To był kolejny świetny rok dla anime, od spektakli science-fiction takich jak DAN DA DAN po fantastyczne przygody kulinarne w Delicious in Dungeon. Pomiędzy nimi były chwytające za serce dramaty o dziewczynach próbujących zaistnieć w zabójczym przemyśle muzycznym i triumfalnym powrocie Masamiego Ōbari. Przeczytaj poniżej, aby znaleźć najlepsze anime do zaoferowania w 2024 roku.
Uwaga: poniższe wpisy mogą zawierać spoilery dotyczące rozwoju serii i fabuły!
©Norio Sakurai(AKITASHOTEN)/Komitet ds. niebezpieczeństw w moim sercu
I Nie wiem do końca, dlaczego gatunek romansów związanych z okruchami życia jest tak powszechny w anime, ale potrafię wyjaśnić, dlaczego osobiście uważam ten gatunek za tak atrakcyjny. Uwielbiam historie, w których bohaterowie zmagają się wewnętrznie ze sobą. Lubię historie, w których ludzie mogą w pełni przetwarzać swoje pragnienia, potrzeby i pragnienia w zdrowy sposób. Oglądanie tych historii pomaga mi rozwijać się jako osoba. Pomaga mi znaleźć nowe sposoby pokonywania moich zmagań i doceniać zmagania, przez które przechodzą inni ludzie. The Dangers in My Heart to serial w pełni ilustrujący niektóre z najlepszych cech gatunku okruchy życia do tego stopnia, że poleciłbym go osobom, które otwarcie przyznają, że w ogóle nie są fanami tego gatunku.
Ten serial był już na moim radarze w pierwszym sezonie, ale w drugim sezonie materiał wyniósł się do stratosfery. Opiera się na starannie położonych fundamentach i chociaż dochodzimy do dość przewidywalnego zakończenia, podróż jest więcej niż satysfakcjonująca. Pierwszy sezon dotyczył naszego głównego bohatera, Ichikawy, rozpoznającego jego potrzeby i pragnienia. Biorąc pod uwagę przeszłe traumy i w pełni ugruntowaną niepewność co do samego siebie, było to dla niego ważne. To dzieciak, który był samotny i naprawdę uważał, że nie zasługuje na jakąkolwiek pozytywną afirmację. Przyjmujesz taką postać i otaczasz ją stosunkowo pozytywnymi ludźmi, a zostajesz z kryzysem tożsamości, który ostatecznie prowadzi go w pozytywnym kierunku.
Tak, serial jest trochę banalny, jeśli wziąć pod uwagę, że opowiada o samotnym niskim królu w parze z wysoką, popularną dziewczyną, ale jeśli spojrzysz poza to założenie, jest to opowieść o dwójce małych dzieci rozpoznających że można chcieć więcej, niż mają. Zarówno Ichikawa, jak i Yamada zostali wrzuceni do klatki, a cała historia polega na tym, że uczą się pomagać sobie nawzajem, aby z niego uciec, aby mogli trzymać się za ręce i razem kroczyć ścieżką dorosłości. To opowieść o ludziach, którzy zdali sobie sprawę, że chcą być kimś więcej dla siebie i tych, których kochają. W rezultacie powstał wspaniały, melodyjny serial o okruchach życia, który pod koniec zalał mnie łzami. Jeśli ciekawi Cię, o czym mówię, spróbuj sam, ponieważ istnieje duża szansa, że skończysz w takim samym bałaganie jak ja. Jeśli mamy do czynienia ściśle z anime okruchami życia, nie sądzę, żeby w tym roku było lepsze zgłoszenie.
—MrAJCosplay
©Ayano Takeda,TAKARAJIMASHA/Hibike Partners2024
Ostatni akt Kumiko i jej epickiej walki o wielkość grupy maniaków zespołu ku świetności czekał bardzo, bardzo długo, ale warto było czekać. Popełniono błędy, wyciągnięto wnioski, przyjaźnie pojawiały się i znikały, polały się łzy, a nawet przelano krew. Wszystko to doprowadziło do jednego z najbardziej satysfakcjonujących wniosków, jakich kiedykolwiek doświadczyłem. W końcu przyjechali, zobaczyli i zwyciężyli.
