
Pierwszy sezon My Dress Up Darling/Sono Bisque Doll wa Koi wo Suru, który będziemy nazywać Kisekoi, aby oszczędzić nam tego kęsa tytułu, był całkowicie rozsądną adaptacją przyjemnego serialu. Było to jednak nieco redukcyjne ujęcie tego, co obejmuje oryginalne dzieło. Pamiętaj, że nie zawsze jest to aspekt negatywny, nie mówiąc już o zerwaniu umowy. Jeśli już, można argumentować, że takie adaptacje są czymś naturalnym; znacznie łatwiej jest zaprojektować ściśle ukierunkowane doświadczenie, mając na uwadze długo trwające lub nawet ukończone publikacje, podczas gdy autorzy oryginalni, którzy dopiero rozpoczęli swoją pracę, zmagają się z nieznanym. Z tego powodu niektóre seriale zostały w widoczny sposób ulepszone dzięki adaptacjom, czy to poprzez usunięcie elementów, które z perspektywy czasu były niewygodne, czy też poprzez zwykły wybór akcentów.
Jeśli jednak chodzi o Kisekoi, nie sądzę, że tak było. Ponownie, nie traktuj tego jako ostrej krytyki pierwszego programu telewizyjnego, który ogólnie był solidny. Każdy, kto to widział, może potwierdzić, że jakość jego wykonania wahała się od technicznego poziomu do czasami wyjątkowego, a standardy animacji znacznie przewyższały standardy obecnego anime telewizyjnego. A jednak pojawienie się kontynuacji pokazuje istnienie szerszego potencjału, którego nie udało się wykorzystać za pierwszym razem.
Względne ograniczenia pierwszego sezonu rozpoczęły się od aspektu, którego z trudem można się spodziewać winić zespół kreatywny za: liczbę odcinków. Mając do dyspozycji jeden tor, ekipa dokonała najlepszego dostępnego wyboru i postępowała w wyważonym tempie, mimo że oznaczało to, że nie dotrą do łuków (najnowszych w tamtym czasie), w których manga naprawdę osiąga sukces. Choć zawsze przyjemna, twórczość Shinichi Fukudy zajmuje trochę czasu, zanim wzniesie się z uroczej komedii romantycznej z przesłaniem, które brzmi miło, do takiej, w której te przekonania wybrzmiewają na każdej stronie z przekonaniem, któremu nie można się oprzeć.
Ujmując to bardziej szczegółowo, oznacza to, że serial stopniowo poszerza swoje horyzonty w przedstawianiu kultury cosplay i otaku jako całości. Jego szacunku dla pierwszego nie można było nigdy kwestionować; więcej niż kilka rozdziałów serii, w tym te wcześniejsze etapy, tak szczegółowo opisuje hobby, że mogłyby służyć jako tutoriale. Przełożyło się to również na pierwszy sezon anime, oferując niewątpliwie pełne miłości spojrzenie na subkulturę… a raczej na jej wycinek obecny w materiale, na który mieli czas zaadaptować. To wystarczyło, aby wskazać takie idee, jak proaktywny fandom i tworzenie pochodnych, jako wartościowe sposoby przekazywania miłości, a także przeciwstawienie się presji społecznej dotyczącej tego, co powinniśmy lubić. Chociaż są to motywy, które w naturalny sposób towarzyszą Gojo i Marina w ich rozwijającym się romansie, na tym etapie nie są one jeszcze w pełni ukształtowane. Koncepcje wydają się nieco oderwane od najważniejszych wydarzeń w produkcji i po prostu nie wszystko jest powiązane z rzeczywistością większości ludzi w badanej przez nią kulturze. Krótko mówiąc, te motywy są odpowiednią ozdobą uroczej komedii romantycznej.
W pewnym stopniu ta wąska stylistyka sprowadza się do wykonania. Jeśli powiem ci, żebyś zamknął oczy i wyobraził sobie kilka zapadających w pamięć sekwencji z pierwszego sezonu, wiem na pewno, że w twojej głowie pojawiła się kombinacja sprężystego, wolumetrycznego przedstawienia ciała Marina w skąpych ubraniach. Nie jest to próba zawstydzenia zboczeńców wśród naszych czytelników – w witrynach mających na celu docenienie sztuki perwersja jest przede wszystkim czymś w rodzaju odznaki honoru. Chcę jednak powiedzieć, że sekwencje te osiągnęły poziom zapadającej w pamięć, wyraźnie wyjątkowej realizacji, na który serial nie mógł sobie pozwolić w regularnych odstępach czasu. To nierówność w wartości oddziaływania (nawet jeśli podłoga nadal jest przyzwoita), która stwarza fałszywe wrażenie, że serial dotyczy wyłącznie tych chwil.
Warto zauważyć, że patrząc wstecz na pierwszy sezon serii wywiady z Febri, reżyser serialu dyrektor serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. Keisuke Shinohara przyznał, że początkowo zakładał, że Kisekoi to tylko słodycz dla facetów. Dopiero gdy czytał dalej, głęboko zainteresowały go zmagania Gojo jako twórcy; mimo że zajmował się różnymi dziedzinami, odkrył, że jego twórczość przemawia do każdego, kto inwestuje w tworzenie różnych rzeczy. Również dzięki głębszemu zagłębieniu się w serial zaczął doceniać portret uczuć Marina w wyraźny, równie ważny sposób – co stanowi kontrast z trendem w komediach Danseimuke Romance, w którym przedstawiano kobiety jako niepoznawalne obiekty pościgu. Wydaje się, że jest to opinia podzielana przez cały zespół, ponieważ główny producent Aniplexu Nobuhiro Nakayama niedawno odniósł się z tego powodu do energii przypominającej shoujo serii.
To powiedziawszy, fakt, że serial ma więcej aspektów, nie oznacza, że erotyzm nie zawsze był jego częścią Kisekoi. Śledzimy dwójkę nastolatków, każdy z własnego punktu widzenia niezręczności, próbując zrozumieć swoją seksualność. Jedna z nich jest na tyle pewna swojego ciała, że podejmuje próbę cosplayu dla prowokacyjnych postaci z gier dla dorosłych; podkreślając związek serialu o tej tematyce z przedstawianiem ciał, a także fakt, że bardzo lubi gry porno. I co chyba najważniejsze, Fukuda nie ukrywa, że lubi przedstawiać Marina w seksowny sposób. Biorąc pod uwagę takie założenie i dostęp zespołu do kilku wyjątkowych artystów charakterystycznych, którzy z radością dadzą z siebie wszystko w tych sekwencjach, nie jest zaskoczeniem ani wadą, że wiele najważniejszych wydarzeń w pierwszym sezonie odpowiada ostrym cięciom Marina. Jeśli oceniamy wyłącznie wykonanie, problem dotyczy bardziej – czy to z powodu percepcji, czy względnej słabości – że inne strony Kisekoi S1 nie uderzyły z taką samą siłą.
Na początek ważne jest, aby pamiętać kontekst produkcji z pierwszego sezonu. Chociaż jest dobrze stworzony dla standardów anime telewizyjnego, nie możemy zapominać, że nastąpił po całkowitej implozji Priorytetu Wonder Egg. Chociaż ambicje Shouty Umehary jako producenta animacji napędzają niewątpliwie najbardziej prestiżowy zespół CloverWorks, czasami przesadza on z tym do tego stopnia, że staje się to również kłopotliwe. W żadnym wypadku nie jest okrutnym przywódcą, który wyzyskuje innych, ale raczej pochopnym typem, który przewodzi nawet misjom samobójczym; nie zapominaj, że osobą, którą WEP wysłało do szpitala, był on sam. Jego ówczesne podejście stopniowo ewoluowało – w sposób, który później miał wpływ na drugi sezon Kisekoi – ale przede wszystkim to mentalne i fizyczne wyczerpanie po WEP sprowadziło standardy ich kolejnego projektu z powrotem na ziemię. W pierwszym sezonie Kisekoi przyjęto niższy próg spójności i jakości grafiki postaci i, co było dość notoryczne, składał się z dwóch odcinków w pełni zleconych na zewnątrz (nr 03 dla Traumerei Animation Studio i nr 07 dla Lapin Track). To solidna produkcja, ale jednocześnie definicja powstrzymywania się. Biorąc pod uwagę ten kontekst, jest to zrozumiałe.
