Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana, participamos do que inesperadamente se tornou o evento cinematográfico do verão, trazendo Oppenheimer e Barbie em uma onda de esplendor cinematográfico. Ultimamente, existem poucas razões para se sentir esperançoso sobre o futuro do cinema, e menos ainda em relação ao destino dos cinemas especificamente, então fiquei feliz em entrar nessa resistência à tendência de queda. Embora já esteja claro que a lição que nossos supervisores de mídia estúpidos estão aprendendo é “mais filmes baseados em brinquedos” do que qualquer coisa genuinamente relevante para a excelência da Barbie, esses sucessos gêmeos demonstram uma fome por novos filmes genuinamente interessantes e (se Deus quiser) um cansaço em relação a franquias sem fim. Vamos mastigar esses dois e mais no último Week in Review!
Nossa primeira exibição da semana foi Livid, um filme de terror francês sobre uma jovem enfermeira doméstica que, em uma rodada experimental de apresentações para seus futuros pacientes, descobre que uma ex-instrutora de balé acamada tem um “tesouro secreto” escondido em algum lugar dentro de sua mansão cavernosa. Voltando à noite com o namorado e o irmão dele, os três tentam fazer fortuna com o declínio dessa mulher, apenas para descobrir que seu “tesouro” é na verdade o corpo pálido de sua filha, pendurado em um palco como uma bailarina de corda. Enfurecido com o engano, o namorado bate no corpo e, a partir daí, as coisas vão muito, muito mal para eles.
Embora se encaixe na nova onda extrema francesa, as influências de Livid parecem ter origem principalmente italiana: Argento Iluminação e cenografia de estilo moderno e uma combinação de atmosfera onírica e profanação física que lembra a trilogia Gates of Hell de Fulci. Cenas individuais emocionam, mas há uma linha tênue entre “lógica de conto de fadas” e “falta de tecido conectivo”, e Livid inegavelmente a cruza, com a segunda metade do filme procedendo em grande parte como uma série de cenários visualmente ricos que realmente não fazem nenhum tipo de bom senso.
Inicialmente fundamentado nos medos tangíveis e carnudos das origens da classe trabalhadora de seus protagonistas, Livid parece perder o interesse em suas histórias à medida que continua, priorizando os corpos fantásticos e o vínculo melodramático de seu antagonista e dela filha sofredora. O filme claramente quer traçar um paralelo entre a filha e nosso protagonista, mas seus mundos permanecem divididos por gênero e substância, levando a um final que tropeça na fantasia e tropeça na farsa. Existem alguns momentos individualmente marcantes espalhados por Livid, mas não posso considerá-lo um sucesso de filme.
Depois, verificamos o original da Universal Pictures, The Wolf Man, estrelado por Lon Chaney Jr. como Larry Talbot, o filho pródigo de um senhor galês. Voltando para casa após a morte de seu irmão mais velho, Talbot logo se apaixona por Gwen Conliffe (Evelyn Ankers), uma jovem que dirige uma loja de antiguidades local. Os dois se juntam a um amigo de Gwen enquanto visitam uma cartomante cigana, precipitando um ataque de lobo que deixa a amiga de Gwen morta e Larry sofrendo de um ferimento que cura com velocidade milagrosa, deixando perguntas persistentes e uma terrível maldição em seu rastro.
Como os igualmente excelentes Frankenstein e O Monstro da Lagoa Negra, The Wolf Man é bem-sucedido porque é principalmente um romance e uma tragédia, com os elementos de terror refletindo, em última análise, tanto a dificuldade de conexão pessoal quanto os caprichos do destino. O próprio Larry é uma figura central imensamente interessante, definida pelas contradições de seu espírito sensível e pela busca vigorosa de seus desejos; esses pólos são estabelecidos imediatamente em seu namoro com Gwen, com sua transformação final servindo apenas como uma reafirmação de sua discórdia emocional existente.
Ao lado da ambigüidade envolvente das lutas de Larry, The Wolf Man é ainda fornecido com excelente conjunto design que realmente dá vida à sua aldeia remota, bem como um senso de urgência fornecido por sua estrutura de mistério de assassinato. Larry é mais uma presa do que um caçador (outro paralelo com Frankenstein e a Criatura), e você pode sentir visceralmente o laço se apertando à medida que as evidências se acumulam contra ele, seu alter ego primitivo totalmente despreocupado em proteger sua identidade diurna. Bem construído, visualmente generoso e aberto a todos os tipos de interpretação temática, The Wolf Man mais do que ganha seu status de clássico universal.
Minha casa então partiu para o teatro pela primeira vez em eras incontáveis , atraído pelo canto da sereia da dupla de Barbenheimer. O primeiro foi Oppenheimer, a cinebiografia de Christopher Nolan sobre o pai da bomba atômica. O filme segue seu cientista titular desde os estudos de pós-graduação até o Projeto Manhattan e além, até os eventuais ataques do presidente da AEC, Lewis Strauss (Robert Downey Jr.), a Oppenheimer, bem como as próprias audiências de confirmação do gabinete de Strauss. Ao longo do caminho, um retrato é esculpido de um homem de visão incomum e filosofia estreita, um homem cujo desejo de “um pouco de espaço de manobra” ao descrever sua ética o torna uma cifra até para si mesmo.
