Anime Hikaru Died/HikaNatsu zostało opracowane w oparciu o pełen przygód kierunek Ryohei Takeshita, nie tracąc jednak z oczu głównych idei autora. Kontynuacja na horyzoncie oznacza, że czas dowiedzieć się więcej o fascynującej produkcji.
Istnieje szereg terminów, z którymi mogłeś się zetknąć, słuchając opinii twórców anime, zwłaszcza jeśli wypowiadają się oni dla wyspecjalizowanych mediów z bardzo zaangażowanymi odbiorcami. Nie dzieje się tak dlatego, że są to wyrażenia najbardziej techniczne. W każdym razie są one nieco bezsensowne, jeśli porówna się je z dosłowną rzeczywistością produkcji, ale artyści zaangażowani w ten proces doceniają je jako użyteczną i sugestywną terminologię. Jasne, sakugaSakuga (作画): technicznie rysuje obrazy, ale dokładniej animację. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo w odniesieniu do przykładów szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, w jaki robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. anime technicznie odnosiłoby się do każdej pracy z komponentami animacji 2D, a to już interpretuje to słowo w węższym znaczeniu, niż może potencjalnie mieć. Kiedy jednak widzisz ludzi z branży lub krążących wokół niej, którzy używają tego wyrażenia, tworzy to specyficzny obraz: anime, w którym sprawność i intencja ruchu, a także sama jakość grafiki są głównymi elementami doświadczenia.
Chociaż jest to najczęstsza wersja tego terminu, czasami można spotkać również bardziej szczegółowe wersje, a także rodzeństwo, które podkreśla różne kąty akcentu. Można uznać anime za podzbiór sakugaSakuga (作画): technicznie rysowane obrazy, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo w odniesieniu do przykładów szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, w jaki robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. anime, nawiązując w tym przypadku do dzieł, w których główną atrakcją jest fizyczna reprezentacja przestrzeni; czy to dlatego, że odwołuje się to do psychologii postaci, czy też ze względu na czystą doskonałość techniczną, takie prace wyróżniają się kadrowaniem w sposób wykraczający poza ich scenorysy. W przypadkach, gdy obrazy w tle są nie tylko piękne, ale także mają zauważalny wygląd, nierzadko mówi się o bijutsu/anime artystycznym. Można nawet znaleźć przypadki edytowania anime, jak na przykład bardzo zabawny Pompo The Cinephile Takayuki Hirao. Jako film, który dosłownie ukazuje proces montażu, a jednocześnie jest zbudowany wokół dziwacznej i przyjemnej narracji Hirao, nie jest zaskoczeniem, że takie właśnie kadrowanie przyjął sam reżyser.
Ponownie te terminy nie odnoszą się do zadań charakterystycznych dla takich dzieł, ponieważ są to aspekty obecne w każdej produkcji. Nie należy ich również interpretować jako jedynych ważnych etapów procesu; patrząc wstecz na przykład Pompo, jasne jest, że znaczna część wewnętrznej satysfakcji z przejść Hirao zaczyna się od jego własnych scenorysów, znacznie wcześniej niż faza montażu. Te wyrażenia jedynie podkreślają aspekt, który będzie dla widza kluczowy dla doświadczenia, co czyni je również całkiem przydatnymi dla reżyserów, którzy muszą komunikować się ze swoimi zespołami na wczesnych etapach projektu.
I od samego początku anime The Summer Hikaru Died /HikaNatsu reżyser serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, obie jako kreatywny decydent i ostateczny przełożony. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. Ryohei Takeshita miał coś jasnego: to będzie anime enshutsu. Oznacza to, że jest to spektakl kładący nacisk na bezpośrednie doświadczenie poprzez skomplikowane mise-en-scène i unikalne narzędzia. Taki, w którym aspekt zmysłowy staje się niezaprzeczalnym elementem centralnym. Pomysł ten był na tyle fundamentalny, że przekazał go nie tylko zespołowi i ostatecznie widzom poprzez wybór realizacji, ale nawet producentom, gdy projekt był jedynie zapowiedzią. W rzeczywistości była to także jedna z pierwszych rzeczy, które Takeshita przekazał oryginalnemu autorowi, który uznał to za świetny sposób na wzbogacenie adaptacji, którą można było oglądać w nieskończoność.
