El anime Summer Hikaru Died/HikaNatsu se conceptualizó en torno a la dirección aventurera de Ryohei Takeshita, pero sin perder de vista las ideas centrales del autor. Con una secuela en el horizonte, es hora de aprender más sobre una producción fascinante.
Hay una serie de términos que quizás hayas encontrado al escuchar las opiniones de los creadores de anime, especialmente si hablan para medios especializados con audiencias muy interesadas. Esto no se debe a que sean las expresiones más técnicas. En todo caso, son un poco absurdos cuando se analizan a través de la realidad literal de la producción, pero los artistas involucrados en el proceso los aprecian como terminología útil y evocadora. Claro, sakugaSakuga (作画): técnicamente dibujo, pero más específicamente animación. Los fanáticos occidentales hace tiempo que se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral para la marca de nuestros sitios. anime técnicamente se aplicaría a cualquier trabajo con componentes de animación 2D, y eso ya está interpretando la palabra con un significado más limitado del que potencialmente puede tener. Sin embargo, cuando ves que personas dentro de la industria o que orbitan estrechamente alrededor de ella usan esa expresión, pinta una imagen específica: la del anime donde la destreza y la intención del movimiento, así como la pura calidad de la obra de arte, son las piezas centrales de la experiencia.
Si bien esa es la versión más común del término, a veces también encontrarás otras más específicas, así como hermanos que resaltan diferentes ángulos de énfasis. Es justo considerar el anime de diseño como un subconjunto de sakugaSakuga (作画): técnicamente dibujos, pero más específicamente animación. Los fanáticos occidentales hace tiempo que se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral para la marca de nuestros sitios. el anime, refiriéndose en este caso a obras donde la representación física del espacio es un gran atractivo; Ya sea porque se relaciona con la psicología del personaje o por pura excelencia técnica, estas obras brillan a través del encuadre de una manera que trasciende sus guiones gráficos. En los casos en los que las pinturas de fondo no solo son hermosas sino que también se les da una prominencia notable, no es raro hablar de bijutsu/anime artístico. Incluso puedes encontrar ejemplos de edición de anime, como el muy entretenido Pompo The Cinephile de Takayuki Hirao. Como una película que retrata literalmente el acto de editar una película, al mismo tiempo que se construye alrededor del flujo peculiar y divertido de Hirao, no sorprende que este fuera el encuadre adoptado por el propio director.
Nuevamente, estos términos no se refieren a tareas exclusivas de este tipo de obras, ya que son aspectos presentes en cualquier producción. Tampoco deben interpretarse como los únicos pasos importantes del proceso; Volviendo al ejemplo de Pompo, queda claro que gran parte de la satisfacción visceral de las transiciones de Hirao comienza con sus propios guiones gráficos, mucho antes de que tenga lugar la fase de edición. Lo que estas expresiones simplemente hacen es enfatizar el aspecto que se sentirá central en la experiencia para el espectador, lo que también las hace muy útiles para los directores que necesitan comunicarse con sus equipos durante las primeras etapas de un proyecto.
Y, desde el inicio del anime de The Summer Hikaru Died/HikaNatsu, el director de la serie Director de la serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativo y supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Ryohei Takeshitatenía algo claro: iba a ser un anime enshutsu. Es decir, un espectáculo que enfatiza la experiencia inmediata a través de una complicada puesta en escena y herramientas únicas. Uno donde el aspecto sensorial se convierte en el eje indiscutible. Esa idea era tan fundamental que la transmitió no sólo al equipo y, eventualmente, a los espectadores a través de las opciones de ejecución, sino incluso a los productores cuando el proyecto era simplemente una propuesta. De hecho, también fue una de las primeras cosas que Takeshita le comunicó al autor original, quien encontró que era una excelente manera de enriquecer una adaptación que podías ver una y otra vez.
