CITY: The Animation terminó con otra explosión de animación, diseño y música exuberantes para capturar la sensibilidad de Keiichi Arawi y sus temas alegres. Echemos un último vistazo a esta producción de todos los tiempos… y también a lo que sigue para KyoAni, mientras estamos en ello.
Nuestra primera pieza dedicada a CITY: The Animation fue pensada como una introducción a un proyecto tan único, mientras que la segunda fue una crónica detallada de su proceso de producción, la participación del autor original Keiichi Arawi en romper las normas y cómo las elecciones tremendamente creativas del equipo se manifestaron en la mayor parte del tiempo. ejecución del programa. Fue mucha información para procesar, pero ahora que está hecho, podemos sentarnos y relajarnos mientras observamos los dos últimos episodios; francamente, una actitud más acorde con el ambiente de CITY.
El episodio 12 llega de la mano del director y guionista gráfico Noriyuki Kitanohara. Ha seguido siendo una de las presencias más activas en todo el programa, a pesar de hacer malabarismos con la película Maidragon en 2024; Nuevamente, si desea obtener una visión precisa del cronograma de producción del estudio, le recomendamos que consulte nuestro artículo anterior de CITY. Allí destacamos algo que se vuelve evidente una vez más: Kitanohara es muy compatible con una serie como esta. Como animador activo desde principios de los años 90, con un amplio conjunto de habilidades pero también con una predilección por los cortes agresivos en 2D, encaja perfectamente con el deseo de CITY de enfatizar el papel del animador como una figura integral e ideólogo de la diversión grandilocuente.
Como hemos señalado anteriormente, durante su transición a roles de director, Kitanohara comenzó a reservar secuencias con mayor cantidad de calorías para él. Mientras ocupe ese puesto en un proyecto, lo cual ocurre casi siempre, ni siquiera se molesta en acreditarse a sí mismo por la animación clave. Animación clave (原画, genga): estos artistas dibujan los momentos cruciales dentro de la animación, básicamente definiendo el movimiento sin completar el corte. La industria del anime es conocida por permitir a estos artistas individuales mucho espacio para expresar su propio estilo, razón por la cual una mirada a su carrera en las bases de datos puede hacer que parezca que no ha dibujado mucho en las últimas dos décadas… a pesar de escribir muchas secuencias impresionantes en la historia de KyoAni. En su aparición pública más reciente para un evento de Maidragon, se burló de su amigo veterano Tatsuya Ishihara porque le gustaba tanto el anime que a menudo hacía guiones gráficos (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de la animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más explosiones y otro tipo de contenidos llamativos y ostentosos. La ironía de su afirmación es, por supuesto, que esto es aún más cierto en el caso de un Kitanohara que disfruta animando personalmente este tipo de cosas. Si bien no fue tan nuclear como lo hizo en episodios anteriores con el número 12, la línea en momentos como la serie de reacciones ridículas y explosivas de Niikura y Nagumo se siente como si una vez más estuviera dibujando esos momentos por sí mismo. Los viejos hábitos cuestan morir.
Hay un par de razones por las cuales, en comparación con sus episodios anteriores, Kitanohara no impulsó la animación para que atacara tan salvajemente; es decir, sigue siendo ridículo para los estándares del anime televisivo, pero dentro de CITY se siente subordinado a otros intereses. El primero debería destacarse bastante rápido: el episodio 12 tiene la mayor musicalidad en su dirección hasta el momento, por lo que las imágenes acompañan ese audio de la mano en lugar de avanzar por sí solas. La primera parodia que hace esto obvio se centra en Niikura reencontrando el colgante que ha estado persiguiendo durante años: el que contiene una foto de Nagumo, siempre amenazando con exponer a la persona que le inspira a todos los demás ciudadanos. El extraño final de su búsqueda se contó originalmente en un capítulo esencialmente sin diálogo, sino que se basó en su narración interna. Y como esto es CIUDAD, eso significa estar expuesto a sus pensamientos de alguna manera profundos mientras se enfrenta a una criatura tan incomprensible que todos los seres mitológicos reunidos en la ciudad quedan desconcertados por ella. Su mera presencia descarrila a Niikura durante una de las misiones más importantes de su vida, lo que la lleva a una batalla que durará siglos.
