CITY: The Animation zakończyło się kolejną eksplozją żywiołowej animacji, projektów i muzyki, która uchwyciła wrażliwość Keiichiego Arawiego i jego radosne motywy. Rzućmy jeszcze raz okiem na tę wszechczasową produkcję… i co dalej z KyoAni, skoro już przy tym jesteśmy.
Nasz pierwszy artykuł poświęcony CITY: The Animation miał być wprowadzeniem do tak wyjątkowego projektu, drugi zaś był szczegółową kroniką procesu produkcyjnego, zaangażowania oryginalnego autora Keiichi Arawiego w łamanie norm oraz tego, jak szalenie kreatywne wybory zespołu przejawiały się w większości przebiegu programu. To było mnóstwo informacji do przetworzenia, ale teraz, gdy mamy już to za sobą, możemy usiąść i zrelaksować się, obserwując dwa ostatnie odcinki – szczerze mówiąc, podejście bardziej pasujące do klimatu CITY.
Odcinek nr 12 powstał dzięki reżyserowi i scenarzyście Noriyuki Kitanohara. Pozostał jednym z najbardziej aktywnych uczestników serialu, mimo że łączy go także z filmem Maidragon, który ma się ukazać w 2024 r.; ponownie, jeśli chcesz dokładnie zapoznać się z harmonogramem produkcji w studiu, zalecamy zapoznanie się z naszym poprzednim artykułem CITY. Podkreśliliśmy tam coś, co po raz kolejny staje się oczywiste: Kitanohara jest bardzo kompatybilna z taką serią. Jako animator działający od przełomu lat 90., posiadający szerokie umiejętności, ale także zamiłowanie do agresywnych cięć 2D, doskonale wpisuje się w dążenie CITY do podkreślania roli animatora jako wszechogarniającej postaci i ideologa zabawnej bombastyki.
Jak już wcześniej zauważyliśmy, podczas przejścia na role reżyserskie Kitanohara zaczął rezerwować dla siebie sekwencje o największej kaloryczności. Dopóki zajmuje taką pozycję w projekcie – co zdarza się prawie zawsze – nawet nie zadaje sobie trudu, aby przypisać sobie kluczową animację. Kluczowa animacja (原画, genga): Ci artyści rysują kluczowe momenty animacji, w zasadzie definiując ruch bez konieczności kończenia cięcia. Branża anime znana jest z tego, że daje tym indywidualnym artystom dużo miejsca na wyrażenie własnego stylu. Dlatego spojrzenie na jego karierę w bazach danych może sprawiać wrażenie, że przez ostatnie dwie dekady niewiele rysował… pomimo napisania wielu imponujących sekwencji w historii KyoAni. Podczas swojego ostatniego publicznego wystąpienia na wydarzeniu Maidragon dokuczał swojemu przyjacielowi-weteranowi Tatsuyi Ishiharze, że tak bardzo lubi anime, że często tworzy scenorysStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. Więcej eksplozji i innych rodzajów krzykliwych, ostentacyjnych treści. Ironią jego wypowiedzi jest oczywiście to, że odnosi się to jeszcze bardziej do Kitanohary, który osobiście lubi animować takie rzeczy. Chociaż nie był tak nuklearny, jak to zrobił w poprzednich odcinkach z numerem 12, szkice w momentach takich jak seria absurdalnych, wybuchowych reakcji Niikury i Nagumo sprawiają wrażenie, jakby ponownie rysował takie momenty samodzielnie. Stare nawyki trudno wykorzenić.
Jest kilka powodów, dla których w porównaniu do poprzednich odcinków Kitanohara nie naciskał na animację tak dziko; co oznacza, że jest to nadal śmieszne według standardów anime telewizyjnego, ale w CITY wydaje się podporządkowane innym interesom. Pierwszy z nich powinien wyróżnić się dość szybko: odcinek #12 ma jak dotąd najwięcej muzykalności w swoim kierunku, więc grafika towarzyszy temu dźwiękowi ramię w ramię, a nie pędzi do przodu sama. Wczesny skecz, który czyni to oczywistym, skupia się na Niikurze, która ponownie spotyka wisior, za którym goniła od wieków – ten zawierający zdjęcie Nagumo, zawsze grożące ujawnieniem jej inspirującego zauroczenia wszystkim innym obywatelom. Dziwaczny finał jej wyprawy został pierwotnie opowiedziany w rozdziale, w którym zasadniczo nie było dialogu, a zamiast tego opierano się na jej wewnętrznej narracji. A ponieważ to jest MIASTO, oznacza to wystawienie się na jej głębokie myśli, gdy staje twarzą w twarz ze stworzeniem tak niezrozumiałym, że wszystkie mitologiczne istoty zgromadzone w mieście są tym zdumione. Sama jego obecność wykoleja Niikurę podczas jednej z najważniejszych misji w jej życiu, prowadząc do bitwy na wieki.