W wywiadzie dla Anime Corner producent CyberAgent Manami Kabashima datuje pierwsze rozmowy na temat adaptacji anime na maj 2022 r., zauważając również, że produkcja tak naprawdę rozpocznie się znacznie później, kiedy reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. ustalili harmonogram na okolice października 2023 r. W szerszej rozmowie we wrześniu 2025 r. w PASH!, w której uczestniczyli nie tylko Kabashima, ale także producenci Kadokawy Chiaki Kurakane i Toshinori Fujiwara, ten ostatni potwierdza, że kontaktował się z różnymi studiami w sprawie wydania dwóch pierwszych tomów mangi (od marca 2022 r. do października 2022 r.), zanim podjął decyzję zespół Cygames Pictures pod przewodnictwem Takeshity.
Kiedy dokonano tego wyboru, przejrzystość wizji Takeshity dodała producentom pewności. Zamiast szukać pokornego reżysera, który uginałby się pod ich wyborami, najwyraźniej zrozumieli, że uchwycenie atrakcyjności HikaNatsu opiera się na wartościach niematerialnych, które najlepiej pozostawić genialnym twórcom z konkretnymi pomysłami. Dlatego pocieszające było dla nich to, że Takeshita wypowiadał się głośno i miał swoje zdanie na temat procesu rekrutacyjnego, zapobiegawczo kierując go w stronę idei anime enshutsu. Zaletą dokonanych wówczas wyborów będzie jeden z punktów, na którym skupimy się, gdy będziemy zagłębiać się w same odcinki, ale zanim do tego dojdziemy, powinniśmy rozwiać kuszący mit: pogląd, że Takeshita przyjęła takie podejście, aby ominąć ograniczenia produkcji.
Ważne jest, aby mieć jasność co do faktu, że produkcje CyPic nie zawsze są tak efektowne, jak wielu by się spodziewało, i że reżyser taki jak Takeshita nie potrzebuje zewnętrznej motywacji, aby eksperymentować. Chociaż powstanie studia wspieranego przez ogromną firmę i wypuszczenie olśniewających perełek, takich jak projekt Beginning of a New Era, otacza aura drogich, głośnych produkcji, nie wszystkie projekty CyPic powstają w ten sam sposób. A ściślej mówiąc, duży wzrost ich wydajności w ostatnim czasie spowodował, że wiele z nich musiało pójść na skróty.
Ograniczenia te objawiają się na różne sposoby; rozpoczynać projekty wcześniej, ale także wyznaczać terminy, które ograniczają możliwości personelu, odmówić przyłączenia się do obecnych wojen licytacyjnych o pozyskanie najlepszych animatorów, nieco skąpić na studiach pomocniczych i ogólnie stawiać niższą poprzeczkę, jeśli chodzi o dopracowanie rysunku, niż by tego chciały ważniejsze projekty. Pamiętaj, że uchodzi im to na sucho – nie zawsze, przepraszam za rodzaj przytłaczającej adaptacji Kopciuszka Grey – ponieważ pracowali z wieloma inteligentnymi, zaradnymi zespołami. Dlatego też zasługa powinna należeć bardziej do nich niż do środowiska.
