Maintenant que le premier arc de l’anime Dandadan est terminé, nous pouvons revenir sur la façon dont il représente l’extraordinaire obsession de son réalisateur pour la logique interne, la manière dont cela a permis des choix créatifs, et aussi les limites auxquelles son équipe doit faire face..
Dans notre premier article sur Dandadan, nous nous sommes concentrés sur la présentation des principaux membres de l’équipe ainsi que sur les motivations derrière leurs choix créatifs. Le principal d’entre eux était le réalisateur débutant de la série. Directeur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Fuga Yamashiro, dont le profil artistique est si sujet aux malentendus qu’il a lui-même tenté à plusieurs reprises de le clarifier. Le réalisateur nie être un auteur brillant et radical, se présentant plutôt comme un individu extrêmement logique ; il lui suffirait d’ajouter qu’il est maladroit pour faire battre le cœur de Momo. Ses pairs sont tout à fait d’accord avec cette évaluation, le qualifiant affectueusement d’enshutsu otaku, un geek obsédé par les détails techniques, ayant rassemblé les techniques de tous les créateurs qu’il admire et ayant ensuite construit une approche de mise en scène qui consiste à réutiliser ces astuces stockées./p>
Bien que nous ayons mis en évidence plusieurs aspects par lesquels Yamashiro a canalisé cet état d’esprit logique, aucun d’entre eux ne s’est autant démarqué que l’utilisation de la couleur par Dandadan. Après tout, il est difficile de rater l’écran entièrement teint d’une seule couleur, ou peut-être divisé en deux qui représentent clairement un affrontement entre deux personnages. Sur la base de l’utilisation ciblée tout au long de la première, après avoir vu d’autres épisodes grâce à la présélection, et également armés des informations fournies par les vidéos promotionnelles, nous avons fait quelques hypothèses éclairées sur la vision de Yamashiro. C’est-à-dire que nous devinions que son approche ordonnée l’avait amené à réglementer précisément l’utilisation de la couleur, en attribuant une teinte spécifique à chaque être surnaturel.
À travers les interviews plutôt régulières que Yamashiro donne, un L’avantage de Dandadan étant une série populaire et sa production suffisamment avancée pour lui permettre de le faire, il a abordé ces choix créatifs avec une précision de plus en plus élevée. Alors que dans les interviews que nous avons soulignées dans l’article précédent, il s’est davantage concentré sur la philosophie qui était sa direction, désormais (et grâce à un bon nombre d’épisodes déjà largement diffusés) le réalisateur de la sérieRéalisateur de la série: (監督, kantoku): La personne dans responsable de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. peut parler de la façon dont il a choisi de manifester ces idées. Ce faisant, il a déjà confirmé nos spéculations antérieures ; ce n’est pas tant le signe d’un œil attentif de notre part que la preuve que l’intention de Yamashiro est très claire. Et, comme cela a tendance à être le cas, les aspects les plus intéressants résidaient dans les informations supplémentaires qu’il a partagées.
Parler à Mantan Web dans cette récente interview, Yamashiro a d’abord souligné l’évidence : les changements radicaux de couleur sont une représentation visuelle de l’acte d’entrer dans le surnaturel. En attribuant à chaque groupe de ce cocktail paranormal une couleur qui lui est propre, ils facilitent non seulement des compositions visuelles saisissantes lorsqu’ils s’affrontent, mais soulignent également l’idée que ces espèces, voire ces individus, ont leurs cultures et caractéristiques uniques.
Comme nous l’avions exploré auparavant, le mélange éclectique des genres de Dandadan est né du penchant de l’auteur original pour les films croisés originaux comme Sadako vs Kayako, qu’il a élargi pour inclure des yôkai, des extraterrestres, avec un fort tokusatsu. angle – et toutes sortes de pouvoirs psychiques. Bien que le chevauchement entre ces êtres d’un autre monde fasse partie du récit lui-même, cela expose un peu une binaire dans la prémisse ; d’un côté, vous avez les esprits terrestres, souvent liés à des mythes très locaux, et de l’autre, les envahisseurs extraterrestres à la recherche d’organes génitaux.
