My Dress-Up Darling/Kisekoi siempre fue encantador, pero ha alcanzado un nuevo nivel con una secuela que es más tremendamente creativa, temáticamente más ajustada y, en ese proceso, más diversa en las subculturas que explora. ¡Profundicemos en los cambios de producción que dieron resultados tan extraordinariamente buenos!
La primera temporada de My Dress Up Darling/Sono Bisque Doll wa Koi wo Suru, a la que nos referiremos como Kisekoi para ahorrarnos ese bocado de título, fue una adaptación perfectamente razonable de una serie agradable. Sin embargo, fue una síntesis un tanto reduccionista de lo que abarca el trabajo original. Eso sí, eso no siempre es un aspecto negativo, y mucho menos un factor decisivo. En todo caso, se podría argumentar que es natural que las adaptaciones se presenten así; Es mucho más fácil diseñar una experiencia muy enfocada con la previsión de publicaciones prolongadas o incluso terminadas, mientras que los autores originales que recién comienzan su trabajo luchan con lo desconocido. Es evidente que ciertas series han mejorado a través de sus adaptaciones debido a esto, ya sea eliminando elementos que en retrospectiva encajaban de manera incómoda o mediante meras elecciones de énfasis.
Sin embargo, cuando se trata de Kisekoi, no creo que ese fuera el caso. Nuevamente, no tome esto como una dura crítica a su primer programa de televisión, que en general fue sólido. Cualquiera que lo haya visto puede dar fe de que su entrega varió desde técnicamente sólida hasta a veces excepcional, con estándares de animación cómodamente por encima de la norma del anime televisivo actual. Y, sin embargo, la llegada de su secuela demuestra la existencia de un potencial más amplio que no pudieron aprovechar la primera vez.
La relativa estrechez de la temporada 1 comenzó con un aspecto del que difícilmente se puede criticar. equipo creativo para: el recuento de episodios. Con un solo curso a su disposición, el personal tomó la mejor decisión disponible y procedió a un ritmo mesurado, aunque eso significaba que no llegarían a los arcos (los más recientes en ese momento) donde el manga realmente avanza. Aunque siempre es agradable, el trabajo de Shinichi Fukuda tarda un tiempo en elevarse desde una linda comedia romántica que expresa un mensaje que suena agradable, a una donde esas creencias resuenan en cada página con el tipo de convicción que no puedes evitar aceptar.
En términos más específicos, esto significa que la serie amplía gradualmente sus horizontes en su descripción del cosplay y la cultura otaku en su conjunto. Su respeto por el primero nunca podría ponerse en duda; Más de unos pocos capítulos de la serie, incluidas las etapas anteriores, son tan completos en su descripción del pasatiempo que podrían servir como tutoriales. Esto también se tradujo en la primera temporada del anime, ofreciendo una mirada indudablemente amorosa a la subcultura… o más bien, a la parte presente en el material que tendrían tiempo de adaptar. Eso fue suficiente para señalar ideas como el fandom proactivo y la creación derivada como formas valiosas de canalizar el amor, así como el rechazo a la presión social sobre lo que debería gustarnos. Si bien esos son temas que naturalmente acompañan a Gojo y Marin a lo largo de su incipiente romance, todavía no están completamente formados en esta etapa. Los conceptos se sienten algo alejados de los aspectos más destacados de la producción y simplemente no están tan conectados con las realidades de la mayoría de las personas dentro de la cultura que explora. Esos temas son, en resumen, un escaparate adecuado para una linda comedia romántica.
Hasta cierto punto, esa estrechez de sabor se reduce a la ejecución. Si te digo que cierres los ojos e imagines algunas secuencias memorables de la primera temporada, sé con certeza que te vino a la mente una combinación de representación volumétrica y vivaz del cuerpo de Marin con ropa diminuta. Este no es un intento de avergonzar a los pervertidos entre nuestros lectores; en los sitios destinados a apreciar el arte, la perversión es, en primer lugar, una especie de insignia de honor. Sin embargo, lo que quiero decir es que esas secuencias recibieron un nivel de entrega memorable y claramente sobresaliente que la serie no podía permitirse de forma regular. Es una desigualdad en el valor del impacto (aún cuando el piso sigue siendo respetable) que da la falsa impresión de que esos momentos son de lo único que trata la serie.
Vale la pena señalar que, al recordar la primera temporada de una serie de entrevistas de Febri, el director de la serieDirector de la serie: (監督, kantoku): La persona encargada de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Keisuke Shinohara admitió haber asumido inicialmente que Kisekoi era simplemente un atractivo visual para los chicos. Sólo cuando leyó más se sintió profundamente atraído por las luchas de Gojo como creador; a pesar de estar en diferentes campos, encontró que su arco resonaba en cualquiera que estuviera interesado en hacer cosas. También fue al profundizar más en la serie que llegó a apreciar la representación de los sentimientos de Marin de una manera definida e igualmente importante, en contraste con la tendencia de las comedias románticas danseimuke de enmarcar a las mujeres como objetos de búsqueda incognoscibles. Este parece ser un sentimiento compartido en todo el equipo, ya que el productor jefe de Aniplex, Nobuhiro Nakayama, recientemente se refirió a la energía tipo shoujo de la serie debido a ello.
Dicho esto, que haya más aspectos en la serie no significa que el erotismo no siempre haya sido parte de Kisekoi. Seguimos a dos adolescentes, cada uno desde su propio ángulo de incomodidad, tratando de descubrir su sexualidad. Una de ellas tiene suficiente confianza en su cuerpo como para intentar hacer cosplay de personajes provocativos de juegos para adultos; destacando la relación entre una serie con esta temática y la representación de cuerpos, además de que le gustan bastante los juegos porno. Y, lo que podría decirse que es lo más importante, Fukuda no oculta que le gusta representar a Marin de una manera sexy. Dada esta premisa y el acceso del equipo a algunos artistas de personajes excepcionales que estarán felices de hacer todo lo posible en esas secuencias, no es una sorpresa ni una desventaja que muchos aspectos destacados de la primera temporada correspondan a cortes picantes de Marin. Si simplemente juzgamos la ejecución, el problema es más bien, ya sea por percepción o por debilidad relativa, que son los otros lados de Kisekoi S1 los que no impactaron con la misma fuerza.