To samo dotyczy HikaNatsu. W głównym sztabie wybranym przez Takeshitę znajduje się mnóstwo wyjątkowych osób, ale gdy przyszło do wzmocnienia reszty zespołu, zadowolił się skromniejszym składem. Mając jednak tak jasną wizję, mógł wciągnąć idealnie pasujących, wciąż pomijanych znajomych do reżyserii odcinka. Kierunek odcinka (演出, enshutsu): zadanie kreatywne, ale także koordynacyjne, ponieważ wymaga nadzorowania wielu działów i artystów zaangażowanych w produkcję odcinka – zatwierdzania układów animacji wraz z dyrektorem animacji, nadzorowania pracy zespołu fotograficznego, działu artystycznego, personelu CG… Rola ta występuje również w filmy, odnoszące się do osób odpowiedzialnych za poszczególne fragmenty filmu. obowiązki. Sama premiera jest dowodem zarówno na ich sukces, jak i ograniczenia. Jego dość szorstka grafika postaci może kłócić się z reputacją projektu, szczególnie w obliczu kilku świetnych gości animacji, którzy się pojawiają. Reżyser nigdy nie ukrywał, że harmonogram stawał się coraz bardziej problematyczny w miarę zbliżania się końca, warto jednak zauważyć, że mimo tych okoliczności udało im się osiągnąć poczucie stabilności. Jasne, anime HikaNatsu nie może dorównać dopracowaniu najbardziej prestiżowego anime telewizyjnego – nie mówiąc już o jakości ilustracyjnej mangi – ale udaje mu się utrzymać ten sam akceptowalny poziom przez całą transmisję. Gdyby we wcześniejszych odcinkach byli zbyt ambitni, jeśli chodzi o standardy, serial mógłby się zawalić w drugiej połowie.
Elastyczność, która pozwoliła im dostosować się do okoliczności produkcji, jest pozytywną cechą, którą możemy powiązać zarówno z zespołem Takeshita, jak i praktycznym personelem zarządzającym CyPic. Jednakże, jak wspomnieliśmy wcześniej, nie powinniśmy przypisywać związku przyczynowego tam, gdzie go nie ma. Oznacza to, że Takeshita zawsze chciał stworzyć klimatyczne, eksperymentalne anime typu horror – gatunek, którym zainteresował się podczas rozmowy z ANN. Prawdę mówiąc, takie potwierdzenie nie było nawet potrzebne, bo to było coś, co zawsze można było wyczuć w jego twórczości; oczywiście, że ekscentryczny reżyser, który uwielbia emulować ręczne kamery, lubił wciągający horror. Jest powód, dla którego był tak pewien, że chce stworzyć anime enshutsu, zanim w ogóle posmakuje warunków produkcji: na tym leżały zainteresowania Takeshity, a charakter tej serii był idealnym pretekstem, aby się nimi zająć.
To nie ograniczenia zrodziły geniusz HikaNatsu – jest to w dużej mierze nieodłączne od ludzi, którzy go stworzyli. Średnie warunki produkcyjne (dla przypomnienia, bardzo dalekie od najgorszych, jeśli chodzi o obecne anime telewizyjne) nie są czymś godnym pochwały, ponieważ serial mógłby być jeszcze lepszy przy bogatszych harmonogramach i większych zasobach. Nie stępiłoby to ich ostrości, ale raczej otworzyłoby drzwi do rodzaju dopracowanej gry aktorskiej, której nie byliby w stanie wykonać, do natychmiast robiących wrażenie rysunków, które mogłyby konkurować z materiałem źródłowym pod tym względem. W każdym razie mogło to być jeszcze bardziej eksperymentalne, ponieważ nietypowe metody, którymi interesuje się Takeshita, zwykle wymagają więcej czasu, zanim przyniosą rezultaty. Chociaż nie uważałbym tego za oczywiste, widząc, jak staje się to trendem w studiu, możemy mieć nadzieję, że jego sukces zmotywuje producentów do wsparcia już ogłoszonej kontynuacji tak bardzo, jak na to zasługuje.
Biorąc pod uwagę wyraźnie określony punkt widzenia reżysera, po prostu musieliśmy zacząć kadrować tę adaptację przez optykę anime enshutsu. Tak wyobrażał sobie tę adaptację od początku i w dodatku doskonały sposób na podejście do horroru. W końcu mówimy o gatunku, w którym kluczowe znaczenie ma wciągające doświadczenie z chwili na chwilę. Jednak obsesja na punkcie mikro kosztem makro mogła ostatecznie doprowadzić do pustych wrażeń, choć w rękach takich jak Takeshita może odnieść sukces. Taki, w którym wciąga Cię każda scena, ale od którego odchodzisz bez trwałego, rezonansowego wrażenia. Gdyby nie wzięto pod uwagę nadrzędnych tematów i kuszących pomysłów przedstawionych przez oryginalnego autora Mokumokuren, mogłoby tak się zdarzyć, nawet przy poziomie inspirujących scenorysów, jakie otrzymaliśmy.