En una entrevista para Anime Corner, el productor de CyberAgent Manami Kabashima fecha esas conversaciones iniciales sobre una adaptación al anime en mayo de 2022, señalando también que la producción no comenzaría realmente hasta mucho más tarde, cuando el director de la serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Aclaró su agenda alrededor de octubre de 2023. En una conversación más amplia para la edición de septiembre de 2025 de PASH!, que involucró no solo a Kabashima sino también a los productores de Kadokawa Chiaki Kurakane y Toshinori Fujiwara, este último confirma que se había puesto en contacto con varios estudios en torno al lanzamiento de los dos primeros volúmenes del manga (de marzo de 2022 a octubre de 2022) antes de decidirse por este equipo en Cygames Pictures dirigido por Takeshita.
Cuando llegó el momento de tomar esa decisión, la claridad de la visión de Takeshita dio confianza a los productores. En lugar de buscar un director manso que se doblegue a sus elecciones, parecen haber entendido que capturar el atractivo de HikaNatsu depende de intangibles que es mejor dejar en manos de creadores brillantes con ideas específicas. Es por eso que les resultó reconfortante que Takeshita fuera muy elocuente y obstinado sobre el proceso de contratación de personal, orientándolo preventivamente hacia la idea de un anime enshutsu. El lado positivo de las decisiones tomadas en aquel entonces será uno de los puntos de atención cuando profundicemos en los episodios en sí, pero antes de llegar a ese punto, debemos disipar un mito tentador: la idea de que Takeshita adoptó este enfoque para eludir las limitaciones de la producción.
Es importante dejar claro el hecho de que las producciones de CyPic no siempre son tan glamorosas como muchos esperarían, y que un director como Takeshita no necesita motivación externa para conseguirlo. experimental. Si bien el surgimiento de un estudio respaldado por una empresa masiva y los lanzamientos de joyas deslumbrantes como Beginning of a New Era proyectan un aura de producciones costosas y de alto perfil, no todos los proyectos de CyPic se crean de la misma manera. Y para ser precisos, el gran aumento de su producción últimamente ha provocado que muchos de ellos tengan que recortar gastos notables.
Esas limitaciones se manifiestan de varias maneras; comenzar los proyectos temprano, pero también establecer plazos que limitan las posibilidades del personal, negarse a entrar en las actuales guerras de ofertas para conseguir animadores de primera línea, escatimar un poco en estudios de soporte y, en general, establecer un listón más bajo cuando se trata de pulir el dibujo de lo que los proyectos de mayor perfil querrían. Eso sí, esto es algo en lo que se han salido con la suya (no siempre, perdón por el tipo de adaptación abrumadora de Cenicienta Grey) porque han trabajado con muchos equipos inteligentes e ingeniosos. Por lo tanto, el crédito debería ser más para ellos que para el medio ambiente.
Eso también se aplica a HikaNatsu. Hay muchas personas excepcionales dentro de ese personal central elegido por Takeshita, pero cuando llegó el momento de desarrollar el resto del equipo, se conformó con una alineación más modesta. Sin embargo, al tener una visión tan clara, pudo vincular a conocidos que encajaban perfectamente y que todavía se pasaban por alto en la dirección del episodio. Dirección del episodio (演出, enshutsu): una tarea creativa pero también coordinativa, ya que implica supervisar los muchos departamentos y artistas involucrados en la producción de un episodio: aprobar diseños de animación junto con el director de animación, supervisar el trabajo del equipo de fotografía, el departamento de arte, el personal de CG… El papel también existe en las películas, refiriéndose a los individuos de manera similar. a cargo de segmentos de la película. deberes. El estreno por sí solo es prueba tanto de su éxito como de sus limitaciones. El arte de sus personajes, algo tosco, puede estar en desacuerdo con el renombre del proyecto, especialmente con los pocos grandes invitados de animación que aparecen. El director nunca ha ocultado cómo el cronograma se volvió bastante problemático a medida que se acercaban al final, pero vale la pena señalar que lograron una sensación de estabilidad a pesar de esas circunstancias. Claro, el anime HikaNatsu no puede igualar el brillo del anime televisivo de más alto perfil, y mucho menos la calidad ilustrativa del manga, pero logra mantenerse en el mismo nivel aceptable durante toda la transmisión. Si hubieran sido demasiado ambiciosos con sus estándares en esos episodios anteriores, el programa podría haberse derrumbado en la mitad posterior.