Para empezar, es importante recordar el contexto de la producción de esa primera temporada. Si bien está bien hecho para los estándares del anime televisivo, no podemos olvidar que siguió a la implosión absoluta de Wonder Egg Priority. Aunque la ambición de Shouta Umehara como productor de animación alimenta el que sin duda es el equipo más prestigioso de CloverWorks, en ocasiones se ha excedido hasta el punto de volverse también problemático. De ninguna manera es un líder cruel que explota a los demás, sino más bien el tipo imprudente que encabeza incluso las misiones suicidas; No olvide que la persona que WEP envió al hospital fue él mismo. Su actitud en ese momento es algo que ha ido evolucionando gradualmente, en formas que luego afectarían la segunda temporada de Kisekoi, pero más que cualquier otra cosa, fue ese agotamiento físico y mental posterior al WEP lo que arrastró los estándares para su próximo proyecto nuevamente a la tierra. La primera temporada de Kisekoi aceptó un umbral más bajo de consistencia y calidad para el arte de los personajes y, de manera bastante notoria, presentó dos episodios totalmente subcontratados (el número 03 para Traumerei Animation Studio y el número 07 para Lapin Track). Es una producción sólida, pero también la definición misma de reprimirse. Dado este contexto, es comprensible.
Otra razón por la que la toma ocasional de Marin se destacó por encima de todo lo demás, y la razón por la que introdujimos la idea de percepción antes, es el director de la serie. Director de la serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Shinohara pasa desapercibido por naturaleza. El comienzo de la primera temporada ya fue suficiente para ilustrar que, incluso cuando exagera, lo hace de una manera tan calculada que das por sentado su convincente entrega. A través de la técnica y el ingenio, utiliza su posición como director para proteger la inmersión del espectador para que no se rompa. Puede que no sea un realista estricto, pero tiene el tipo de visión fundamentada que lo obliga a retratar focos figurativos de la misma manera que mostrarías luces reales. Si bien nunca dejó de lado el sentido del humor de la obra original, fueron otros directores de episodios de la primera temporada quienes se inclinaron más ostensiblemente por él. Especialmente en aquel entonces, Shinohara estaba feliz de aspirar a una sensación de transparencia; ser auténtico en la representación de las personas y el tema, dejando el artificio en manos de otros.
Cuando se trata de esa primera temporada, episodios como el número 11 ofrecieron el tipo de fricción al que Shinohara es más naturalmente reacio; Siguiendo el ejemplo de cierto director que luego fue puesto al frente de la secuela, mostró a un Kisekoi más atrevido que estaba dispuesto a jugar con la naturaleza ridícula de los personajes como activos 2D con los que puedes jugar. Pero, desde un ángulo completamente diferente, lo más destacado fue el octavo episodio dirigido por Yusuke Kawakami. Al principio, una larga escena clave animada por Kerorira muestra el tipo de representación carismática de las sábanas que de otra manera solo vemos en escenas picantes durante la temporada 1. A medida que avanzas en el episodio, la representación de una serie de chicas mágicas más antigua hace concesiones a la autenticidad a favor de la regla de lo genial. Una sensación de atmósfera mucho más palpable que la que encontrarás en el resto del programa oscila entre el pavor y la vulnerabilidad cuando un personaje se abre a Gojo y luego cambia con la misma rapidez a divertidas travesuras visuales.
A diferencia de Shinohara discreción, guión gráfico de Kawakami. Guión gráfico (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de la animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. More es del tipo que con orgullo te detiene en seco. Hay una sensación compartida de elegancia que le permite existir dentro del marco del director de la serie, pero la ejecución es mucho más ostentosa y abierta. No busque más, el avance de Juju sobre su identidad y sus sueños, transmitido a través de una clara superposición de su reflejo y un traje de niña mágica. Todo el segmento final con Marin y Gojo en la playa es una representación etérea de las primicias; del primer amor, las primeras salidas a la playa y la primera vez que una gaviota te falta el respeto, porque sigue siendo una tontería incluso con esas vibraciones de otro mundo que Kawakami y el resto del equipo le otorgaron. El episodio presenta, de arriba a abajo, un arte superlativo y una entrega completamente memorable dentro de una temporada donde los picos tienden a tener un sabor singular.
No se puede negar que existe una diferencia fundamental entre la dirección de un individuo deslumbrante como Kawakami y la mano firme de Shinohara. El director de la serieDirector de serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Él mismo ha aludido a ello, como se ve en una de las muchas entrevistas realizadas para el artículo Kisekoi S2 en Newtype de septiembre de 2025. Dado su estilo reflexivo pero en última instancia un poco tranquilo, Shinohara niega humildemente tener el tipo de gravedad de sus compañeros más carismáticos. Si bien existe un patrón en esta industria donde el magnetismo se correlaciona con la extravagancia, resulta evidente que Shinohara está equivocado, como se ve por la forma en que las estrellas más reconocidas públicamente cantan su nombre cada vez que aparece en las noticias, mostrando aprecio por su oficio de una manera divertida. Puede que no destaque de la misma manera, pero la precisión técnica de Shinohara es muy apreciada por quienes trabajan a su lado. Y si se le colocara en un entorno más favorable y con un poco más de experiencia en su haber, podría conquistar a los espectadores con el mismo entusiasmo. Su grandeza puede ser más difícil de captar que con esos directores estrella más abiertos, pero su encanto no es menos.
Y así, la señal de la temporada 2 de Kisekoi, el proyecto que le ha permitido a Shinohara estar a la altura de ese potencial.
Si te sorprendió la forma en que esta secuela mejora esencialmente en todas las áreas, tenías la mentalidad correcta. Salvo el raro reemplazo de personal que resulta mejor, el resultado más natural para las secuelas es comenzar una ligera tendencia a la baja. Mantener su nivel original o incluso una ligera mejora está en las cartas, pero cualquier cosa más esperanzadora que eso coquetea con la ilusión. En pocas palabras, es común que los proyectos iniciales sean sinónimo de mayor inversión y equipos más potentes; después de todo, el compromiso a largo plazo de personal capacitado es el más difícil de conseguir y, por naturaleza, las secuelas vienen con una base de fans ya asegurada o con la certeza de que la serie no será un éxito. No es que no haya ejemplos de segundas temporadas que sean obras más fuertes y convincentes, pero ciertamente no se pueden dar por sentadas las grandes mejoras en el departamento de producción.