W przypadku historii, która zaczęła się tak dawno temu, wszystko o dźwięku! Trzeci sezon Euphonium jest świeży jak nigdy dotąd. To prawie tak, jakby Eupho nigdy nie odszedł. Od kinowej animacji i reżyserii, przez przepych emanujący z każdej nuty muzycznej, po niezapomniane postacie, które nigdy nie przestają mnie zadziwiać, wszystko to dowodzi, że KyoAni wciąż są mistrzami w swoim rzemiośle. Najbardziej ze wszystkiego podobają mi się zwroty i odniesienia do poprzednich scen Eupho, a nawet Liz i Błękitnego Ptaka. Robią coś więcej niż tylko fanfary dla Euphomanics, którzy znają tę historię na pamięć, chociaż jest to ogromny plus sam w sobie. Posiadanie wszystkich tych taktów pokazuje, jak daleko zaszła Kumiko — ponieważ historia lubi się powtarzać, oddzwonienia zdziałały cuda, podkreślając trudności, z jakimi Kumiko będzie musiała się zmierzyć, przemierzając te same przeszkody, próbując stać się lepszą.
Co zrobiła. Żaden z błędów nie poszedł na marne. To prawda, że Kumiko nie wykonała solówki, jakiej wszyscy oczekiwaliśmy, i nawet duża część Reiny wciąż pozostawała nieusatysfakcjonowana, gdy wszystko zostało powiedziane i zrobione. Ale jak mówi stara melodia, nie zawsze możesz dostać to, czego chcesz, ale jeśli kiedyś spróbujesz, może się okazać, że dostaniesz to, czego potrzebujesz. Kumiko, Reina, Mayu, Midori, Hazuki, Kanade i reszta zespołu koncertowego szkoły średniej w Kitauji dostali to, czego potrzebowali i na co słusznie zasłużyli. I my też.
Być świadkiem większej części trzeciego sezonu Eupho podczas jego emisji oznaczało być świadkiem pasji i ekscytacji, które tylko taki serial mógł wzbudzić. Fan-artyści przelali pióro na papier z niezrównaną pilnością, społeczność sakuga pisała jak szalona na swoich blogach, a spedytorzy wyszli ostro i huśtając się (nawiasem mówiąc, Kumiko x Reina Forever). Prawie dziesięć lat po rozpoczęciu serii nikt nie może zapomnieć, jak ciepło to brzmi. To dźwięk, który będzie rozbrzmiewał echem przez całą wieczność. —Jeremy Tauber
©Toei Animation
Girls Band Cry przebyło dziwną podróż, żeby tu dotrzeć. Pierwsze zwiastuny prezentujące animację CGI nie wzbudziły zaufania. Było to jedno z niewielu anime we współczesnej epoce, które nie widziało oficjalnego symulatora z angielskimi napisami. Kiedy w końcu dotarł, stało się to za pośrednictwem nieporęcznej opcji zakupu cyfrowego – chociaż przynajmniej można było go obejrzeć także w lokalnej bibliotece. Wszystko to oznacza, że dla wielu widzów to, co usłyszeli o Girls Band Cry, miało raczej związek z narzekaniem na to, jak można lub nie można tego oglądać, niż z samym serialem – i mogli przegapić coś wyjątkowego.
Krajobraz kobiecego anime muzycznego zmienił się przez te wszystkie lata, co znalazło odzwierciedlenie w Love Live! Światło słoneczne!! podejście reżysera Kazuo Sakai do Girls Band Cry. Członkowie Togenashi Togeari to zbiór różnorodnych osób, które porzuciły szkołę. Nie mają szkoły do uratowania; ratują siebie i siebie nawzajem. Jak w wielu opowieściach, siła muzyki pomaga je ocalić. Jednak wspólne tworzenie tej muzyki i znalezienie miejsca, w którym mogliby należeć do jej wykonywania, jest takim samym wyzwaniem, jak inne, często bardzo realne przeszkody, przed którymi stanęli.
Momoka się poddała. prawa do samookreślającej się piosenki, którą stworzyła. Nina zmaga się z autodestrukcyjnymi impulsami. Rupa musi pogodzić się z rasizmem. Są to problemy, które wydają się realistyczne, a nie jakby zostały stworzone jako rytmy w łukach, które są omawiane i rozwiązywane w 30-minutowych odcinkach skupiających się na postaciach. Pomiędzy bohaterami pojawia się kilka kwestii interpersonalnych, z niegodziwymi publicznymi wpadkami i fragmentami koncertów MC, które stają się nieuczciwe. Niektóre z tych interakcji pozostają zawieszone pozornie w połowie rozwoju, ponieważ nie ma czystego i zdrowego sposobu na ich rozwiązanie, innego niż pozwolenie im na niezręczne pozostawienie. Wyraźnie realistyczny scenariusz lub materiał zapisany na potencjalny drugi sezon? Może to być jedno i drugie, a wszystko to stanowi część charakterystycznego podejścia i atrakcyjności Girls Band Cry.