Pour représenter cette division, Yamashiro et son équipe ont décidé d’attribuer des couleurs chaudes pour la fantaisie des yokai et des couleurs froides pour les extraterrestres du côté science-fiction. Si vous avez lu le matériel source, revoir les les vidéos promotionnelles de l’anime vous dira que c’est effectivement ce qu’ils font… pour le la plupart du temps, car même le logique Yamashiro a admis que de telles règles devaient être modifiées dans le but d’une exécution visuellement convaincante. Si vous envisagez de teindre des écrans entiers dans un petit nombre de couleurs pour les heurter de manière intéressante, vous feriez mieux de les choisir correctement. Comme il l’a expliqué à Mantan, le premier épisode s’appuyant sur un contraste universellement compris entre le rouge et le bleu était tout à fait exprès, afin que le public puisse s’acclimater à cette approche.
Cependant, n’est-ce pas précisément cela ? le type de direction capricieuse et pratique que Yamashiro prétend éviter ? Dans une certaine mesure, la réponse serait oui, mais la vérité est plus compliquée (et intéressante) que cela. Pour commencer, il est important de comprendre qu’il n’y a pas de dichotomie claire entre des réalisateurs guidés par une logique stricte et réglementée proche de Yamashiro et des virtuoses purement instinctifs. Ne cherchez pas plus loin que Naoko Yamada, l’une des créatrices sur lesquelles nous avons le plus écrit sur ce site-et curieusement pertinente ici, car la production de son dernier film chevauchait celle de Dandadan au même studio.
Comme nous l’avons exploré précédemment, l’approche expérimentale de Yamada établit des parallèles entre les éléments centraux du récit et les concepts scientifiques ; dans Liz and the Blue Bird, deux personnages principaux qui s’aiment fondamentalement mais ne sont pas d’accord autrement sont représentés à travers l’idée d’entiers premiers entre eux, qui ne partagent que le chiffre 1 comme diviseur commun.. Le personnel devient objectif, carrément mathématique, et cela s’exprime ensuite dans un mélange tout aussi large. Dans ce cas, par exemple, en suivant le parcours numérique et en traduisant cette inadéquation à travers différents bpm pour la musique de fond qui correspondent aux actions de chaque personnage, auxquels l’animation correspond alors parfaitement. Ce côté plus calculé est constamment agrémenté d’un talent artistique carrément imprévisible, comme l’utilisation de la décalcomanie pour exprimer les récits des personnages en miroir.
En fin de compte, l’appréciation de Yamada pour la banalité arbitraire l’empêche de se présenter comme une conteuse qui valorise la rationalité sur tout. Au contraire, elle n’est même pas entièrement convaincue par l’idée qu’elle doit être une conteuse, car elle est parfaitement à l’aise en donnant la priorité à l’expérience sensorielle sans structure traditionnelle. Des règles existent dans ses œuvres, c’est pourquoi l’un des personnages principaux de Liz a tendance à jouer avec ses cheveux de manière reconnaissable, mais elles ne doivent pas devenir un dogme visible et indiscutable ; interrogée sur ce geste, elle a nié avoir une signification spécifique selon le côté de sa frange qu’elle touchait, car ce niveau de certitude la transformerait en robot aux yeux du réalisateur.
Quand Yamashiro se qualifie de réalisateur à l’esprit technique, il convient donc de garder à l’esprit que ce n’est pas non plus une vérité absolue. Il est indéniable qu’il s’agit d’une tendance forte dans son cas, mais son approche particulière des rôles de réalisateur ajoute des frictions intéressantes à sa vision clinique. En tant qu’individu qui a construit un style impersonnel en rassemblant des techniques que d’autres réalisateurs ont utilisées dans leurs films, pour ensuite les démonter et les réutiliser pour ses propres œuvres, bon nombre des astuces qu’il emprunte ont une fantaisie inhérente. Yamashiro n’utilise peut-être pas une technique particulière simplement parce que son instinct lui dit que cela lui convient, mais il s’inspire des réalisateurs qui l’ont déployée à l’époque pour cette raison, donc le côté ludique fait malgré tout partie de Dandadan.