Było oczywiste, że reżyser taki jak Kitanohara zadba o to, aby taki moment został nagrodzony świetną animacją. Mamy efekty 2D, które ucieleśniają rysunkową dominację serialu, podczas gdy urocza, kreskówkowa gra aktorska zachowuje oryginalny urok Arawiego. Wybuchowe cięcia i sugestywne koncepcje wizualne współpracują ze sobą, podobnie jak udaje mu się połączyć kreskówkowe multiplikacje i niemożliwe formy biegowe z ujęciami podkreślającymi równowagę ciała. A czemu nie, trochę dobrych ciosów.
Przede wszystkim jednak istnieje zabawna synergia pomiędzy rytmem wydarzeń i wykorzystaniem muzyki przez ponad 6 minut tego gagu. W tej przygodzie bez dialogów anime zrobiło kolejny krok i usunęło również myśli Niikury, pozostawiając widza zastanawiającego się, co się do cholery dzieje, ponieważ wydarzenia w jakiś sposób idealnie się ze sobą łączą z wyborem muzyki klasycznej. Ponieważ CITY: The Animation stara się w pewnym stopniu zmusić Arawiego do ręcznego pisania wszystkich napisów końcowych do produkcji, oznacza to również, że oryginalny autor musiał starannie napisać długie tytuły wykorzystanych tutaj utworów Bacha i Franza Liszta. Może to brzmieć zabawnie żałośnie, ale weź pod uwagę następujące kwestie: wiemy to, śpiąc w tym samym pokoju co reżyser serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. Taichi Ishidate na etapach planowania podzielił się kilkoma propozycjami muzycznymi, od których oboje chichotali w nocy. Istnieje zatem realna szansa, że Arawi sam wziął na siebie to zadanie pisarskie. Ale warto!
Następujący skecz w dalszym ciągu ucieleśnia te cechy, tym razem z rytmem silnie powiązanym z podkładem muzycznym programu. Emocjonalny rollercoaster całego miasta, śledzony przez burzliwe wyścigi konne, to świetna zabawa sama w sobie, szczególnie dzięki rytmicznej realizacji. To powiedziawszy, to połączenie z głównymi celami CITY czyni go tak wyjątkowym. Jeden z powracających toków myślenia Ishidate’a dotyczył twórczości Arawiego, która wyróżnia się zdolnością do wyobrażenia sobie, jak i dlaczego kryje się za jego surrealistycznym humorem, i przez cały ten gag serial skupia się właśnie na tym. Podobnie jak w mandze, nigdy nie widzimy nawet przebłysku rasy, o którą chodzi w tej przygodzie. Zamiast tego jesteśmy zmuszeni wyobrazić sobie absurdalną serię wydarzeń, w których znikają dżokeje i konie, które w rzeczywistości są różnymi zwierzętami, podczas gdy reakcje hazardzistów gwałtownie się zmieniają. Jeśli chcesz sprawdzić swoją zgodność z twórczością Arawiego, zapoznanie się z tym jednym rozdziałem może być dobrym początkiem.