Takeshita nie był sam w pragnieniu zachowania głównych pomysłów stojących za serią. Obok niego był na przykład autor, który je wymyślił. Mokumokuren wielokrotnie powtarzał, że chociaż nie mają wcześniejszego doświadczenia w projektach adaptacyjnych, wyobrażają sobie, że są znacznie bardziej zaangażowani niż zwykle bywają autorzy. Jest to coś, co stwierdzono w Newtype z października 2025 r. z udziałem Mokumokuren, Takeshita i Murayama, ale najzabawniej przedstawiono to w Comic Natalie okrągłym stole pomiędzy wspomnianą autorką a wykonawcą otwierającym Vaundy. Ta ostatnia wyjaśniła tam, że nigdy nie uczestniczyła w spotkaniu z autorem, zanim nie stworzył dla nich piosenki. Chociaż proces produkcji był w zasadzie zwyczajny, nawet jeśli chodzi o obecność oryginalnego twórcy, proaktywność Mokumokurena na regularnych spotkaniach – i dodatkowe zadania, takie jak kolorowy scenariusz sekwencji otwierającej – doprowadziły do sytuacji, w której cenne pomysły autora mocno odbiły się na adaptacji.
Pamiętaj, że nie bez powodu mówimy o koncepcjach, na których zależy autorowi, a nie o specyfice materiału źródłowego. Anime HikaNatsu nigdy nie wahało się zmienić oryginalnej historii, nie mówiąc już o dostosowaniu realizacji, aby wykorzystać charakter nowego płótna. We wspomnianej rozmowie z Newtype Mokumokuren wspomina ich pierwsze spotkanie z Takeshitą, podczas którego reżyser zapytał, czy mogliby od razu zmienić sytuację – „nie otwierajcie się z tym!” – pomyślał rozbawiony autor. Tak naprawdę obaj byli zgodni co do konieczności modyfikacji niektórych aspektów. Wiele proponowanych zmian (w tym także tych na większą skalę) zrodziło się z sugestii Mokumokuren lub przynajmniej z ich bliskiej współpracy z Takeshitą. Mogę śmiało stwierdzić, że niektóre z tych zmian podniosły jakość programu telewizyjnego. A jeśli chodzi o te, które moim zdaniem dają bardziej mieszane rezultaty, nadal mogę podziwiać ich jasną, zdecydowaną intencję. Po raz kolejny lekcja jest taka, że autorzy lepiej niż wokalni fani rozumieją nieodłączną potrzebę zmian w adaptacjach.
O co więc u podstaw HikaNatsu chodzi? Jej założenia są równie proste, co przekonujące. Zostajemy przeniesieni do raczej odizolowanej wiejskiej scenerii, podążając śladami introwertycznego licealisty Yoshikiego Tsujinaki. Stopniowo dowiadujemy się, że był to tajny rytuał ich wioski, a jego najlepszy przyjaciel Hikaru zaginął przed rozpoczęciem serii. Potencjalnie tragiczna historia, która wydawała się mieć szczęśliwe zakończenie, gdy pojawił się ponownie, zdezorientowany, ale wystarczająco zdrowy. Ale tak naprawdę to tylko powierzchnia. Cokolwiek zamieszkuje teraz jego skórę, nie jest już osobą, którą znał Yoshiki. W rzeczywistości nie jest to żadna osoba; „Hikaru” to nadprzyrodzona istota, która przyszła na ten świat bez poczucia siebie, nie mówiąc już o ludzkiej moralności. W tej bezpośredniej rekonstrukcji eksperymentu myślowego Swampmana te dwie rzeczy stają się nierozerwalnie powiązane, co zmusza czytelnika – i biedne dzieciaki wrzucone w tę sytuację – do zastanowienia się, co naprawdę tworzy człowieka.