¿Qué fue lo que permitió a Kisekoi dar un salto tan claro, entonces? Ya hemos mencionado algunas razones que entraron en juego. Vale la pena recordar que este es solo el cuarto intento de Shinohara en la dirección de una serie, y que las dos primeras instancias fueron Black Fox (donde fue una especie de reemplazo del ocupado Kazuya Nomura) más la cáscara colapsada de A3 que compartió con otro director prometedor, Masato Nakazono. Kisekoi se siente como su primer intento de liderar un proyecto serio, por lo que es razonable una mejora considerable en el momento de la secuela. Especialmente cuando, en comparación con esa depresión posterior a WEP, este proyecto llegó en un momento en que la línea de producción de Umehara y ciertas partes de CloverWorks están… floreciendo tanto como sea posible mientras se demuestra que están demasiado ocupadas, digamos. No es el entorno ideal, pero claramente es mejor para un director de serie más maduro. Director de serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso.
Pasando directamente al primer episodio de la temporada 2, es decir, Kisekoi #13 siguiendo la numeración oficial, se muestran esas mejoras sustanciales en todos los ámbitos. Shinohara nunca se despojó de sus tendencias, pero como explicó en la entrevista de Newtype antes mencionada, quería ampliar el rango de expresión. En su opinión, las traiciones ocasionales de la realidad objetiva hacen que las cosas sean más interesantes tanto para los espectadores como para los creadores. Armado con esa nueva mentalidad, y la colaboración de cierto miembro clave del equipo de la temporada 2, se dispuso a crear un guión gráfico (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de la animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más y dirigir esta reintroducción a la serie.
Si quieres evaluar a Shinohara, la brillante escena al final del episodio podría ser el mejor ejemplo de lo que es capaz de hacer esta vez. Rodeado de extrovertidos en la fiesta de Halloween a la que lo arrastraron, Gojo se ve obligado a enfrentar sus inseguridades; ¿Realmente pertenece a ellos y, de hecho, pertenece a algún lugar cuando sus intereses no se ajustan a las normas de género? Esos miedos se transmiten a través de un texto sincronizado con precisión a medida que profundizamos en su psique, mostrando su habitual excelencia técnica pero también ese deseo de aumentar la abstracción. Shinohara logra este nuevo desafío de evocar algo más grande que la realidad material de la escena y, al mismo tiempo, todavía juega dentro de los límites de su entorno de una manera divertida. Después de todo, toda esta escena dura minutos mientras se puede escuchar el canto Nowa favorito de todos (más bien Haruhily) de fondo. Y así, después de pasar de los miedos de Gojo a un agradable sentimiento de aceptación, el clímax de la canción le permite pasar inmediatamente a una pregunta pública, hilarantemente inoportuna, sobre si los dos protagonistas están saliendo. Bendito seas Nowa y bendito seas Shinohara.
Hirohiko Sukegawa dibujó 80 cortes alrededor de la escena del karaoke, incluidas prácticamente todas las apariciones de Nowa. Esto no es una coincidencia: pidió a su personaje favorito tanto como fuera posible, extendiendo sus funciones incluso más allá del programa en sí. El equipo le permitió dibujar un montón de extra ilustraciones para acompañar las versiones de canciones de rock de Nowa (¿por qué tiene tan buen gusto?) durante la segunda temporada, hasta el punto de que el autor original se dio cuenta de sus esfuerzos tan concentrados. Y así, cuando la temporada estaba terminando, dibujó a Nowa en modo oshikatsu… sobre el animador real Sukegawa, quien, como era de esperar, perdió la cabeza por eso. Además, mientras hablamos del clip anterior, la forma en que se enumeran los nombres y las edades seguramente recuerda a una escena icónica de la FLCL. Sospecho que a cierto asistente del director de la serie se le ocurrió este detalle.
Así como el final del episodio es excelente, también lo es el comienzo. Esta estructura es, en primer lugar, un gran paso por parte de la adaptación. Gran parte de las primeras etapas de la segunda temporada se basan en pequeños cambios en el flujo del material original, y creo que lograron sus objetivos; en el caso del primer episodio, para darnos la bienvenida nuevamente con algo que encapsule la totalidad del encanto de Kisekoi, en lugar de proceder como si no hubiera ocurrido ninguna ruptura. Y así, tal como lo hizo ocasionalmente su predecesor, la temporada 2 comienza con una parodia de género ridículamente divertida dirigida por Kai Ikarashi, una que también sirve para despedirse del difunto director de arteArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): La persona a cargo del arte de fondo de la serie. Dibujan muchas mesas de trabajo que una vez aprobadas por el director de la serie sirven como referencia para los fondos a lo largo de la serie. La coordinación dentro del departamento de arte es imprescindible: los diseñadores de ambientación y color deben trabajar juntos para crear un mundo coherente. Ryo Konno.
A medida que el alcance de la serie se amplía, también lo hacen estos divertidos vistazos a sus piezas de ficción en el universo. Abarcan más rincones del mapa otaku y se desarrollan más, especialmente dentro de una adaptación que los imagina mucho más allá de los destellos del manga. Siguiendo la pluma de Ikarashi, éste se convierte en más… todo. Más. Básicamente, así es como Shinohara habla de su amigo Ikarashi: alguien en quien puedes confiar no solo para entender lo que aluden tus guiones gráficos, sino que luego te superará ampliándolo mucho más. TsuCom es una serie dura pero tonta que se supone que te hará pensar Maldita sea, eso fue divertido, y eso es exactamente lo que transmite el trabajo de Ikarashi.
Aunque a Shinohara se le ocurrió la idea aproximada para esa escena, fue otra persona quien la limpió. hasta convertirlo en un guión gráfico adecuado. Guión gráfico (絵コンテ, ekonte): Los planos de la animación. Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual del anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de la animación, notas para el personal y las líneas de diálogo correspondientes. Más. Esa misma persona le alimentó con ideas durante toda la temporada, convirtiéndose posiblemente en el principal culpable del cambio en el tono de Kisekoi. Finalmente es hora de hablar sobre el favorito de los fanáticos Yuusuke “Nara” Yamamoto, quien adoptó una postura proactiva en su recién adquirido rol de asistente del director de la serie Director de serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso. Como señala en la entrevista de Newtype que comparte con su buen amigo y animador principal Naoya Takahashi, el alcance y los detalles de ese rol varían mucho según el entorno y el proyecto en cuestión. En este caso, el alcance de Nara lo abarcó todo como normalmente sólo lo es el del líder del proyecto; Siempre presente desde las reuniones de guión, e involucrado en la elección de episodios en los que tampoco se le acreditaba explícitamente. Conceder a cualquiera tanta participación debería tener un efecto, y mucho menos a un creador con una personalidad tan audaz como la de Nara.