Po raz kolejny musimy tylko przejść do przodu tylko o jeden skecz, aby znaleźć inny powód, dla którego odcinek nr 12 jest bardziej kontrolowany dzięki animacji. Po zbliżeniu się do ostatniego odcinka, a zwłaszcza skupieniu się na jednym wątku fabularnym, który grozi rozdzieleniem dwóch najbliższych postaci w serialu, pojawia się nuta melancholii, jakiej CITY tak naprawdę nie miało wcześniej. Widmo rozstania Matsuri i Ecchana unosiło się nad całym serialem – to część tego, co sprawia, że ich wspólne przygody są wspólne, ponieważ wiadomo, że wspólny czas jest skończony. Ale dopiero teraz można poczuć, jak przejmuje kontrolę nad wyborem kadrowania i kolorów w całym odcinku, jeszcze zanim Ecchan przejdzie przez swój dziwaczny rytuał separacji. Aby dowiedzieć się, czy to naprawdę koniec ich związku, musisz włączyć CITY: The Animation #13.
Zanim przejdziemy do pełnego omówienia ostatniego odcinka, spójrzmy wstecz na dni poprzedzające jego emisję. Mówiąc ściślej, powinniśmy porozmawiać o głównym składzie tego finału, który został już upubliczniony – jak zawsze – wraz z zapowiedzią, która mogła niektórych zaskoczyć. Powrót reżysera serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. i projektant postaci, który poprowadzi ostatni odcinek, był oczywisty; jest to powszechna praktyka w programach telewizyjnych, którą Ishidate podtrzymuje w swoich własnych, zawsze osobiście rezerwowanych projektach. A jednak twórców jest u ich boku coraz więcej. Całość realizacji CITY, bez względu na to, jak onieśmielające było obciążenie pracą, była prowadzona przez jednego reżysera odcinków i scenorysanta, któremu towarzyszył jeden reżyser animacji. To znaczy aż do finału.
Możesz pokusić się o wskazanie odcinka nr 07 jako małego wyjątku, ale pamiętaj, że stanowisko asystenta reżysera animacji w KyoAni oznacza nowicjusza uczącego się pod okiem skrzydło weterana przed debiutem na pozycji. Ten obowiązkowy krok widzieliśmy ostatnio w przypadku Kouheia Okamury (asystenta reżysera odcinka Eupho S3 #13, zanim samodzielnie zajął się CITY #10), Ryo Miyagi (asystenta Ishidate’a przy piątym odcinku tego programu, zanim stopniowo została solową liderką tego projektu i CITY) oraz samej Tamami Tokuyamy; asystent Ikedy w Tsurune S2 #04, a w ósmym odcinku został solowym nadzorcą… i niedługo później projektantem i głównym reżyserem animacji, którego teraz podziwiamy. Krótko mówiąc, jest to praktyka studyjna, a nie coś związanego z produkcją konkretnego odcinka.
Co w takim razie z finałem CITY? Choć jest mało zatłoczony, zwłaszcza jak na żenujące standardy obecnego telewizyjnego anime, ma dwóch reżyserów i trzech kierowników animacji w serialu, który cenił sobie idealną spójność, jaką można uzyskać dzięki indywidualnie kierowanym wysiłkom. Jedną z rzeczy, o których należy pamiętać, gdy branża stopniowo zmierza w stronę personelu kontraktowego, jest to, że gdy płacisz ludziom za współpracę z tobą, a nie tylko za to, co zapewniają, powinieneś dobrze je wykorzystać. W studiu, w którym wszyscy są zatrudnieni na pełny etat i gdzie prawie nie wykonuje się żadnej pracy dla innych firm, wymaga to mądrego przydziału pracy; w przeciwnym razie przez miesiąc ludzie siedzą i nie mają nic do roboty.
Chociaż produkcja zwykle trwa, jest to mało prawdopodobne. Rotacja personelu CITY jest niezwykle regularna, a 5 jednostek kluczowych animatorów pojawia się jedna po drugiej w doskonałej kolejności. Trzy grupy pośrednie zrobiły mniej więcej to samo, podobnie jak dyrektorzy i kierownicy, którzy często byli związani z dokładnie tą samą grupą kluczowych animatorów. Ale co się stanie, gdy 5 grup spróbuje zmienić się w 13-odcinkowym programie? Pod koniec biegu dwójka z nich nie miała już nic do roboty. Jeśli spojrzymy na reżyserów animacji i weźmiemy pod uwagę preferencyjne przesuwanie się Tokuyamy do finału, zdajemy sobie sprawę, że następnymi opiekunami, którzy mieli otrzymać odcinek, będą Kayo Hikiyama i Nobuaki Maruki, czyli ci dwaj, którzy dołączyli do niej w CITY #13. Chociaż wśród reżyserów panuje nieco większa fluktuacja, pierwszym, który zakończył przydzielone im odcinki i nie otrzymał kolejnego zadania, był Takuya Yamamura. I oto, to on towarzyszy Ishidate’owi w finale. Prawie jak kwestie zarządzania personelem!