Choć ta strona historii jest ważna, idee te są nierozerwalnie związane z czymś innym: horror konformizmu i, odwrotnie, urok przerażającej inności. Jeśli porwanie ciała jest klasyką horroru, podobnie jest z łączeniem opresyjnej atmosfery wiejskiego środowiska z zjawiskami nadprzyrodzonymi. Dla Yoshikiego dusząca codzienność nie zaczęła się wraz z pojawieniem się „Hikaru”. Zrobił to wiele lat wcześniej, kiedy miał dość wszystkich dorosłych, którzy mówili mu, żeby obciął grzywkę, z którą czuje się bardziej komfortowo. Stało się tak, gdy zdał sobie sprawę, że nie może uciec od szeptów na temat swojej rodziny; jego matka z zewnątrz, siostra, która nie chodzi do szkoły, on sam. A zwłaszcza, gdy zinternalizował, że jego własna seksualność jest niezwykła i traktowana jako rażące odchylenie od normy. Hikaru nie był tylko jego przyjacielem, ale kimś, kto pociągał go romantycznie i seksualnie. Teraz, gdy go nie ma i został zastąpiony przez dziwaczne stworzenie, sytuacja się znacznie bardziej komplikuje.
W związku z tym Mokumokuren coraz wyraźniej mówi, czym HikaNatsu jest, a także czym nie jest. Jeśli wrócisz do początkowego one-shota, z pewnością zauważysz, że wiele stron jest dokładnie takich samych, jak na początku serializacji. Zauważysz jednak również, że dwójka głównych bohaterów szybko pocałuje się i rozpocznie normalną komedię romantyczną, jaką można mieć w takich okolicznościach. Jednak nie tą drogą poszła cała historia. Jak Mokumokuren był zmuszony wielokrotnie powtarzać z powodu nacisków fanów z różnych stron, HikaNatsu to nieromantyczna historia queer. Jest wiele powodów, które pchnęły ich w tym kierunku: przekonanie, że ważne jest oddzielenie queerowości od romantyzmu, chęć szerokiego dotarcia do wszelkiego rodzaju ludzi, którzy czują się odrzuceni przez normy społeczne, a co najważniejsze, miłość Mokumokuren do drugiej osoby.
Ten ostatni punkt jest dość wyraźnie przedstawiony w narracji HikaNatsu, ale uważam, że poprzednia rozmowa z Vaundy jest jej najzabawniejszym podsumowaniem. Autor, zasadniczo bez podpowiedzi, zaczyna tyradę przeciwko Pięknej i Bestii oraz wszystkim historiom, które mają podobny schemat. Jako kogoś, kogo pociągają aberracje – postrzegając ich urok i odrazę jako odurzający koktajl – pomysł, że szczęśliwe zakończenie wiąże się z przekształceniem ich w zwykłą ludzką istotę, jest obraźliwy dla Mokumokuren. Równie ważne, jak precyzyjne zdefiniowanie uczuć Yoshikiego, była ochrona nienormalnej, niezrozumiałej natury „Hikaru”. Prosty romans w rozumieniu społeczeństwa ludzkiego nieuchronnie wiązałby się z demonstrowaniem „Hikaru”, którym autor się brzydzi. Chociaż serial w dużej mierze opowiada o miłości i każdy, kto ceni pikantność, uzna ten scenariusz jedynie za jeszcze smaczniejszy BL, ważne jest, aby zrozumieć, dlaczego oryginalny autor nie jest zachwycony etykietami. W końcu agresywne naciskanie na tych ludzi wymusza także skupiony na człowieku pogląd, którego nie lubią.