Même au-delà des nuances et des petites contradictions de sa philosophie, il convient également de considérer où Yamashiro souligne ces besoins logiques. Pour le dire clairement, la grande majorité des téléspectateurs n’auront jamais la moindre idée du raisonnement détaillé qui se cache derrière chaque petit choix dans son travail, et le réalisateur s’en contente parfaitement. Tant que le résultat est susceptible d’être examiné si quelqu’un tente de le faire, et aussi longtemps que ses propres désirs sont satisfaits, l’objectif sera atteint. Yamashiro peut en effet éviter de faire un choix stylistique spécifique simplement parce qu’il pensait que cela avait l’air dur à cuire, mais il sera heureux de vous laisser le sentiment que c’est le cas, même si vous ne remettez pas en question les mécanismes internes qui ont permis cette fraîcheur.
Comme nous l’avons également écrit précédemment, Dandadan est une œuvre de pur divertissement que l’auteur original a écrite après de multiples échecs de sérialisation, à un moment où son éditeur lui a conseillé de se laisser aller. Même si le réalisateur de l’anime est allergique à la Rule of Cool, il donne tout pour capturer l’expérience d’une série qui tourne autour de ça. Lorsque nous parlons de son approche logique, nous examinons donc une tentative de rationalisation d’une série absurde. Alors que ces perspectives concurrentes s’opposeraient normalement, l’ingéniosité de Yamashiro lui permet de construire un échafaudage logique qui renforce la folie palpitante de l’œuvre originale. À certains moments, il doit simplement l’accepter – c’est une série hautement fantastique après tout. Cependant, dans la mesure du possible et avec un certain degré de conviction, vous verrez rarement un réalisateur de série débutant. Directeur de série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces cas-là est un scénario au cas par cas., il fera des efforts extraordinaires pour que tout soit intérieurement et matériellement cohérent. Pas une loi absolue, mais une tendance forte et délibérée.
En revenant brièvement sur le premier épisode, nous pouvons apprécier la profondeur – et les limites occasionnelles – de l’obsession du réalisateur pour la logique. Nous avions déjà discuté des efforts de Yamashiro pour ancrer ses choix dans les règles et les possibilités du monde dans un sens très tangible, dans sa tentative pour que tout ait un sens. Par exemple, nous avons souligné comment les représentations d’éclairage et de couleurs du premier épisode étaient rendues diégétiques autant que possible. Ce que ces nouvelles interviews ont cependant montré clairement, c’est que l’équipe de Yamashiro fonctionne en construisant un réseau invisible de raisonnement logique qui facilite les choix les uns après les autres, comme s’ils étaient séquentiels. Encore une fois, le réalisateur est d’accord avec le fait que le public ne soit pas au courant de tout cela ; il veut fournir une base qui vous permet d’imaginer comment chaque petit détail pourrait se produire dans le monde de Dandadan, mais il ne se soucie pas vraiment de les expliquer à voix haute.
Pour illustrer cela, nous pouvons simplement considérer Les aventures séparées de Momo et Okarun pour chasser le surnaturel. Comme Yamashiro l’a souligné, la première chose que nous voyons à chacun de leurs emplacements est la lune: un jaune chaud près du tunnel où il se dirige, et un bleu très brillant mais froid dans le bâtiment où elle se trouve. Il est évident que cette distinction mène aux éventuels ennemis (et donc aux palettes uniques) auxquels les deux seront confrontés, mais faire cela sans justification froisserait le réalisateur dans le mauvais sens. Alors, comment pouvait-il justifier l’affichage de deux lunes manifestement différentes, au cours de la même nuit, à la même heure, dans des endroits relativement proches ?
Heureusement pour lui, un de ses choix antérieurs avait permis à la solution de ce nouveau dilemme. Comme nous l’avions déjà évoqué, Yamashiro avait profité d’une lacune dans la bande dessinée originale – le fait que l’on ne voit pas où se trouvait leur vaisseau spatial – pour transformer la lune près du bâtiment en un OVNI camouflé. À son tour, il a estimé que c’était un choix judicieux, car ces mêmes extraterrestres se déguisent pour paraître naturels, ils le feraient donc probablement également avec leurs véhicules.
