Im Sommer starb Hikaru/HikaNatsus sickernder Horror und das Konzept des Enshutsu-Anime

Auch hier beziehen sich diese Begriffe nicht auf Aufgaben, die nur für solche Werke gelten, da es sich um Aspekte handelt, die in jeder Produktion vorhanden sind. Sie sollten auch nicht als die einzigen wichtigen Schritte des Prozesses interpretiert werden; Wenn man auf das Pompo-Beispiel zurückblickt, wird deutlich, dass ein Großteil der emotionalen Befriedigung, die Hiraos Übergänge mit sich bringen, mit seinen eigenen Storyboards beginnt, viel früher als die Bearbeitungsphase. Diese Ausdrücke betonen lediglich den Aspekt, der für den Zuschauer von zentraler Bedeutung für das Erlebnis sein wird, was sie auch für Regisseure sehr nützlich macht, die in den frühen Phasen eines Projekts mit ihren Teams kommunizieren müssen.

Und von Anfang an von The Summer Hikaru Died/HikaNatsus Anime, Serienregisseur. Serienregisseur: (監督, Kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, beides als kreativer Entscheidungsträger und Endvorgesetzter. Sie sind dem Rest des Personals überlegen und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieniveaus – Chefregisseur, stellvertretender Regisseur, Episodenregisseur der Serie, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie ist in diesen Fällen ein Fall-zu-Fall-Szenario. Ryohei Takeshita hatte eines klar: Es sollte ein Enshutsu-Anime werden. Das heißt, eine Show, die das unmittelbare Erlebnis durch knifflige Inszenierungen und einzigartige Werkzeuge betont. Eines, bei dem der sinnliche Aspekt zum unbestreitbaren Mittelpunkt wird. Diese Idee war so grundlegend, dass er sie nicht nur dem Team und schließlich den Zuschauern durch die Auswahl der Ausführung vermittelte, sondern sogar den Produzenten, als das Projekt lediglich ein Pitch war. Tatsächlich war es auch eines der allerersten Dinge, die Takeshita dem ursprünglichen Autor mitteilte, der es als eine großartige Möglichkeit empfand, eine Adaption zu bereichern, die man sich immer wieder ansehen konnte.

In einem Interview für Anime Corner datiert CyberAgent-Produzent Manami Kabashima diese ersten Gespräche über eine Anime-Adaption bereits im Mai 2022 – und merkte auch an, dass die Produktion erst viel später wirklich beginnen würde, als der Serienregisseur Seriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als Endüberwacher. Sie sind dem Rest des Personals überlegen und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieniveaus – Chefregisseur, stellvertretender Regisseur, Episodenregisseur der Serie, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie ist in diesen Fällen ein Fall-zu-Fall-Szenario. haben ihren Zeitplan etwa im Oktober 2023 geklärt. In einem größeren Gespräch für die September-Ausgabe 2025 von PASH!, an dem nicht nur Kabashima, sondern auch die Kadokawa-Produzenten Chiaki Kurakane und Toshinori Fujiwara beteiligt waren, bestätigt letzterer, dass er im Zusammenhang mit der Veröffentlichung der ersten beiden Bände des Mangas (März 2022 bis Oktober 2022) verschiedene Studios kontaktiert hatte, bevor er sich für dieses Team entschieden hatte Cygames Pictures unter der Leitung von Takeshita.

Als es darum ging, diese Wahl zu treffen, gab die Klarheit von Takeshitas Vision den Produzenten Selbstvertrauen. Anstatt nach einem bescheidenen Regisseur zu suchen, der sich ihren Entscheidungen beugt, scheinen sie verstanden zu haben, dass das Einfangen der Anziehungskraft von HikaNatsu auf immateriellen Werten beruht, die am besten brillanten Schöpfern mit spezifischen Ideen überlassen werden. Deshalb fanden sie es beruhigend, dass Takeshita sehr lautstark und einfühlsam zum Personalprozess Stellung nahm und ihn präventiv auf die Idee eines Enshutsu-Anime ausrichtete. Die Vorteile der damals getroffenen Entscheidungen werden einer der Schwerpunkte sein, wenn wir uns mit den Episoden selbst befassen, aber bevor wir an diesen Punkt kommen, sollten wir mit einem verlockenden Mythos aufräumen: der Idee, dass Takeshita diesen Ansatz gewählt hat, um die Einschränkungen der Produktion zu umgehen.