Kolejnym powodem, dla którego okazjonalne ujęcie Marina wyróżniało się ponad wszystko inne i powodem, dla którego wcześniej wprowadziliśmy ideę percepcji, jest fakt, że reżyser serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. Shinohara jest z natury niepozorna. Początek pierwszego sezonu wystarczył już, aby zilustrować, że nawet jeśli używa przesady, robi to w tak wyrachowany sposób, że jego fascynujące przedstawienie można uznać za oczywiste. Dzięki technice i dowcipowi wykorzystuje swoją pozycję reżysera, aby chronić widza przed ciągłym wstrząsem. Może nie jest ścisłym realistą, ale ma typ ugruntowanej wizji, który zmusza go do przedstawiania figuratywnych reflektorów w sposób, w jaki pokazałbyś prawdziwe światła. Chociaż nigdy nie odłożył na bok poczucia humoru oryginalnego dzieła, to inni reżyserzy odcinków pierwszego sezonu bardziej ostentacyjnie się na nim oparli. Zwłaszcza wtedy Shinohara z radością dążył do uzyskania poczucia przejrzystości; bycie autentycznym w przedstawianiu ludzi i tematu, pozostawiając sztuczność innym.
Jeśli chodzi o pierwszy sezon, odcinki takie jak #11 oferowały rodzaj tarć, do których Shinohara jest bardziej naturalnie niechętna; podążając za przykładem pewnego reżysera, którego później wystawiono na główną rolę w sequelu, pokazano bezczelnego Kisekoi, który był skłonny bawić się farsą postaci jako zasoby 2D, którymi można się bawić. Ale z zupełnie innego punktu widzenia prawdziwym punktem kulminacyjnym był ósmy odcinek prowadzony przez Yusuke Kawakami. Na początku długa kluczowa scena animowana przez Kerorirę ukazuje typ charyzmatycznego przedstawienia z pościeli, który w innym przypadku widujemy tylko w pikantnych scenach w sezonie 1. W miarę zagłębiania się w odcinek, przedstawienie starszej serii o magicznych dziewczynach idzie na ustępstwa na rzecz autentyczności na rzecz zasady cool. O wiele bardziej namacalne poczucie atmosfery niż to, które można spotkać w pozostałej części serialu, oscyluje między strachem a wrażliwością, gdy postać otwiera się na Gojo, a następnie równie szybko zmienia się w zabawne wizualne chwyty.
W przeciwieństwie do Shinohary niepozorność, scenorys KawakamiegoStoryboard (絵コンテ, ekonte): Schematy animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. More to typ, który z dumą zatrzymuje Cię w miejscu. Istnieje wspólne poczucie elegancji, które pozwala jej istnieć w ramach reżysera serialu, ale wykonanie jest znacznie bardziej ostentacyjne i jawne. Nie szukaj dalej niż przełom Juju w kwestii jej tożsamości i marzeń, wyrażony poprzez wyraźne nałożenie się jej odbicia i magicznego stroju dziewczyny. Cały ostatni odcinek, w którym Marina i Gojo są na plaży, to eteryczny obraz nowości; o pierwszej miłości, pierwszych wycieczkach na plażę i pierwszym razie, gdy mewa zlekceważyła cię, ponieważ pozostaje to głupie nawet przy tej nieziemskiej atmosferze, którą zapewniał Kawakami i reszta zespołu. Odcinek charakteryzuje się doskonałym kunsztem i całkowicie zapadającą w pamięć realizacją w sezonie, w którym szczyty zwykle mają jeden niepowtarzalny charakter.
Nie można zaprzeczyć, że istnieje zasadnicza różnica pomiędzy kierunkiem olśniewającej indywidualności, takiej jak Kawakami, a pewną ręką Shinohary. Reżyser serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i końcowy opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. sam nawiązał do tego, co widać w jednym z wielu wywiadów udzielonych dla filmu fabularnego Kisekoi S2 w Newtype we wrześniu 2025 r. Biorąc pod uwagę jego przemyślany, ale ostatecznie dość spokojny styl, Shinohara pokornie zaprzecza, że ma typ powagi swoich bardziej charyzmatycznych rówieśników. Choć w tej branży istnieje wzorzec, według którego magnetyzm jest powiązany z ekstrawagancją, Shinohara najwyraźniej się myli – co widać po sposobie, w jaki bardziej znane publicznie gwiazdy skandują jego imię, ilekroć pojawia się w wiadomościach, w zabawny sposób okazując uznanie dla jego rzemiosła. Może nie wyróżnia się tak samo, ale techniczna precyzja Shinohary jest bardzo doceniana przez tych, którzy z nim pracują. A gdyby znalazł się w bardziej sprzyjającym środowisku i miał na swoim koncie nieco więcej doświadczenia, mógłby z równym entuzjazmem pozyskać widzów. Jego wielkość może być trudniejsza do uchwycenia niż w przypadku bardziej jawnych gwiazdorskich reżyserów, ale jego urok nie jest mniejszy.
W ten sposób dajcie sygnał do drugiego sezonu Kisekoi, projektu, który pozwolił Shinoharze wykorzystać cały swój potencjał.
Jeśli byliście zaskoczeni sposobem, w jaki ta kontynuacja poprawia się w zasadzie w każdym pojedynczym obszarze, mieliście właściwe nastawienie. Pomijając rzadką wymianę personelu, która wypadnie na lepsze, bardziej naturalnym rezultatem w przypadku sequeli będzie rozpoczęcie lekkiej tendencji spadkowej. W grę wchodzi utrzymanie pierwotnego poziomu lub nawet niewielka poprawa, ale wszystko, co daje więcej nadziei, flirtuje ze złudzeniami. Krótko mówiąc, początkowe projekty często są synonimem najsilniejszej inwestycji i silniejszych zespołów; w końcu najtrudniej jest zapewnić długoterminowe zaangażowanie wykwalifikowanego personelu, a sequele z natury mają albo już zapewnioną bazę fanów, albo pewność, że serial nie będzie hitem. To nie tak, że nie ma przykładów drugich sezonów, które byłyby silniejsze i bardziej fascynujące, ale z pewnością nie można brać za pewnik dużych ulepszeń w dziale produkcji.
Co więc pozwoliło Kisekoiowi dokonać tak wyraźnego skoku? Wspomnieliśmy już o kilku przyczynach, które weszły w grę. Warto pamiętać, że to dopiero czwarta próba reżyserii Shinohary w serialu i że pierwsze dwa przypadki to Czarny Lis (w którym w pewnym sensie zastąpił zapracowanego Kazuya Nomura) oraz zapadająca się skorupa A3, którą podzielił się z innym wschodzącym reżyserem, Masato Nakazono. Kisekoi ma wrażenie, że jest to jego pierwsza próba poprowadzenia poważnego projektu, więc znaczna poprawa do czasu kontynuacji jest rozsądna. Zwłaszcza, że w porównaniu z kryzysem po WEP, projekt ten pojawił się w czasie, gdy linia produkcyjna Umehary i niektóre części CloverWorks… kwitną tak bardzo, jak to możliwe, jednocześnie będąc, powiedzmy, wyraźnie zbyt zajętym. Nie idealne, ale wyraźnie lepsze środowisko dla dojrzalszego reżysera serialu. Dyrektor serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i końcowy opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach zależy od przypadku.
Przeskok od razu do pierwszego odcinka sezonu 2, czyli Kisekoi nr 13 zgodnie z oficjalną numeracją, pokazuje te istotne ulepszenia we wszystkich obszarach. Shinohara nigdy nie porzucił swoich tendencji, jednak jak wyjaśnił we wspomnianym wywiadzie dla Newtype, zależało mu na poszerzeniu zakresu ekspresji. Jego zdaniem sporadyczne zdrady obiektywnej rzeczywistości czynią rzeczy ciekawszymi zarówno dla widzów, jak i twórców. Uzbrojony w ten nowy sposób myślenia – i współpracę z pewnym kluczowym członkiem zespołu zajmującego się sezonem 2 – wyruszył do tworzenia scenorysuStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. More i skieruj to ponowne wprowadzenie do serialu.