En esa entrevista, Takahashi destaca las cualidades de Nara como director como algo único para su experiencia. Estoy en gran medida de acuerdo con su opinión de que, cada vez que destacados animadores de personajes pasan a roles de dirección, tienden a poner mucho énfasis en la belleza y la solidez técnica de las tomas, la autenticidad de las actuaciones y el flujo mecánico de los guiones gráficos. Esas son, por supuesto, cualidades positivas, y también un lado que Nara realmente no ha perdido. Sin embargo, en el proceso de cambio de roles, se ha convertido en un artista mucho más interesado en la simple idea de entretener al público y tomarlo por sorpresa. Esto es algo que los fans de Bocchi the Rock llegaron a apreciar mucho, ya que sus episodios de la primera temporada estuvieron entre los menos ortodoxos para lo que ya era una comedia excéntrica. Sin embargo, vale la pena señalar que el deseo de sorprender a los espectadores con una diversidad de materiales es algo que Nara exhibió de antemano (¡incluso en un programa diferente de Bocchi!).
En un solo episodio, las razones que permitieron a Kisekoi subir de nivel tanto se detallan más bien. claramente. Por supuesto, no es una causa singular. Hemos hablado sobre el crecimiento de Shinohara, el cambio en su enfoque y cómo la llegada de Nara impulsó aún más ambos. Si damos un paso atrás, es imposible disociar este último punto del estado actual de Bocchi the Rock; un limbo no planificado que ha provocado que no solo su personal sino también la energía que llevaban se derrame en Kisekoi.
Si bien siempre hubo superposición entre estos proyectos como dos series manejadas por la pandilla de Umehara, la forma en que su personal y su ventaja cómica se apoderaron de Kisekoi S2 habla por sí sola… al igual que el hecho de que el diseñador de Bocchi, Kerorira, pasó de ser un animador ocasional a ganarse el puesto de soporte del equipo. Según Umehara, ese crédito pretende reflejar su posición actual como alguien que trasciende los proyectos dentro del estudio. En resumen, es una figura confiable con capacidad de toma de decisiones y comunicación para ayudar en cualquier momento, además de su capacidad para dibujar mucho.
Cuando se trata de Kisekoi S2, esa carga de trabajo más tangible equivalía a una apertura animada clave en solitario, asistencia de efectos para sus juegos en el universo, limpieza en los episodios más pesados y grandes porciones de animación claveAnimación clave (原画, genga): estos artistas dibujan los momentos cruciales dentro de la animación, básicamente definiendo el movimiento sin completar realmente el corte. La industria del anime es conocida por permitir a estos artistas individuales mucho espacio para expresar su propio estilo. para cerrar la temporada. Para este primer episodio, lo que más destaca es la secuencia en la que una Marin bastante desordenada atraviesa una montaña rusa emocional al dejar volar un poco su imaginación; casi como si Kerorira hubiera animado infinitamente a una criatura rosa que experimenta eso con regularidad. Un saludo también al último corte, en el que todos los demás se dan cuenta del comportamiento excéntrico de Marin justo cuando una ola de animación de fondo orgánica golpea las ventanas. ¡Precisión estilo Shinohara en manos capaces de la animación!
Por mucho que artistas como él se destaquen, es importante establecer que el gran aumento en los valores de producción lo abarca todo y se extiende más allá de cualquier individuo. Nuevamente, esto es algo estrechamente relacionado con el contexto de producción de la temporada 2 en comparación con su predecesora. Aunque no podemos subestimar el hecho de que CloverWorks se encuentra en un estado de sobreproducción, especialmente porque el estudio intenta enmarcarlo como algo positivo dados los resultados que obtienen, también es innegable que hay mejoras tangibles en su infraestructura. La capacitación de su personal (y a veces la caza furtiva agresiva) ha ayudado a formar un equipo más estudioso y mejor preparado. Construido sobre esa base sólida en lugar de dentro del cráter que dejó WEP, el apoyo fue simplemente mucho más fuerte.
Aunque fue un tema en solitario animado por Kerorira, la apertura fue dirigida y escrita por Yuki Yonemori. Su encantadora integración de los créditos de producción llama la atención, aunque creo que el corazón de la secuencia es el énfasis que puso en los materiales físicos, algo de suma importancia en una serie sobre cosplay. Vale la pena señalar que la secuencia toma prestadas muchas composiciones de NO LULLABY, un video musical que estoy seguro alguien aprovechó la animación mundial como Yonemori había visto muchas veces. Creo que la forma en que se procesan es transformadora y parece un asentimiento respetuoso, aunque a la gente le habría sentado mejor si hubieran gritado al equipo original. Dadas las reglas tácitas sobre las menciones explícitas de otras obras, es posible que la idea haya sido lamentablemente rechazada.
Pero no me malinterpretes: Kisekoi S2 tiene un éxito excepcional. Aunque creo que la divertida creatividad de Bocchi lo impulsa a lo más alto de las obras de Umehara, se puede argumentar sobre la cuidadosa precisión (que no está reñida con una ejecución igualmente animada) en la mayor parte de Kisekoi S2, lo que la convierte en la mayor producción de este equipo. El propio Shinohara considera que los estándares para episodios como el estreno de la segunda temporada son excesivos para la televisión. No se refería sólo a los aspectos más visibles como el detalle y el pulido del arte de los personajes, o incluso el grado de articulación de la animación, sino también a la fastuosidad de lo intermedio y la pintura. El largo tiempo dedicado a los episodios anteriores ciertamente ayuda, aunque el director también señala que la alta base de habilidades técnicas redujo en gran medida la necesidad de repeticiones, lo que hizo factible ese grado de ambición. Quizás la mejor manera de describir su éxito es que se siente como una temporada muy bien afinada; parte de ese secreto es, como reveló, un equipo tan bueno que lograron muchas cosas en el primer intento.
Esa delicadeza se traslada al segundo episodio de la temporada, que por lo demás genera un cambio tonal notable. Uno de los puntos principales que debes entender para apreciar el notable cambio de sabor entre las temporadas de Kisekoi es que Nara estaba realmente en todas partes, acompañada por un director de serie. Director de serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. quien estaba feliz de absorber sus ideas. Y, sin embargo, así como la concentración de oxígeno en la atmósfera puede variar, también puede variar la densidad de las escandalosas partículas directoras (concepto científico real). Estos tienden a estar en su punto más alto, por supuesto, en los episodios que Nara personalmente dirigió y escribió, es decir, #14, #19 y #23.