Ale czy to cała historia? Nie całkiem. Jasne, CITY było w centrum uwagi studia przez długi czas, ale nie jest to jedyny projekt, nad którym pracuje KyoAni. Gdyby naprawdę chcieli, mogliby znaleźć posadę gdzie indziej dla tych nagle dostępnych pracowników. Szczerze mówiąc, gdyby był to zwykły ostatni odcinek, mogliby być skłonni przenieść je do określonego zestawu filmów, nad którymi już pracowano. Ale kiedy CITY zrobiło coś normalnie? Jeszcze przed rozpoczęciem emisji ekipa i obsada ostrzegały widzów, że niektóre odcinki są po prostu nie z tej ziemi, często wskazując na piąty… i ostatni odcinek. Wiedząc, że serial ma szalone standardy i widząc, że inne odcinki, które uznali za wyjątkowe, naprawdę miały charakter pokoleniowy, powinno łatwo zrozumieć, że w finale z radością zatrudnieni zostali godni zaufania, nagle dostępni weterani.
Podczas gdy odcinek #05 jest tak oburzającym pomysłem, że każdy widz zauważy jego uciążliwą produkcję, a #09 wyraźnie to pokazuje dzięki dynamicznemu wyścigowi, #13 zaczyna się bardziej niepozornie. Trudno to nazwać mankamentem, a raczej konsekwencją idei i tonu, jaki chcieli wysunąć na pierwszy plan. Ostatnia scena w oryginalnym dziele jest tak naprawdę tą otwierającą ten finał; chwila nie pompatyki i fanfar, ale spokojniejszego uświadomienia sobie Nagumo. Jak się okazuje, ta psotna, ale poważna dziewczyna ma obsesję na punkcie gonienia za jak najbardziej rozrywkowym życiem… zanim zdała sobie sprawę z oczywistego, że gorączkowe życie w tym mieście było już mnóstwo rozrywki. Zmiany w punkcie wyjścia serialu, który Arawi uznał za genialny, wprowadzono w taki sposób, że już pierwszy odcinek zasygnalizował początek tego prostego, czarującego wątku fabularnego. Zawsze łatwiej sprzedać takie momenty, gdy Twoja estetyka jest tak zwyczajnie piękna, wiesz.
Po tym wstępie przenosimy uwagę na to, co było jednym z bijących serc – CITY ma obsadę aktorską, może mieć ich wielu – całego serialu: Matsuri, Ecchan i ich przerażająca separacja. Warto zauważyć, że cała ich fabuła jest nieco bardziej oddzielona od reszty, poza faktem, że obaj są częścią zabawnego ekosystemu CITY. Jasne, możesz zmrużyć oczy na tyle mocno, aby powiązać ich sposób stawiania czoła przyszłości z własnymi poszukiwaniami Nagumo i motywem snów, ale prawda jest taka, że nie odegrało to dużej roli w anime ze względu na spójność tematyczną. Stało się tak, ponieważ ta dwójka dzieci jest najcenniejszymi istotami na świecie i to jest wystarczający powód.
W mandze tej dwójce poświęca się jedynie częściową uwagę pośród ruchliwych wydarzeń ostatniego tomu. To nie tak, że w ich ostatnie wspólne chwile nie poświęcono żadnej uwagi, ale w anime jest taki poziom nacisku, który sprawia, że to postanowienie staje się jeszcze skuteczniejsze. Duża w tym zasługa prostego czasu trwania (w finale trwa niecałe 10 minut) i finezji w przedstawianiu czułych, emocjonalnych beatów, których przyzwyczailiśmy się oczekiwać od reżyserów KyoAni. Ale to także CITY: The Animation, projekt prowadzony przez wariata animatora i jeszcze bardziej obłąkanego autora szepczącego mu do ucha. Oczywiście jest w tym coś więcej.