Era un hecho que un director como Kitanohara se aseguraría de que un momento como este tuviera una gran animación. Tenemos efectos 2D que encarnan la actitud de supremacía del dibujo del programa, mientras que la linda actuación caricaturesca conserva el atractivo original de Arawi. Cortes explosivos y conceptos visuales evocadores trabajando juntos, al igual que logra combinar múltiples dibujos animados y formas de carrera imposibles con tomas que enfatizan el equilibrio corporal. Y por qué no, también algunos buenos golpes.
Sin embargo, por encima de todo, hay una sinergia hilarante entre la cadencia de los eventos y el uso de la música a lo largo de los más de 6 minutos de este gag. En esta aventura sin diálogo, el anime dio el siguiente paso y también eliminó los pensamientos de Niikura, dejando al espectador preguntándose qué diablos está pasando mientras los eventos de alguna manera se alinean perfectamente con las opciones de música clásica. Dado que CITY: The Animation se ha comprometido a hacer que Arawi escriba todos los créditos de producción a mano, esto también significa que el autor original tuvo que escribir cuidadosamente los títulos extensos de las piezas de Bach y Franz Liszt utilizadas aquí. Ahora, esto puede hacer que suene graciosamente lamentable, pero considere lo siguiente: lo sabemos, mientras dormimos en la misma habitación que el director de la serie. Director de la serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Taichi Ishidate durante las etapas de planificación, compartió algunos tonos musicales que los hicieron reír a ambos por la noche. Por lo tanto, existe una posibilidad realista de que Arawi se haya propuesto esta tarea de escribir. ¡Sin embargo, vale la pena!
El siguiente sketch continúa incorporando esas cualidades, esta vez con el ritmo fuertemente ligado a la música de fondo del programa. La montaña rusa emocional de toda la ciudad mientras siguen una tumultuosa carrera de caballos es un momento divertido en sí mismo, especialmente por su entrega rítmica. Dicho esto, es la conexión con los principales objetivos de CITY lo que lo hace tan destacado. Una de las líneas de pensamiento recurrentes de Ishidate ha sido que el trabajo de Arawi se destaca por su capacidad de hacerte imaginar los cómo y los porqués detrás de su humor surrealista, y durante todo este chiste, el programa se centra exactamente en eso. Al igual que en el manga, ni siquiera vislumbramos la carrera de la que se trata esta aventura. En cambio, nos vemos obligados a imaginar una serie ridícula de eventos, con jinetes y caballos que en realidad son animales diferentes desapareciendo, mientras las reacciones de los jugadores oscilan salvajemente. Si quieres probar tu compatibilidad con el trabajo de Arawi, revisar este capítulo podría ser un buen comienzo.
Una vez más, solo tenemos que avanzar un sketch para encontrar la otra razón por la cual el episodio #12 está más controlado con su animación. Habiendo estado tan cerca del episodio final, y especialmente con el enfoque en una trama que amenaza con separar a los dos personajes más cercanos de la serie, hay un matiz de melancolía que CITY realmente no había tenido antes. El espectro de la separación de Matsuri y Ecchan ha flotado sobre todo el programa; es parte de lo que hace que sus lindas aventuras estén juntos, ya que sabes que el tiempo que comparten es finito. Pero solo ahora puedes sentir cómo se apodera de las opciones de encuadre y color a lo largo del episodio, incluso antes de que Ecchan realice su peculiar ritual de separación. Para saber si ese es realmente el final de su relación, tendrás que sintonizar CITY: The Animation #13.
Antes de sumergirnos en el último episodio en su totalidad, echemos un vistazo a los días que precedieron a su emisión. Para ser precisos, deberíamos hablar del personal central de este final, que ya se hizo público, como siempre, junto con un avance que puede haber sorprendido a algunas personas. El regreso del director de la serie Director de serie: (監督, kantoku): El responsable de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. y el diseñador de personajes para liderar el último episodio era un hecho; es una práctica común en los programas de televisión, y una que Ishidate ha mantenido en sus propios proyectos, siempre personalmente reservados. Y, sin embargo, hay más creadores a su lado. La totalidad de la carrera de CITY, por muy abrumadora que fuera la carga de trabajo, estuvo dirigida por un único director de episodio y guionista, acompañado por un director de animación. Es decir, hasta el final.