Después de la decisión del estreno de reorganizar los eventos para que los espectadores fueran recibidos con una dosis más completa de Kisekoiness, esta continuación nos devuelve a una aventura que nos habíamos saltado. Los reajustes requieren unir dos historias distintas, pero la entrega de Nara es tan segura que no te quedas sintiendo que no había una visión clara detrás de ella. Sure, we switch from the continuation of the romcom beat about whether they’re dating to cosplay and gender focused plotlines, but both are delivered through similarly eclectic mixes of styles.
Nara is always willing to pivot from Kisekoi’s grounded normality to his reminders that animation is composed of assets he can play around with. There’s that familiar sense of comedy built upon quick stylistic shifts whenever he can find a way to sneak it in; changing levels of stylization, of fluidity in the animation, and then subverting your expectations from an entirely new vector when you think you’ve cracked the pattern. Just like the Bocchi anime that episodes like this are so reminiscent of, it’s the consistent sense of surprise that becomes the glue between heterogeneous parts.
Since we talked about the opening sequence, we ought to introduce the ending as well. The closing sequence by VIVINOS is very reminiscent of their Pink Bitch Club series, taking Marin’s crush and her interest in fashion as an excuse to turn her into a bit of a menhera menace.
If we stop and appreciate the once again excellent animation, we can find plenty of examples of seemingly uncanny combinations of ideas leading to a richer outcome. With a director as quick to embrace cartoony aesthetics, you could assume that’s the route it’ll head in whenever there are comedic needs, but Nara successfully guides the team to get mileage out of less common approaches. Like, for example, ever so slightly dialing up the realism to make a sequence more amusing. As an embarrassed Marin storms away from Gojo, the level of lifelike detail in which the folds of his disguise are depicted—a bit exaggerated but not so much that they become a caricature—makes him look much creepier and thus funnier in this context. Even when the application of a style is more orthodox, the ability to alternate between them will keep you constantly engaged. After all, the same visit to a sick Marin can have outstanding examples of precision in animation and inherently funny betrayals of space. In a season with many outrageous visual tricks, even the seemingly more standard sequences can be inherently fun to look at.
One detail we’ve neglected to mention is that all those scenes arrived by the hand of the aforementioned main animator, Naoya Takahashi. Speaking to Newtype, he simplified the evolution of his role as going from a tactically deployed weapon across important moments in the first season, to handling large chunks at a time for the sequel. This is not to say that he no longer handled climactic moments, since we’re talking about an animator with a hand in the very last scene of the season. However, it’s true that he halved his appearances so take he could take over many cuts whenever he showed up as either key animator or supervisor.
Applied to episode #14, that meant drawing key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style. for virtually every single shot in the first half; the only small exceptions being Odashi and the regular Yohei Yaegashi making cute guest appearances, in rather different ways. Nara is particularly effusive about Takahashi’s mindset, as an animator whose interests are tickled by seemingly troublesome cuts that he’ll complicate even further, but it’s worth noting that the entire second half received the same holistic treatment by Maring Song. Given that its animation demands are just as diverse, the challenge couldn’t have been any easier.
Even with those assistants and the help of a solid lineup of 2nd key animators, having the episode’s two animation directors penning every single cut in the first place is quite the ask. And keep it in mind: it was an ask, not a spur-of-the-moment happening but a foundational idea in planning Kisekoi S2. Those Newtype features confirm as much, saying it was an episode conceived to be animated by a small team. While this one is noteworthy in how far they went with it, the desire to keep animation teams small is a defining trait of Umehara’s production line in recent times. From a creative standpoint, there’s an obvious reason to chase that goal: the natural sense of cohesion and full realization of a better-defined vision that you can get out of small teams. And from a management level, the idea that you may be able to offload this large a workload to just a few people—at least for certain tasks—is a dream come true.
While it’s positive that viewers have started paying attention to the composition of teams (who is part of them, their size, roles, etc), many are a bit too quick to assume that seeing fewer animators credited is immediately a sign of a healthier, straight-up superior production. Instead, they should be asking themselves if such a team was a natural fit for the production circumstances, and whether the level of ambition and quality standards match their possibilities.
Circling back to Kisekoi S2, then, we can say that episodes like this manage to maintain—and occasionally even raise—the project’s already impressive technical floor despite the small team. And what about the larger picture? Did this approach eventually push the production off the rails? Although things got tighter by the end, we can now say that it weathered the storm without requiring the level of unthinkable individual feats that protected the likes of Bocchi. In that regard, it’s worth noting that Kisekoi S2 showed an interesting level of restraint. Small teams of animators, but never as far as this one episode. A mere two episodes with a singular animation director, instead opting for duos as its default. Part of this comes down to the improvement of CloverWorks’ infrastructure (not to be confused with their planning) that we talked about earlier, but it’s also about that evolution in Umehara’s mindset; away from his most aggressive tendencies, less allergic to the concept of compromising, and instead interested in finding ways to minimize the negative effects from that.
It’s another one of Umehara’s favorite weapons that takes over the show with the next episode: character animation ace Tomoki Yoshikawa, who makes his debut as storyboarder and episode director. If his peers viewed Nara as a very entertaining aberration, Yoshikawa embodies straightforward excellence in his breed. As an animator, Yoshikawa’s work feels performed in a way that few artists’ do; so specific in its posing and demeanor that you feel as if the characters were actors who’d just been briefed by the director. And now that he genuinely occupies that position, you get that philosophy applied to an entire episode—often through his own redraws. The way people interact with objects and people’s gestures constantly stand out as deliberate. The way he accomplishes it makes his ostentatious brand of realism not particularly naturalistic, but its technical greatness and sufficient characterfulness justify its braggadocio air. Perhaps this is the horseshoe he shares with Nara: one, a director so imaginative that he gets away with making the artifice painfully obvious, the other, an animator so good at articulating characters that he’s happy with showing you the strings with which he puppeteers them.
Despite yet another charismatic lead artist having a visible impact, Kisekoi S2’s overarching identity is too strong to ever disappear. Instead, what happens is that the two tendencies tend to mix with each other. Yoshikawa’s deliberate acting doesn’t risk coming across as too clinical and serious, as his precise posing occasionally becomes a source of humor as well; for an obvious example, a binoculars-like shot is followed up by the type of silly pose that Marin is likely to adopt when her nerdy side takes over. The switches to blatantly cartoony animation can occur without ditching the calculated staging, and for that matter, without ditching Yoshikawa’s pen either—he personally key animated some of them as well.