La flexibilidad que les permitió adaptarse a las circunstancias de la producción es una cualidad positiva, que podemos vincular tanto al equipo de Takeshita como al personal administrativo práctico de CyPic. Sin embargo, como mencionamos anteriormente, no debemos atribuir causalidad donde no la hay. Es decir, Takeshita siempre había querido crear un anime de terror experimental y atmosférico, un género en el que mostró su interés cuando habló con ANN. Francamente, tal confirmación ni siquiera fue necesaria, ya que era algo que siempre se podía sentir en su trabajo; Por supuesto, al excéntrico director al que le encanta emular cámaras portátiles le gustaba el terror inmersivo. Hay una razón por la que estaba tan seguro de que quería hacer un anime enshutsu mucho antes de siquiera probar esas circunstancias de producción: aquí es donde residen los intereses de Takeshita, y la naturaleza de esta serie era la excusa perfecta para aprovecharlos.
No es una limitación la que ha dado origen a la brillantez de HikaNatsu, sino que mucho es inherente a las personas que lo crearon. Sus mediocres circunstancias de producción (muy lejos de ser las peores cuando se trata de anime televisivo actual, para que conste) no son algo para celebrar, ya que el programa podría haber sido aún mejor con horarios más amplios y más recursos. Eso no atenuaría su ventaja, sino que más bien abriría puertas al tipo de actuación matizada que no pudieron realizar, a dibujos inmediatamente impactantes que podrían competir con el material original en ese sentido. En todo caso, podría haber sido incluso más experimental, ya que los métodos inusuales en los que está interesado Takeshita tienden a tardar más en dar frutos. Aunque no lo daría por sentado, viendo cómo esto se está convirtiendo en una tendencia dentro del estudio, podemos esperar que su éxito motive a los productores a respaldar su secuela ya anunciada tanto como se merece.
Dado el ángulo explícitamente declarado por el director, simplemente tuvimos que comenzar a enmarcar esta adaptación a través de esa óptica del anime enshutsu. Es la forma en que imaginó la adaptación desde el principio y, además, una excelente manera de abordar el terror. Después de todo, estamos hablando de un género en el que la experiencia inmersiva momento a momento es clave. Sin embargo, por muy exitoso que pueda ser en manos como las de Takeshita, la obsesión por lo micro a costa de lo macro podría, en última instancia, haber resultado en una experiencia hueca. Uno en el que te sientes atraído por cada escena, pero del que te alejas sin una impresión resonante y duradera. Si no hubieran considerado sus temas generales y las atractivas ideas presentadas por el autor original Mokumokuren, ese podría haber sido el caso, incluso con el nivel de guión gráfico inspirado que hemos obtenido.
Takeshita no estaba solo en el deseo de conservar las ideas centrales detrás de la serie. Junto a él estaba, por ejemplo, el autor que los ideó. Mokumokuren ha dicho varias veces que, aunque no tienen experiencia previa con proyectos de adaptación, imaginan que están mucho más involucrados de lo que suelen estar los autores. Esto es algo que se dice en el Newtype de octubre de 2025 con Mokumokuren, Takeshita y Murayama, pero que se ejemplifica de manera más divertida en la mesa redonda de Comic Natalie entre dicho autor y el intérprete de apertura Vaundy. Allí, este último explicó que nunca habían asistido a una reunión con el autor antes de que él creara una canción para ellos. Aunque el proceso de producción fue fundamentalmente ordinario, incluso cuando se trata de la presencia del creador original, la proactividad de Mokumokuren en las reuniones periódicas (y tareas adicionales como el guión en color para la secuencia de apertura) llevaron a una situación en la que las preciadas ideas del autor resonaron fuertemente en la adaptación.