Podrías sentirte tentado a señalar el episodio 07 como una pequeña excepción, pero ten en cuenta que el puesto de subdirector de animación en KyoAni significa que un novato aprende bajo el ala de un veterano antes que su debutar en una posición. Ese paso obligatorio es uno que hemos visto recientemente para Kouhei Okamura (asistente de dirección del episodio en Eupho T3 #13 antes de manejar CITY #10 por su cuenta), Ryo Miyagi (asistente de Ishidate en el quinto episodio de ese programa, antes de convertirse gradualmente en líder en solitario entre ese proyecto y CITY) y la propia Tamami Tokuyama; También fue asistente de Ikeda en Tsurune T2 #04, convirtiéndose en supervisor en solitario en el octavo episodio… y no mucho después, el diseñador y director jefe de animación que ahora admiramos. En resumen, es una práctica de estudio, no algo relacionado con la producción de ese episodio específico.
¿Qué pasa entonces con el final de CITY? Si bien no está abarrotado, especialmente para los vergonzosos estándares del anime televisivo actual, tiene dos directores y tres supervisores de animación dentro de un programa que atesoraba la cohesión perfecta que se puede obtener de los esfuerzos dirigidos individualmente. Una cosa a tener en cuenta a medida que la industria cambia gradualmente hacia el personal contratado es que, una vez que pagas a las personas por trabajar junto a ti en lugar de simplemente por lo que entregan, debes darles un buen uso. En un estudio donde todos son empleados a tiempo completo y donde apenas se realiza trabajo para otras empresas, eso requiere ser inteligente con la asignación del trabajo; de lo contrario, tendrás gente sentada sin nada que hacer durante un mes seguido.
Aunque las producciones normalmente están en curso, no es probable que eso suceda. La rotación del personal de CITY es extraordinariamente regular, con 5 unidades de animadores clave que aparecen uno tras otro en perfecto orden. Los tres grupos intermedios hicieron más o menos lo mismo, al igual que los directores y supervisores que a menudo estaban adscritos exactamente al mismo grupo de animadores clave. Pero, ¿qué pasa cuando 5 grupos intentan rotar dentro de un programa de 13 episodios? Al final de la carrera, dos de ellos se quedarían sin nada que hacer. Si miramos a los directores de animación y tomamos en cuenta que Tokuyama se desliza preferentemente hacia el final, nos damos cuenta de que los próximos supervisores que recibirían un episodio serían Kayo Hikiyama y Nobuaki Maruki, es decir, los dos que se unieron a ella para CIUDAD #13. Aunque hay un poco más de fluctuación entre los directores, el primero en concluir sus episodios asignados y sin una tarea siguiente a la que pasar fue Takuya Yamamura. He aquí, él es quien acompaña a Ishidate en el final. ¡Casi como si la gestión de personal importara!
Pero ¿es esa la historia completa? No exactamente. Claro, CITY fue el foco del estudio durante mucho tiempo, pero no es el único proyecto en proceso en KyoAni. Si realmente hubieran querido, podrían haber encontrado algún papel en otro lugar para estos miembros del personal repentinamente disponibles. Francamente, si hubiera sido un último episodio normal, es posible que se hubieran sentido inclinados a trasladarlos a un determinado conjunto de películas que ya estaban en proceso. Pero, ¿cuándo la CIUDAD ha hecho algo con normalidad? Incluso antes de que comenzara su transmisión, las proyecciones previas del personal y del elenco advirtieron a los espectadores que ciertos episodios simplemente estaban fuera de este mundo, a menudo señalando el quinto… y el último episodio. Sabiendo que la serie tiene estándares locos, y habiendo visto que los otros episodios que habían mencionado como especiales eran verdaderamente generacionales, debería ser fácil entender que el final emplearía felizmente a esos veteranos confiables y repentinamente disponibles.
Mientras que el episodio #05 es un concepto tan escandaloso que cualquier espectador notará su producción onerosa, y el #09 lo deja muy claro con su carrera dinámica, el #13 comienza con una nota más discreta. Esto no es un defecto, sino más bien una consecuencia de las ideas y el tono que querían poner en primer plano. La última escena de la obra original es, de hecho, la que abre este final; un momento no de grandilocuencia y fanfarria, sino de una comprensión más tranquila para Nagumo. Resulta que esta chica traviesa pero seria ha estado obsesionada con perseguir la vida más entretenida posible… antes de darse cuenta de lo obvio, que la agitada vida dentro de esta ciudad ya era bastante entretenida. Los cambios en el punto de partida de la serie, que Arawi encontró brillante, se hicieron de modo que el primer episodio ya marcó el comienzo de ese arco de personajes simple y encantador. Siempre es más fácil vender momentos como ese cuando tu estética es tan casualmente hermosa, ya sabes.