Jeśli zamierzasz ocenić Shinoharę, znakomita scena na końcu odcinka może być najlepszym przykładem tego, do czego tym razem jest zdolny. Otoczony przez ekstrawertyków na imprezie Halloween, w którą został wciągnięty, Gojo jest zmuszony stawić czoła swojej niepewności; czy naprawdę do nich należy i czy faktycznie należy gdziekolwiek, gdzie jego zainteresowania nie są zgodne z normami płci? Te obawy wyrażane są w precyzyjnie zaplanowanym tekście, gdy zagłębiamy się w jego psychikę, ukazując jego zwykłą doskonałość techniczną, ale także chęć zwiększenia abstrakcji. Shinohara udaje się sprostać temu nowemu wyzwaniu, jakim jest przywołanie czegoś większego niż materialna rzeczywistość sceny, a jednocześnie nadal w zabawny sposób bawi się w granicach jej scenerii. Przecież cała ta scena trwa kilka minut, a w tle słychać ulubiony przez wszystkich śpiew Nowej (raczej Haruhily). I tak, po przejściu od lęków Gojo do przyjemnego poczucia akceptacji, kulminacyjny moment piosenki pozwala jej natychmiast przejść do przezabawnie nietrafionego, publicznego pytania o to, czy obaj główni bohaterowie się spotykają. Niech cię błogosławi Nowa i błogosławi cię Shinohara.
80 fragmentów sceny karaoke, w tym praktycznie każde pojawienie się Nowej, zostało narysowanych przez Hirohiko Sukegawę. To nie przypadek: jak najczęściej namawiał swoją ulubioną postać, rozszerzając swoje obowiązki nawet poza sam serial. Zespół pozwolił mu narysować całe mnóstwo dodatkowe ilustracje, które będą towarzyszyć coverom piosenek rockowych Nowej (dlaczego ma taki świetny gust?) przez cały sezon 2. do tego stopnia, że oryginalny autor skupił się na swoich bardzo skupionych wysiłkach. I tak, gdy sezon dobiegał końca, narysowała Nową w trybie oshikatsu… nad prawdziwym animatorem Sukegawą, który, jak można się było spodziewać, stracił na tym punkcie rozum. Poza tym, skoro mówimy o powyższym klipie, sposób, w jaki wymienione są nazwiska i wiek, z pewnością przypomina kultową scenę FLCL. Podejrzewam, że ten szczegół wymyślił pewien asystent reżysera serialu.
Tak jak zakończenie odcinka jest doskonałe, tak i początek. Konstrukcja ta jest przede wszystkim świetnym posunięciem adaptacyjnym. Duża część wczesnych etapów drugiego sezonu opiera się na niewielkich zmianach w przepływie materiału źródłowego i uważam, że twórcy osiągnęli swoje cele; w przypadku pierwszego odcinka, aby powitać nas z powrotem czymś, co oddaje cały urok Kisekoi, zamiast postępować tak, jakby nie było żadnej przerwy. I tak, jak czasami robił to jego poprzednik, sezon 2 rozpoczyna się niedorzecznie zabawną parodią gatunkową prowadzoną przez Kai Ikarashi – która służy także pożegnaniu zmarłego dyrektora artystycznego (美術監督, bijutsu kantoku): Osoba odpowiedzialna za grafikę tła serii. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. Ryo Konno.
Wraz z poszerzaniem się zakresu serialu, poszerzają się także te zabawne spojrzenia na fragmenty fikcji z wszechświata. Obejmują więcej zakątków mapy otaku i stają się bardziej dopracowane, szczególnie w adaptacji, która wyobraża je znacznie dalej niż przebłyski w mandze. Podążając za piórem Ikarashiego, ten staje się czymś więcej… wszystkim. Więcej. W zasadzie tak Shinohara mówi o swoim kumplu Ikarashim: kimś, komu możesz zaufać nie tylko w kwestii tego, o czym nawiązują twoje scenorysy, ale kto cię prześcignie, rozszerzając go znacznie dalej. TsuCom to surowy, ale głupkowaty serial, który ma cię wzruszyć Cholera, było fajnie i dokładnie to odzwierciedla praca Ikarashiego.
Chociaż Shinohara wpadł na ogólny pomysł na tę scenę, to ktoś inny sprzątał ułóż to w odpowiedni scenorysStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. Więcej. Ta sama osoba podsuwała mu pomysły przez cały sezon, stając się prawdopodobnie głównym winowajcą zmiany tonu Kisekoi. W końcu nadszedł czas, aby porozmawiać o ulubieńcu fanów Yuusuke „Nara” Yamamoto, który przyjął aktywną postawę, obejmując nowo nabytą rolę asystenta reżysera serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach zależy od przypadku. Jak zauważa w wywiadzie dla Newtype, którym dzieli się ze swoim dobrym przyjacielem i głównym animatorem Naoyą Takahashi, zakres i specyfika tej roli znacznie się różni w zależności od środowiska i danego projektu. W tym przypadku zasięg Nary był tak wszechogarniający, jak zwykle ma to miejsce tylko dla lidera projektu; zawsze obecny już na spotkaniach dotyczących scenariusza i zaangażowany w wybory odcinków, w których również nie został wyraźnie przypisany. Zapewnienie każdemu tak dużego zaangażowania powinno przynieść skutek, nie mówiąc już o twórcy o tak odważnej osobowości jak Nara.
W tym wywiadzie Takahashi podkreśla cechy Nary jako reżysera jako coś wyjątkowego w kontekście jego pochodzenia. W dużej mierze zgodziłbym się z jego poglądem, że ilekroć wybitni animatorzy postaci przechodzą do ról reżyserskich, zwykle kładą duży nacisk na piękno i techniczną solidność ujęć, autentyczność gry aktorskiej i mechaniczny przepływ scenorysów. Są to oczywiście pozytywne cechy – a także strona, której Nara tak naprawdę nie straciła. Jednak w procesie zmiany ról stał się artystą znacznie bardziej skupionym na prostej idei zabawiania publiczności i zaskakiwania jej. To coś, co naprawdę docenili fani Bocchi the Rock, ponieważ jego odcinki w pierwszym sezonie należały do najmniej ortodoksyjnych jak na i tak już ekscentryczną komedię. Warto jednak zauważyć, że chęć zaskoczenia widzów różnorodnością materiałów Nara pokazała już wcześniej (nawet w innym programie Bocchi!).
W ciągu jednego odcinka opisano raczej powody, które pozwoliły Kisekoi osiągnąć tak wysoki poziom. wyraźnie. Oczywiście nie jest to jedna pojedyncza przyczyna. Rozmawialiśmy o rozwoju Shinohary, zmianie w jego podejściu i tym, jak pojawienie się Nary dodatkowo napędzało jedno i drugie. Jeśli cofniemy się o krok, nie da się oddzielić tego ostatniego punktu od obecnego stanu Skały Bocchi; nieplanowana otchłań, która spowodowała, że nie tylko pracownicy, ale także energia, którą nieśli, przelała się na Kisekoi.
Chociaż te dwa projekty zawsze się pokrywały, ponieważ dwa seriale prowadzone były przez gang Umehary, sposób, w jaki jego personel i komediowy charakter przejęły Kisekoi S2, mówi sam za siebie… podobnie jak fakt, że projektantka Bocchiego, Kerorira, przeszła drogę od okazjonalnego animatora do zdobycia stanowiska wsparcia zespołu. Według Umehary zasługa ta ma odzwierciedlać jego obecną pozycję jako kogoś, kto wykracza poza projekty w studiu. Krótko mówiąc, jest to postać niezawodna, posiadająca zdolności podejmowania decyzji i komunikacji, które mogą pomóc w każdej chwili, a ponadto potrafi dużo rysować.
Jeśli chodzi o Kisekoi S2, bardziej namacalny nakład pracy sprowadzał się do animowanego otwarcia w trybie solo, pomocy przy efektach w grach we wszechświecie, sprzątania w najcięższych odcinkach i dużych fragmentów kluczowych animacjiKluczowa animacja (原画, genga): Ci artyści rysują kluczowe momenty w animacja, zasadniczo definiująca ruch bez faktycznego kończenia cięcia. Branża anime znana jest z tego, że daje tym indywidualnym artystom dużo miejsca na wyrażanie własnego stylu. zarezerwować sezon. W pierwszym odcinku najbardziej wyróżnia się sekwencja, w której dość niechlujna Marin przeżywa emocjonalną kolejkę górską, puszczając zbyt wiele wyobraźni; prawie tak, jakby Kerorira bez końca animowała różowe stworzenie, które regularnie tego doświadcza. Pochwalcie się także do ostatniego fragmentu, a wszyscy inni wychwytują ekscentryczne zachowanie Marina, gdy fala organicznej animacji tła uderza w okna. Precyzja Shinohary w zdolnych rękach animatorów!