Eso sí, hay una razón por la que estamos hablando de los conceptos que le interesan al autor en lugar de los detalles del material original. El anime HikaNatsu nunca dudó en cambiar la historia original, y mucho menos en ajustar la ejecución para aprovechar la naturaleza de su nuevo lienzo. En la conversación de Newtype antes mencionada, Mokumokuren recuerda su primer encuentro con Takeshita, donde el director les preguntó si podían cambiar las cosas desde el principio: “¡No hables con eso!”, pensó el autor divertido. En verdad, ambos coincidieron en la necesidad de modificar ciertos aspectos. Muchos de los cambios propuestos (incluidos los de mayor escala) surgieron de las sugerencias de Mokumokuren, o al menos de su estrecha colaboración con Takeshita. Me siento seguro al decir que algunos de estos ajustes han elevado el programa de televisión. Y, en cuanto a los que creo que tienen resultados más variados, todavía puedo admirar la intención clara y directa que exhiben. Una vez más, la lección es que los autores entienden la necesidad inherente de cambio en las adaptaciones mejor que las bases de fans vocales.
Entonces, ¿qué es HikaNatsu en esencia? Su premisa es tan simple como convincente. Nos transportamos a un entorno rural bastante aislado, siguiendo al introvertido chico de secundaria Yoshiki Tsujinaka. En lo que poco a poco descubrimos que era el ritual secreto de su aldea, su mejor amigo Hikaru desapareció antes del comienzo de la serie. Una historia potencialmente trágica que pareció tener un final feliz cuando él apareció de nuevo, confundido pero bastante sano. Pero, de hecho, eso es sólo la superficie. Lo que sea que habita su piel ahora ya no es la persona que Yoshiki conocía. De hecho, no es ninguna persona;”Hikaru”es un ser sobrenatural que vino a este mundo sin un sentido de sí mismo, y mucho menos de la moral humana. Los dos se vinculan intrínsecamente en esta recreación directa de el experimento mental de Swampman, que obliga al lector (y a los pobres niños arrojados a esta situación) a reflexionar sobre lo que realmente hace a una persona.
Por muy importante que sea ese lado de la historia, esas ideas son inseparables de otra cosa: el horror de la conformidad. y, a la inversa, el atractivo de la aterradora alteridad. Si el robo de cuerpos es un clásico del terror, también lo es vincular la atmósfera opresiva de un entorno rural con lo sobrenatural. Para Yoshiki, la asfixiante vida cotidiana no comenzó cuando apareció “Hikaru”. Lo hizo muchos años antes, ya que estaba harto de que todos los adultos le dijeran que se cortara el flequillo con el que se siente más cómodo. Lo hizo cuando se dio cuenta de que no podía escapar de los rumores sobre su familia; su madre forastera, su hermana que no va a la escuela, él mismo. Y especialmente, lo hizo cuando interiorizó que su propia sexualidad es inusual y la trata como una grave desviación de la norma. Hikaru no era sólo su amigo, sino alguien que le atraía romántica y sexualmente. Ahora que se fue y fue reemplazado por una criatura sobrenatural, las cosas están a punto de volverse mucho más complicadas.
En este sentido, Mokumokuren se ha vuelto cada vez más explícito sobre lo que es HikaNatsu, así como lo que no es. Si vuelves a leer el one-shot inicial, definitivamente notarás que muchas páginas son exactamente iguales al comienzo de la serialización. Sin embargo, lo que también notarás es que los dos personajes principales rápidamente se besan y comienzan una comedia romántica tan normal como sea posible en tales circunstancias. Sin embargo, ese no es el camino que ha tomado la historia completa. Como Mokumokuren se ha visto obligado a decir muchas veces debido a la presión de los fanáticos desde múltiples ángulos, HikaNatsu es un historia queer no romántica. Hay múltiples razones que los han empujado en esta dirección: la creencia de que es importante disociar lo queer del romance, el deseo de llegar ampliamente a todo tipo de personas que se sienten rechazadas por las normas sociales y, lo más importante, el amor de Mokumokuren por el otro.