Después de esa introducción, cambiamos el enfoque a lo que ha sido uno de los corazones palpitantes (CITY tiene un elenco conjunto, puede tener varios de esos) de toda la serie: Matsuri, Ecchan y su temida separación. Vale la pena señalar que toda su trama es la que está algo más desconectada del resto, aparte del hecho de que ambos son parte del divertidísimo ecosistema de CITY. Claro, puedes entrecerrar los ojos lo suficiente como para conectar su forma de afrontar el futuro con la propia búsqueda de Nagumo y ese tema de los sueños, pero la verdad es que no jugó un papel importante en el anime por su cohesión temática. Lo hizo porque esos dos niños son los seres más preciados del mundo, y esa es una razón bastante buena.
En el manga, estos dos solo reciben atención parcial en medio de los ajetreados acontecimientos del volumen final. No es que no se haya puesto cuidado en sus últimos momentos juntos, pero hay un nivel de énfasis en el anime que hace que esta resolución sea aún más efectiva. Gran parte de esto se debe al tiempo de ejecución (el final dura poco menos de 10 minutos) y a la delicadeza en la representación de ritmos tiernos y emocionales que esperamos de los directores de KyoAni. Pero además, esto es CITY: The Animation, un proyecto liderado por un animador lunático y un autor aún más demente que le susurra al oído. Por supuesto, hay más que eso.
Y es por eso que, por ejemplo, en lugar de ir en bicicleta al aeropuerto como lo hacían en el manga, Matsuri y el confiable Adatara llegan allí a caballo. Un caballo que en realidad son personas con un disfraz de mala calidad, sin explicación explícita. Sin embargo, si tienes buena memoria, recordarás que uno de los eventos narrados en la carrera del episodio 12 fue la descalificación de un participante por morder a otro caballo, que es una gacela, no preguntes, en la garganta. Y ese es de hecho su corcel, lo que significa que el culpable detrás de acciones tan brutales fue en realidad un par de humanos disfrazados de animales… y que había múltiples razones para descalificarlos de una carrera de caballos. Una adición deliciosamente arawiesca que promueve la conexión constante entre eventos, y también una gran excusa para infundir a los cortes a lo largo del camino un dinamismo más rítmico y divertido.
En contraste con esos aspectos del material original que el final amplió, hay otros que derribó por una simple razón: coherencia. Ninguna de las decisiones que ha tomado la adaptación a nivel narrativo concreto ha cambiado realmente los eventos que se cuentan; Aprovechar la historia un poco más tarde no cambió el lugar de trabajo de Nagumo establecido en los primeros capítulos, al igual que resumir el sonambulismo de Riko no impidió que ocurriera. Puede que no hayamos visto un capítulo completo dedicado a la abuela golpeando a un par de ciudadanos, pero dentro de las viñetas secundarias de episodios como la mansión y la carrera, hemos seguido viéndolos peleando. A pesar de todas las pequeñas modificaciones en los puntos focales, se aseguraron de ajustar todos los elementos posteriores que se basaron en ellos, una razón obvia por la que Arawi estuvo a cargo del proceso junto con Ishidate.
Lo mismo ocurre con la culminación de la serie. En el episodio 12, ya se podían ver carteles que hacían referencia a las elecciones que originalmente pusieron fin a los eventos de CITY. Esto también se menciona brevemente en el final, por lo que es justo suponer que también sucedió en la continuidad del anime. Al igual que eventos anteriores a gran escala, ese miniarco sirve simplemente como excusa para reunir toneladas de ciudadanos en una aventura interconectada; y, al ser el último, les permite resumir múltiples historias paralelas. Sin embargo, dada su dependencia de las relaciones entre personajes que han permanecido al margen del anime, una adaptación sencilla no tendría mucho peso. Y así, cuando quedan 15 minutos del final, volvemos a un deseo: el sentimiento compartido de Arawi e Ishidate de que el anime debería intensificar las cosas aún más, explotando el hecho de que ahora es un trabajo de animación en el proceso. Por una vez, y a pesar de que el autor sigue tan involucrado como siempre, esto significa que CITY: The Animation elige concluir con una nota completamente original.