The real highlight of the episode, though, is in Amane’s backstory. At this point, it should be obvious that Yoshikawa is more than a cold, technically proficient animation machine. He once again shows that much with a stunning flashback focused on the main duo’s new friend and his encounter with crossplay, which helped him forge an identity he’s finally comfortable with. Through some of the most ethereal drawings in the entire show (many by Yoshikawa himself), we witness his first experiences with makeup, wigs, and dresses. We see neither his face nor reflection, but it quickly becomes obvious that it’s because his past, regular self was one that he’d never been comfortable with. It’s impossible not to feel the contrast with his current persona, highlighted by all the cuts to the present clearly showing a happy face after so much obscuration of his expressions. The Amane of right now, the person cosplaying a female character while hanging out with Marin and Gojo, is the self that he loves and proudly projects outward.
This type of conflict is by no means new to Kisekoi. After all, Gojo’s own insecurities are also rooted in traumatic rejection over his gendered interests; and of course, Marin being a widely beloved, popular girl with some very male-coded hobbies is the flipside to his situation. Up until now, though, none of those situations had been presented in such striking fashion. If we add to that the way that Kisekoi’s exploration of otaku spaces widens—and this is only the beginning—the message of acceptance that had always been attached to the series starts feeling more meaningful.
The following episode ventures further in that regard. Although it’s the first chance for the production to take a bit of a breather, one aspect took a lot of work and it very much shows: the depiction of PrezHost. As is the norm with this season, an in-universe work briefly depicted in the manga becomes a fully fledged production effort within its anime adaptation. The beautiful designs by WEP’s Saki Takahashi and the evocative compositions it dashes out when necessary sell the appeal of the series, though it’s the concept itself that feels most important.
Even though Kisekoi rejects conforming to the preconceptions about what individuals ought to enjoy according to their age or gender, constantly doing so while only ever portraying danseimuke fiction (or types of work otherwise largely tolerated by men) would make its plea for acceptance ring rather hollow. This makes their fancy depiction of a shoujo manga turned popular live-action drama such a great choice, because it feels like it understands what teenage girls and families alike—including some boys, awkward about it they are—would get really into. I have to admit that, given the extremely obvious Ouran vibes of this fake series, I’d have loved to see much more overt mimicry of Takuya Igarashi’s direction; at best, Mamoru Kurosawa’s storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. More and its SHAFT flavor merely evoke vibes that feel like a distant stylistic cousin. That said, beautiful animation dedicated to something that strengthens your whole series’ message is hardly a reason to complain.
Between WEP’s early moments of excellence and his work across the 22/7 short films, Wakabayashi earned himself a reputation as a breathtaking director, the type that invites you into ethereal spaces where mundanity feels divine. Mind you, there is still plenty of room for delicacy and elegance across his boards here. Within an arc that strongly emphasizes collective work and the reliance on everyone’s specific skills, episode #17 allows the fundamentally subdued animation to do the talking; Gojo’s expert movements contrast with Marin’s well-meaning flubs, yet she’s the one who irradiates confidence with her body motion when she’s in her field. The intricacies of seemingly mundane animation tell us a lot, just by swinging from one of Marin’s beastly lunches to Gojo’s delicate eating as drawn by Shinnosuke Ota. Even that otherworldly vibe of Wakabayashi’s direction is channeled through the depiction of light, dyeing the profiles of the lead characters when they’re at their coolest and most reflective.
However, those are merely the gifts that you’ll find hidden within the bushes—or rather, in a very exuberant, colorful jungle. Wakabayashi and episode director Yuichiro Komuro, an acquaintance from WEP who already did solid work in Kisekoi S1, meet this sequel on its own terms. Stronger comedic edge, but also the incorporation of different genres we hadn’t explored before? Playful emphasis on the farcicality of animation assets, as well as a much higher diversity of materials? If that is the game we’re playing now, Wakabayashi will happily join everyone else. And by join, I mean perhaps best them all, with a single scene where Marin squeals about her crush being more densely packed than entire episodes; horror buildup, an imaginative TV set, slick paneling that breaks dimensions and media altogether, and here’s a cute shift in drawing style as a final reward. Wakabayashi may be playing under someone else’s rules, but he’s far from meek in the process. Episode #17 is out and proud about being directed, with more proactive camerawork than some hectic action anime and noticeable transitions with a tangible link to the narrative.
For as much as episodes like this rely on the brilliance of a special director, though, this level of success is only possible in the right environment. This is made clear by one of the quirkiest sequences: the puppet show used for an educational corner about hina dolls. The genesis is within Wakabayashi’s storyboards, but the development into such a joyful, involved process relied on countless other people being just as proactive. For starters, the animation producer who asked about whether that sequence would be drawn or performed in real life, then immediately considered the possibility of the latter when Wakabayashi said it could be fun. There’s Umehara himself, who’d been watching a documentary about puppeteer Haruka Yamada and pitched her name. The process this escalated into involved all sorts of specialists from that field, plus some renowned anime figures; no one better than Bocchi’s director Keiichiro Saito to nail the designs, as dolls are an interest of his and he has lots of experience turning anime characters into amusing real props. Even if you secure a unique talent like Wakabayashi, you can’t take for granted the willingness to go this far, the knowledge about various fields, and of course the time and resources required for these side quests.
And yet, it’s that emphasis on clinical forms of animation that also makes it feel somewhat dispassionate—especially after the playfulness of Wakabayashi’s episode. The delivery is so fancy that it easily passes any coolness test, and it certainly has nuggets of characters as well; watching the shift in Marin’s demeanor when she’s performing makes for a very literal, great example of character acting in animation. But rather than leaning into the fun spirit of a school festival, the direction feels very quiet and subservient to an artist who can lean towards the mechanical. It’s worth noting that the most evocative shots in the entire episode, which break free from its cold restraint, come by the hand of Yusuke Kawakami. Those blues are a reminder of the way he already stole the show once, with that delightful eighth episode of the first season.
Kisekoi S2 is certainly not the type of show to dwell in impassionate technicality for too long, so it immediately takes a swing with another fun episode captained by Nara. A leadership that this time around doesn’t merely involve storyboarding and direction, but even writing the script as well. Given that the animation director is Keito Oda, it ends up becoming quite the preview for the second season of Bocchi that they’re meant to lead together. His touch can be felt through the spacious layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists. and the character art itself, with scenes like the one at the karaoke feeling particularly familiar. A noticeably softer feel within a series where the designs normally lean in sharper directions.