Es ist wichtig, sich darüber im Klaren zu sein, dass CyPic-Produktionen nicht immer so glamourös sind, wie viele es erwarten würden, und dass ein Regisseur wie Takeshita dafür keine externe Motivation braucht Werden Sie experimentierfreudig. Während der Aufstieg eines Studios, das von einem riesigen Unternehmen unterstützt wird, und die Veröffentlichung von schillernden Juwelen wie dem Projekt „Beginn einer neuen Ära“ eine Aura teurer, hochkarätiger Produktionen auslöst, sind nicht alle CyPic-Projekte gleich. Und um genau zu sein: Die starke Leistungssteigerung in letzter Zeit hat dazu geführt, dass viele von ihnen spürbare Abstriche machen mussten.

Diese Einschränkungen zeigen sich auf verschiedene Weise; Projekte früh beginnen, aber auch Fristen festlegen, die die Möglichkeiten der Mitarbeiter einschränken, sich weigern, sich an den aktuellen Bietergefechten um die Sicherung erstklassiger Animatoren zu beteiligen, etwas an Support-Studios sparen und im Allgemeinen eine niedrigere Messlatte legen, wenn es darum geht, den Feinschliff zu zeichnen, als es bei Projekten mit größerem Bekanntheitsgrad der Fall wäre. Allerdings sind sie damit durchgekommen – nicht immer, sorry für die überwältigende Adaption von „Aschenputtel Grau“ –, weil sie mit vielen klugen, einfallsreichen Teams zusammengearbeitet haben. Und so sollte der Verdienst mehr ihnen zuteil werden als der Umwelt.

Das gilt auch für HikaNatsu. Innerhalb des von Takeshita ausgewählten Kernteams gibt es viele außergewöhnliche Persönlichkeiten, aber als es darum ging, den Rest des Teams zu konkretisieren, begnügte er sich mit einer bescheideneren Besetzung. Mit einer so klaren Vision konnte er jedoch perfekt passende, noch übersehene Bekannte für die Episodenregie gewinnen. Episodenregie (演出, enshutsu): Eine kreative, aber auch koordinative Aufgabe, da sie die Überwachung der vielen Abteilungen und Künstler beinhaltet, die an der Produktion einer Episode beteiligt sind – die Genehmigung von Animationslayouts zusammen mit dem Animationsdirektor, die Überwachung der Arbeit des Fototeams, der Kunstabteilung, des CG-Personals… Die Rolle gibt es auch in Filmen, als Referenz an die Personen, die ebenfalls für Teile des Films verantwortlich sind. Aufgaben. Allein die Premiere ist ein Beweis für ihren Erfolg und ihre Grenzen. Die etwas grobe Charaktergestaltung kann im Widerspruch zum Ruf des Projekts stehen, insbesondere angesichts der wenigen großartigen Animationsgäste, die auftreten. Der Regisseur hat nie verheimlicht, wie der Zeitplan gegen Ende ziemlich problematisch wurde, aber es ist erwähnenswert, dass sie trotz dieser Umstände ein Gefühl der Stabilität erlangten. Sicher, der HikaNatsu-Anime kann nicht mit dem Glanz der bekanntesten TV-Anime mithalten – ganz zu schweigen von der illustrativen Qualität des Mangas –, aber er schafft es, während der gesamten Sendung ungefähr auf dem gleichen akzeptablen Niveau zu bleiben. Wären sie in den früheren Episoden zu ehrgeizig mit ihren Standards umgegangen, wäre die Show möglicherweise in der hinteren Hälfte zusammengebrochen.