I dlatego na przykład Matsuri i niezawodna Adatara, zamiast jechać na lotnisko na rowerze, jak to miało miejsce w mandze, dostają się tam konno. Koń, który tak naprawdę to ludzie w tandetnym przebraniu, bez wyraźnego wyjaśnienia. Jeśli jednak masz dobrą pamięć, na pewno pamiętasz, że jednym z wydarzeń opisanych w wyścigu w odcinku 12 była dyskwalifikacja uczestnika za ugryzienie innego konia – czyli gazeli, nie pytaj – w gardło. I to rzeczywiście jest ich rumak, co oznacza, że sprawcą tak brutalnych działań była w rzeczywistości para ludzi w zwierzęcych kostiumach… i że istniało wiele powodów, aby zdyskwalifikować ich z wyścigów konnych. Uroczo arawiejski dodatek, który podkreśla ciągłe powiązanie między wydarzeniami, a także świetny pretekst, aby nadać fragmentom bardziej rytmiczną, zabawną dynamikę.
W przeciwieństwie do tych aspektów materiału źródłowego, o których rozwinął się finał, są też inne, które odrzucił z prostego powodu: spójności. Żaden z wyborów dokonanych w adaptacji na konkretnym poziomie opowiadania historii tak naprawdę nie zmienił opowiadanych wydarzeń; Sięgnięcie do historii nieco później nie zmieniło miejsca zatrudnienia Nagumo ustalonego w pierwszych rozdziałach, podobnie jak podsumowanie lunatyk Riko nie zapobiegło temu. Być może nie widzieliśmy całego rozdziału poświęconego babci bijącej kilku obywateli, ale w pobocznych fragmentach odcinków takich jak rezydencja i wyścig nadal widzieliśmy, jak się kłócą. Mimo wszystkich drobnych zmian w głównych punktach zadbano o to, aby każdy późniejszy element, który na nich powstał, został dostosowany – co jest oczywistym powodem, dla którego Arawi odpowiadał za proces wraz z Ishidatem.
To samo dotyczy kulminacji serii. W odcinku #12 można było już dostrzec plakaty nawiązujące do wyborów, które pierwotnie położyły kres wydarzeniom w CITY. Zostało to krótko wspomniane również w finale, więc można śmiało założyć, że wydarzyło się to również w ciągłości anime. Podobnie jak poprzednie wydarzenia na dużą skalę, ten mini-argument służy po prostu jako pretekst do zgromadzenia ton obywateli w powiązanej przygodzie; i jako ostatnia pozwala im zakończyć wiele historii pobocznych. Biorąc jednak pod uwagę oparcie się na relacjach między postaciami, które pozostały na uboczu anime, prosta adaptacja nie miałaby dużego znaczenia. I tak, gdy do finału pozostało 15 minut, wracamy do jednego życzenia: Arawiego i Ishidate’a podzielają zdanie, że anime powinno jeszcze bardziej eskalować sytuację, wykorzystując fakt, że jest teraz dziełem animacji. Po raz pierwszy, mimo że autor nadal jest tak zaangażowany jak zawsze, oznacza to, że CITY: The Animation zdecydowało się zakończyć w pełni oryginalną nutą.
Rozumiem, uwaga, ponieważ wymyślili musical.
Choć to oburzający pomysł, moją reakcję na zakończenie CITY długim występem muzycznym uznałem za „oczywiście, że tak było!”. Szybka zmiana od wielkiego zaskoczenia do rozbawionego konformizmu nie wynika z tego, że w poprzednim odcinku podkreślano muzykalność występu, jakby chcąc przygotować publiczność. Nie dzieje się tak nawet dlatego, że w najzabawniejszym gagu z pierwszego odcinka dodano piosenkę z pewnego przedstawienia na Broadwayu, czego Ishidate upierał się pomimo producentów obawiając się procesu licencjonowania. Powód jest prostszy: zakończenie wielkim, ekstrawaganckim musicalem, w którym każdy dziwaczny obywatel coś knuje i zderza się z innymi, to najbardziej CITY, jaką można sobie wyobrazić.
