CITY: The Animation endete mit einer weiteren Explosion überschwänglicher Animation, Design und Musik, um Keiichi Arawis Sensibilität und seine fröhlichen Themen einzufangen. Werfen wir einen letzten Blick auf diese All-Time-Produktion … und auch auf die Zukunft von KyoAni, wenn wir schon dabei sind.
Unser erstes Stück, das CITY: The Animation gewidmet war, war als Einführung in ein so einzigartiges Projekt gedacht, während das zweite eine detaillierte Chronik seines Produktionsprozesses, der Beteiligung des ursprünglichen Autors Keiichi Arawi am Verstoß gegen die Normen und der Art und Weise war, wie sich die äußerst kreativen Entscheidungen des Teams in den meisten Fällen manifestierten Show läuft. Das war eine Menge Informationen, die es zu verarbeiten galt, aber jetzt, wo es fertig ist, können wir uns zurücklehnen und entspannen, während wir uns die letzten beiden Episoden ansehen – eine Haltung, die ehrlich gesagt eher zum Vibe von CITY passt.
Episode Nr. 12 stammt aus der Hand des Regisseurs und Storyboarders Noriyuki Kitanohara. He has remained one of the most active presences across the show, despite also juggling it with the Maidragon film come 2024; again, if you want a precise look at the production timeline for the studio, it’s recommended that you check out our previous CITY write-up. Darin haben wir etwas hervorgehoben, das noch einmal deutlich wird: Kitanohara passt sehr gut zu einer Serie wie dieser. Als seit Beginn der 90er Jahre aktiver Animator mit einem breiten Spektrum an Fähigkeiten, aber auch einer Vorliebe für aggressive 2D-Schnitte passt er hervorragend zu CITYs Wunsch, die Rolle des Animators als allumfassende Figur und Ideologe des lustigen Bombasts hervorzuheben.
Wie wir bereits erwähnt haben, begann Kitanohara während seines Übergangs zur Regierolle, Sequenzen mit den höchsten Kalorien für sich selbst aufzuheben. Solange er eine solche Position in einem Projekt innehat – was so gut wie immer der Fall ist –, macht er sich nicht einmal die Mühe, sich selbst Schlüsselanimationen zuzuschreiben. Schlüsselanimation (原画, genga): Diese Künstler zeichnen die entscheidenden Momente innerhalb der Animation und definieren im Grunde die Bewegung, ohne den Schnitt tatsächlich abzuschließen. Die Anime-Industrie ist dafür bekannt, diesen einzelnen Künstlern viel Raum zu geben, ihren eigenen Stil auszudrücken. Deshalb könnte ein Blick auf seine Karriere in Datenbanken den Anschein erwecken, als hätte er in den letzten zwei Jahrzehnten nicht viel gezeichnet … obwohl er viele beeindruckende Sequenzen in der Geschichte von KyoAni geschrieben hat. Bei seinem letzten öffentlichen Auftritt für eine Maidragon-Veranstaltung neckte er seinen langjährigen Freund Tatsuya Ishihara damit, dass er Anime so sehr mag, dass er oft ein Storyboard schreibt. Storyboard (絵コンテ, ekonte): Die Blaupausen der Animation. Eine Reihe normalerweise einfacher Zeichnungen, die als visuelles Skript des Animes dienen und auf speziellen Blättern mit Feldern für die Nummer des Animationsschnitts, Notizen für das Personal und den passenden Dialogzeilen gezeichnet sind. Mehr Explosionen und andere Arten von auffälligen, auffälligen Inhalten. Die Ironie seiner Aussage besteht natürlich darin, dass dies umso mehr auf einen Kitanohara zutrifft, der es genießt, solche Dinge persönlich zu animieren. Auch wenn er nicht so nuklear vorging wie in früheren Episoden mit #12, hat die Linienführung in Momenten wie der Reihe lächerlicher, explosiver Reaktionen von Niikura und Nagumo das Gefühl, dass er solche Momente wieder einmal selbst zeichnet. Alte Gewohnheiten lassen sich nur schwer ablegen.
Es gibt mehrere Gründe, warum Kitanohara im Vergleich zu seinen vorherigen Folgen die Animation nicht so wild um sich geschlagen hat; Das heißt, dass es für TV-Anime-Verhältnisse immer noch lächerlich ist, aber innerhalb von CITY fühlt es sich anderen Interessen unterworfen an. Der erste sollte ziemlich schnell ins Auge fallen: Episode Nr. 12 hat bisher die meiste Musikalität in ihrer Richtung, sodass die visuellen Elemente den Ton Hand in Hand begleiten und nicht von alleine voranschreiten. Der frühe Sketch, der dies deutlich macht, konzentriert sich darauf, dass Niikura wieder auf den Anhänger trifft, dem sie schon seit Ewigkeiten nachjagt – der Anhänger, der ein Foto von Nagumo enthält und immer damit droht, ihre inspirierende Schwärmerei allen anderen Bürgern preiszugeben. Das bizarre Finale ihrer Suche wurde ursprünglich in einem Kapitel erzählt, das praktisch keinen Dialog enthielt und sich stattdessen auf ihre interne Erzählung verließ. Und da dies STADT ist, bedeutet das, dass sie ihren irgendwie tiefgründigen Gedanken ausgesetzt wird, während sie einer Kreatur gegenübersteht, die so unverständlich ist, dass alle mythologischen Wesen, die sich in der Stadt versammelt haben, darüber verwirrt sind. Seine bloße Anwesenheit bringt Niikura während einer der wichtigsten Missionen ihres Lebens aus der Bahn und führt zu einem Kampf für die Ewigkeit.