Die Flexibilität, die es ihnen ermöglichte, sich an die Umstände der Produktion anzupassen, ist eine positive Eigenschaft, die wir sowohl dem Team von Takeshita als auch dem praktischen Managementpersonal von CyPic zuschreiben können. Allerdings sollten wir, wie bereits erwähnt, keine Kausalität zuschreiben, wenn keine besteht. Das heißt, Takeshita wollte schon immer einen atmosphärischen, experimentellen Horror-Anime erschaffen – ein Genre, an dem er im Gespräch mit ANN sein Interesse zeigte. Ehrlich gesagt war eine solche Bestätigung nicht einmal nötig, da sie in seinem Werk immer spürbar war; Natürlich war der exzentrische Regisseur, der es liebt, Handkameras zu emulieren, scharf auf immersiven Horror. Es gibt einen Grund, warum er so sicher war, dass er einen Enshutsu-Anime machen wollte, lange bevor er überhaupt einen Eindruck von diesen Produktionsumständen bekommen konnte: Darin lagen Takeshitas Interessen, und die Natur dieser Serie war der perfekte Vorwand, sie zu nutzen.

Es ist nicht die Einschränkung, die die Brillanz von HikaNatsu hervorgebracht hat, so viel ist den Menschen innewohnend, die sie geschaffen haben. Die mittelmäßigen Produktionsumstände (zugegebenermaßen bei weitem nicht die schlechtesten, wenn es um aktuelle TV-Anime geht) sind kein Grund zum Feiern, da die Show mit umfangreicheren Zeitplänen und mehr Ressourcen vielleicht sogar noch besser geworden wäre. Diese würden ihre Schärfe nicht abschwächen, sondern vielmehr Türen zu der Art nuancierter Schauspielerei öffnen, die ihnen nicht gelingen würde, zu sofort wirkungsvollen Zeichnungen, die in dieser Hinsicht mit dem Ausgangsmaterial konkurrieren könnten. Wenn überhaupt, wäre es vielleicht sogar noch experimenteller gewesen, da die ungewöhnlichen Methoden, an denen Takeshita interessiert ist, tendenziell länger brauchen, bis sie Früchte tragen. Auch wenn ich es nicht als selbstverständlich ansehen würde, wenn man bedenkt, wie sich dies im Studio zu einem Trend entwickelt, können wir hoffen, dass sein Erfolg die Produzenten dazu motiviert, die bereits angekündigte Fortsetzung so sehr zu unterstützen, wie sie es verdient.

Angesichts der ausdrücklich dargelegten Sichtweise des Regisseurs mussten wir einfach damit beginnen, diese Adaption durch die Optik eines Enshutsu-Anime zu gestalten. Es ist die Art und Weise, wie er sich die Adaption von Anfang an vorgestellt hat, und eine hervorragende Möglichkeit, sich darüber hinaus dem Horror zu nähern. Schließlich sprechen wir von einem Genre, bei dem das immersive Erlebnis von Moment zu Moment entscheidend ist. So erfolgreich es in Händen wie Takeshitas auch sein mag, die Besessenheit über das Mikro auf Kosten des Makros hätte letztendlich zu einer hohlen Erfahrung führen können. Eines, bei dem man in jede Szene hineingezogen wird, die man aber verlässt, ohne einen bleibenden, nachhallenden Eindruck zu hinterlassen. Hätten sie auch nicht die übergreifenden Themen und die verführerischen Ideen des ursprünglichen Autors Mokumokuren berücksichtigt, hätte das trotz des Ausmaßes an inspiriertem Storyboarding, das wir erhalten haben, der Fall sein können.

Takeshita war nicht der Einzige mit dem Wunsch, die Kernideen hinter der Serie beizubehalten. Neben ihm war zum Beispiel der Autor, der sie erfunden hat. Mokumokuren hat mehrfach gesagt, dass sie, obwohl sie noch keine Erfahrung mit Adaptionsprojekten haben, sich vorstellen, viel stärker involviert zu sein, als es Autoren normalerweise tun. Dies steht im Newtype October 2025 mit Mokumokuren, Takeshita und Murayama, wird aber am amüsantesten in Comic Natalies Gesprächsrunde zwischen besagter Autorin und Eröffnungsdarstellerin Vaundy. Letzterer erklärte dort, dass sie noch nie an einem Treffen mit dem Autor teilgenommen hätten, bevor er ein Lied für sie komponiert habe. Obwohl der Produktionsprozess grundsätzlich normal verlief, selbst wenn es um die Anwesenheit des ursprünglichen Schöpfers ging, führte Mokumokurens Proaktivität bei den regelmäßigen Treffen – und bei zusätzlichen Aufgaben wie dem Farbdrehbuch für die Eröffnungssequenz – dazu, dass die geschätzten Ideen des Autors in der Adaption großen Anklang fanden.