I wyobraźcie sobie, że tak jest — prawie tak, jakby główni twórcy byli mocno zaangażowani w ten aspekt serialu! Założenie restauracji Makabe, która zdobyła gwiazdkę Michelin (a może rzeczywiście tak się stało?), wywołuje zbiorowe szaleństwo wśród niezliczonych obywateli, a każdy z nich wnosi na ekran swój własny styl muzyczny i wizualny. Aktorzy paradują po ulicach, przeprojektowani tak, aby zawierały niezliczone odniesienia do przedmiotu uroczystości, ubrani w pastisz strojów, które moglibyśmy zobaczyć w sztuce teatralnej. Ta sama sekwencja radości kończy się ekranem przypominającym ukiyo-e, przenosząc nas za jednym zamachem do zupełnie innej epoki; i nagle ozdobić go nowoczesnymi teksturami, warstwami pomysłów wizualnych. Równie szybko wszystko to może zostać odrzucone na rzecz najbardziej kolorowej wyspy złamanych serc lub połączenia kryminału i piksela art RPG.
Rezultat zawsze przypomina CITY, ale nawet łamanie zasad produkcji jest dozwolone teraz, gdy atakujemy tak blisko końca. Być może pamiętacie, jak Ishidate zakazał używania standardowych wyróżnień na grafice postaci; radykalne odejście od jego poprzedniej pracyViolet Evergarden, która faktycznie dodała więcej tonów do typowych 3 stanów anime (cień/regularny/rozjaśnienie). Ale co, jeśli mamy urojeniowego głupka fantazjującego o własnej bajce? Zachęca to do całkowitej zmiany kierunku artystycznego, zmiany tła na coś bardziej podobnego które możemy znaleźć w jednej z takich książek oraz wykorzystania idealizacji ukochanej osoby jako pretekst do złamania pierwotnej zasady. Ponownie warto zauważyć, że wszystkie te zabawne zwroty akcji nigdy nie zdołały pozbyć się tożsamości Arawii — wystarczy spojrzeć na urocze, niezrozumiałe zwierzęta otaczające księżniczkę. Stopień, w jakim udało im się dopasować do jego wrażliwości, wypróbowując tak wiele pomysłów, jest szczerze mówiąc zdumiewający. Trudno uwierzyć, że świat niemal przypominający Moebiusa, do którego zostali przeniesieni na krótko, nie pochodzi z jego oryginalnej mangi, biorąc pod uwagę, jak robot Niikura i jego mechanizmy przypominają Arawi.
Jakby zmiany stylistyczne dla każdego numeru muzycznego nie wystarczały, postacie, które z natury są bardziej oderwane od rzeczywistości, takie jak Wako, mogą skręcać nawet na indywidualne cięcia. Taki odcinek wymaga absurdalnej ilości pracy projektowej, a także samych ujęć. Być może słyszeliście, że utwory KyoAni mają zazwyczaj większą liczbę cięć niż zwykle – co jest naturalną konsekwencją obsesji na punkcie drobiazgów w życiu ludzi – ale nawet ich standardy bledną w porównaniu z szaleństwem podczas części muzycznej, która sama w sobie udaje się sprawić, że ten finał ma dwa razy więcej cięć niż zwykły, gęsty odcinek. Wybór, który ogromnie zwiększa obciążenie pracą, ale także daje im dodatkową przestrzeń do przemycenia ukłonów w stronę mangi podczas tej oryginalnej uroczystości. Shia, jedna z postaci, która nie pojawiała się zbyt często w adaptacji, a mogłaby odegrać rolę w wyborach, łapie swój moment wśród całego tego śpiewu. I jak już wspomniano, nawet same wybory podnoszą głowę w przygodzie, która je zastąpiła.
Jest rzeczą oczywistą, że obniżenie standardów animacji w celu wyeliminowania większej liczby cięć nigdy nie było opcją dla CITY. Mnóstwo sekwencji, czy to kamera przecinająca ścieżki z wieloma postaciami, czy też niekończące się tańce, są doskonałe same w sobie, a co dopiero jako część większej całości. Konceptualnie wiele sekwencji przebija ich zdolność do ciągłego łączenia postaci – czy to poprzez bezwładność, czy nawet narrację, a akt muzyczny wielokrotnie podkreśla, że Ecchan jest nadal aktywną częścią gangu. Poziomowi dbałości o szczegóły towarzyszy techniczne wykonanie każdego kawałka, wciąż z osadzonym w nich arawskim poczuciem humoru. To odcinek, który gorąco zachęca do ponownego obejrzenia, aby złapać jak najwięcej małych klejnotów.