En y réfléchissant autant, il est parvenu à une position où la disposition de toutes ces pièces est presque automatique. Ses envies logiques pourraient être justifiées en ajustant les détails afin que les deux lunes aient une très bonne raison de briller de couleurs complètement différentes ; après tout, l’une d’elles n’est pas du tout la lune, mais plutôt le vaisseau masqué d’une espèce masquée. Au-delà de la solidification de l’accumulation, cela a également permis à Yamashiro d’utiliser le faux clair de lune à des fins de narration sans avoir à se soucier d’une intensité qui ne serait pas du tout fidèle à la réalité. C’est l’iceberg de la mise en scène de Yamashiro : une pointe visible avec des stylisations convaincantes pour renforcer la narration, et sous l’eau, un corps massif de rationalisation logique. Vous pouvez profiter de la beauté du premier sans avoir conscience de ce qui se trouve en dessous, mais il est intéressant d’y jeter un coup d’œil et de remarquer à quel point elle va en profondeur.
À vrai dire, cet état d’esprit serait normalement plus une limitation que Autre chose. La plupart des réalisateurs remarquables n’hésiteraient pas à appliquer un code couleur similaire et à modifier l’éclairage simplement parce qu’il correspond au ton et aux rythmes des personnages qu’ils souhaitent souligner ; certains d’entre eux pourraient même ne pas mettre de mots sur tout cela, car ce sont eux qui valorisent le plus l’imagination et en viennent naturellement à faire ces choix.
Personnellement parlant, je ne pense pas non plus que ce soit nécessaire-au contraire, c’est une obsession. justifier de manière narrative chaque choix de réalisateur peut facilement conduire à une prestation moins convaincante, car vous êtes limité à ce que vous pouvez justifier. Ce qui est le plus impressionnant ici, c’est donc la capacité de notre réalisateur débutant à imaginer commodément ce qui peut exister dans les lacunes naturelles de l’œuvre originale, qu’il peut ensuite utiliser pour soutenir ses ajouts de manière cohérente. Il a une conviction qui rend sans doute son travail plus difficile avec une force remarquable, et quand il s’agit de cela, il a montré qu’il pouvait réussir ce défi quelque peu qu’il s’est imposé. Nous avons d’abord résumé Yamashiro comme étant logique, mais l’ingéniosité figure parmi ses qualités déterminantes.
Si nous passons au deuxième épisode, cet état d’esprit est une fois de plus pleinement visible. Après tout, Yamashiro est toujours en train de le créer, cette fois-ci avec Rushio Moriyama comme réalisateur de l’épisode ; quelqu’un que vous connaissez peut-être sous le nom de Tsukushi Yama, un animateur qui s’est d’abord fait remarquer dans les cercles indépendants comme Uguisu Kobo avant de suivre la voie commerciale aux côtés de studios comme Science Saru. Les deux hommes organisent une confrontation qui se déroule de la même manière que celle du premier épisode, juste après la retraite de Momo et Okarun dans le sanctuaire où vit sa famille. Alors qu’un un autre être extraterrestre leur rend visite, ils isolent une série d’éléments du manga comme point de départ, à savoir le fait qu’ils sont entourés de murs et que ce nouvel ennemi crache un brouillard noir et empoisonné. Suivant la vision de Yamashiro du codage couleur d’une manière qui a du sens dans l’univers, ces éléments sombres les amènent naturellement à des couleurs complètement atténuées, faisant de la palette unique du monstre Flatwood une palette en noir et blanc qui s’inscrit vaguement dans l’idée d’une sensation plus froide pour le extraterrestres.
Comme cela a tendance à être le cas avec ces choix stylistiques, il y a un avantage viscéral à l’expérience instantanée, notamment dans la façon dont il met en évidence les traits de rouge qui correspondent aux pouvoirs d’Okarun et Turbo Granny. Il convient également de noter que, malgré tous ses discours sur la logique, Yamashiro fait parfois appel aux sentiments d’une manière plus émotionnelle et détournée. De son propre aveu, une autre raison pour laquelle le combat de cet épisode est monochrome est l’inspiration tokusatsu. Le propre design d’Okarun a vu ses reflets rouges augmenter en premier lieu parce qu’il voulait évoquer le design d’un certain héros encore plus que l’original. l’a fait, et dans ce premier combat avec un peu de saveur kaiju, il voulait que le public se sente comme les gens lorsqu’ils regardaient la première série Ultraman. Bien que cette série ait été techniquement filmée en couleur, Yamashiro pense que la plupart des gens l’associent aux souvenirs de l’avoir regardée sur d’anciens téléviseurs noir et blanc dans les années 60, ce qui rend ce look immédiatement plus évocateur. Une fois de plus, nous avons la preuve que même avec ses fortes tendances, le réalisateur n’est pas une machine à calculer parfaitement froide qui ne peut fonctionner qu’à partir des faits.