Siła reżyserii Girls Band Cry wypełnia emocjonalne chwile surowym, mrożącym krew w żyłach katharsis. I tego kierunku też nie da się przecenić, jeśli chodzi o prezentację. Mimo wszystkich odstraszających efektów CGI w zapowiedziach, odpowiednie wyreżyserowanie i zorganizowanie stylu zgodnie z zamierzeniami robi wyraźną różnicę. Postacie poruszają się z osobowością odpowiednią do ich emocjonalnych podróży, a głupkowate momenty kończą się potrzebną ulgą pomiędzy wszystkimi bardziej emocjonującymi częściami. Sceny z koncertów mogą być jednymi z najwspanialszych w historii anime, a biblioteka utworów z występów ucieleśnia rockowego ducha serialu. Oprócz tego jest to jeden z najbardziej charakterystycznych podkładów muzycznych, jakie słyszałem w tego typu programie. Jest tak samo rockowy, jak wykonywane utwory, co nadaje Girls Band Cry ultranowoczesny charakter, który zasłużenie sprawia, że czuje się częścią nowego pokolenia.
Od stylu, przez dźwięk, po historię, Girls Band Cry naprawdę jest swoją własną bestią. Droga do celu mogła być wyboista, ale dotarła tam na swój sposób. A na koniec tej podróży może stanąć na scenie z najlepszym anime tego roku. —Chris Farris
©日向夏・主婦の友インフォス／「薬屋のひとりごと」製作委員会
Rok temu napisałem: „[D]e to my narzucone przez siebie ograniczenie, że uwzględniam tylko ukończone sezony (bo nigdy nie wiadomo, kiedy coś się rozpadnie w ostatniej sekundzie), przykładowe The Apothecary Diaries i Frieren: Beyond Journey’s End nie kwalifikują się. Cóż, od tego czasu prawie nie dotykałem Frierena, ale jednocześnie ledwo przestałem myśleć o Dziennikach aptekarskich. Z tych dwóch „Dzienniki aptekarza” to po prostu bardziej wciągająca, teksturowana narracja, w formacie kryminału medycznego, którego akcja rozgrywa się na wewnętrznym dziedzińcu fikcyjnego imperium inspirowanego dynastycznymi Chinami.
W górnej warstwie znajduje się wspaniale się to ogląda i słucha. Reżyser Norihiro Naganuma udowodnił, że jest niezwykle zręczny w ożywianiu scenerii historycznych dzięki Narzeczonej starożytnego maga i przy wsparciu personelu OLM ożywia życie bohatera Maomao w cesarskim haremie w zapierający dech w piersiach życie. Każde ujęcie zapiera dech w piersiach, począwszy od wyrazistej postaci Maomao odgrywającej rolę, poprzez otoczenie, w którym się porusza, aż po kompozycje kwiatowe, które subtelnie wyrażają znaczenie za pośrednictwem hanakotoby. Cała obsada jest mocna, ale w szczególności Aoi Yūki jest idealną obsadą dla naszej dziwacznej, wieloaspektowej bohaterki, która nie kocha niczego bardziej niż otruwanie się.
Ale podobnie jak postacie, które dziedziczą ten świat, wszystkie to piękno byłoby bezużyteczne bez czegoś, co by je wspierało. W najprostszej formie „Dzienniki aptekarza” to kryminały medyczne w stylu House. Maomao nie przepada za ludźmi i wolałaby spędzać tam czas ze spuszczoną głową i unikaniem uwagi, ale po prostu nie może się oprzeć dobrej tajemnicy. W miejscu takim jak wewnętrzny dziedziniec, gdzie setki ludzi mają niewielki lub żaden dostęp do świata zewnętrznego i którego świat skurczył się do kilkudziesięciu hektarów, wielu walczy o jakąkolwiek władzę, do której mają dostęp. Oznacza to mnóstwo intryg, a co za tym idzie, podstępne metody pokonywania rywali. Maomao nigdy nie brakuje pracy.
Dzienniki aptekarza są również doskonale świadome dynamiki władzy, która powoduje tego rodzaju sytuacje. Mieszkańcy wewnętrznego dziedzińca pochodzą z grup historycznie pozbawionych władzy; kto może ich winić za wykorzystanie dostępnych im metod w celu zapewnienia większej sprawczości? Chociaż sama Maomao niewiele dba o rangę, postrzegając człowieczeństwo w równym stopniu u osób świadczących usługi seksualne, eunuchów i wysokiej rangi szlachciców, reaguje także na to, jak odmiennie doświadczają oni społeczeństwa. Maomao nie wie dokładnie, kim jest Jinshi, ale wie, że dla kaprysu mógł ją ściąć. Podczas gdy Jinshi, jako ten, kto sprawuje władzę, tak naprawdę nie myśli o tym, jak to wpływa na ich związek, Maomao nie jest w stanie zapomnieć. Ta świadomość jest zawsze obecna, ponieważ hierarchie społeczne rządzą każdym aspektem życia w odgrodzonej od muru części społeczeństwa.