Es gibt allerdings einen Grund, warum wir über die Konzepte sprechen, die dem Autor am Herzen liegen, und nicht über die Besonderheiten des Ausgangsmaterials. Der HikaNatsu-Anime hat nie gezögert, die ursprüngliche Geschichte zu ändern, geschweige denn die Ausführung anzupassen, um die Beschaffenheit seiner neuen Leinwand auszunutzen. In dem oben erwähnten Newtype-Gespräch erinnert sich Mokumokuren an ihr erstes Treffen mit Takeshita, bei dem der Regisseur fragte, ob sie die Dinge sofort ändern könnten – „öffnen Sie sich damit nicht!“, dachte der amüsierte Autor. Tatsächlich waren sich beide einig über die Notwendigkeit, bestimmte Aspekte zu ändern. Viele der vorgeschlagenen Änderungen (einschließlich größer angelegter) gingen auf Mokumokurens Vorschläge oder zumindest auf ihre enge Zusammenarbeit mit Takeshita zurück. Ich bin zuversichtlich, dass einige dieser Anpassungen die TV-Show aufgewertet haben. Und was diejenigen betrifft, von denen ich glaube, dass sie gemischtere Ergebnisse liefern, kann ich immer noch die klare, gezielte Absicht bewundern, die sie an den Tag legen. Die Lehre ist einmal mehr, dass Autoren die inhärente Notwendigkeit von Veränderungen bei Adaptionen besser verstehen als lautstarke Fangemeinden.

Worum geht es bei HikaNatsu dann im Kern? Seine Prämisse ist ebenso einfach wie überzeugend. Wir werden in eine ziemlich isolierte ländliche Umgebung versetzt und folgen dem introvertierten Highschool-Jungen Yoshiki Tsujinaka. Nach und nach erfahren wir, dass es sich um das geheime Ritual ihres Dorfes handelte: Sein bester Freund Hikaru wurde vor Beginn der Serie vermisst. Eine möglicherweise tragische Geschichte, die ein glückliches Ende zu nehmen schien, als er verwirrt, aber völlig gesund wieder auftauchte. Aber das ist tatsächlich nur die Oberfläche. Was auch immer jetzt in seiner Haut wohnt, ist nicht mehr die Person, die Yoshiki kannte. Tatsächlich handelt es sich überhaupt nicht um eine Person; „Hikaru“ ist ein übernatürliches Wesen, das ohne Selbstbewusstsein, geschweige denn ohne menschliche Moral, auf die Welt kam. Die beiden werden in dieser direkten Nachstellung des des Swampman-Gedankenexperiments untrennbar miteinander verbunden, das den Leser – und die armen Kinder, die in diese Situation geraten – dazu zwingt, darüber nachzudenken, was einen Menschen wirklich ausmacht.

So wichtig diese Seite der Geschichte auch ist, diese Ideen sind untrennbar mit etwas anderem verbunden: dem Schrecken der Konformität und, umgekehrt der Reiz des unheimlichen Andersseins. Wenn Bodysnatching ein Horrorklassiker ist, so ist es auch die Verknüpfung der bedrückenden Atmosphäre einer ländlichen Umgebung mit dem Übernatürlichen. Für Yoshiki begann der erdrückende Alltag nicht mit dem Erscheinen von „Hikaru“. Das war schon vor vielen Jahren der Fall, weil er es satt hatte, dass die Erwachsenen ihm sagten, er solle die Ponyfrisuren abschneiden, mit denen er sich wohler fühle. Das geschah, als ihm klar wurde, dass er dem Geflüster über seine Familie nicht entkommen konnte; seine Außenseitermutter, seine Schwester, die nicht zur Schule geht, er selbst. Und das geschah insbesondere, als er verinnerlichte, dass seine eigene Sexualität ungewöhnlich ist und als grobe Abweichung von der Norm behandelt wird. Hikaru war nicht nur sein Freund, sondern auch jemand, zu dem er sich romantisch und sexuell hingezogen fühlte. Jetzt, da er nicht mehr da ist und durch eine unheimliche Kreatur ersetzt wurde, werden die Dinge noch viel komplizierter.