Entiéndelo, ten en cuenta, porque se les ocurrió un musical.
A pesar de lo escandalosa que es la idea, encontré que mi reacción ante el final de CITY con un acto musical extenso fue “¡por supuesto que sí!”. El rápido cambio de una gran sorpresa a una conformidad divertida no se debe a que el episodio anterior haya enfatizado la musicalidad de la entrega, como para preparar a la audiencia. Ni siquiera se debe a que el chiste más divertido del primer episodio haya añadido una canción de cierta obra de Broadway, sobre lo que Ishidate se mostró inflexible a pesar de Los productores temen el proceso de concesión de licencias. La razón es más simple: terminar con un musical masivo y extravagante donde cada ciudadano extraño está tramando algo y choca con otros es simplemente lo más CIUDAD que se pueda imaginar.
E imagina que así es, ¡casi como si sus creadores principales estuvieran muy involucrados en este aspecto de la serie! La premisa de que el restaurante Makabe obtenga una estrella Michelin (¿o no?) desencadena un frenesí colectivo entre innumerables ciudadanos, todos ellos aportando una melodía y un estilo visual propios a la pantalla. El elenco desfila por las calles, rediseñado para incluir innumerables referencias a su objeto de celebración, mientras usa una imitación de atuendos que podríamos ver en una obra de teatro. Esa misma secuencia de alegría culmina con una pantalla tipo ukiyo-e, que nos lleva a una era completamente diferente de un solo golpe; y adornarlo con texturas modernas de repente, con capas y capas de ideas visuales. Con la misma rapidez, todo eso puede irse por la ventana en favor de la isla del desamor más colorida o la mezcla entre una historia de detectives y un píxel art RPG.
El resultado siempre es reconocible como CITY, pero incluso romper las reglas de la producción está permitido ahora que estamos arremetiendo tan cerca del final. Quizás recuerdes que Ishidate prohibió el uso de aspectos destacados estándar en el arte de los personajes; una desviación radical de su trabajo anterior Violet Evergarden , que en realidad agregó más tonos a los 3 estados habituales del anime (sombra/regular/resaltado). Pero ¿qué pasa si tenemos un tonto delirante fantaseando con su propio cuento de hadas? Eso fomenta una renovación completa de la dirección de arte, cambiando el fondo a algo más parecido a lo podríamos encontrar en uno de esos libros, y utilizando la idealización de su ser querido como excusa para romper la regla inicial. Una vez más, vale la pena señalar cómo todos estos divertidos giros nunca logran deshacerse de la identidad Arawi: basta con mirar los lindos e incomprensibles animales que rodean a la princesa. El grado en que lograron igualar sus sensibilidades, mientras probaban tantas ideas, es francamente sorprendente. Es difícil creer que el mundo casi parecido a Moebius al que son transportados brevemente no provenga de su manga original, considerando lo parecido que se siente el robot Niikura y los mecanismos de Arawi.
Como si los cambios estilísticos para cada número musical no fueran suficientes, los personajes que están naturalmente más desconectados de la realidad, como Wako, pueden desviarse incluso por individual cortes. Un episodio como este requiere una cantidad absurda de trabajo de diseño y también de tomas en sí. Es posible que hayas escuchado que las obras de KyoAni tienden a presentar una mayor cantidad de cortes de lo normal, una consecuencia natural de la obsesión por las minucias en la vida de las personas, pero incluso sus estándares palidecen en comparación con la locura durante la parte musical, que por sí sola logra que este final tenga el doble de cortes que un episodio regular y denso. Una elección que aumenta enormemente la carga de trabajo, pero también que les brinda espacio adicional para hacer guiños al manga durante esta celebración original. Shia, uno de los personajes que no ha aparecido mucho en la adaptación y que habría tenido un papel en las elecciones, tiene su momento en medio de tanto canto. Y, como se mencionó anteriormente, incluso las elecciones mismas asoman su cabeza en la aventura que las reemplazó.