Można wymyślić tak interesujący, wewnętrznie spójny pogląd, a mimo to udałoby się udaremnić wykonanie. Ale to jest HikaNatsu, serial, który przykuł uwagę wszystkich, ponieważ jego sposób przedstawienia był tak inspirujący. Nawet mając własne zainteresowania zmierzające w tym kierunku, Takeshita być może nie byłby zmuszony do całkowitego zaangażowania się w anime enshutsu, gdyby Mokumokuren nie był genialny w syntezowaniu tych tematów w obrazy, które zapadają w pamięć. Spośród wielu narzędzi, których autor używa w tym procesie, jedno jest szczególne, o którym wspominaliśmy w każdym wywiadzie, o którym wspominaliśmy do tej pory. I realistycznie rzecz biorąc, w większości o czym jeszcze nie wspomnieliśmy, jak rozmowa PASH z dyrektorem artystycznym. Dyrektor artystyczny (美術監督, bijutsu kantoku): osoba odpowiedzialna za grafikę tła serialu. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. Kouhei Honda. Jeśli kiedykolwiek czytałeś HikaNatsu, prawdopodobnie wiesz, że mówimy o wykorzystaniu efektów dźwiękowych, onomatopei i ogólnej ewokacji dźwięku.
Uchwycenie pełnej szerokości tego aspektu w anime wymagałoby czegoś więcej niż tylko świetnego kierunku dźwięku, ale nie oszukujmy się, od tego należy zacząć. Takeshita myślał podobnie, gdy wymyślił nazwę Kouji Kasamatsu, aby nadać formę wszechobecnemu, niemal namacalnemu dźwiękowi; i podobnie jak w przypadku poprzednich wyborów, także dlatego, że osobiście szukał pretekstu do współpracy z nim. Być może zauważyłeś, że Takeshita jest bezpośrednio zaangażowany w ten aspekt, zyskując sobie rolę reżysera dźwięku (ongaku kantoku). Tymczasem Kasamatsu jest wymieniony w niestandardowej roli ongaku enshutsu. Jak się okazuje, to naprawdę słowo kluczowe dla całej produkcji.
W wywiadzie dla JINS PARK Kasamatsu ujawnia, jak zetknął się z anime i dlaczego faworyzuje tę konkretną zasługę. Karierę zawodową rozpoczął jako technik efektów dźwiękowych w programach telewizyjnych, choć jego prawdziwą pasją był film. A ponieważ był pełen pasji, był także krytyczny – dlatego dźwięk w japońskich filmach wydawał mu się rozczarowujący. Majsterkując przy najnowocześniejszej wówczas cyfrowej stacji roboczej audio, którą nabył jego szef, przeprowadzał eksperymenty, takie jak montaż własnego zwiastuna filmu Patlabor: The Movie, zastępując dźwięk czymś, co spełnia jego standardy. Przy okazji przykuł uwagę producentów maszyny, a ostatecznie samego personelu dźwiękowego Patlabor.
Dzięki temu zabawnemu incydencie otworzyły się przed Kasamatsu drzwi do animacji i filmu. Ponieważ jest tak wyjątkowy, lubi brać udział od najwcześniejszych etapów (jako aktywna strona w planowaniu ścieżki dźwiękowej) aż do samego końca, poprawiając dialogi i synchronizację w końcowych wersjach. Zdaje sobie sprawę, że takie stanowisko jest zwykle określane jako szczególnie wpływowe ongaku kantoku, ale ponieważ nie jest wielkim fanem imponującej aury, jaką roztaczają te słowa, woli zastosować bardziej skromnie brzmiące ongaku enshutsu. W ten sposób przypisywano mu udział w wielu projektach Ghibli, w tym w czasie, gdy Miyazaki poprosił go o wyobrażenie sobie wszystkich efektów dźwiękowych w Zrywa się wiatr jako dźwięków wytwarzanych przez człowieka. Stał się wyłączną osobą, do której można się zwrócić z ikonami teatralnej japońskiej animacji. Dzięki HikaNatsu po raz pierwszy od ponad dekady znalazł się w czołówce anime telewizyjnego. Możesz policzyć, ile razy zdarzyło się to jedną ręką, a nadal będziesz miał wolne palce. Nawet postać serialu, która zbyt lubi poświęcać części swojego ciała, mogłaby sobie z tym poradzić.