Ale być może tym, co sprawia, że „Dzienniki aptekarza” są najbardziej wyjątkowe, jest to, że wszystko to jest splecione w jedną całość, którą w rzeczywistości dość trudno rozdzielić. Każda część historii informuje drugą i bez wątpienia każda część życia jest kontekstualizowana, zanim zacznie odgrywać rolę w celu uzyskania maksymalnego efektu emocjonalnego. Zarówno pod względem tekstowym, jak i metatekstowym, pod powierzchnią kryje się skomplikowany mechanizm zegarowy, wielkie machinacje i ciche podstępy, których historia tak naprawdę zaczęła dopiero zarysowywać na powierzchni. Już za kilka tygodni wrócimy do tego świata. Nie mogę się doczekać. —Caitlin Moore
©apogeego/「終末トレインどこへいく?」製作委員会
Steve Jones z ANN ujął to najlepiej w swojej recenzji pierwszych trzech odcinków tego programu: „ Jak na ironię, najbardziej szalonym anime sezonu jest to, które dzieje się w pociągu.” Wyemitowany wiosną „Pociąg na koniec świata” to równie dziwne i szczere postapokaliptyczne anime opowiadające o czterech dziewczynach podróżujących pociągiem do Ikebukuro w poszukiwaniu zaginionego przyjaciela. Haczyk: od czasu incydentu z siecią 7G dwa lata temu świat stał się nie do poznania z tego, czym był kiedyś. Od zombie po artystów mangi z magicznymi piórami – dziewczyny muszą pokonać listę dziwacznych przeszkód i absurdalnych miejsc, aby dotrzeć do celu, znaleźć przyjaciół, a może nawet przywrócić świat do normalności.
Prawdopodobnie najbardziej charakterystyczną cechą tego anime jest to, jak bardzo pławi się we własnym absurdzie. Jak wspomniano wcześniej, podróżowanie do szalonych, jeszcze nieznanych miejsc jest mniej więcej tym, o czym jest to anime. Można powiedzieć, że jest to anime, którego tok myślenia często jest trudny do rozpoznania – ale w pozytywnym sensie, w którym po prostu cieszysz się, że możesz towarzyszyć Ci w tej przejażdżce. Pod wieloma względami ten dziwaczny świat jest tak samo ważną bohaterką jak same dziewczyny – i podobnie jak w przypadku dziewcząt, poznanie tego dziwnego otoczenia jest jedną z najlepszych części tego serialu. Poziom kreatywności zastosowany w nie tylko samych pomysłach, ale także w wielu sposobach ich wdrażania jest po prostu genialny. Dziwnie jest opisywać anime jako program podróżniczy, a przecież dokładnie o to tutaj chodzi. Ale z drugiej strony, ten serial i tak jest po prostu dziwny – w pewnym sensie to naprawdę pasuje.
Nie oznacza to jednak, że szaleństwo to wszystko, co to anime ma do zaoferowania. Pod warstwami ekscentryczności ta seria kryje emocjonalny rdzeń, który pięknie łączy wszystko w całość i często pozwala jej płynąć pełną parą. W szczególności mówię o relacjach pomiędzy dziewczynami – tą główną i tą szczególnie zagubioną. To anime jest pełne serdecznych chwil między nimi i nie można ich nie pokochać, zanim anime dotrze do ostatniego przystanku.
Wcale nie jestem zaskoczony, że znalazłem to anime na tej liście. Było to z pewnością jedno z najbardziej zapadających w pamięć anime roku i biorąc pod uwagę wszystkie zabawne momenty, jakie miało, jak mogłoby nie być? Wyjątkowa mieszanka szaleństwa i treści emocjonalnej sprawiła, że serial był na dobrej drodze do zdobycia rzeszy fanów już w trakcie emisji. I nie wątpię, że ta mieszanka przyciągnie nowych fanów na długie lata. —Kennedy
©C.A/B/N,EP,P
Świat, który widzisz, to nie wszystko, co istnieje. Kitaro Shigeru Mizukiego może być postacią najbardziej znaną z tego, że to mówi. Jest w tych słowach pewien stopień prawdy: wokół nas może istnieć cały świat, którego nie możemy dostrzec, społeczeństwa istot znajdujących się poza naszym zrozumieniem, żyjących własnym życiem w swoich społeczeństwach. YATAGARASU: Kruk nie wybiera swego pana wspaniale wykorzystuje ten pomysł i wokół niego kształtuje swoją historię. Wysoko na górze w Japonii znajduje się królestwo Yamauchi, kraina yatagarasu, formy tengu. To królestwo wciąż żyjące w przeszłości, a większość dworzan wygląda, jakby wyszli z ery Heian i sztywnego systemu społecznego. Rządzony przez kin’u, czyli złotego kruka, Yamauchi istnieje w pozaczasie… ale w miarę rozwoju historii dowiadujemy się, że było to zamierzone ze strony yatagarasu. Tylko kin’u wiedzą, co jeszcze kryje się za granicami góry.