In dieser Hinsicht wird Mokumokuren immer deutlicher darüber, was HikaNatsu ist und was es nicht ist. Wenn Sie noch einmal den ersten One-Shot lesen, werden Sie mit Sicherheit feststellen, dass viele Seiten genau mit dem Anfang der Serialisierung übereinstimmen. Was Sie jedoch auch bemerken werden, ist, dass die beiden Hauptfiguren schnell einen Kuss teilen und ein so normales Liebeskomödie beginnen, wie es unter solchen Umständen möglich ist. Dies ist jedoch nicht der Weg, den die ganze Geschichte eingeschlagen hat. Wie Mokumokuren aufgrund des Drucks der Fans aus verschiedenen Blickwinkeln schon oft sagen musste, ist HikaNatsu kein Romantiker queere Geschichte. Es gibt mehrere Gründe, die sie in diese Richtung getrieben haben: die Überzeugung, dass es wichtig ist, Queerness von Romantik zu trennen, der Wunsch, alle Arten von Menschen zu erreichen, die sich von gesellschaftlichen Normen abgelehnt fühlen, und vor allem Mokumokurens Liebe für den anderen.

Dieser letzte Punkt wird in HikaNatsus Erzählung ziemlich deutlich zum Ausdruck gebracht, aber ich glaube, dass das vorherige Gespräch mit Vaundy die lustigste Zusammenfassung ist. Im Wesentlichen unaufgefordert schimpft der Autor weiter gegen „Die Schöne und das Biest“ und alle Geschichten, die ähnlichen Mustern folgen. Als jemand, der sich zu Aberrationen hingezogen fühlt und deren Reiz und Abscheulichkeit als einen berauschenden Cocktail wahrnimmt, ist die Vorstellung, dass ein Happy End darin besteht, ihn in einen normalen Menschen zu verwandeln, für Mokumokuren beleidigend. Denn so wichtig es war, Yoshikis Gefühle präzise zu definieren, so wichtig war es auch, die abnormale, unverständliche Natur von „Hikaru“ zu schützen. Eine geradlinige Romanze, wie sie von der menschlichen Gesellschaft verstanden wird, würde unweigerlich die Entmonsterung von „Hikaru“ beinhalten, was der Autor verabscheut. Auch wenn es in der Serie vor allem um die Liebe geht und jeder, der ein Gespür für Schärfe hat, dieses Szenario nur als noch schmackhafteres BL empfinden wird, ist es wichtig zu verstehen, warum der ursprüngliche Autor nicht von Etiketten begeistert ist. Wenn man diese aggressiv drängt, setzt man schließlich auch die menschenzentrierte Sichtweise durch, die ihnen nicht gefällt.

Sie könnten sich eine so interessante, in sich schlüssige Sichtweise einfallen lassen und es trotzdem schaffen, die Umsetzung zu verfälschen. Aber das ist HikaNatsu, die Serie, die wegen ihrer inspirierenden Darbietung die Aufmerksamkeit aller auf sich gezogen hat. Auch wenn seine eigenen Interessen in diese Richtung tendieren, wäre Takeshita möglicherweise nicht gezwungen gewesen, sich ganz auf den Enshutsu-Anime-Aspekt zu konzentrieren, wenn Mokumokuren nicht brillant darin gewesen wäre, diese Themen in Bildern zusammenzufassen, die einem in Erinnerung bleiben. Von den vielen Werkzeugen, die der Autor in diesem Prozess verwendet, gibt es eines, das in jedem Interview, das wir bisher erwähnt haben, besonders erwähnt wurde. Und realistisch gesehen, in den meisten Fällen, die wir noch nicht angesprochen haben, wie zum Beispiel PASHs Gespräch mit dem Art Director. Art Director (美術監督, bijutsu kantoku): Die Person, die für die Hintergrundgrafiken der Serie verantwortlich ist. Sie zeichnen viele Zeichenflächen, die nach Genehmigung durch den Serienregisseur als Referenz für die Hintergründe der gesamten Serie dienen. Die Koordination innerhalb der Kunstabteilung ist ein Muss – Bühnenbild-und Farbdesigner müssen zusammenarbeiten, um eine kohärente Welt zu schaffen. Kouhei Honda. Wenn Sie jemals „HikaNatsu“ gelesen haben, wissen Sie wahrscheinlich, dass wir über die Verwendung von SFX, Lautmalerei und der allgemeinen Hervorrufung von Klängen sprechen.