Kolejnym centralnym aspektem adaptacji jest wspólna rola dźwięku w przypadku podobnie mocnej sceny, zwłaszcza dla widzów, którzy nie są świadomi założeń serialu. To właśnie nadaje formę prawdziwej naturze „Hikaru” – wyraźnie lepkiej, hipnotyzującej formie. W momencie ogłoszenia adaptacji każdy fan od razu zrozumiał, dlaczego Takeshita osobiście wybrał Masanobu Hiraokę jako artystę, któremu powierzono tę konkretną rolę. Jego mistrzostwo w ruchu morphingu w niezależnych dziełach czasami zapewniało mu pozycję w głośnych projektach komercyjnych, chociaż ten wyjątkowy styl czyni go niekompatybilnym z większością anime.
Większość anime, ale nie HikaNatsu, gdzie pasuje z doskonałą (nie)naturalnością. Płynne formy Hiraoki są hipnotyzujące, podobnie jak obecny „Hikaru”, do którego Yoshiki nie może przestać się przyciągać pomimo wyraźnego niebezpieczeństwa. Zmieniające się kształty przypominają struktury biologiczne, które można znaleźć w komórkach; a jednak różnią się zasadniczo, dorównując efektowi, jaki osiągają fraktalne horrory Mokumokuren. Anime przełącza się na te specjalne cięcia, ilekroć ma zamiar przyspieszyć horror, ale być może są one najskuteczniejsze, gdy współistnieją ze zwykłymi wydarzeniami. Pod tym względem niewiele scen zapada w pamięć tak dobrze, jak adaptacja sceny, która początkowo pomogła HikaNatsu wystartować: „Hikaru” topnieje, gdy Yoshiki pyta, kim naprawdę jest.
Uważam, że ważne jest, aby postrzegać te filary horroru HikaNatsu nie jako odrębne elementy, ale jako część połączonej sieci, którą tworzą. Pomimo ogromnej różnorodności technik stosowanych przez każdego reżysera odcinka, wszystkie one łączą się w jedną jednolitą teksturę, która jest ściśle powiązana z tematami, które omawialiśmy wcześniej. HikaNatsu jest lepki i lepki. Płyn, który przenika wszędzie. Podobnie jak upał lata, uchwycony tak precyzyjnie przez kierunek artystyczny Hondy, kolorystykę Naomi Nakano i kompozycję Tomohiro Maeda. Miażdżenie czerni w cieniu i niewygodne poprawianie kontrastu mogą być niepożądanymi wyborami w innych seriach, ale pasują do spokojnie wszechogarniającego niepokoju HikaNatsu. Nawet rola Hiraoki otrzymuje nazwę animacji dorodoro, od onomatopei w mandze. Ponownie, jest to ściśle powiązane z przenikającą grozą z formą dźwięku. Obydwa aspekty mają tę samą teksturę, jak presja społeczna, która emanuje wokół Yoshikiego, bez względu na to, gdzie się znajduje. Wszystko to jest nieprzyjemne, a mimo to nie można odwrócić wzroku. To jest złożona relacja z nieznanym, którą Mokumokuren chce przywołać.
Nawet biorąc pod uwagę, że Takeshita jest na szczycie wszystkiego, anime HikaNatsu nie byłoby w połowie tak wciągające, gdyby każdy odcinek pomiędzy tymi, które stworzył, nie był sam w sobie wciągającym doświadczeniem. Na szczęście proces rekrutacyjny, który dodał producentom pewności siebie, okazał się tak szybki, jak tego oczekiwali. Kolejne odcinki pokazują, jak przybycie innych reżyserów nie powstrzymuje produkcji od pomysłowego tańca wokół swoich ograniczeń, wzmacniając przy tym swoje pomysły. Pamiętaj, drugie jabłko nie spadło daleko od jabłoni; odcinek #02 został wyreżyserowany i wyreżyserowany przez obiecującego Mitsuhiro Oosako, animatora Dogakobo, który przejął wiele cech od reżyserów pracujących obecnie w studiu. Ponieważ jednym z najbardziej znaczących bohaterów tej grupy jest sam Takeshita, nie jest zaskoczeniem, że Oosako tak dobrze odnalazł się w tej serii.