Un autre aspect cohérent de la mise en scène est le rythme caractéristique, qui compose de l’essoufflement du premier épisode à simplement vif pendant le temps d’arrêt de l’épisode 02. L’équivalent dans le spectacle d’une pause pour établir le décor est cette prestation rythmée et très drôle d’une promenade de retour à la maison, plus décontractée que tout ce qui était dans la première et pourtant, il avance constamment. D’un autre côté, son action continue de vous laisser juste le temps de prendre conscience de l’environnement et ainsi de profiter de l’aspect plus énigmatique de ces combats, tout en étant par ailleurs une expérience frénétique.
Autant que des moments comme celui-ci se démarquent, cependant, la régulation par Yamashiro du rythme à travers les storyboards est également soignée dans les moments plus calmes. Le réalisateur a exprimé une profonde affection pour les œuvres de réalisateurs comme Steven Spielberg et Robert Zemeckis dans les années 80 et 90. Bien que leurs films ne soient relativement pas si longs, à son avis, ils semblent très denses en raison de la capacité mécanique des réalisateurs à intégrer naturellement tellement de choses dans chaque plan individuel qu’ils n’ont pas besoin de s’arrêter et d’en consacrer d’autres pour transmettre plus d’informations..
Il y a eu des éclairs de cette mentalité dans le premier épisode de Dandadan également, alors que Yamashiro a omis de petits panneaux de configuration et les a plutôt condensés en plans plus grands en retirant la caméra et en étant intelligent avec le blocage. Dans cette seconde, cela est mieux montré dans une scène qui s’inspire également de ses justifications logiques constantes. Le besoin de Momo de s’habiller sans être lorgnée par un Okarun qu’elle doit garder en vue est résolu par l’ajout d’un miroir, qui permet à toute la scène de jouer dans plus efficace, de manière toujours naturelle — et en même temps, utilisez un miroir comme représentation plus abstraite de l’idée de montrer (et se cachant) eux-mêmes.
Étant donné un réalisateur de sérieRéalisateur de série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. avec une vision aussi claire était directement chargé de la mise en scène, l’épisode #02 conservant exactement le même esprit n’est guère une surprise. Mais qu’en est-il du troisième, alors ? #03 a été l’un des premiers efforts de storyboard et de réalisation de Daiki Yonemori alias Mol, le frère cadet d’un certain prodige sur lequel nous avons écrit à plusieurs reprises. Mol aborde le rôle sous un angle différent, en tant qu’illustrateur avant tout plutôt qu’animateur de personnages extrêmement articulé, mais cet épisode prouve également sa capacité d’adaptation. Comme s’il s’agissait de Yamashiro lui-même, Yonemori choisit un emplacement à prédominance verte et le teinte de couleurs plus chaudes, renforçant ainsi l’anticipation du rougeur de Turbo Granny. La logique globale transparaît mieux à travers l’utilisation dans l’univers du briquet et de la cigarette de grand-mère à cette fin, ce qui est aussi soigné qu’un l’exécution de ces idées en tant que réalisateur de la série. Directeur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. est venu avec. Même en ce qui concerne l’humour vif qui tire du contraste saisissant, le travail de Yonemori est toujours aussi bon.
Cela vaut la peine de revenir un instant à la scène finale de l’épisode 02, juste pour admirer l’excellente exécution ( l’articulation inhumaine du corps d’Okarun lorsqu’il est possédé, et ce magnifique plan où la déformation de l’objectif est animée !) accompagnant les idées habituelles de la série. En ce sens, nous avons reçu une note perspicace soulignant à juste titre que le Momo jacked se penche vers Okarun avec des couleurs qui rappelle ceux associés à ses pouvoirs est complètement maîtrisée lorsqu’elle s’évanouit et ne peut plus retenir Turbo Granny. Spectacle intelligent, celui-ci.