Mimo że artyści tacy jak on wyróżniają się, ważne jest, aby ustalić, że ogromny wzrost wartości produkcji obejmuje wszystko i wykracza poza każdą osobę. Ponownie jest to coś ściśle powiązanego z kontekstem produkcji sezonu 2 w porównaniu z jego poprzednikiem. Chociaż nie możemy bagatelizować faktu, że CloverWorks znajduje się w stanie nadprodukcji, zwłaszcza że studio stara się postrzegać to jako coś pozytywnego, biorąc pod uwagę uzyskiwane wyniki, nie można zaprzeczyć, że nastąpiła wymierna poprawa infrastruktury. Szkolenie personelu (a czasami agresywne kłusownictwo) pomogło zbudować bardziej uczony i lepiej przygotowany zespół. Opierając się na tym solidnym podłożu, a nie na kraterze pozostawionym przez WEP, wsparcie było po prostu o wiele silniejsze.
Mimo że animacją solowego filmu była Kerorira, otwarcie wyreżyserowało i stworzyło scenorysy Yuki Yonemori. Urocze połączenie napisów produkcyjnych przyciąga wzrok, choć według mnie sercem tej sekwencji jest nacisk, jaki położył na materiały fizyczne – coś niezwykle ważnego w serialu o cosplayu. Warto zauważyć, że sekwencja zapożycza wiele kompozycji z NO LULLABY, teledysku, który z pewnością ktoś tak samo wykorzystał w światowej animacji, jak Yonemori widział wiele razy. Wierzę, że sposób, w jaki są przetwarzane, ma charakter transformacyjny i odbierany jest jako ukłon w stronę szacunku, chociaż ludzie lepiej by to zrobili, gdyby wykrzyczeli oryginalny zespół. Biorąc pod uwagę niepisane zasady dotyczące wyraźnych wzmianek o innych dziełach, pomysł mógł zostać niestety odrzucony.
Nie zrozumcie mnie źle: Kisekoi S2 odniósł wyjątkowy sukces. Chociaż uważam, że zabawna kreatywność Bocchiego wynosi go na sam szczyt dzieł Umehary, należy wysunąć argument dotyczący starannej precyzji – nie sprzecznej z równie żywym wykonaniem – w większości Kisekoi S2, co czyni go największą produkcją tego zespołu. Sam Shinohara uważa, że standardy odcinków takich jak premiera drugiego sezonu są wygórowane dla telewizji. Nie miał na myśli tylko najbardziej widocznych aspektów, takich jak szczegółowość i dopracowanie grafiki postaci, czy nawet stopień artykulacji animacji, ale także bogactwo pośredników i malowanie. Długi czas spędzony nad wcześniejszymi odcinkami z pewnością pomaga, chociaż reżyser zwraca również uwagę, że wysoki poziom umiejętności technicznych znacznie ograniczył potrzebę powtórek, dzięki czemu taki poziom ambicji stał się wykonalny. Być może najlepszym sposobem na opisanie ich sukcesu jest stwierdzenie, że jest to bardzo dobrze dostrojony sezon; częścią tej sekretnej istoty, jak ujawnił, zespołu tak dobrego, że udało mu się wiele rzeczy za pierwszym razem.
Ta finezja przenosi się na drugi odcinek sezonu, który poza tym powoduje zauważalną zmianę tonalną. Jedną z głównych kwestii, które należy zrozumieć, aby docenić zauważalną zmianę smaku pomiędzy sezonami Kisekoi, jest to, że Nara naprawdę była wszędzie, dołączając do reżysera serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i końcowy opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. który chętnie wchłaniał jego pomysły. A jednak, podobnie jak stężenie tlenu w atmosferze może się zmieniać, tak samo może zmieniać się gęstość skandalicznych cząstek reżyserskich (prawdziwa koncepcja naukowa). Zwykle są one najwyższe w odcinkach, które Nara osobiście wyreżyserowała i stworzyła za pomocą scenorysów – czyli #14, #19 i #23.
Po decyzji premiery o zmianie układu wydarzeń w taki sposób, aby widzowie zostali powitani z pełniejszą dawką Kisekoiness, ta kontynuacja przywraca nas do przygody, którą pominęliśmy. Dostosowania wymagają połączenia dwóch odrębnych historii, ale narracja Nary jest tak pewna, że nie pozostawiasz wrażenia, że nie kryje się za tym jasna wizja. Jasne, przechodzimy od kontynuacji romcomowego rytmu na temat tego, czy randkują, na cosplay i wątki skupiające się na płci, ale oba są dostarczane w podobnie eklektycznej mieszance stylów.
Nara zawsze jest skłonny przejść od ugruntowanej normalności Kisekoi do swoich przypomnień, że animacja składa się z zasobów, które on można się bawić. to znajome poczucie komedii zbudowane na szybkich zmianach stylistycznych, ilekroć uda mu się znaleźć sposób na przemycenie go; zmiana poziomu stylizacji i płynności animacji, a następnie wywrócenie oczekiwań z zupełnie nowego wektora, gdy uznasz, że udało Ci się złamać schemat. Podobnie jak anime Bocchi, które tak bardzo przypomina takie odcinki, to ciągłe poczucie zaskoczenia staje się spoiwem pomiędzy heterogenicznymi częściami.
Skoro rozmawialiśmy o sekwencji otwierającej, powinniśmy przedstawić także zakończenie. Końcowa sekwencja VIVINOS bardzo przypomina seria Pink Bitch Club, w której zauroczenie Marin i jej zainteresowanie modą traktują jako pretekst do przekształcenia jej w małą menherę.
Jeśli zatrzymamy się i docenimy po raz kolejny doskonałą animację, znajdziemy mnóstwo przykładów pozornie niesamowitych kombinacji pomysłów prowadzących do bogatszego rezultatu. Ponieważ reżyser tak szybko przyjmuje kreskówkową estetykę, można założyć, że będzie to droga, którą będzie podążał, ilekroć zajdzie potrzeba komediowa, ale Nara z powodzeniem prowadzi zespół, aby wyciągnął korzyści z mniej powszechnych podejść. Na przykład niewielkie zwiększenie realizmu, aby sekwencja była bardziej zabawna. Gdy zawstydzony Marin ucieka od Gojo, poziom realistycznych szczegółów, z jakimi przedstawione są fałdy jego przebrania – nieco przesadzony, ale nie na tyle, by stały się karykaturą – sprawia, że w tym kontekście wygląda znacznie bardziej przerażająco, a tym samym zabawniej. Nawet jeśli zastosowanie stylu jest bardziej ortodoksyjne, możliwość przełączania się między nimi sprawi, że będziesz stale zaangażowany. Przecież ta sama wizyta u chorego Marina może nieść ze sobą wybitne przykłady precyzji animacji i z natury zabawnych zdrad przestrzeni. W sezonie pełnym wielu skandalicznych sztuczek wizualnych nawet pozornie bardziej standardowe sekwencje mogą być z natury zabawne.
Jeden szczegół, o którym zapomnieliśmy, to fakt, że wszystkie te sceny powstały za sprawą wspomnianego głównego animatora, Naoyi Takahashiego. W rozmowie z Newtype uprościł ewolucję swojej roli: od taktycznie rozmieszczonej broni w ważnych momentach pierwszego sezonu do zajmowania się dużymi kawałkami broni jednocześnie w sequelu. Nie oznacza to, że nie radził sobie już z kulminacyjnymi momentami, skoro mówimy o animatorze z ręką w ostatniej scenie sezonu. Prawdą jest jednak, że ograniczył swoje występy o połowę, więc mógł przejąć wiele cięć, ilekroć pojawił się jako główny animator lub kierownik.
W odniesieniu do odcinka nr 14, co oznaczało narysowanie kluczowej animacji. Kluczowa animacja (原画, genga): Ci artyści rysują kluczowe momenty animacji, w zasadzie definiując ruch bez faktycznego kończenia cięcia. Branża anime znana jest z tego, że daje tym indywidualnym artystom dużo miejsca na wyrażanie własnego stylu. za praktycznie każdy strzał w pierwszej połowie; jedynymi małymi wyjątkami są Odashi i zwykły Yohei Yaegashi występujący uroczo gościnnie, w dość odmienny sposób. Nara szczególnie wylewnie wypowiada się na temat sposobu myślenia Takahashiego, jako animatora, którego zainteresowania łaskoczą pozornie kłopotliwe cięcia, które jeszcze bardziej skomplikuje, ale warto zauważyć, że całą drugą połowę potraktowała Maring Song w taki sam holistyczny sposób. Biorąc pod uwagę, że wymagania dotyczące animacji są tak samo różnorodne, wyzwanie nie mogło być łatwiejsze.