Este último punto se hace bastante explícito dentro de la narrativa de HikaNatsu, pero creo que la conversación anterior con Vaundy es su resumen más divertido. Esencialmente espontáneamente, el autor continúa despotricando contra La Bella y la Bestia y todas las historias que siguen patrones similares. Como alguien que se siente atraído por las aberraciones, percibiendo su atractivo y repulsividad como un cóctel embriagador, la idea de que un final feliz implique convertirlos en un ser humano normal resulta ofensiva para Mokumokuren. Porque tan importante como era definir los sentimientos de Yoshiki de una manera precisa, también lo era proteger la naturaleza anormal e incomprensible de”Hikaru”. Un romance sencillo tal como lo entiende la sociedad humana implicaría inevitablemente la destrucción de”Hikaru”, algo que el autor aborrece. Si bien la serie trata mucho sobre el amor, y cualquiera que aprecie el picante verá este escenario como un BL aún más sabroso, es importante comprender por qué el autor original no está enamorado de las etiquetas. Después de todo, presionarlos agresivamente también significa reforzar esa visión centrada en lo humano que no les gusta.
Se podría idear una visión tan interesante e internamente coherente y aún así lograr fallar en la ejecución. Pero así es HikaNatsu, la serie que llamó la atención de todos porque su entrega es muy inspirada. Incluso con sus propios intereses inclinándose en esa dirección, es posible que Takeshita no se hubiera visto obligado a apostar por el ángulo del anime enshutsu si Mokumokuren no fuera brillante sintetizando esos temas en imágenes que se quedan contigo. De las muchas herramientas que utiliza el autor en ese proceso, hay un tipo en particular que se mencionó en todas las entrevistas que hemos mencionado hasta ahora. Y de manera realista, en la mayoría de los que aún no hemos mencionado, como la conversación de PASH con el director de arte. Director de arte (美術監督, bijutsu kantoku): la persona a cargo del arte de fondo de la serie. Dibujan muchas mesas de trabajo que una vez aprobadas por el director de la serie sirven como referencia para los fondos a lo largo de la serie. La coordinación dentro del departamento de arte es imprescindible: los diseñadores de ambientación y color deben trabajar juntos para crear un mundo coherente. Kouhei Honda. Si alguna vez has leído HikaNatsu, probablemente sepas que estamos hablando de su uso de SFX, onomatopeyas y la evocación general del sonido.
Capturar todo el ancho de ese aspecto en el anime requeriría más que una excelente dirección de sonido, pero no nos engañemos, deberíamos comenzar con eso. Takeshita pensó eso cuando se le ocurrió el nombre de Kouji Kasamatsu para darle forma al sonido omnipresente, casi palpable; Y al igual que con opciones anteriores, también porque personalmente había estado buscando una excusa para trabajar con él. Es posible que te hayas dado cuenta de que Takeshita también está directamente involucrado en este aspecto, lo que le valió el papel de director de sonido (ongaku kantoku). Mientras tanto, Kasamatsu figura bajo el rol no estándar de ongaku enshutsu. Resulta que verdaderamente es la palabra clave para toda la producción.
En una entrevista con JINS PARK, Kasamatsu revela cómo se cruzó con el anime, así como por qué favorece ese crédito específico. Su carrera profesional comenzó como técnico de efectos de sonido en programas de televisión, aunque su verdadera pasión era el cine. Y como era apasionado, también era crítico, razón por la cual el sonido de las películas japonesas le parecía algo decepcionante. Mientras jugaba con una estación de trabajo de audio digital que su jefe había adquirido, hacía experimentos como editar su propio avance de Patlabor: The Movie mientras reemplazaba el audio con algo que estuviera a la altura de sus estándares. En el proceso, llamó la atención de los fabricantes de la máquina y, finalmente, del propio personal de audio de Patlabor.