Idea zamkniętego świata nie jest nowa, ale została tutaj niezwykle dobrze wykorzystana. Świat kruków ma na celu zachowanie ich kultury, ale jak pokazuje serial, nie wszystkie jej aspekty są warte zachowania. System klasowy, w którym przestępcy zmuszeni są pozostać w kruczej postaci i służyć innym jako „konie”, a „kruki górskie” (zwykli ludzie) są postrzegani jako podludzie, stanowi główną linię przewodnią serialu, ze sposobem, w jaki uprzedzenia są przez wielu postrzegany jako zupełnie normalny, stanowiący podstawę głównego zwrotu akcji w pierwszej połowie. To też jest subtelnie zrobione; złoczyńcy nie narzekają i nie bredzą; są po cichu zdezorientowani tym, dlaczego ktokolwiek mógłby pomyśleć, że się mylą, rzucając światło na najgorszą część ludzkiej natury, jednocześnie zasłaniając niewygodnych widzów zasłonę, zasłaniając część surowości. Walka o rękę kin’u, która składa się z pierwszej połowy, bada, co się dzieje, gdy kobiety są cenione tylko jako żony. Dla kontrastu, fabuła drugiej połowy dotycząca nadużywania narkotyków i złej małpy nabiera bardziej kryminalnego charakteru, gdy bohater z naszego punktu widzenia, Yukiya, dowiaduje się, że w niebie i na ziemi jest o wiele więcej, niż marzyła jego filozofia. Parafrazowanie Szekspira wydaje się właściwe, ponieważ zakres Yatagarasu obejmuje Szekspira, ponieważ porusza różne kwestie społeczne i polityczne oraz jak wszystkie one spoczywają na ramionach jednego kruka.
Historie Ayakashiego mogą czasami sprawiać wrażenie dziesięciocentówka w anime. Z pewnością jest co najmniej jeden w każdym sezonie. Jednak niewielu z nich radzi sobie z oprawą wizualną, pracą postaci i pokrętną narracją YATAGARASU: The Raven Does Not Choose Your Master. Jedną nogą w Yamauchi, a drugą w Japonii, te kruki są ostatecznie bardzo ludzkie, a ich historie z łatwością mogłyby rozegrać się w naszym świecie. Strach przed nieznanym, systemy kastowe i próba znalezienia swojego miejsca w wielkim planie rzeczy to elementy każdego świata. Ale czy nie jest przyjemniej oglądać ich rozwój z mitycznym kruczym ludem? O wiele łatwiej jest ignorować podobieństwa w świecie rzeczywistym, nawet jeśli narracja i sam świat jasno pokazują, że robimy to na własne ryzyko. —Rebecca Silverman
© Ino Asano/Shogakukan/DeDeDeDe Committee
Dead Dead Demon’s Dededede Destruction to opowieść o dorastaniu Kadode, dziewczynie, która kończy szkołę średnią i nie ma pojęcia, co zrobić ze swoim życiem. Nie ma żadnych prawdziwych celów ani pasji poza zauroczeniem się (nazbyt chętnym) nauczycielem. Na szczęście ma u swego boku najlepszą przyjaciółkę, Ouran – dziewczynę o ekscentrycznej osobowości, nieufną do rządu i ogólnie pesymistycznie nastawioną do ludzi. Razem próbują odkryć swoje miejsce w świecie – świecie, w którym gigantyczne UFO spędziło ostatnie kilka lat unosząc się nad Tokio.
Na tym polega zwrot w narracji. Kadode i Ouran żyją w dosłownym cieniu wydarzenia zmieniającego świat – z tą różnicą, że tak naprawdę nic się nie zmieniło. Raczej stało się to nową „normalnością”. Nawet gdy rząd staje się coraz bardziej wrogo nastawiony do masywnego obiektu unoszącego się na niebie, dla przeciętnych nastolatków, takich jak Kadode i Ouran, niewiele się zmienia. Jest to stwierdzenie na temat zdolności adaptacyjnych ludzkości i związanej z nią krótkowzroczności.