Nawet z tymi asystentami i pomocą solidnego składu drugich kluczowych animatorów, posiadanie dwóch reżyserów animacji odcinka w ogóle jest nie lada wyzwaniem. I pamiętajcie o tym: to było pytanie, a nie pod wpływem chwili, ale podstawowy pomysł w planowaniu Kisekoi S2. Te funkcje Newtype potwierdzają to, mówiąc, że był to odcinek pomyślany jako animowany przez mały zespół. Chociaż ten projekt jest godny uwagi ze względu na to, jak daleko zaszedł, chęć utrzymania małych zespołów animatorów jest w ostatnim czasie charakterystyczną cechą linii produkcyjnej Umehary. Z kreatywnego punktu widzenia istnieje oczywisty powód, aby dążyć do tego celu: naturalne poczucie spójności i pełna realizacja lepiej zdefiniowanej wizji, którą można uzyskać z małych zespołów. Z poziomu kierownictwa pomysł, że tak duże zadanie można przenieść na kilka osób – przynajmniej w przypadku niektórych zadań – jest spełnieniem marzeń.
Chociaż pozytywne jest to, że widzowie zaczęli zwracać uwagę na skład zespołów (kto jest ich częścią, ich wielkość, role itp.), wielu z nich nieco zbyt szybko zakłada, że mniejsza liczba animatorów jest natychmiast oznaką zdrowszej, po prostu lepszej produkcji. Zamiast tego powinni zadać sobie pytanie, czy taki zespół w naturalny sposób pasował do warunków produkcji i czy poziom ambicji i standardów jakości odpowiada ich możliwościom.
Wracając do Kisekoi S2, możemy powiedzieć, że w takich odcinkach udaje się utrzymać – a czasami nawet podnieść – i tak już imponujący poziom techniczny projektu pomimo małego zespołu. A co z szerszym obrazem? Czy takie podejście ostatecznie spowodowało, że produkcja wypadł z torów? Chociaż pod koniec sytuacja się zaostrzyła, możemy teraz powiedzieć, że przetrwał burzę, nie wymagając przy tym poziomu nie do pomyślenia, indywidualnych wyczynów, które chroniły takich zawodników jak Bocchi. W tym względzie warto zauważyć, że Kisekoi S2 wykazał się interesującym poziomem powściągliwości. Małe zespoły animatorów, ale nigdy tak daleko, jak w tym jednym odcinku. Zaledwie dwa odcinki z jednym reżyserem animacji, zamiast tego domyślnie wybrano duety. Częściowo sprowadza się to do ulepszenia infrastruktury CloverWorks (nie mylić z planowaniem), o którym mówiliśmy wcześniej, ale chodzi także o ewolucję sposobu myślenia Umehary; z dala od swoich najbardziej agresywnych tendencji, mniej uczulony na koncepcję kompromisu, a zamiast tego zainteresowany szukaniem sposobów na zminimalizowanie negatywnych skutków tego.
To kolejna z ulubionych broni Umehary, która przejmuje kontrolę nad serialem w następnym odcinku: as animacji postaci Tomoki Yoshikawa, który debiutuje jako scenarzysta i reżyser odcinka. Jeśli jego rówieśnicy postrzegali Narę jako bardzo zabawną aberrację, Yoshikawa uosabia prostą doskonałość w swojej rasie. Jako animator, prace Yoshikawy sprawiają wrażenie wykonanych w sposób, w jaki robi to niewielu artystów; tak charakterystyczny w swojej postawie i postawie, że masz wrażenie, jakby bohaterami byli aktorzy, których właśnie poinformował reżyser. A teraz, gdy rzeczywiście zajmuje to stanowisko, można zastosować tę filozofię do całego odcinka – często poprzez jego własne przerysowania. Sposób, w jaki ludzie wchodzą w interakcję z przedmiotami i gesty, zawsze wyróżnia się jako zamierzony. Sposób, w jaki tego dokonuje, sprawia, że jego ostentacyjny rodzaj realizmu nie jest szczególnie naturalistyczny, ale jego wielkość techniczna i wystarczający charakter uzasadniają jego przechwałkę. Być może to właśnie ta podkowa łączy go z Narą: jeden to reżyser tak pełen wyobraźni, że udaje mu się sprawić, że sztuczka będzie boleśnie oczywista, a drugi to animator tak dobry w artykulacji postaci, że z radością pokazuje ci sznurki, którymi je lalkuje.
Mimo że kolejny charyzmatyczny główny artysta wywiera widoczny wpływ, nadrzędna tożsamość Kisekoi S2 jest zbyt silna, aby kiedykolwiek zniknąć. Zamiast tego dzieje się tak, że te dwie tendencje mają tendencję do mieszania się ze sobą. Celowa gra Yoshikawy nie sprawia wrażenia zbyt klinicznej i poważnej, ponieważ jego precyzyjne pozowanie czasami staje się również źródłem humoru; oczywistym przykładem jest po ujęciu przypominającym lornetkę następuje rodzaj głupiej pozy, którą Marin najprawdopodobniej przyjmie, gdy jej kujonowa strona przejmie kontrolę. Przejście do rażąco kreskówkowej animacji może nastąpić bez porzucania wyliczonej inscenizacji i jeśli o to chodzi, bez porzucania Pióro Yoshikawy też osobiście animował niektóre z nich.
Jednak prawdziwym punktem kulminacyjnym odcinka jest historia Amane. W tym momencie powinno być oczywiste, że Yoshikawa to coś więcej niż zimna, sprawna technicznie maszyna do animacji. Po raz kolejny pokazuje to oszałamiającą retrospekcję skupiającą się na nowym przyjacielu głównego duetu i jego spotkaniu z rozgrywką krzyżową, co pomogło mu ukształtować tożsamość, z którą w końcu czuje się komfortowo. Poprzez niektóre z najbardziej eterycznych rysunków w całym pokazie (wiele z nich autorstwa samego Yoshikawy) jesteśmy świadkami jego pierwszych doświadczeń z makijażem, perukami i sukienkami. Nie widzimy ani jego twarzy, ani odbicia, ale szybko staje się oczywiste, że dzieje się tak dlatego, że jego przeszłe, normalne ja było takie, z którym nigdy nie czuł się komfortowo. Nie sposób nie wyczuć kontrastu z jego obecną osobowością, podkreśloną wszystkimi cięciami do teraźniejszości, wyraźnie ukazującymi szczęśliwą twarz po tak dużym zaciemnieniu jego wyrazu. Obecny Amane, osoba przebierająca się za kobiecą postać podczas spędzania czasu z Marinem i Gojo, to ja, które kocha i z dumą eksponuje na zewnątrz.
Ten rodzaj konfliktu nie jest bynajmniej nowy dla Kisekoi. W końcu niepewność Gojo ma również swoje korzenie w traumatycznym odrzuceniu jego zainteresowań związanych z płcią; i oczywiście fakt, że Marin jest powszechnie kochaną, popularną dziewczyną z pewnymi bardzo męskimi hobby, jest drugą stroną jego sytuacji. Dotychczas jednak żadna z tych sytuacji nie została przedstawiona w tak uderzający sposób. Jeśli dodamy do tego sposób, w jaki poszerza się eksploracja przestrzeni otaku przez Kisekoi – a to dopiero początek – przesłanie akceptacji, które zawsze było dołączone do serialu, zacznie nabierać większego znaczenia.
Następny odcinek idzie dalej w tym względzie. Chociaż jest to pierwsza szansa dla produkcji, aby trochę odetchnąć, jeden aspekt wymagał dużo pracy i bardzo dobrze to widać: przedstawienie PrezHost. Jak zwykle w tym sezonie, dzieło ze wszechświata krótko przedstawione w mandze staje się pełnoprawnym dziełem produkcyjnym w ramach adaptacji anime. Piękne projekty autorstwa Saki Takahashi z WEP i sugestywne kompozycje, które pojawiają się w razie potrzeby, zwiększają atrakcyjność serii, choć sama koncepcja wydaje się najważniejsza.