Oppenheimer é suntuosamente realizado e ricamente escalado, apresentando muitos dos melhores atores do último meio século, alguns deles aparecendo apenas por um ou dois minutos (Gary Oldman faz um ótimo Truman em sua única cena). Também é íntimo e melancólico à maneira das melhores características de Nolan, o desejo de Oppenheimer de concluir seu projeto frequentemente aparecendo mais como uma fuga de sua culpa e solidão do que uma corrida em direção a um fim desejado. E o filme sabe muito bem que essa é uma motivação covarde e insuficiente para criar uma arma de destruição em massa; enquanto ele é criticado pelo governo por seus melhores instintos (seu interesse incipiente na filosofia comunista e na cooperação global), seus amigos mais próximos o consideram desprezível por razões muito diferentes e incapaz de suportar o peso moral de suas próprias decisões./p>
O espelho entre o pessoal e o universal fica claro através do uso da frase inescapável do filme, “agora eu me tornei a morte, destruidor de mundos.” Nós a ouvimos pela primeira vez durante um namoro condenado, com a intenção de impressionar o jovem comunista Jean Tatlock. No momento em que é reprisado durante aquele teste atômico impressionante, o mundo de Tatlock foi destruído; deixada de lado por Oppenheimer em vez de suas próprias ambições, ela comete suicídio aos vinte e nove anos, deixando Oppenheimer com uma dívida emocional que ele tenta escandalosamente compartilhar com sua esposa. O mesmo vale para muitos dos relacionamentos de Oppenheimer; ele costuma ser brilhante e raramente errado em questões de ciência, mas vê o contexto e as consequências como imateriais até o momento em que não o são, chorando lágrimas sinceras, mas desprezíveis, na sequência de suas atrocidades totalmente previsíveis.
Através de seu cuidado Articulando os dons óbvios de Oppenheimer e as falhas ainda mais claras, o filme oferece um estudo vívido do personagem (auxiliado imensamente pelo desempenho cada vez mais derrotado de Cillian Murphy) e uma condenação geral da arrogância humana, gastando quase tanto tempo tentando fechar a Caixa de Pandora quanto abri-la.. É um lembrete preocupante de nosso terrível potencial, gritando a plenos pulmões que a neutralidade diante da atrocidade moral é tão desprezível quanto o apoio de todo o coração. Lindo, ansioso e sóbrio ao mesmo tempo, é o melhor filme de Nolan até agora, e pode ser sua primeira obra-prima absoluta.
Após um breve recesso para recuperar o fôlego, então avançamos para Barbie, a improvável obra de Greta Gerwig adaptação feroz de, bem, Barbie. O filme nos coloca na Barbieland, um paraíso matriarcal onde várias Barbies desempenham todos os papéis significativos na sociedade, enquanto seus Kens geralmente ficam na praia e ajudam em seus números de dança em grupo. Neste mundo perfeito, nossa heroína Barbie estereotipada (Margot Robbie) de repente se vê assolada por pensamentos de mortalidade, bem como pés chatos nada parecidos com a Barbie, banhos frios e outros defeitos indesejados. Consultando a Weird Barbie (Kate McKinnon no papel para o qual ela nasceu), Barbie descobre que deve viajar para o ameaçador mundo real, rastrear as experiências de quem quer que esteja começando a se fundir com as suas e consertar toda essa confusão de uma vez.
Desde seus primeiros momentos, a mistura de crítica feminista afiada e humor absurdo da Barbie cria uma combinação eminentemente vencedora, celebrando alegremente o que é adorável no universo da Barbie sem nunca esquecer suas suposições limitantes e usando a filosofia única da Barbieland para transformar um olhar fulminante em nossa própria realidade decididamente não utópica. A própria Barbieland é uma maravilha visual, recriando as especificações exatas da Barbie’s Dreamhouse (e produtos associados) em tamanho real e, assim, oferecendo um playground Seussian extraordinariamente rosa para seus alegres habitantes. Toda a configuração é tão divertida e irônica que piadas abertamente estruturadas raramente são necessárias; A queda da graça de Barbie oferece muita comédia inerente sem zombar da própria Barbieland, enquanto Ryan Gosling exagera em cada gesto e linha lidos com o máximo efeito como o Ken perpetuamente impressionado. Basta olhar para a desvio absurdamente melodramático depois que Robbie o chama de”muito corajoso”e imagine essa intensidade sincera aplicada a um papel de liderança inteiro.
A jornada de Barbie para o mundo real oferece amplas oportunidades para enfrentar nossa própria realidade patriarcal, sem fazer rodeios em sua ilustração de quão limitada é a visão da Mattel sobre o empoderamento feminino verdadeiramente é. Mas mesmo em seus momentos mais pontuais, toques lúdicos como o conselho de administração caricatural do CEO Will Ferrell mantêm o tom geral leve, enquanto absurdos imaginativos como a interpretação única do patriarcado de Ken garantem que sua abordagem de subtexto como texto ofereça dividendos cômicos abundantes. Gerwig realizou a notável tarefa de fazer um filme sobre empoderamento feminino e comercialização como identidade que, no entanto, encanta a Barbie e seu mundo colorido, ao mesmo tempo em que oferece tantos momentos hilários que seus temas ferozes caem como um daiquiri de morango. Um filme absurdamente bem-sucedido e absolutamente encantador.