W miarę rozwoju historii dzieje się także wiele innych rzeczy. W pewnym momencie mroczna dekonstrukcja Doraemona pokazuje, co by się stało, gdyby dziecko posiadające poczucie sprawiedliwości dostało w swoje ręce zaawansowane technologicznie gadżety wykraczające poza ludzkie zrozumienie. Z drugiej strony jest to opowieść o młodym mężczyźnie zmagającym się ze swoją miłością do kobiecej mody i tęsknotą za akceptacją. Z drugiej strony jest to opowieść o młodej kobiecie, która ulega radykalizacji i zostaje terrorystką. Jednak w jakiś sposób żadna z tych historii nie wydaje się nie pasować do szerszej fabuły.
Dededede Destruction Dead Dead Demon odzwierciedla społeczeństwo. Pokazuje wszystkie skazy w doskonałej wyrazistości, nie pozwalając nam uciec od mrocznych i brudnych aspektów ludzkiej natury czy świata, który stworzyliśmy. Dotyczy to wszystkiego, od eksploracji własnego interesu i ego po to, jak myślenie grupowe i upływ czasu wypaczają nasze zbiorowe poczucie moralności.
Ten program wprawi Cię w depresję z powodu stanu ludzkości – tego, jak nieustannie popełniamy te same błędy i wykorzystujemy naszą prawą gorliwość i własny interes jako wymówkę do robienia najstraszniejszych rzeczy. Co gorsza, przeciętny człowiek jest nie tylko bezsilny, ale także w dużej mierze niezainteresowany, krótkowzrocznie skupiony na własnych, drobnych problemach.
Mimo tego Dededede Destruction Dead Dead Demon to historia, która mówi nam, abyśmy korzystali ze szczęścia tam, gdzie to możliwe i związywali się z tymi, którzy sprawiają, że nasze życie jest warte przeżycia. Być może nie będziemy w stanie uratować świata, ale możemy kochać i chronić tych, na których nam zależy. I w końcu może to wystarczy. —Richard Eisenbeis
©CyGames Pictures
Nie mam nic tak formalnego jak „kryteria” wyboru moje ulubione anime roku, ale mocno zastanawiam się nad częstotliwością chichotów, jakie słyszę podczas jego oglądania. To nie musi być najmądrzejszy ani najlepiej wyglądający program. To po prostu musi trzymać mnie z opuszczoną szczęką albo z podziwu, albo z zaskoczenia. To główny czynnik, który zapewnił mi najwyższe wyróżnienia Birdie Wing przez dwa lata z rzędu i z tego samego powodu Brave Bang Bravern! znajduje się na tegorocznej liście.
Jeśli chodzi o dynamikę narracji, żadne inne anime nie dorównało w tym roku Bravernowi. Jeśli mnie zapytasz, malejąca średnia liczba odcinków była straszna dla gatunku mechów. Spektakle te rozwijają się, gdy dano im przestrzeń do wędrówek w drodze do operowych narracji i odwrotnie, tracą część swojego blasku, gdy muszą przebrnąć przez główny wątek. Chociaż Bravern ma zaledwie 12 odcinków, inteligentnie omija wiele z tych problemów, kompresując narrację, a nie ją ucinając. Kiedy przetniesz kawałek grafitu, otrzymasz niechlujną stertę kurzu. Kiedy skompresujesz grafit, otrzymasz diament. I tym właśnie jest Bravern: dużym, pięknym, olśniewającym diamentem.
Chcesz sam poznać historię Bravern, więc staram się unikać zbyt wielu szczegółów. Tekst jest pełen zwrotów akcji i odwołuje się do typowych tropów tego gatunku. Czasami to na nich oddziałuje, a innym razem cię oślepia. Tym, co łączy to wszystko, jest niezachwiane przywiązanie Bravern do bitu i jego bezgraniczna miłość do gatunku mecha. W pewnym sensie można się tego spodziewać po serialu wyreżyserowanym przez Masamiego Ōbariego, ale nie sądzę, że powinniśmy brać to za pewnik. Wiele projektów z pasją nie realizuje swoich ambicji. Obari szaleje, a publiczność zgarnia całą nagrodę.
Bravern to także najzabawniejszy serial roku. W dużej mierze wynika to z konsekwentnej śmieszności narracji, ale jest też napisana jak komedia – i to dobra! Zmienia waterboarding w puentę. Postacie są stale nagie i pokryte mazią. Niektóre dialogi brzmią, jakby można je było przenieść z The Venture Bros. Sam Bravern jest absolutnym hitem dzięki 110% przekazowi liniowemu i 150% głośności wokalu. Isami to wspaniały archetyp heteroseksualnego mężczyzny, który czuje się całkowicie załamany szaleństwem wokół niego. Smith wygląda i czuje się jak facet wyrwany z amerykańskiej kreskówki z lat 80. Nawet wrogie roboty mają przerośnięte osobowości, które dobrze wyróżniają się na tle reszty obsady.