Um die ganze Breite dieses Aspekts in einem Anime einzufangen, bedarf es mehr als nur einer großartigen Tonregie, aber machen wir uns nichts vor, damit sollte es beginnen. Das dachte sich auch Takeshita, als er sich den Namen Kouji Kasamatsu einfallen ließ, um dem allgegenwärtigen, fast greifbaren Klang eine Form zu geben; und genau wie bei früheren Entscheidungen auch, weil er persönlich nach einem Vorwand gesucht hatte, mit ihm zusammenzuarbeiten. Sie haben vielleicht bemerkt, dass Takeshita auch an diesem Aspekt direkt beteiligt ist und sich die Rolle des Tonregisseurs (Ongaku Kantoku) verdient hat. Mittlerweile wird Kasamatsu unter der nicht standardmäßigen Rolle von Ongaku Enshutsu aufgeführt. Wirklich das Schlüsselwort für die gesamte Produktion, wie sich herausstellt.

In einem Interview mit JINS PARK verrät Kasamatsu, wie seine Wege mit Anime kreuzten und warum er diesen besonderen Kredit bevorzugt. Seine berufliche Laufbahn begann als Toneffekttechniker bei Fernsehprogrammen, seine eigentliche Leidenschaft galt jedoch dem Film. Und weil er leidenschaftlich war, war er auch kritisch – weshalb er den Ton in japanischen Filmen irgendwie enttäuschend fand. Er bastelte an einer damals hochmodernen Digital Audio Workstation, die sein Chef erworben hatte, und führte Experimente durch, wie zum Beispiel die Bearbeitung seines eigenen Trailers von Patlabor: The Movie, während er gleichzeitig den Ton durch etwas ersetzte, das seinen Ansprüchen gerecht wurde. Dabei erregte er die Aufmerksamkeit der Hersteller der Maschine und schließlich auch der Audio-Mitarbeiter von Patlabor selbst.

Durch diesen lustigen Vorfall öffneten sich für Kasamatsu die Türen zu Animation und Film. Da er so wählerisch ist, ist er gerne von der ersten Phase (als proaktiver Beteiligter an der Planung des Soundtracks) bis zum Schluss beteiligt und optimiert die Dialoge und das Timing der endgültigen Schnitte. Er ist sich darüber im Klaren, dass eine solche Position oft als besonders einflussreiches Ongaku-Kantoku bezeichnet wird, aber da er kein großer Fan der imposanten Ausstrahlung dieser Worte ist, greift er lieber zu dem bescheidener klingenden Ongaku-Enshutsu. Aus diesem Grund wurde er in mehreren Ghibli-Projekten erwähnt, unter anderem als Miyazaki ihn bat, alle Soundeffekte in „The Wind Rises“ als von Menschen verursachte Geräusche zu konzipieren. Er ist zum exklusiven Ansprechpartner für die Ikonen des japanischen Animationstheaters geworden. Und mit HikaNatsu steht er zum ersten Mal seit über einem Jahrzehnt wieder an der Spitze eines TV-Anime. Sie können mit einer Hand abzählen, wie oft dies passiert ist, und Sie hätten immer noch Finger übrig. Sogar der Charakter in der Serie, der etwas zu gerne Teile seines Körpers opfert, könnte es schaffen.

Ein weiterer zentraler Aspekt der Adaption verbindet Protagonismus mit Ton für eine ähnlich eindringliche Szene, insbesondere für Zuschauer, die sich der Prämisse der Serie nicht bewusst sind. Es ist das, was der wahren Natur von „Hikaru“ Gestalt verleiht – eine ausgesprochen klebrige, hypnotisierende Form. In dem Moment, als die Adaption angekündigt wurde, verstand jeder Fan sofort, warum Takeshita persönlich Masanobu Hiraoka als Künstler ausfindig machte, dem diese spezielle Rolle anvertraut wurde. Seine Beherrschung der Morphing-Bewegung in unabhängigen Werken hat ihm gelegentlich eine Position in hochkarätigen kommerziellen Projekten eingebracht, obwohl es auch dieser einzigartige Stil ist, der ihn mit den meisten Animes unvereinbar macht.