Mimo że Kisekoi odrzuca dostosowanie się do zasad uprzedzenia na temat tego, czym jednostki powinny się cieszyć w zależności od wieku lub płci, ciągłe robienie tego, a jedynie przedstawianie fikcji danseimuke (lub rodzajów pracy w dużej mierze tolerowanych przez mężczyzn) sprawiłoby, że jej prośba o akceptację brzmiałaby raczej pusto. To sprawia, że ich fantazyjne przedstawienie mangi shoujo, która stała się popularnym dramatem aktorskim, jest tak doskonałym wyborem, ponieważ wydaje się, że rozumie, w co tak naprawdę wpakowałyby się nastoletnie dziewczęta i rodziny – w tym niektórzy chłopcy, którzy są z tego powodu niezręczni. Muszę przyznać, że biorąc pod uwagę niezwykle oczywisty klimat Uran w tej fałszywej serii, bardzo chciałbym zobaczyć znacznie bardziej jawną mimikę reżyserii Takuyi Igarashiego; w najlepszym razie scenorys Mamoru KurosawyStoryboard (絵コンテ, ekonte): Schematy animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. More i jego smak SHAFT jedynie przywołują atmosferę, która przypomina dalekiego kuzyna stylistycznego. To powiedziawszy, piękna animacja poświęcona czemuś, co wzmacnia przesłanie całej serii, nie jest powodem do narzekań.
Pomiędzy wczesnymi chwilami doskonałości WEP a pracą nad filmami krótkometrażowymi 22/7 Wakabayashi zyskał reputację zapierającego dech w piersiach reżysera, który zaprasza Cię do eterycznych przestrzeni, w których prozaika wydaje się boska. Pamiętaj, że w jego deskach wciąż jest dużo miejsca na delikatność i elegancję. W ramach cyklu, który mocno kładzie nacisk na pracę zbiorową i poleganie na konkretnych umiejętnościach każdej osoby, odcinek #17 pozwala przemówić zasadniczo stonowanej animacji; Eksperckie ruchy Gojo kontrastują z pełnymi dobrej woli bełkotami Marina, a mimo to to ona napromieniowuje pewność ruchu ciała, gdy jest w swoim polu. Zawiłości pozornie przyziemnej animacji wiele nam mówią już samo przejście od jednego z bestialskich lunchów Marina do delikatnego jedzenia Gojo zgodnie z rysunkiem Shinnosuke Ota. Nawet nieziemski klimat reżyserii Wakabayashiego jest oddany poprzez przedstawienie światła, farbowanie profili głównych bohaterów, gdy są najfajniejsi i najbardziej odblaskowi.
Jednak to tylko prezenty, które znajdziesz w książce krzakach – a raczej w bardzo bujnej, kolorowej dżungli. Wakabayashi i reżyser odcinka Yuichiro Komuro, znajomy z WEP, który wykonał już solidną pracę przy Kisekoi S1, spotykają się z tą kontynuacją na własnych warunkach. Silniejszy akcent komediowy, ale także włączenie różnych gatunków, których wcześniej nie badaliśmy? Zabawny nacisk na farsę elementów animacji, a także znacznie większą różnorodność materiałów? Jeśli to jest gra, w którą teraz gramy, Wakabayashi z radością dołączy do wszystkich innych. Mówiąc „dołącz”, mam na myśli być może najlepsze z nich wszystkich, z jedną sceną, w której Marin krzyczy, że jej zauroczenie jest gęstsze niż całe odcinki; kompilacja horroru, pomysłowy telewizor, eleganckie panele, które całkowicie łamią wymiary i media, a oto urocza zmiana w stylu rysowania jako ostateczna nagroda. Wakabayashi może grać według cudzych zasad, ale przy tym nie jest potulny. Odcinek #17 jest już dostępny i dumny z tego, że został wyreżyserowany, z bardziej proaktywną pracą kamery niż w niektórych gorączkowych anime akcji i zauważalnymi przejściami z namacalnym powiązaniem z narracją.
Chociaż takie odcinki opierają się na błyskotliwości specjalnego reżysera, taki poziom sukcesu jest tylko możliwy we właściwym środowisku. Wyjaśnia to jedna z najbardziej dziwacznych sekwencji: przedstawienie kukiełkowe wykorzystane w kąciku edukacyjnym o lalkach Hina. Geneza tkwi w scenorysach Wakabayashiego, ale rozwój tak radosnego, zaangażowanego procesu opierał się na równie proaktywnej postawie niezliczonych innych osób. Na początek producent animacji, który zapytał, czy ta sekwencja zostanie narysowana lub wykonana w prawdziwym życiu, natychmiast rozważył możliwość zastosowania tego drugiego, gdy Wakabayashi stwierdził, że może to być fajne. Jest tam sam Umehara, który oglądał film dokumentalny o lalkarce Haruka Yamada i podał jej imię. W proces, który się przerodził, zaangażowani byli różni specjaliści z tej dziedziny, a także kilka znanych postaci z anime; nikt lepiej niż reżyser Bocchiego Keiichiro Saito nie potrafi przybić projekty, ponieważ jego pasją są lalki i ma duże doświadczenie w przekształcaniu postaci z anime w zabawne, prawdziwe rekwizyty. Nawet jeśli zdobędziesz tak wyjątkowy talent, jak Wakabayashi, nie możesz brać za pewnik chęci zajścia tak daleko, wiedzy z różnych dziedzin oraz oczywiście czasu i zasobów wymaganych do wykonania tych pobocznych zadań.
A jednak to właśnie ten nacisk na kliniczne formy animacji sprawia, że wydaje się to nieco beznamiętne – zwłaszcza po zabawnym odcinku Wakabayashiego. Wydanie jest tak fantazyjne, że z łatwością przechodzi każdy test chłodności i z pewnością ma też bryłki postaci; obserwowanie zmiany w zachowaniu Marina podczas jej występu stanowi bardzo dosłowny, świetny przykład postaci odgrywanej w animacji. Zamiast jednak opierać się na zabawnym duchu szkolnego festiwalu, kierunek wydaje się bardzo spokojny i podporządkowany artyście, który może skłaniać się ku mechanice. Warto zauważyć, że najbardziej sugestywne ujęcia w całym odcinku, które wyrywają się z zimnej powściągliwości, zostały wykonane ręką Yusuke Kawakami. Te bluesy przypominają, jak już raz skradł show tym wspaniałym ósmym odcinkiem pierwszego sezonu.
Kisekoi S2 z pewnością nie jest typem programu, w którym można zbyt długo rozwodzić się nad namiętnymi szczegółami technicznymi, więc natychmiast nabiera tempa wraz z kolejnym zabawnym odcinkiem, którego kapitanem jest Nara. Przywództwo, które tym razem nie będzie polegało jedynie na tworzeniu scenorysów i reżyserii, ale także na pisaniu scenariusza. Biorąc pod uwagę, że reżyserem animacji jest Keito Oda, staje się to zapowiedzią drugiego sezonu Bocchi, który mają wspólnie poprowadzić. Jego dotyk można wyczuć w przestronnych układach. Układy (レイアウト): rysunki, na których właściwie rodzi się animacja; rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne ze scenorysu do rzeczywistego szkieletu animacji, szczegółowo opisując zarówno pracę głównego animatora, jak i artystów drugoplanowych. oraz sama grafika postaci, w której sceny takie jak ta z karaoke wydają się szczególnie znajome. Zauważalnie łagodniejszy charakter w serii, w której projekty zwykle pochylają się w ostrzejsze strony.
Mimo że w tym odcinku Nara bawi się głównie zwykłymi narzędziami, ten sam eklektyzm, który do tej pory chwaliliśmy, jest wszędzie odcinek. W żadnym momencie nie można być pewnym, jaką technikę, paletę i rodzaj stylizacji zastosuje, przedstawiając zmagania Marina. Pomaga to urozmaicić odcinek, który w przeciwnym razie byłby prostym wytchnieniem. Scenariusze przyrostu masy ciała w anime rzadko prowadzą do dobrej zabawy; nie musisz zaczynać zastanawiać się, czy są problematyczne, czy nie, aby zdać sobie sprawę, że są szablonowe i powtarzalne. Jednak w ramach serialu, w którym w znaczący sposób eksploruje się ciała, dzięki zabawnej zaradności Nary, staje się to kolejnym zabawnym odcinkiem.