Co jednak najważniejsze, Bravern to historia miłosna. To list miłosny do gatunku mecha, ale to także dosłownie gejowski romans o mężczyźnie i gigantycznym robocie, do którego często się wspina. Na początku wszystko wydaje się celowym homoerotycznym podtekstem, mającym na celu wzbudzenie zainteresowania publiczności. Jednak w miarę rozwoju serialu śmiech ten łączy się z powagą i czułością. Nigdy nie przestaniesz się śmiać, ale pomiędzy pohukiwaniami będziesz kibicować temu człowiekowi i maszynie, aby całowali się z całą ognistą pasją hawajskiego wulkanu. I za to kocham Bravern’a. W anime wszystko jest możliwe. —Steve Jones
#2-DAN DA DAN
©Yukinobu Tatsu/SHUEISHA, Komitet ds. Produkcji DANDADAN
Podczas wywiadów towarzyszących pokazom teatralnym DAN DA DAN w październiku autor Yukinobu Tatsu powiedział, że jego najwcześniejsze pomysły na tradycyjne pomysły na bitewne mangi były ciągle odrzucane: rzekomo dlatego, że brakowało im tego specjalnego je ne sais quoi, które odróżniałoby ich od konkurencji. W obliczu tej porażki wydawca Tatsu nakazał mu przeczytać „100 mang romantycznych”, zanim wróci do deski kreślarskiej, aby udoskonalić swoją pracę. Kimkolwiek był ten fatalny geniusz, miliony fanów, którzy oglądali DAN DA DAN tej zimy, są mu winni niezmierzoną wdzięczność.
Większość widzów zauważa niemal natychmiast to, że sekretny sos to, co sprawia, że ludzie domagają się większej porcji DAN DA DAN tydzień po tygodniu, to nie absurdalnie zwariowane założenie o kosmitach kontra yokai-kontra głupkowatych nastolatkach, ale o obfitości dziwny i obrzydliwy humor, twórcza i pulsująca akcja, ani nawet niezwykle żywe i kinowe wartości produkcyjne, które Science SARU wniosła do adaptacji. Pamiętajcie, że wszystkie te rzeczy są świetne i z pewnością wpływają na ogólną jakość serialu. Ostatecznie jednak wszystkie te elementy po prostu budują prawdziwy kamień węgielny sukcesu DAN DA DAN: siłę bohaterów i relacje, które budują w trakcie swojej historii.
Moim zdaniem Widziałem wiele anime i czytałem dużo mangi w swoim czasie. Nie przesadzę, gdy powiem, że Momo Ayase i Ken „Okarun” Takakura to dwaj z najbardziej sympatycznych i fascynujących bohaterów, którzy kiedykolwiek pojawili się na łamach Shonen Jump. W zależności od dnia lub nawet konkretnej sceny, DAN DA DAN może być szaloną przygodową przygodówką science fiction, przerażającym horrorem o zjawiskach nadprzyrodzonych, rozdzierającym serce dramatem, wzruszającą komedią lub perfekcyjną interpretacją ckliwego romansu dla nastolatków. Momo i Okarun musieliby być doskonale napisali i zagrani, aby odnieść sukces w roli czołowych liderów tylko jednego z tych gatunków, a co tydzień udowadniają, że są więcej niż zdolni do sprostania oczekiwaniom w każdym gatunku, a wszystko to w tym samym czasie. Są w równym stopniu kochani, śmieszni, głupi, wadliwi, odważni, przebiegli i nieustraszeni. Co najważniejsze, pomimo tego, że są dosłownie dwuwymiarowe, łączy w sobie głęboką i potężną chemię, o której wielu aktorów z krwi i kości może tylko marzyć na ekranie.
Dzięki niepowtarzalnemu efektowi-pokoleniowe połączenie doskonałej obsady postaci i założenia o niemal nieograniczonych możliwościach, a wszystko to zostało dane zespołowi artystów i wykonawców reprezentujących najbardziej utalentowane osoby pracujące w branży, DAN DA DAN zasłużył na miano jednego z Najlepsze w 2024 roku anime do czasu, gdy ukazały się napisy końcowe po praktycznie bezbłędnym pierwszym odcinku. Fakt, że każdy odcinek wyemitowany od tego czasu był równie dobry, jeśli nie lepszy, tylko ułatwił śpiewanie jego pochwał. —James Beckett
#1 – Pyszne w lochach
©Ryoko Kui,KADOKAWA/Delicious in Dungeon PARTNERS
W tym roku było tylko jedno anime, które łączyło akcję, przygodę, przytulne przerywniki kulinarne i niezapomniane miny reakcji, a wszystko to renderowane z niezrównaną energią Studio Trigger. Od natychmiast ukochanych postaci, przez wciągające budowanie świata, po wciągającą fabułę, która może przejść od głupiej do poważnej i z powrotem, Delicious in Dungeon było tour de force. Od elektryzującej otwierającej piosenki i sekwencji, która rozpoczęła pierwszą część serialu, po wybuchowy finał sezonu, który zwiastował ogromne zmiany przed naszą obsadą i światem, w którym żyją, nasz wybór najlepszego anime roku 2024 zostanie zapamiętany na lata.