No hace falta decir que bajar los estándares de la animación para anular el mayor número de recortes nunca fue una opción para CITY. Muchas secuencias, ya sea cuando la cámara se cruza con muchos personajes o el baile interminable, son excelentes por sí mismas, y mucho menos como parte de este todo más amplio. Conceptualmente, muchas secuencias brillan por su capacidad para seguir conectando personajes, ya sea por inercia o incluso narrativamente, con el acto musical enfatizando repetidamente que Ecchan sigue siendo una parte activa de la pandilla. Y ese nivel de atención al detalle se iguala en la entrega técnica de cada corte, aún con ese sentido del humor Arawi incrustado en ellos. Es un episodio que te anima mucho a volver a verlo, para que puedas capturar tantas gemas pequeñas como sea posible.
La expresión de frustración de Nagumo no es sutil, pero incluso en momentos tan explosivos se esconden detalles. Tendrás que prestar especial atención para notar las formas brumosas de dos animales que parpadean brevemente dentro de los efectos; formas muy parecidas a las de un caballo y un ciervo arawi, correspondientes al kanji de 馬鹿 mientras dice la palabra en voz alta.
De la misma manera que un par de supervisores y directores que habían completado sus tareas se acercaron para ayudar, también lo hicieron dos animadores clave adicionales, lo que elevó el número total de ellos para este gran final a 7 (+1). La muy prometedora Ayumu Yoshida, perteneciente a la cuarta unidad genga de CITY que habría manejado el siguiente episodio si hubiera existido, fue elegida para ayudar a sus compañeros más reconocidos. Pero el gran nombre es sin duda Tatsuya Sato, líder tanto de la división Osaka del estudio como de la quinta unidad de esta producción. Cuando explicamos cómo el completamente absurdo episodio #05 fue posible, notamos que a Sato se le había dado permiso para concentrarse en él por más tiempo que en cualquier trabajo anterior, lo que le permitió dibujar alrededor de la mitad de uno de los episodios de anime más densos jamás realizados.
Después de eso, su unidad debía reaparecer en el décimo episodio. A pesar de aparecer junto al resto de ese equipo, el papel relativamente tímido de Sato (“sólo” un par de minutos se destacó por su ágil animación) insinuó otra aparición especial. De hecho, ese ha sido el caso del final, que parece haberlo desplegado específicamente en el segmento musical. Si bien la carga de trabajo no está al mismo nivel que en el quinto episodio, su sincronización más rápida se encuentra en diferentes partes de las distintas actuaciones. Por supuesto, uno de los mayores contribuyentes a la alegría que irradia este episodio.
Justo antes del final viene nuestra señal para recordar una de las primeras cosas que escribimos sobre el director de CITY, hace casi 3 meses. Era cierto entonces y sigue siendo cierto ahora: A Ishidate le gusta animar las cosas él mismo. Hablará como una tormenta sobre cómo la dirección (especialmente cuando está liderando un proyecto completo) no te da tiempo para dibujar personalmente cortes completos y luego continuar silenciosamente reservando secuencias complejas para él. CIUDAD: La animación prácticamente comienza con un corte sorprendente que parece salir de su mano. Y ahora, como apoteosis de este repentino musical que lo remata todo, la protagonista vuelve a ser su pluma. Los movimientos familiares de aleteo y la propensión al uso de líneas cortas, el uso de pequeños trozos de escombros para aumentar la densidad visual y el tiempo en sí gritan el nombre de Ishidate. Así como se aseguró de completar este programa a nivel temático, hizo lo mismo estilísticamente, con su propia animación deslumbrante.
Y entonces, ahora que terminó, ¿cuáles son las conclusiones finales de CITY? Incluso si te niegas a involucrarte con él en cualquier nivel que no sea la superficie, aún te queda una caricatura encantadora, súper linda y peculiar de un tipo que rara vez encontrarás en la animación comercial. Tiene un predecesor aparentemente obvio en Nichijou, pero cualquier comparación entre los dos resalta su contraste. Uno, incluso con la visión transformadora de la historia de su adaptación, está feliz de ser consumido como fragmentos de animación explosiva y surrealista, vagamente conectados y sin secuencia. Si bien tiene la misma fuerza en su entrega, el otro opta por una apreciación mucho más relajada de la atmósfera tonta y la dinámica emergente dentro del entorno interconectado. A menudo encontrarás que CITY tiene tanto que ver con personajes como Yokohama Kaidashi Kikou como con Nichijou, como una serie menos preocupada por provocar risas constantes (en todo caso, una idea que se desalentó) y más con la idea de alentar la imaginación a deambular por sus calles.