S’il y a un éléphant dans la pièce, c’est qu’en réalité, la pièce est pleine d’éléphants. La relation entre l’état du générique et la santé de la production est une question controversée sur laquelle les fans sont toujours réductionnistes, au point d’ignorer le contexte et de confondre cause et effet. La vérité est que le générique d’animation de Dandadan a toujours ressemblé à une zone de guerre, avec un nombre très élevé de superviseurs et aucun semblant de rotation ordonnée du personnel. C’est quelque chose que nous n’avons jamais vu auparavant pour ce studio, même dans ses moments les plus dysfonctionnels ; Japan Sinks 2020, je vous regarde. C’est un désordre plus proche de ce que vivent les lieux de travail plus traditionnels de nos jours, mais qui reste profondément lié à l’ensemble des problèmes uniques de ce studio.
La douceur-amère de Science Saru a été un sujet récurrent sur ce site : un studio fondé par la légende vivante Masaaki Yuasa pour protéger son équipage du dur commercialisme et des conditions de travail impitoyables, construit autour d’un pipeline efficace pour permettre cela. Et pourtant, sa nature de bourreau de travail et le succès qu’ils ont finalement rencontré ont inondé le studio de travail, au point que leurs projets qui se chevauchent ont parfois causé tout autant de souffrance dans leur studio soi-disant spécial. Avec Yuasa qui n’est plus à la barre, Saru a encore augmenté sa charge de travail, ce qui signifie encore plus de dépendance envers des étrangers et des frictions occasionnelles en interne.
Comme nous l’avons noté précédemment, l’extérieur tape-à-l’œil de Dandadan, sa grande promotion et son Le fait que ce premier cours soit déjà animé ne devrait pas vous laisser croire qu’il s’agissait d’un effort confortable et de grande envergure ; si quoi que ce soit, le dernier point à côté de l’aveu de Yamashiro sur la date à laquelle il a été contacté pour la première fois pour diriger la série est une indication importante de la rapidité avec laquelle ils ont mandaté l’équipe. Une équipe de direction encore plutôt inexpérimentée et un studio par ailleurs très occupé, dans certains cas avec des titres comme Kimi no Iro qui avaient une attraction gravitationnelle immensément supérieure, ont laissé cette équipe comparativement moins glamour se débrouiller. Et c’est à leur honneur: ils l’ont fait ! Mais pour y parvenir, il y a des épisodes comme ce troisième où ils ont dû lâcher un peu le pied, ce qui a conduit à des résultats indéniablement plus difficiles.
En termes plus précis, cela signifie que l’épisode #03 est un épisode de moindre priorité-un terme qui a également été empoisonné par le discours fandom, mais c’est un sujet pour un autre jour-où certains plans donnent l’impression de regretter profondément les besoins tridimensionnels inhérents à Naoyuki Onda‘les conceptions. Bien que certaines personnes aient attribué la diminution de la qualité de dessin du troisième épisode au manque de supervision d’Onda, la vérité est qu’il n’est pas non plus présent dans le quatrième, qui, comme nous le verrons maintenant, semble époustouflant malgré tout. Il s’agit d’un talent exceptionnel dont la maîtrise technique est toujours la bienvenue, mais une équipe solide, avec suffisamment de ressources et de temps, peut compenser sa disparition ; et comme peuvent en témoigner des œuvres de moindre importance, lui seul ne peut pas non plus sauver une production complètement vouée à l’échec. Onda reviendra occasionnellement à Dandadan et sera le bienvenu lorsque cela se produira, mais la situation est toujours plus compliquée que le simple nombre de personnes et la présence ou non d’un animateur spécifique.
Pourquoi penseraient-ils que cela est adéquat ? mais se retenir sur le troisième épisode en particulier ? Cela devrait être évident pour tout spectateur, car c’est le calme avant la tempête ; si vous comptez les sureaux rapides et les crustacés comme un événement météorologique, bien sûr. Bien que nous ayons présenté tous les autres membres de l’équipe principale dans le premier article de Dandadan, nous avons choisi de sauter son assistant directeur de la série. Directeur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. sachant que ce serait lui qui bouclerait ce premier arc. C’est-à-dire que le réalisateur et scénariste de l’épisode n°04 est Moko-chan, un personnage prometteur et intrigant de Science Saru.