Wyraz frustracji Nagumo nie jest subtelny, ale nawet w tych momentach te wybuchowe szczegóły ukrywają szczegóły. Będziesz musiał zwrócić szczególną uwagę, aby zauważyć mgliste postacie dwóch zwierząt migające na krótko w efektach; kształty konia i jelenia bardzo przypominające język arawski, odpowiadające kanji 馬鹿, gdy wypowiada to słowo na głos.
W ten sam sposób, w jaki kilku przełożonych i dyrektorów, którzy wykonali swoje zadania, przesunęło się, aby pomóc, także dwóch dodatkowych kluczowych animatorów – zwiększając ich łączną liczbę podczas tego wielkiego finału do 7 (+1). Do pomocy zamiast bardziej znanych rówieśników wybrano bardzo obiecującą Ayumu Yoshidę, należącą do czwartej jednostki CITY, która zajęłaby się kolejnym odcinkiem, gdyby taki istniał. Ale wielkim nazwiskiem jest niewątpliwie Tatsuya Sato, lider zarówno oddziału studia w Osace, jak i piątego oddziału tej produkcji. Kiedy wyjaśniliśmy, w jaki sposób całkowicie absurdalny odcinek nr 05 był w ogóle możliwy, zauważyliśmy, że Sato otrzymał pozwolenie na skupienie się na nim dłużej niż na jakiejkolwiek poprzedniej pracy, co pozwoliło mu narysować około połowy jednego z najgęstszych odcinków anime, jakie kiedykolwiek powstały.
Potem jego jednostka miała pojawić się ponownie w dziesiątym odcinku. Pomimo tego, że Sato pojawił się wraz z resztą zespołu, stosunkowo nieśmiała rola Sato – „tylko” kilka minut wyróżniało się jego żwawą animacją – wskazywała na kolejny wyjątkowy występ. Rzeczywiście tak było w przypadku finału, który, jak się wydaje, umieścił go w konkretnym segmencie muzycznym. Chociaż obciążenie pracą nie jest na tym samym poziomie, co w piątym odcinku, jego szybsze wyczucie czasu występuje w różnych częściach różnych występów. W każdym razie jest to jeden z największych czynników przyczyniających się do radości, jaką emanuje ten odcinek.
Tuż przed zakończeniem pojawia się wskazówka, aby przypomnieć sobie jedną z pierwszych rzeczy, które napisaliśmy o dyrektorze CITY prawie 3 miesiące temu. To była prawda wtedy i pozostaje prawdą teraz: Ishidate lubi sam animować. Rozpęta burzę o tym, że reżyseria (zwłaszcza gdy kieruje całym projektem) nie daje ci czasu na osobiste narysowanie całych cięć, a potem spokojnie odkłada dla siebie złożone sekwencje. MIASTO: Animacja praktycznie zaczyna się od niesamowitego cięcia, które wydaje się pochodzić z jego ręki. A teraz, jako apoteoza tego nagłego musicalu, który wszystko podsumowuje, bohater znów jest jego piórem. Znajome, trzepoczące ruchy i skłonność do używania krótkich linii, używania drobnych kawałków gruzu w celu zwiększenia gęstości wizualnej, a także samo wyczucie czasu krzyczą imię Ishidate. Tak jak zadbał o zarezerwowanie tego programu na poziomie tematycznym, zrobił to samo stylistycznie, korzystając z własnej, olśniewającej animacji.