Gdy Yoshiki próbuje przetworzyć wszystko, co się wydarzyło, od porwania ciał po morderstwo, które z pewnością nie jest powiązane z „Hikaru”, Oosako podkreśla swoją podmiotowość poprzez powtarzające się zdjęcia przez jego grzywka. To rodzaj wyboru kadru tak oczywisty, że nikt nie może przeoczyć jego znaczenia, a jednak najskuteczniejsze w tym odcinku ilustracje przestrzeni Yoshikiego w głowie to po raz kolejny te, które przekładają duszące ciśnienie, jakie odczuwa, na dźwięk. Najbardziej błyskotliwy wybór w tym odcinku dosłownie dosłownie odzwierciedla żarty Yoshikiego o dziwacznych wnętrznościach przypominających kurczaka, dzięki wykorzystaniu ujęć mięsa na żywo. To, co początkowo zabawne, staje się nawiedzającymi obrazami, gdy pęka pod presją. Wyciągające się dłonie stają się realistycznymi kawałkami wyciągniętych mięs z kurczaka, z bardziej realistyczną fotografią. Fotografia (撮影, Satsuei): Połączenie elementów wyprodukowanych przez różne działy w gotowy obraz, obejmujący filtrowanie w celu nadania mu bardziej harmonijnego charakteru. Nazwa odziedziczona z przeszłości, kiedy w tym procesie faktycznie używano kamer. reklamy pełnoekranowe zmieniające zwyczajność w coś odrażającego. Odrażające rysunki ucieleśniają efekt niesamowitej doliny, który Mokumokuren często wykorzystuje jako broń, ale dzięki jego subiektywnej percepcji nadal możemy odczuwać odurzający pociąg. Dzieją się złe rzeczy i nasz chłopak jest od nich tragicznie uzależniony.
Z kolei trzeci odcinek to nieco bardziej ryzykowny wybór personelu. Warto dodać, że Asaka Yokoyama jest wielką fanką serialu, więc nie jest wielkim zaskoczeniem, że tak dobrze rozumiała jego naturę. Zespół musiał się zgodzić, biorąc pod uwagę, że wraz z Hiraoką animowała już kluczowy zwrot akcji podczas premiery. A jednak sposób, w jaki tam trafiła, nie był tak bezpieczny, jak reżyserka serialu. Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. powierzając epizod swojemu uczniowi. Kiedy po raz pierwszy zapowiedziano anime – kilka miesięcy od rozpoczęcia produkcji – świętowała to i natychmiast błagała zespół, aby pozwolił jej pracować w serialu. Nie było to dla niej nawet nowością, ponieważ publicznie miała nadzieję, że uda jej się narysować scenorysy do hipotetycznej adaptacji HikaNatsu od 2022 roku, kiedy opublikowano zaledwie kilka rozdziałów. Pomimo niewielkiego lub żadnego doświadczenia reżyserskiego Asaka sprawiała wrażenie artystki z pomysłami, więc zespół szybko powitał ją w swoich szeregach (za pośrednictwem producenta animacji Kenty Ueuchi).
To założenie się opłaciło, być może dlatego, że naprawdę spędziła lata wyobrażając sobie, co zrobiłaby z HikaNatsu, gdyby miała to być animacja. W sposób przypominający stopniową eskalację strachu w mandze jej odcinek poprzez powtarzanie ustala wyraźny rytm. Powtarzające się obrazy i wspomnienia stają się bardziej zniekształcone, im częściej je widzimy, w rytmie, który sam w sobie wydaje się niewygodny. Prowadzi to do eksplozji ludzkich uczuć i nieludzkich instynktów; przekazywana poprzez ponowne wizualizacje zapadających w pamięć paneli, powtarzających się narzędzi, takich jak dźwięk i szlam Hiraoki, a także jej własnych dodatków, takich jak szkice, które wywołuje nieludzkość. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