Quand on considère son rôle, c’est intéressant de revenir sur Eizouken, où Yamashiro a été crédité de la même manière. À l’époque, il a relevé le défi aux côtés de l’animatrice Mari Motohashi, tous deux travaillant directement sous la direction de Yuasa. En plaçant deux jeunes d’horizons différents sous la supervision du brillant fondateur du studio, ils entendaient forger un avenir pour le studio par essais et erreurs. Dandadan apparaît jusqu’à présent comme un argument en faveur de leur succès, mais cette réapparition du même rôle ne signifie pas que la situation soit du tout similaire. Alors que Yamashiro avait décrit leur rôle dans Eizouken comme étant essentiellement celui de secrétaires de Yuasa, la dynamique du pouvoir est assez différente dans le cas de Moko-chan – tous deux ont rejoint le studio à peu près au même moment après tout, même si Moko-chan a maintenant un un peu moins d’expérience en réalisation. En tant que seul assistant de Dandadan, plutôt que d’expérimenter comme ces instances précédentes, cela ressemble plus à un procès pour quelqu’un qui est déjà en plein essor.
Stylistiquement, le travail de Moko-chan est plus proche de ce que l’on pourrait attendre de un studio fondé par Yuasa, avec un degré d’abstraction plus élevé et le type d’exagération pour lequel il est encore connu. En tant que seul directeur de l’animation de Japan Sinks #08 – clairement crédité sous le nom de Moko – il s’est appuyé davantage sur des formes plus amples et rondes, avec des membres exagérés très familiers. Dans le même temps, cependant, la tendance à une qualité d’illustration complexe lorsque les personnages restent s’éloigne de la norme et de ce que l’on attendait du leader du studio, prouvant que Moko-chan avait aussi son propre personnage. Ce que des épisodes comme l’élégante vitrine de Heike Monogatari #05, c’est une capacité à s’adapter à un tout plus vaste, régulé par le point de vue idiosyncratique de quelqu’un d’autre, sans éteindre ses propres bizarreries dans le processus. Comme vous pouvez l’imaginer, c’était tout à fait le cas avec Dandadan #04 ; une série où il est pleinement conscient de l’approche du réalisateur, en tant que seule personne qui l’accompagne tout au long de la production de la série.
Cela se traduit par une fin palpitante pour ce premier arc, avec des sommets plus sauvages que les épisodes précédents. et assouplir les restrictions formelles, mais toujours conforme à la philosophie à laquelle Yamashiro s’est engagé. Dès le départ, vous pouvez apprécier la façon dont les deux styles interagissent. L’un des premiers points à noter pour le réalisateur a été l’aveu que son équipe ne pouvait pas rivaliser directement avec l’impact des illustrations originales de Yukibobu Tatsu, surtout pas avec les illustrations pleine page qui il se déchaîne à chaque fois qu’il y a un tournant choquant. Dans le premier épisode, Yamashiro a choisi de faire correspondre l’effet sous un angle plus organique, en régulant la visibilité et en créant une petite frayeur sous un angle différent. Moko-chan fait quelque chose de similaire pour commencer cette aventure, mais d’une manière qui reflète également son parcours ; il suffit de regarder la charmante animation du personnage qui précède Momo éclairant accidentellement une énorme grand-mère.
La nature soucieuse du détail que nous avions vue dans les épisodes précédents brille également dans les détails, comme les chaussures d’Okarun qui éclatent à cause de son pouvoir surnaturel. orteils, qui est ensuite utilisé pour communiquer que sa transformation a été annulée avant même que la caméra ne fasse un panoramique. Ce qui ressort le plus en contraste, cependant, c’est l’agressivité des mises en page. Layouts (レイアウト): les dessins où l’animation est réellement née ; ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. sont; éclipsant les personnages par rapport à leur ennemi, donnant dynamisme dans leurs contre-attaques juste pour rendre l’impuissance plus choquante, et trouver des angles amusants pour cadrer leur situation afin que vous puissiez voir que ils sont effectivement piégés. L’efficacité que Yamashiro cherche toujours est là dans les détails comme utiliser l’œil de Momo pour se souvenir des conseils de sa grand-mère sans s’éloigner de l’action, mais Dandadan se sent plus chaotique que jamais sous la direction de Momo-chan.