Even though Nara mostly plays with regular tools for this episode, the same eclecticism we’ve been praising so far is all over the episode. At no point can you be sure about which technique, palette, and type of stylization he’s going to deploy when depicting Marin’s struggles. This helps spice up an episode that is otherwise a simple breather. Weight gain scenarios in anime rarely lead to a fun time; you don’t have to start considering whether they’re problematic or not to realize that they’re formulaic and repetitive. However, within a show where bodies are meaningfully explored and thanks to Nara’s amusing resourcefulness, it becomes yet another entertaining episode.
Additionally, there is a reason why we said that the director mostly uses regular tools in episode #19. The highlight is a sequence built upon a 3D scan of a real park, in a process that took 9 months to complete. Although there are technical points of friction like Marin’s lack of a projected shadow, this was a tremendous amount of effort applied to a fundamentally compelling idea. Within regular comics, a sudden switch to a series of identical panel shapes feels unnatural. In the context of a series about cosplay, that’s enough to tell that someone is taking photos. But what about anime (and more broadly, film) where the aspect ratio is consistent? A solution can be to reimagine the whole sequence as a combination of behind-the-camera POV and snapshots that don’t reject the continuity.
While on the surface it might seem like a more modest showing, episode #20 is—in conjunction with the next one—a defining moment of Kisekoi S2. Director and storyboarder Yuuki Gotou is still a bit of a rookie in this field, but may prove to be one of the best scouting moves for the team. Alongside the small changes in the script, the direction toys with the themes of the series in a way that casually solidifies the entire cast. Gojo and Marin attend a cosplay event and come across acquaintances, including multiple friend-of-a-friend scenarios. Those involve someone who, in the manga, is merely mentioned as having been too busy to attend. In the end, we don’t know much about her, and she doesn’t even register as a person. What does Gotou’s episode do, though? It transforms the manga’s plain infodumping about cosplay culture into a fake program that stars her as the host, which makes the eventual reveal that she couldn’t show up more amusing and meaningful; now she actually is a person, albeit a pitiful one. The delivery of the episode is enhanced by similar small choices, in a way that is best appreciated if you check it out alongside the source material.
The immediate continuity in the events links that episode to #21, which also underlines the essence of season 2’s success. I’m sure we’ve all witnessed discourse about anime’s self-indulgent focus on otaku culture at some point. The very idea of acknowledging its own quirks and customs is framed as an ontological evil, though really, those complaints amount to little more than cheap shots at easy targets that people can frame as progressive, refined stances. Were they truly that thoughtful about cartoons, people would realize that such anime’s common failing isn’t the awareness and interest in its surrounding culture—it’s the exact opposite. Anime isn’t obsessed with otaku, but rather with going through familiar motions and myopically misrepresenting a culture that is much broader than we often see. Every late-night show that winks at a male audience about tropes they’ll recognize is blissfully unaware of the history of entire genres and demographics; and for that matter, about the ones that it’s supposed to know as well, given how many gamified Narou fantasies fundamentally don’t understand videogames.
Due to Marin’s choices of cosplay and the unbalanced presentation of the first season, Kisekoi risked leaning a bit in that direction as well. But with a series that genuinely wants to engage with the culture it explores, and a team willing to push its ideas even further, that simply couldn’t come to pass. The most amusing example of this across two episodes is Marin’s cosplay friends, as women who feel representative of distinct attitudes seen in female otaku spaces. From the resonant ways in which proactive fandom is linked to creative acts to the jokes they make, there’s something palpably authentic about it. Nerdy women don’t morph into vague fujoshi jokes, but instead showcase highly specific behaviors like seeing eroticism in sports manga that read completely safe to people whose brains aren’t wired the same way. Kisekoi S2 gets a lot of humor out of their exaggerated antics—both #20 and #21 are a riot about this—but these are just one step removed from real nerds you wouldn’t find in many anime that claim to have otaku cred.
This exploration continues with the type of fictional works that motivate their next cosplay projects. Just like PrezHost felt like a spot-on choice for a group of regular teenagers, an indie horror game like Corpse is perfect for this nerdier demographic of young adults and students; if you wanted to maximize the authenticity, it should have been a clone of Identity V as that was a phenomenon among young women, but their slight departure still becomes a believable passion for this group. And most importantly, it looks stunning. Following the trend you’ve heard about over and over, a loosely depicted in-universe game becomes a fully-fledged production effort led by specialists—in this case, pixel artist narume. It’s quite a shame that, no matter how many times I try to access the website they made for the game, it doesn’t become something I can actually play.
The purposeful direction of Haruka Tsuzuki in episode #21 makes it a compelling experience, even beyond its thematic success. Though in a way, its most brilliant scene is still tied to that—Marin’s subjectivity being so clearly depicted is one of the ways in which Kisekoi pushes back against common failings of the genre, after all. When she misunderstands what Gojo is buying, diegetic green lights flash green, like a traffic light signaling his resolve to go ahead. Marin’s panic over the idea of getting physically intimate coincides not just with a camera switch to show an adults-only zone of the store nearby, but also with the lights turning red. She doesn’t exactly feel ready… but the more she thinks about it, the lights switch to pink. If I have to explain what this one means, please go ask your parents instead.
Season 2 thrives because of this broader, deeper depiction of cosplay as an extension of otaku culture. As we mentioned earlier, it makes the message of acceptance feel like it carries much more weight; with a palpable interest in more diverse groups of people, the words of encouragement about finding your passions regardless of what society expects you to do have a stronger impact. Since the preceding season faltered by focusing on arcs where these ideas were still raw, while also introducing biased framing of its own, there’s a temptation to claim that Kisekoi S2 is superior because it stuck to the source material even more. And let’s make it clear: no, it did not. At least, not in those absolute terms.
There is an argument to be made that it better captures the fully-developed philosophy of the source material; the argument is, in fact, this entire write-up. That said, much of our focus has also been on how Shinohara’s desire to increase the expressivity and the arrival of Nara have shifted the whole show toward comedy. Kisekoi has always had a sense of humor, but there’s no denying that this season dials up that aspect way beyond the source material. That has been, as a whole, part of the recipe behind such an excellent season.
And yet, we should also consider the (admittedly rare) occasions where it introduces some friction. If we look back at episode #20, one of the highlights in Gotou’s direction is the goofy first meeting between Akira and Marin. Since we’re taking a retrospective look after the end of the broadcast, there’s no need to hide the truth: Akira has a tremendous crush on her. However, their entire arc is built upon everyone’s assumption that she hates Marin, as she gets tense and quiet whenever they’re together. The manga achieves this through vaguely ominous depictions of Akira, which would normally be read as animosity but still leaves room for the final punchline. The adaptation mostly attempts to do the same… except their first meeting is so comedic, so obvious in the falling-in-love angle, that it’s impossible to buy into the misdirection. Every now and then, it’s in fact possible to be too funny for your own good.