Dentro del programa y en las entrevistas, su núcleo creativo ha presionado contra la idea de que la comedia sea necesariamente telegrafiada. chistes que solo se vuelven gratificantes una vez que llega el remate. Esto recuerda las recurrentes conversaciones sobre la comedia y el terror como dos géneros adyacentes; una idea demostrable explotada por directores brillantes como Jordan Peele y, sin embargo, un pensamiento que muchos albergan al señalar momentos divertidos dentro del terror funciona como un fracaso accidental o rotundo. CITY ocupa una región diferente en la tierra de la comedia, pero Ishidate cree en la amplitud de ese territorio de todos modos. Como hemos comentado antes, fueron cineastas como Charlie Chaplin a quienes señaló como ejemplares del atractivo de Arawi. Es decir, comediantes que desencadenarán tu imaginación con sus travesuras, en lugar de detenerte en seco con una risa alucinante. Esta visión resonó en el autor, lo que llevó a una colaboración extremadamente estrecha entre él y el estudio que también hemos cubierto en detalle. El resultado se resume, en cierto modo, en el simple deseo de Arawi: “Quiero que los espectadores se pregunten qué diablos estaban haciendo los creadores”.
Gran parte del factor sorpresa necesario para ello reside en la presentación. El lenguaje visual de CITY y la lógica demente detrás de él son exuberantes, pero también muy agradables a la vista, en una era en la que todos los demás títulos están ansiosos por demostrar sus altos valores de producción a través de efectos digitales intensivos. Aunque eso se puede ejecutar de manera efectiva, es un enfoque que se ha vuelto tan generalizado (y a menudo implementado de manera tosca) que ha dejado sin aire a la habitación. Y aquí llega CITY, un bienvenido soplo de aire fresco. Cada componente está colocado orgánicamente dentro de un todo perfecto que desdibuja los preceptos de la animación celular que han regido todo trabajo comercial durante una eternidad; no hay personajes distintos ni capas de fondo, hay una ciudad. Para ser precisos, hay una ciudad que alberga tanta animación ridículamente intrincada que podría hacer sonrojar de vergüenza a cualquier proyecto de televisión.
Una de las preguntas más interesantes a las que respondió Ishidate en una campaña en las redes sociales fue sobre qué director de episodio lo había sorprendido más, en un lapso de un tiempo. proyecto en el que tanto miembros del personal jóvenes como veteranos han hecho todo lo posible. Su primer instinto fue gritarle al propio Arawi una vez más, ya que ha estado involucrado en tantas elecciones icónicas (¡como el diorama de la mansión!) que bien podría haber sido director. Entre los miembros de KyoAni, sin embargo, destacó al joven director que también nos entusiasmó más: su alumno Ryo Miyagi. La destreza en el guión gráfico que mostró en momentos como el final del episodio n.° 04 y el clímax interconectado de la carrera es verdaderamente especial.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. Un nombre heredado del pasado, cuando realmente se utilizaban cámaras durante este proceso. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Dibujan muchas mesas de trabajo que una vez aprobadas por el director de la serie sirven como referencia para los fondos a lo largo de la serie. La coordinación dentro del departamento de arte es imprescindible: los diseñadores de ambientación y color deben trabajar juntos para crear un mundo coherente. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Dibujan muchas mesas de trabajo que una vez aprobadas por el director de la serie sirven como referencia para los fondos a lo largo de la serie. La coordinación dentro del departamento de arte es imprescindible: los diseñadores de ambientación y color deben trabajar juntos para crear un mundo coherente. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Dibujan muchas mesas de trabajo que una vez aprobadas por el director de la serie sirven como referencia para los fondos a lo largo de la serie. La coordinación dentro del departamento de arte es imprescindible: los diseñadores de ambientación y color deben trabajar juntos para crear un mundo coherente. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Los fanáticos occidentales hace tiempo que se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral para la marca de nuestros sitios. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Los fanáticos occidentales hace tiempo que se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral para la marca de nuestros sitios. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