Cela vaut Notant que cette approche plus explosive ne fait pas que l’épisode se sente moins ingénieux. Alors que les deux pistes commencent à fuir, dans une séquence animée par kyohei ebata , nous avons une série de trucs soignés qui prouvent autant. L’utilisation des couches de premier plan fait que la menace dans le tunnel se sent aussi incontournable que annoncée, et les tentacules qui piègent le momo se solidifiant de Cel à BG sont une technique classique pour le faire apparaître comme un élément est maintenant immunisé, quelque chose que les couches d’animation faibles ne peuvent pas Un désordre plus long.
Ce qui est remarquablement différent, cependant, c’est le sentiment que tous les paris sont désactivés une fois que l’action commence vraiment. Malgré d’excellentes scènes comme la poursuite de l’animateur principal de facto Momofuji , je signalerais ce brillant moment d’excellence de style Yuasa comme le meilleur exemple de la qualité distincte de cet épisode. Le travail de ligne surréaliste et les stylifications spécifiques comme la raccourcissement des membres extrêmes (une bizarrerie récurrente pour le réalisateur de l’épisode, comme nous l’avons observé précédemment) se sentent comme un tour radical, mais les idées exaspérantes de la mise en scène-comme utiliser les jambes en rotation comme hélicoptère-évoquent directement cela Type d’art. Une fois qu’il atteint ce point, l’épisode # 04 refuse de lâcher prise en une seule seconde, avec Storyboardstory de Moko-chan (絵コンテ, Ekonte): les plans d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. Se sentir comme un relais d’idées pour transmettre l’agitation; Un environnement 3D orné de passants comiquement plats, des moments de surcharge de CEL pour faire en sorte que la destruction se sente plus tangible et multicouche qui incarne le chaos pour toutes ces parties, et une volonté récurrente de réduire le nombre de dessins pour rendre les créatures comme le crabe plus grand. Surprise constante, plaisir constant.
Aussi excitant que visuellement-encore une manière plus lâche que l’animation de tout épisode précédent-nous devons le cri final à la musique pendant cet épisode, et le spectacle dans son ensemble d’ailleurs. Si nous référons à notre article initial pour une dernière fois, vous vous souvenez peut-être que le compositeur Kensuke Ushio avait fait une association mentale entre le mélange de genres de Dandadan et de Big Beat, un type de musique électronique caractérisée entre autres aspects par son utilisation prodigieuse de l’échantillonnage. Quelle meilleure façon d’évoquer une dernière bataille rapide, alors, que de construire Giochino Rossini’s William Tell Overture: Finale , avec Jacques Offenbach peut être peut jeté dans le mélange pour faire bonne mesure. Si cette scène n’avait pas été une conduite incroyable grâce aux visuels déjà, les choix d’Ushio auraient fait une expérience vraiment drôle dans les deux cas.
Avec notre premier méchant qui explose en balles et en cendres, nous pouvons dire au revoir à Dandadan pour l’instant. Rétrospectivement, cette étendue d’épisodes souligne à droite sur tout ce que vous pourriez vouloir savoir sur cette adaptation. La philosophie du réalisateur de la série est claire, et bien que nous ne connaissions pas toujours le raisonnement logique exact derrière chaque choix créatif qu’il fait, nous en savons à leur étendue-et c’est énorme. Cela dit, nous avons vu comment ces tendances ne sont jamais absolues, donc même Yamashiro est disposé à faire appel à un sentiment de fraîcheur d’une manière plus viscérale de temps en temps. Tout le monde dans l’équipe emboîte le pas, s’écarter de la norme autant que leur instinct le le dit, mais n’abandonne jamais vraiment les idées de base. Comme des épisodes comme # 03 (et certains futurs dans quelques semaines) le rendent apparent, les circonstances avec lesquelles ils ont dû travailler n’ont pas toujours été idéaux, mais ils ont quand même réussi.
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