A través de ese divertido incidente, las puertas de la animación y el cine se abrieron para Kasamatsu. Al ser tan particular, le gusta participar desde las primeras etapas (como parte proactiva en la planificación de la banda sonora) hasta el final, modificando el diálogo y el tiempo en los cortes finales. Es consciente de que esa posición tiende a ser etiquetada como un ongaku kantoku particularmente influyente, pero como no es un gran admirador del aura imponente que tienen esas palabras, prefiere usar el ongaku enshutsu que suena más humilde. Así es como se le ha acreditado en múltiples proyectos de Ghibli, incluida la vez que Miyazaki le pidió que conceptualizara todos los efectos de sonido en Se levanta el viento como ruidos creados por humanos. Se ha convertido en la persona a la que acuden exclusivamente los iconos de la animación teatral japonesa. Y con HikaNatsu, ha estado al frente de un anime televisivo por primera vez en más de una década. Puedes contar el número de veces que esto ha sucedido con una mano y aún te sobrarían dedos. Incluso el personaje de la serie que es demasiado aficionado a sacrificar partes de su cuerpo podría lograrlo.
Otro aspecto central de la adaptación comparte protagonismo con el sonido para una escena igualmente contundente, especialmente para los espectadores que no conocen la premisa de la serie. Es lo que da forma a la verdadera naturaleza de “Hikaru”, una forma claramente pegajosa y fascinante. En el momento en que se anunció la adaptación, todos los fanáticos entendieron de inmediato por qué Takeshita buscó personalmente a Masanobu Hiraoka como el artista al que se le confió ese papel específico. Su dominio del movimiento morphing en obras independientes le ha valido ocasionalmente un puesto en proyectos comerciales de alto perfil, aunque también es ese estilo único lo que lo hace incompatible con la mayoría de los animes.
La mayoría de los animes, pero no HikaNatsu, donde encaja con perfecta (anti)naturalidad. Las formas fluidas de Hiraoka son fascinantes, al igual que la actual”Hikaru”, por quien Yoshiki no puede dejar de sentirse atraído a pesar del claro peligro. Las formas cambiantes recuerdan las estructuras biológicas que se pueden encontrar en las células; y, sin embargo, son fundamentalmente diferentes, igualando el efecto que logran los horrores fractales de Mokumokuren. El anime cambia a estos cortes especiales siempre que pretende acelerar el horror, pero quizás sean más efectivos cuando coexisten con los eventos ordinarios. En ese sentido, pocas escenas son tan memorables como la adaptación de la escena que inicialmente ayudó a HikaNatsu a despegar: “Hikaru” se derrite cuando Yoshiki pregunta quién es realmente.
Creo que es importante ver estos pilares del horror de HikaNatsu no como elementos distintos, sino como parte de la red interconectada que forman. A pesar de la gran diversidad de técnicas que utiliza el director de cada episodio, todas se fusionan en una textura unificadora que está estrechamente relacionada con los temas que discutimos anteriormente. HikaNatsu es pegajoso, viscoso. Un fluido que se filtra por todas partes. Al igual que el calor del verano, capturado con tanta precisión por la dirección de arte de Honda, el diseño de color de Naomi Nakano y la composición de Tomohiro Maeda. Aplastar los negros en la sombra y modificar incómodamente el contraste pueden ser opciones indeseables en otras series, pero encajan con la inquietud silenciosa y generalizada de HikaNatsu. Incluso el papel de Hiraoka recibe el nombre de animación dodororo, en honor a la onomatopeya del manga. Una vez más, esto relaciona estrechamente el horror que se filtra con una forma de sonido. Ambos aspectos comparten esa textura, como la presión social que rezuma alrededor de Yoshiki sin importar dónde se encuentre. Todo esto es desagradable, pero no puedes apartar la mirada. Esa es la relación compleja con lo desconocido que Mokumokuren quiere evocar.