Poza tym nie bez powodu powiedzieliśmy, że w odcinku 19 reżyser używa głównie zwykłych narzędzi. Najważniejszym wydarzeniem jest sekwencja zbudowana na podstawie skanu 3D prawdziwego parku w procesie, którego ukończenie zajęło 9 miesięcy. Chociaż istnieją techniczne punkty tarcia, takie jak brak rzucanego cienia u Marina, włożono w to ogromny wysiłek, aby zasadniczo przekonujący pomysł. W zwykłych komiksach nagłe przejście na serię identycznych kształtów paneli wydaje się nienaturalne. W kontekście serii o cosplayu wystarczy powiedzieć, że ktoś robi zdjęcia. Ale co z anime (i szerzej filmem), w którym proporcje są spójne? Rozwiązaniem może być ponowne wyobrażenie sobie całej sekwencji jako połączenia POV zza kamery i migawek, które nie odrzucają ciągłości.
Chociaż na pierwszy rzut oka może się to wydawać skromniejsze, odcinek nr 20 jest – w połączeniu z następnym – decydującym momentem dla Kisekoi S2. Reżyser i scenarzysta Yuuki Gotoujest wciąż trochę nowicjuszem w tej dziedzinie, ale może okazać się jednym z najlepszych posunięć harcerskich dla zespołu. Oprócz drobnych zmian w scenariuszu, reżyser bawi się tematami serialu w sposób, który swobodnie umacnia całą obsadę. Gojo i Marin biorą udział w imprezie związanej z cosplayem i spotykają znajomych, w tym wiele scenariuszy przyjaźni. Dotyczy to osoby, o której w mandze wspomina się jedynie jako zbyt zajętą, aby w niej uczestniczyć. W końcu niewiele o niej wiemy, a ona nawet nie rejestruje się jako osoba. Ale co robi odcinek Gotou? Przekształca zwykłe informacje w mandze na temat kultury cosplayu w fałszywy program, w którym występuje ona w roli gospodarza, co sprawia, że ostateczne ujawnienie, że nie mogła pojawić się bardziej zabawne i znaczące; teraz jest rzeczywiście osobą, choć żałosną. Prezentację odcinka usprawniają podobne drobne wybory, które najlepiej docenisz, jeśli obejrzysz odcinek obok materiału źródłowego.
Bezpośrednia ciągłość wydarzeń łączy ten odcinek z numerem 21, co również podkreśla istotę sukcesu sezonu 2. Jestem pewien, że wszyscy byliśmy w pewnym momencie świadkami dyskusji na temat pobłażliwego skupienia się anime na kulturze otaku. Sam pomysł uznawania własnych dziwactw i zwyczajów jest przedstawiany jako zło ontologiczne, chociaż w rzeczywistości te skargi to niewiele więcej niż tanie strzały do łatwych celów, które ludzie mogą określić jako postępowe, wyrafinowane postawy. Gdyby naprawdę tak troszczyli się o kreskówki, ludzie zdaliby sobie sprawę, że częstą wadą takiego anime nie jest świadomość i zainteresowanie otaczającą kulturą – jest dokładnie odwrotnie. Anime nie ma obsesji na punkcie otaku, ale raczej na wykonywaniu znanych ruchów i krótkowzrocznym fałszywym przedstawianiu kultury, która jest znacznie szersza, niż często to widzimy. Każdy wieczorny program, który mruga do męskiej publiczności w sprawie rozpoznanych przez nią tropów, jest błogo nieświadomy historii całych gatunków i demografii; i jeśli już o tym mowa, o tych, które powinien znać, biorąc pod uwagę, jak wiele zgamifikowanych fantazji o Narou zasadniczo nie rozumie gier wideo.
Ze względu na wybór cosplayu Marina i niezrównoważoną prezentację pierwszego sezonu, Kisekoi zaryzykował również lekkie przechylenie się w tym kierunku. Jednak w przypadku serialu, który naprawdę chce nawiązać kontakt z eksplorowaną przez siebie kulturą, oraz zespołu chcącego jeszcze bardziej rozwinąć swoje pomysły, było to po prostu niemożliwe. Najbardziej zabawnym tego przykładem w dwóch odcinkach są cosplayowe przyjaciółki Marin, jako kobiety, które czują się reprezentatywne dla odmiennych postaw obserwowanych w kobiecych przestrzeniach otaku. Od wyrazistych sposobów, w jakie proaktywny fandom jest powiązany z działaniami twórczymi, po żarty, które robią, jest w tym coś namacalnie autentycznego. Nerdy nie zamieniają się w niejasne dowcipy o fujoshi, zamiast tego wykazują bardzo specyficzne zachowania, takie jak dostrzeganie erotyki w mandze sportowej, którą czyta się całkowicie bezpiecznie dla ludzi, których mózgi nie są połączone w ten sam sposób. Kisekoi S2 czerpie mnóstwo humoru ze swoich przesadnych wybryków – zarówno nr 20, jak i nr 21 są zamieszki z tego powodu – ale to tylko krok od prawdziwych kujonów, których nie znajdziesz w wielu anime twierdzących, że mają autorytet otaku.
Kontynuacja tej eksploracji obejmuje rodzaj fikcyjnych dzieł, które motywują ich kolejne projekty cosplayowe. Tak jak PrezHost wydawał się idealnym wyborem dla grupy zwykłych nastolatków, tak niezależny horror, taki jak Corpse, jest idealny dla tej bardziej kujonowej grupy młodych dorosłych i studentów; jeśli chciałeś zmaksymalizować autentyczność, powinien to być klon Tożsamości V , ponieważ było to zjawisko wśród młodych kobiet, ale ich niewielkie odejście nadal staje się wiarygodną pasją tej grupy. A co najważniejsze, wygląda oszałamiająco. Podążając za trendem, o którym wielokrotnie słyszałeś, luźno przedstawiona gra z uniwersum staje się pełnoprawnym dziełem produkcyjnym prowadzonym przez specjalistów – w tym przypadku artystę pikselowego narume. To trochę wstyd, że niezależnie od tego, ile razy próbuję uzyskać dostęp do strony internetowej, którą stworzyli na potrzeby tej gry, nie staje się to czymś, w co naprawdę mogę zagrać.
Celowe kierowanie Haruką Tsuzuki w odcinku #21 sprawia, że jest to fascynujące doświadczenie, nawet poza jego sukcesem tematycznym. Chociaż w pewnym sensie najbardziej błyskotliwa scena jest z tym powiązana – w końcu tak wyraźnie przedstawiona subiektywność Marina jest jednym ze sposobów, w jaki Kisekoi przeciwstawia się powszechnym wadom gatunku. Kiedy nie rozumie, co kupuje Gojo, diegetyczne zielone światła migają na zielono, niczym sygnalizacja świetlna sygnalizująca jego decyzję o kontynuowaniu działalności. Panika Marina na myśl o zbliżeniu fizycznym zbiega się nie tylko z włączeniem kamery, która pokazuje strefę tylko dla dorosłych w pobliskim sklepie, ale także z zapaleniem się czerwonych świateł. Nie czuje się jeszcze gotowa… ale im więcej o tym myśli, światła zmieniają kolor na różowy. Jeśli muszę wyjaśniać, co to oznacza, proszę zamiast tego zapytać rodziców.
Sezon 2 rozwija się dzięki szerszemu i głębszemu przedstawieniu cosplayu jako przedłużenia kultury otaku. Jak wspomnieliśmy wcześniej, sprawia to wrażenie, że przesłanie akceptacji ma znacznie większą wagę; przy wyraźnym zainteresowaniu bardziej zróżnicowanymi grupami ludzi, słowa zachęty dotyczące odnajdywania swoich pasji niezależnie od tego, czego oczekuje od ciebie społeczeństwo, mają większy wpływ. Ponieważ poprzedni sezon nie powiódł się, skupiając się na łukach, w których pomysły były jeszcze surowe, a jednocześnie wprowadzając własne stronnicze kadrowanie, istnieje pokusa, aby twierdzić, że Kisekoi S2 jest lepszy, ponieważ jeszcze bardziej klei się do materiału źródłowego. I powiedzmy sobie jasno: nie, tak się nie stało. Przynajmniej nie w tych kategoriach absolutnych.
Należy wysunąć argument, że lepiej oddaje on w pełni rozwiniętą filozofię materiału źródłowego; argumentem jest w rzeczywistości cały ten zapis. To powiedziawszy, w dużej mierze skupiliśmy się również na tym, jak pragnienie Shinohary, aby zwiększyć ekspresję i pojawienie się Nary, przesunęło cały serial w stronę komedii. Kisekoi zawsze miał poczucie humoru, ale nie można zaprzeczyć, że w tym sezonie jego aspekt wykracza daleko poza materiał źródłowy. To w sumie stanowiło część przepisu na tak doskonały sezon.