Mit den meisten Animes, aber nicht mit HikaNatsu, wo er mit perfekter (Un-)Natürlichkeit hineinpasst. Hiraokas fließende Formen sind faszinierend, genau wie der aktuelle „Hikaru“, zu dem sich Yoshiki trotz der offensichtlichen Gefahr immer wieder hingezogen fühlt. Die sich verändernden Formen erinnern an die biologischen Strukturen, die man in Zellen finden könnte; und doch sind sie grundlegend unterschiedlich und entsprechen der Wirkung, die Mokumokurens fraktale Schrecken erzielen. Der Anime wechselt immer dann zu diesen Spezialschnitten, wenn er den Horror beschleunigen will, aber sie sind vielleicht am effektivsten, wenn sie mit den gewöhnlichen Ereignissen koexistieren. In dieser Hinsicht sind nur wenige Szenen so einprägsam wie die Adaption der Szene, die HikaNatsu ursprünglich zum Durchbruch verholfen hat: „Hikaru“ schmilzt dahin, als Yoshiki fragt, wer er wirklich ist.

Ich glaube, es ist wichtig, diese Zeltstangen von HikaNatsus Horror nicht als eigenständige Elemente, sondern als Teil des miteinander verbundenen Netzes zu sehen, das sie bilden. Trotz der enormen Vielfalt an Techniken, die jeder Episodenregisseur verwendet, verschmelzen sie alle zu einer einheitlichen Struktur, die eng mit den zuvor besprochenen Themen verbunden ist. HikaNatsu ist klebrig, zähflüssig. Eine Flüssigkeit, die überall sickert. Genau wie die Hitze des Sommers, so präzise eingefangen durch Hondas künstlerische Leitung, Naomi Nakanoss Farbdesign und Tomohiro Maedass Komposition. Das Unterdrücken von Schwarztönen im Schatten und das unangenehme Anpassen des Kontrasts mögen in anderen Serien unerwünschte Entscheidungen sein, passen aber zum ruhigen, allumfassenden Unbehagen von HikaNatsu. Sogar Hiraokas Rolle erhält den Namen Dorodoro-Animation, nach der Lautmalerei im Manga. Auch hier wird der durchdringende Horror eng mit einer Klangform in Verbindung gebracht. Beide Aspekte haben diese Struktur gemeinsam, wie etwa der gesellschaftliche Druck, der Yoshiki umgibt, egal wo er sich befindet. Das alles ist unangenehm, aber man kann nicht wegsehen. Das ist die komplexe Beziehung zum Unbekannten, die Mokumokuren hervorrufen möchte.

Selbst wenn Takeshita alles im Griff hat, wäre der HikaNatsu-Anime nicht halb so fesselnd, wenn nicht jede Episode zwischen den Episoden, die er als Storyboard erstellt hat, ein eigenständiges, immersives Erlebnis wäre. Glücklicherweise erwies sich der Personalbeschaffungsprozess, der den Produzenten Vertrauen gegeben hatte, als so effektiv, wie sie es sich erhofft hatten. Die folgenden Episoden zeigen, dass die Ankunft anderer Regisseure die Produktion nicht davon abhält, ihre Grenzen erfinderisch zu umgehen und dabei ihre Ideen zu verstärken. Allerdings fiel der zweite Apfel nicht weit vom Stamm; Episode Nr. 02 wurde von dem vielversprechenden Mitsuhiro Oosako betreut und inszeniert, einem Dogakobo-Animator, der viele Eigenschaften der derzeit im Studio tätigen Regisseure übernommen hat. Da einer der bemerkenswertesten Hauptdarsteller in dieser Gruppe Takeshita selbst ist, ist es keine Überraschung, dass Oosako in dieser Serie so gut gepasst hat.