Jeśli popularność anime ocenia się wyłącznie na podstawie częstotliwości pojawiania się memów, które ono inspiruje, nie było wątpliwości, że obsada Delicious in Dungeon zachwyciła ogół fanów anime. Od natychmiast kultowych twarzy Marcille’a, wyrażających długo cierpiący wstręt, przez nagą ocenę Chilchucka na temat członków jego drużyny, po reputację Laiosa „ten facet zje wszystko”, po solidne przypomnienie Senshiego dla jego drużyny – i dla nas wszystkich – że każdy jest wart czas potrzebny na ugotowanie pożywnego posiłku, każda postać stała się natychmiastowym hitem. Protagonista Laios początkowo oszukał nas swoją ogólną rolą ludzkiego wojownika, po czym okazał się daleki od przeciętnego bohatera „Potato-kun”. Zamiast typowego samouwielbienia, Laios był zarówno przystępny, jak i całkowicie oryginalny, z metodycznym skupieniem się na jedzeniu z lochów, co zachęciło niektórych neuroróżnorodnych fanów do utożsamienia się z nim. Łzawiące spojrzenia Marcille skontrastowane z jej topniejącym uczuciem do siostry Laiosa, Falin, sprawiły, że „Farcille” (pseudonim fanów określający niekanoniczną parę Marcille i Falin) stał się drugim najczęściej wymienianym statkiem na Tumblrze dla 2024. W rzeczywistości „Dungeon Meshi” (japońska nazwa programu) była trzecim pod względem popularności wpisywał tytuł multimedialny na Tumblrze przez cały rok. Trudno przecenić, jak bardzo ten program i te postacie poruszyły wyobraźnię fanów
To z pewnością zabawny program, ale tym, co uczyniło Delicious in Dungeon tak wyjątkowym, był jego zasięg. Nie była to po prostu głupota pozbawiona treści, ale w pełni zrealizowana fabuła high fantasy. Choć wielu fanów fantasy jest zaznajomionych z koncepcją postaci eksplorujących lochy, twórca Delicious in Dungeon, Ryōko Kui, przyjął to znajome założenie, zagłębiając się w najważniejsze pytania. Dlaczego jest tam ten loch? Jaki jest sens eksploracji lochów? Jak pojawiają się nowe lochy i jak funkcjonują ekosystemy lochów? Jej koncepcja lochu jako mikrobiomu jest zarówno dająca do myślenia, jak i zabawna. Powoduje to zabawne przygody dla naszych bohaterów, gdy dotrą do prawdy o znanych tropach z lochów. Żywe garnitury zbroi, wyjaśnia pyszne w lochach, są rodzajem mięczaka. Dryady, owoce z niepokojącymi twarzami, chronią się w realistycznie podobny do rośliny sposób, dając imprezową gorączkę siana. Humor i budowanie świata żywią się sobie nawzajem i wzmacniają każdy element. Zakres ustawień przesuwa się również, gdy grupa schodzi na głębsze piętra; Od lasu po ocean po wioskę nigdy nie pozostają wystarczająco długo, aby widzowie mogli stracić zainteresowanie. Zawsze żywy i tajemniczy i pełen ukrytych głębin, sam loch jest postacią sama w sobie. Sposób, w jaki Studio Trigger przedstawił te tła i płynny sposób, w jaki partia nawiguje je, ożywił tę historię.
pyszne w lochach okazało się również jedynym programem, który w tym roku obserwowałem w języku angielskim. Nie było nic złego w japońskim dub; Po prostu angielski dub był wyjątkowy. Byłem szczególnie fanem Sungwon Cho jako Senshi, nadając uprzejmie karłowatego szorstkiego, ojcowskiego tonu, który pasuje do jego roli oddanego taty partii. Wirusowy post na Twitterze pokazał
Przeglądaj więcej najlepszych anime z 2024 r. Ujawnienie: Kadokawa World Entertainment (KWE), spółka zależna w całości spółki Kadokawa Corporation, jest właścicielem Anime News Network, LLC. Jedna lub więcej firm wymienionych w tym artykule jest częścią grupy spółek Kadokawa.