A jednak powinniśmy również wziąć pod uwagę (co prawda rzadkie) sytuacje, w których powoduje to pewne tarcia. Jeśli spojrzymy wstecz na odcinek nr 20, jednym z najważniejszych wydarzeń w reżyserii Gotou jest głupie pierwsze spotkanie Akiry i Marina. Ponieważ patrzymy retrospektywnie po zakończeniu transmisji, nie ma potrzeby ukrywać prawdy: Akira jest w niej niesamowicie zakochany. Jednak cały ich wątek opiera się na założeniu, że wszyscy nienawidziją Marina, ponieważ staje się spięta i cicha, gdy są razem. Manga osiąga to poprzez niejasno złowieszcze przedstawienie Akiry, co normalnie byłoby odczytane jako wrogość, ale wciąż pozostawia miejsce na ostatnią puentę. Adaptacja przeważnie próbuje zrobić to samo… z wyjątkiem tego, że ich pierwsze spotkanie jest tak komediowe, tak oczywiste w aspekcie zakochania, że nie da się uwierzyć w błąd. Od czasu do czasu możesz być zbyt zabawny dla własnego dobra.
Jeśli mówimy o względnych słabościach sezonu, odcinek nr 22 jest dobrym przypomnieniem, że prześcignięcie demonów planowania – zwłaszcza jeśli lubisz kreatywne spacery na bok – jest trudne nawet w przypadku błogosławionych projektów. Pod względem koncepcyjnym jest solidny jak nigdy dotąd. Poczucie osobowości Marin pozostaje najważniejsze, a jej własne zmagania z miłością i seksualnością są rozwijane równie starannie (jeśli nie bardziej) niż cokolwiek innego w przypadku Gojo. Możliwość obejrzenia kolejnego pokazu pięknego stylu Corpse jest warta ceny wstępu i po raz kolejny można stwierdzić, że Fukuda rozumie nerdów, pisząc ich śliniąc się nad opiniami nowicjuszy na temat ich ulubieńców. Jest to jednak nieco trudniejszy wysiłek animacyjny, pomimo wszystkich gwiazd na różnych pozycjach wsparcia. Choć spadek jakości można odnieść jedynie do wysokich standardów Kisekoi S2, to zobaczenie, jakiego kalibru artysty potrzebowano, aby osiągnąć akceptowalny wynik, mówi wiele o tym, jak ciasno było.
Dzięki niewielkim zmianom strukturalnym w adaptacji ten odcinek jest w stanie wzmocnić podobieństwa między sytuacją Akiry a najbardziej ukochaną cosplayerką na świecie Juju-sama (zdanie napisane wspólnie przez Marin i jej siostrę). Jasne, Juju ma wspierającą rodzinę i od najmłodszych lat jest w stanie gonić za swoimi marzeniami, ale zawsze pojawiały się wskazówki, że nieco się powstrzymuje. Jako cosplayerka darząca największym szacunkiem postacie, nigdy nie odważyła się wypróbować strojów, w których jej sylwetka nie odpowiadała bezpośrednio pierwowzorowi. Dlatego widzimy podobne kadrowanie do studentki Akiry, która czuje się osaczona, zanim natknęła się na przestrzeń, w której może być sobą. Nara może być skandalicznym reżyserem, czego dowodem po tym, jak szybko ponownie uwalnia wycięte z papieru kukiełki, ale w jego scenorysach widać też jego subtelniejszą bezczelność; dopasowywanie się do butów Juju na masywnych platformach podczas rozmowy o pokonywaniu typów budowy ciała to wybór, który wywoła uśmiech, jeśli to zauważysz.
Oprócz zwartości tematycznej i znaczącego kierunku, odcinek nr 23 jest także niesamowitym pokazem umiejętności animacji. Oddzielenie tych aspektów nie wydaje się właściwe; fascynujące pomysły opierają się na wiedzy autora na temat specyfiki cosplayu, która jest następnie przekazywana poprzez niezwykle dokładną i staranną animację. The likes of Odashi and Yuka Yoshikawa shine the best in that regard, though it’s worth noting that the entire episode is brimming with high-quality animation—and most importantly, with respect for the process of creating things as an expression of identity. Be it the Kobayashi-like acting as Juju storms out during a pivotal conversation about that, or a familiar representation of cosplay as a means to reach seemingly impossible goals by Hirotaka Kato, you can never dissociate the episode’s beautiful art from its belief that making things can allow us to be our real selves.
Again, it’s no secret that an episode like #23 was produced under strict time constraints; perhaps not in absolute terms, but very much so when you consider its level of ambition. In the context of not just this series but the production line we’ve been talking about all along, what’s interesting isn’t the achievement itself, but how it relates to an evolution we’ve observed before. Umehara’s more considered stance and CloverWorks’ improving infrastructure have been recurring themes, but there’s been one key piece of information relating to both that we’ve been keeping a secret. For as much as we’ve referred to this team as Umehara’s gang, which it very much is, you may have noticed that earlier we talked about a separate animation producer—the position that Umehara held in previous projects. So, what happened here?
As he has alluded to on Twitter but more extensively talked about in his Newtype interview, Umehara is not just aware of CloverWorks’ changes, but also quite hopeful about its up-and-coming management personnel. In his view, most of them are just one piece of advice away from figuring out the tricks to create excellent work. And yet, being the animation producer, he tends to be too far from the trenches for those less experienced members to come to him for advice… unless things have gotten really dire. That is, to some degree, simply not true; Umehara is too emotionally invested in the creative process to separate himself from it, no matter what his position at the company is. However, it’s correct that production assistants are more likely to go to their immediate superior rather than someone two steps above when they’ve simply got some doubts. And thus, Umehara has been the production desk for Kisekoi S2, whereas Shou Someno has replaced him in the producer chair.
The first-hand advice Umehara has been able to give will surely be meaningful for the careers of multiple production assistants. And just as importantly, Kisekoi S2 has been an excellent lesson for him. Right after the broadcast of episode #23, and even acknowledging the lack of time, Umehara expressed his delight about what the team had accomplished for the one episode where he was not at all involved in the management process. That future he dreamed of, where the quality of his production line’s output could be maintained without his constant presence, has finally come. Chances are that it could have come faster and less painfully if he hadn’t been so afraid of delegation before, if this team’s well-meaning passion had been channeled in more reasonable ways. Whatever the case, this feels like a positive change if we intend to balance excellent quality with healthier environments… as much as you can within the regime of a studio like this, anyway.
Our final stop is an all-hands-on-deck finale, with Shinohara being assisted by multiple regulars on the team. Though they all made it to the goal with no energy to spare, the sheer concentration of exceptional artists elevates the finale to a level where most people would never notice the exhaustion. The character art retains the polish that the first season could only sniff at its best, and the animation is thoroughly entertaining once again; a special shout-out must go to Yusei Koumoto, who made the scene that precedes the reveal about Akira’s real feelings for Marin even funnier than the punchline itself.
More than anything else, though, the finale shines by reaping the rewards of all the great creative choices that the season has made beforehand. In contrast to the manga, where Corpse was drawn normally, having developed a distinct pixel art style for it opens up new doors for the adaptation. The classic practice of recreating iconic visuals and scenes during cosplay photoshoots is much more interesting when we’re directly contrasting two styles, each with its own quirks. The interest in the subject matter feels fully represented in an anime that has gone this far in depicting it, and in the process, likely gotten more viewers interested in cosplay and photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process.. Perhaps, as Kisekoi believes, that might help them establish an identity they’re more comfortable with as well.
Even as someone who enjoyed the series, especially in manga form, the excellence of Kisekoi S2 has been truly shocking. I wouldn’t hesitate to call it the best, most compelling embodiment of the series’ ideas, as the lengths they went to expand on the in-universe works have fueled everything that was already excellent about Kisekoi. It helps, of course, that its series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. has grown alongside the production line, especially with the help of amusing Bocchi refugees. Despite a fair amount of change behind the scenes and the exploration of more complex topics, the team hasn’t forgotten they’re making a romcom—and so, that stronger animation muscle and more refined direction also focus on making the characters cuter than ever. Given that we’re sure to get a sequel that wraps up the series altogether, I can only hope we’re blessed with an adaptation this inspired again. It might not dethrone Kisekoi S2, but if it’s half as good, it’ll already be a remarkable anime.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