Während Yoshiki versucht, alles zu verarbeiten, was passiert ist, von der Leichenentführung bis zu einem Mord, der definitiv nichts mit „Hikaru“ zu tun hat, betont Oosako seine Subjektivität durch wiederkehrende Aufnahmen durch seine Pony. Das ist die Art der Rahmenwahl, die so offensichtlich ist, dass niemand ihre Bedeutung übersehen kann, und doch sind die wirkungsvollsten Illustrationen von Yoshikis Kopfraum in der Folge wieder einmal die, die den erstickenden Druck, den er verspürt, in Klang übersetzen. Die brillanteste Wahl in der Folge setzt Yoshikis Witze über unheimliche Innereien, die sich wie Hühnchen anfühlen, durch die Verwendung von Live-Action-Aufnahmen von Fleisch wörtlich. Was zunächst amüsant ist, wird zu einem eindringlichen Bild, als er unter Druck zusammenbricht. Ausgestreckte Hände werden zu realistischen Klumpen gezeichneten Hühnerfleischs, mit realistischerer Fotografie. Fotografie (撮影, Satsuei): Die Verbindung von Elementen, die von verschiedenen Abteilungen erstellt wurden, zu einem fertigen Bild, wobei eine Filterung erforderlich ist, um es harmonischer zu machen. Ein Name, der aus der Vergangenheit stammt, als bei diesem Prozess tatsächlich Kameras verwendet wurden. Interstitials verwandeln das Gewöhnliche in etwas Abscheuliches. Die abstoßenden Zeichnungen verkörpern den unheimlichen Taleffekt, den Mokumokuren oft als Waffe nutzt, aber durch seine subjektive Wahrnehmung können wir immer noch eine berauschende Anziehungskraft spüren. Es passieren schlimme Dinge und unser Junge ist auf tragische Weise davon abhängig.

Im Gegensatz dazu ist die dritte Episode eine etwas riskantere Personalentscheidung. Es ist erwähnenswert, dass Asaka Yokoyama ein großer Fan der Serie ist, daher ist es keine große Überraschung, dass sie deren Natur so gut verstand. Das Team muss zugestimmt haben, wenn man bedenkt, dass sie neben Hiraoka bereits die große Wendung in der Premiere maßgeblich animiert hatte. Und doch war die Art und Weise, wie sie dort landete, nicht so sicher wie der Serienregisseur. Serienregisseur: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreative Entscheidungsträgerin als auch als letzte Aufsichtsperson. Sie sind dem Rest des Personals überlegen und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieniveaus – Chefregisseur, stellvertretender Regisseur, Episodenregisseur der Serie, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie ist in diesen Fällen ein Fall-zu-Fall-Szenario. einem seiner Schüler eine Episode anvertrauen. Als der Anime zum ersten Mal angekündigt wurde – ein paar Monate nach Beginn des Produktionsprozesses – feierte sie ihn und flehte das Team sofort an, sie an der Serie mitarbeiten zu dürfen. Das war nicht einmal etwas Neues für sie, da sie seit 2022 öffentlich gehofft hatte, Storyboards für eine hypothetische HikaNatsu-Adaption zeichnen zu können, als nur wenige Kapitel veröffentlicht worden waren. Obwohl Asaka zu dieser Zeit kaum oder gar keine Erfahrung als Regisseurin hatte, wirkt sie als Künstlerin mit Ideen, weshalb das Team sie schnell (über die Animationsproduzentin Kenta Ueuchi) in seinen Reihen willkommen hieß.

Diese Wette hat sich ausgezahlt, vielleicht weil sie sich wirklich jahrelang vorgestellt hatte, was sie mit HikaNatsu machen würde, wenn es animiert würde. Ähnlich wie die allmähliche Eskalation der Angst im Manga gibt ihre Episode durch Wiederholung einen klaren Rhythmus. Wiederkehrende Bilder und Erinnerungen werden umso korrumpierter, je mehr wir sie sehen, in einem Rhythmus, der sich an sich schon unangenehm anfühlt. Dies führt zu einer Explosion menschlicher Gefühle und unmenschlicher Instinkte; vermittelt durch Neuinterpretationen von einprägsamen Tafeln, diesen wiederkehrenden Werkzeugen wie Ton und Hiraokas Schlamm sowie ihren eigenen Ergänzungen wie der Linienführung, die das bedeutet ruft Unmenschlichkeit hervor. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.

Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.

The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.

A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.

The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.

Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.

Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.

While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.

The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.

And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.

The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.

The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.

That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.

That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.

How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.

Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.

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