If we’re talking about the relative weaknesses of the season, episode #22 is a good reminder that outrunning the scheduling demons—especially if you enjoy taking up creative strolls to the side—is hard even for blessed projects. Conceptually, it’s as solid as ever. Marin’s sense of personhood remains central to everything, with her own struggles with love and sexuality being as carefully developed (if not more) than anything pertaining to Gojo. Being treated to another showcase of Corpse’s beautiful style is worth the price of admission, and you can once again tell that Fukuda understands nerds as she writes them salivating over newcomers’ opinions on their faves. It is, though, a somewhat rougher animation effort despite all the superstars in various positions of support. While the decline in quality is only relative to the high standards of Kisekoi S2, seeing what caliber of artist it took to accomplish an acceptable result speaks volumes about how tight things got.
Thanks to the small structural changes to the adaptation, this episode is able to reinforce the parallels between Akira’s situation and the world’s most beloved cosplayer Juju-sama (sentence collectively written by Marin and her sister). Sure, Juju’s got a supportive family and has been able to chase her dreams since an earlier age, but there have always been hints that she holds back somewhat. As a cosplayer with utmost respect for the characters, she never dared to attempt outfits where her body type didn’t directly match that of the original. This is why we see similar framing as that of a student Akira, feeling cornered before she stumbled upon a space to be herself. Nara may be an outrageous director, as proven by how quickly he unleashes paper cutout puppets again, but you can see his a subtler type of cheekiness in his storyboards as well; cutting to Juju’s shoes with massive platforms during a conversation about overcoming body types is the type of choice that will make you smile if you notice it.
On top of that thematic tightness and meaningful direction, episode #23 is also an amazing showcase of animation prowess. Separating these aspects doesn’t feel right in the first place; the compelling ideas rely on the author’s knowledge about the specifics of cosplay, which are then delivered through extremely thorough and careful animation. The likes of Odashi and Yuka Yoshikawa shine the best in that regard, though it’s worth noting that the entire episode is brimming with high-quality animation—and most importantly, with respect for the process of creating things as an expression of identity. Be it the Kobayashi-like acting as Juju storms out during a pivotal conversation about that, or a familiar representation of cosplay as a means to reach seemingly impossible goals by Hirotaka Kato, you can never dissociate the episode’s beautiful art from its belief that making things can allow us to be our real selves.
Again, it’s no secret that an episode like #23 was produced under strict time constraints; perhaps not in absolute terms, but very much so when you consider its level of ambition. In the context of not just this series but the production line we’ve been talking about all along, what’s interesting isn’t the achievement itself, but how it relates to an evolution we’ve observed before. Umehara’s more considered stance and CloverWorks’ improving infrastructure have been recurring themes, but there’s been one key piece of information relating to both that we’ve been keeping a secret. For as much as we’ve referred to this team as Umehara’s gang, which it very much is, you may have noticed that earlier we talked about a separate animation producer—the position that Umehara held in previous projects. So, what happened here?
As he has alluded to on Twitter but more extensively talked about in his Newtype interview, Umehara is not just aware of CloverWorks’ changes, but also quite hopeful about its up-and-coming management personnel. In his view, most of them are just one piece of advice away from figuring out the tricks to create excellent work. And yet, being the animation producer, he tends to be too far from the trenches for those less experienced members to come to him for advice… unless things have gotten really dire. That is, to some degree, simply not true; Umehara is too emotionally invested in the creative process to separate himself from it, no matter what his position at the company is. However, it’s correct that production assistants are more likely to go to their immediate superior rather than someone two steps above when they’ve simply got some doubts. And thus, Umehara has been the production desk for Kisekoi S2, whereas Shou Someno has replaced him in the producer chair.
The first-hand advice Umehara has been able to give will surely be meaningful for the careers of multiple production assistants. And just as importantly, Kisekoi S2 has been an excellent lesson for him. Right after the broadcast of episode #23, and even acknowledging the lack of time, Umehara expressed his delight about what the team had accomplished for the one episode where he was not at all involved in the management process. That future he dreamed of, where the quality of his production line’s output could be maintained without his constant presence, has finally come. Chances are that it could have come faster and less painfully if he hadn’t been so afraid of delegation before, if this team’s well-meaning passion had been channeled in more reasonable ways. Whatever the case, this feels like a positive change if we intend to balance excellent quality with healthier environments… as much as you can within the regime of a studio like this, anyway.
Our final stop is an all-hands-on-deck finale, with Shinohara being assisted by multiple regulars on the team. Though they all made it to the goal with no energy to spare, the sheer concentration of exceptional artists elevates the finale to a level where most people would never notice the exhaustion. The character art retains the polish that the first season could only sniff at its best, and the animation is thoroughly entertaining once again; a special shout-out must go to Yusei Koumoto, who made the scene that precedes the reveal about Akira’s real feelings for Marin even funnier than the punchline itself.
More than anything else, though, the finale shines by reaping the rewards of all the great creative choices that the season has made beforehand. In contrast to the manga, where Corpse was drawn normally, having developed a distinct pixel art style for it opens up new doors for the adaptation. The classic practice of recreating iconic visuals and scenes during cosplay photoshoots is much more interesting when we’re directly contrasting two styles, each with its own quirks. The interest in the subject matter feels fully represented in an anime that has gone this far in depicting it, and in the process, likely gotten more viewers interested in cosplay and photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process.. Perhaps, as Kisekoi believes, that might help them establish an identity they’re more comfortable with as well.
Even as someone who enjoyed the series, especially in manga form, the excellence of Kisekoi S2 has been truly shocking. I wouldn’t hesitate to call it the best, most compelling embodiment of the series’ ideas, as the lengths they went to expand on the in-universe works have fueled everything that was already excellent about Kisekoi. It helps, of course, that its series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. has grown alongside the production line, especially with the help of amusing Bocchi refugees. Despite a fair amount of change behind the scenes and the exploration of more complex topics, the team hasn’t forgotten they’re making a romcom—and so, that stronger animation muscle and more refined direction also focus on making the characters cuter than ever. Given that we’re sure to get a sequel that wraps up the series altogether, I can only hope we’re blessed with an adaptation this inspired again. It might not dethrone Kisekoi S2, but if it’s half as good, it’ll already be a remarkable anime.
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