Incluso con Takeshita tan al tanto de todo, el anime de HikaNatsu no sería ni la mitad de convincente si cada episodio intermedio entre los que él creó no fuera una experiencia inmersiva en sí misma. Afortunadamente, el proceso de contratación de personal que había dado confianza a los productores resultó ser tan preciso como esperaban. Los siguientes episodios muestran cómo la llegada de otros directores no impide que la producción sortee inventivamente sus limitaciones, reforzando sus ideas en el proceso. Eso sí, la segunda manzana no cayó muy lejos del árbol; El episodio #02 fue abordado y dirigido por el prometedor Mitsuhiro Oosako, un animador de Dogakobo que ha absorbido muchos rasgos de los directores actualmente activos en el estudio. Dado que uno de los protagonistas más notables de ese grupo es el propio Takeshita, no sorprende que Oosako haya encajado tan bien en esta serie.
Mientras Yoshiki intenta procesar todo lo que ha sucedido, desde el robo del cuerpo hasta un asesinato que definitivamente no está relacionado con “Hikaru”, Oosako enfatiza su subjetividad a través de recurrente. disparos a través de su flequillo. Ese es el tipo de elección de encuadre tan obvia que nadie podría pasar por alto su significado y, sin embargo, las ilustraciones más efectivas del episodio del espacio mental de Yoshiki son una vez más aquellas que traducen la presión asfixiante que siente en sonido. La elección más brillante del episodio literaliza los chistes de Yoshiki sobre las entrañas misteriosas que se sienten como pollo, mediante el uso de tomas de carne en vivo. Lo que inicialmente es divertido se convierte en imágenes inquietantes cuando se quiebra bajo presión. Las manos extendidas se convierten en trozos realistas de carne de pollo dibujada, con fotografías más reales. Fotografía (撮影, Satsuei): la unión de elementos producidos por diferentes departamentos en una imagen terminada, que implica filtrado para hacerla más armoniosa. Un nombre heredado del pasado, cuando realmente se utilizaban cámaras durante este proceso. intersticiales que convierten lo ordinario en algo repugnante. Los dibujos repulsivos encarnan el extraño efecto del valle que Mokumokuren a menudo utiliza como arma, pero a través de su percepción subjetiva, todavía podemos sentir una atracción embriagadora. Están sucediendo cosas malas y nuestro chico está trágicamente enganchado a ellas.
En contraste, el tercer episodio es una elección de personal un poco más arriesgada. Vale la pena señalar que Asaka Yokoyama es una gran fanática de la serie, por lo que no es una gran sorpresa que entendiera tan bien su naturaleza. El equipo debe haber estado de acuerdo, considerando que ella ya animó el gran giro en el estreno junto a Hiraoka. Y, sin embargo, la forma en que terminó allí no fue tan segura como la del director de la serie Director de serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. confiando un episodio a un alumno suyo. Cuando se anunció el anime por primera vez, unos meses después de su proceso de producción, ella lo celebró e inmediatamente rogó al equipo que la dejara trabajar en la serie. Esto ni siquiera era algo nuevo para ella, ya que había estado esperando públicamente poder dibujar guiones gráficos para una hipotética adaptación de HikaNatsu desde 2022, cuando solo se habían publicado unos pocos capítulos. A pesar de tener poca o ninguna experiencia como directora en ese momento, Asaka se presenta como una artista con ideas, por lo que el equipo rápidamente la dio la bienvenida (a través del productor de animación Kenta Ueuchi) entre sus filas.
Esa apuesta dio sus frutos, tal vez porque realmente había pasado años imaginando lo que haría con HikaNatsu si fuera animado. De una manera similar a las escaladas graduales de pavor en el manga, su episodio establece un ritmo claro a través de la repetición. Las imágenes y los recuerdos recurrentes se corrompen más cuanto más los vemos, en una cadencia que resulta incómoda en sí misma. Esto conduce a la explosión de sentimientos humanos e instintos inhumanos; transmitido a través de reimaginaciones de paneles memorables, esas herramientas recurrentes como el sonido y el exudado de Hiraoka, así como sus propias adiciones como las líneas que evoca inhumanidad. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