A więc teraz, kiedy to się skończyło, jakie są ostateczne wnioski z CITY? Nawet jeśli odmówisz zaangażowania się w nią na jakimkolwiek poziomie poza powierzchnią, nadal pozostanie ci urocza, niezwykle urocza, dziwaczna kreskówka, jaką rzadko można spotkać w animacji komercyjnej. Ma pozornie oczywistego poprzednika w Nichijou, ale każde porównanie między nimi podkreśla ich kontrast. Jeden z nich, nawet biorąc pod uwagę transformacyjne podejście do historii w adaptacji, jest szczęśliwy, gdy jest konsumowany jako luźno powiązane, niesekwencyjne fragmenty wybuchowej, surrealistycznej animacji. Choć dostarcza tyle mocy, drugi opowiada się za znacznie bardziej wyluzowanym podejściem do głupiej atmosfery i wyłaniającej się dynamiki w połączonych ze sobą sceneriach. Często można się przekonać, że CITY ma tyle samo wspólnego z filmami takimi jak Yokohama Kaidashi Kikou, jak i z Nichijou, jako serial mniej skupiający się na wywoływaniu ciągłego śmiechu – w każdym razie był to pomysł, który był odradzany – a bardziej na idei zachęcania wyobraźni do włóczenia się po ulicach.
W serialu i wywiadach jego twórczy rdzeń sprzeciwiał się idei komedii, która koniecznie opowiada o telegrafowane gagi, które stają się satysfakcjonujące dopiero po usłyszeniu puenty. Przypomina to powracające rozmowy o komedii i horrorze jako o dwóch sąsiadujących ze sobą gatunkach; jest to widoczny pomysł, z którego korzystają genialni reżyserzy, tacy jak Jordan Peele, a jednak myśl, którą wielu nasuwa, wskazując na zabawne momenty w horrorach, okazuje się albo przypadkową, albo zwykłą porażką. CITY zajmuje inny region w krainie komedii, ale Ishidate mimo wszystko wierzy w rozległość tego terytorium. Jak wspomnieliśmy wcześniej, to zamiast tego to filmowcy tacy jak Charlie Chaplin wskazał jako przykład atrakcyjności Arawiego. To znaczy komików, którzy pobudzą Twoją wyobraźnię swoimi wybrykami, zamiast zatrzymywać Cię otępiającym rykiem śmiechu. Wizja ta spodobała się autorowi, co doprowadziło do niezwykle ścisłej współpracy między nim a studiem, o której również obszernie pisaliśmy. Rezultat można w pewnym sensie podsumować prostym życzeniem Arawiego: „Chcę, żeby widzowie zastanawiali się, co do cholery w ogóle robili twórcy”.
Duża część wymaganego do tego czynnika zaskoczenia leży w prezentacji. Język wizualny CITY i kryjąca się za nim obłąkana logika są żywiołowe, ale jednocześnie niezwykle przyjemne dla oka w czasach, gdy każdy inny tytuł pragnie udowodnić swoje wysokie walory produkcyjne poprzez intensywne efekty cyfrowe. Chociaż można to skutecznie zastosować, jest to podejście tak powszechne (i często prymitywnie stosowane), że wysysa powietrze z pomieszczenia. I tu nadchodzi MIASTO, jakże mile widziany powiew świeżego powietrza. Każdy element jest organicznie umieszczony w jednej, spójnej całości, co zaciera zasady animacji celowanej, które od zawsze rządziły wszystkimi pracami komercyjnymi; nie ma odrębnych warstw postaci i tła, jest jedno miasto. Mówiąc ściślej, jest jedno miasto, w którym jest tyle absurdalnie skomplikowanych animacji, że każdy projekt telewizyjny mógłby się zarumienić ze wstydu.
Jedno z najciekawszych pytań, na które Ishidate odpowiedział w kampanii w mediach społecznościowych, dotyczyło tego, który reżyser odcinka najbardziej go zaskoczył, w ramach projektu, w którym oboje młodzi i weterani personelu dali z siebie wszystko. W pierwszym odruchu chciał jeszcze raz krzyknąć na samego Arawiego, ponieważ brał udział w tak wielu kultowych wyborach (takich jak diorama rezydencji!), że równie dobrze mógłby zostać reżyserem. Jednak wśród członków KyoAni pochwalił młodego reżysera, który również wzbudził nasz największy entuzjazm: jego ucznia Ryo Miyagi. Umiejętność tworzenia scenorysów, którą pokazał w momentach takich jak koniec odcinka #04 i powiązany punkt kulminacyjny wyścigu, jest naprawdę wyjątkowa.
Być może z powodu tej fundamentalnej prostoty stylistycznej sama skala CITY jako przedsięwzięcia animacyjnego jest trudna do przeanalizowania. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