Es war selbstverständlich, dass ein Regisseur wie Kitanohara dafür sorgen würde, dass einem Moment wie diesem großartige Animation verliehen wird. Wir haben 2D-Effekte, die die zeichnerische Überlegenheit der Serie verkörpern, während die niedlichen Cartoon-Darsteller den ursprünglichen Reiz von Arawi bewahren. Explosive Schnitte und stimmungsvolle visuelle Konzepte arbeiten zusammen, genauso wie es gelingt, Cartoon-Multiples und unmögliche Laufformen mit Aufnahmen zu kombinieren, die das Gleichgewicht des Körpers betonen. Und warum nicht, auch ein paar gute Schläge.
Vor allem aber gibt es eine urkomische Synergie zwischen dem Rhythmus der Ereignisse und dem Einsatz von Musik in den über sechs Minuten dieses Gags. In diesem Abenteuer ohne Dialog ging der Anime den nächsten Schritt und entfernte auch Niikuras Gedanken, so dass sich der Zuschauer fragen musste, was zum Teufel passiert, da die Ereignisse irgendwie perfekt aufeinander abgestimmt sind mit der Auswahl klassischer Musik. Da sich CITY: The Animation zum Ziel gesetzt hat, Arawi alle Produktionsnachweise handschriftlich schreiben zu lassen, bedeutet dies auch, dass der ursprüngliche Autor die langen Titel für die hier verwendeten Stücke von Bach und Franz Liszt sorgfältig schreiben musste. Nun, das klingt vielleicht amüsant bemitleidenswert, aber bedenken Sie Folgendes: Wir wissen das, während wir im selben Zimmer wie der Serienregisseur schlafen. Serienregisseur: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als Endüberwacher. Sie sind dem Rest des Personals überlegen und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieniveaus – Chefregisseur, stellvertretender Regisseur, Episodenregisseur der Serie, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie ist in diesen Fällen ein Fall-zu-Fall-Szenario. Taichi Ishidate Während der Planungsphase teilte er einige Musiktöne mit, die sie beide nachts zum Lachen brachten. Es besteht also eine realistische Chance, dass Arawi diesen Schreibauftrag selbst übernommen hat. Es lohnt sich jedoch!
Der folgende Sketch verkörpert weiterhin diese Qualitäten, dieses Mal ist der Rhythmus stark an die Hintergrundmusik der Show gebunden. Die emotionale Achterbahnfahrt der ganzen Stadt, während sie einem turbulenten Pferderennen folgt, ist an sich schon eine unterhaltsame Zeit, vor allem wegen der rhythmischen Darbietung. Allerdings ist es die Verbindung zu den Hauptzielen von CITY, die es zu etwas Besonderem macht. Einer von Ishidates wiederkehrenden Gedankengängen drehte sich um die herausragende Fähigkeit von Arawis Werk, einem das Wie und Warum hinter seinem surrealen Humor vorzustellen, und im gesamten Gag konzentriert sich die Show genau darauf. Genau wie im Manga erhaschen wir nicht einmal einen flüchtigen Blick auf das Rennen, um das es in diesem Abenteuer geht. Stattdessen sind wir gezwungen, uns eine lächerliche Reihe von Ereignissen vorzustellen, mit verschwindenden Jockeys und Pferden, die eigentlich verschiedene Tiere sind, während die Reaktionen der Spieler wild schwanken. Wenn Sie Ihre Kompatibilität mit Arawis Werk testen möchten, könnte der Blick auf dieses eine Kapitel ein guter Anfang sein.
Wieder einmal müssen wir nur einen Sketch nach vorne verschieben, um den anderen Grund zu finden, warum Episode Nr. 12 mit ihrer Animation kontrollierter ist. Nachdem wir der letzten Episode so nahe gekommen sind und vor allem der Fokus auf einen Handlungsstrang liegt, der die beiden engsten Charaktere der Serie zu trennen droht, entsteht ein Anflug von Melancholie, den CITY zuvor nicht wirklich hatte. Das Gespenst der Trennung von Matsuri und Ecchan schwebt über der gesamten Show – es ist Teil dessen, was ihre gemeinsamen Abenteuer süß macht, da man weiß, dass die gemeinsame Zeit begrenzt ist. Aber erst jetzt kann man spüren, wie es sich in der gesamten Folge auf die Rahmen-und Farbauswahl auswirkt, noch bevor Ecchan ihr skurriles Trennungsritual durchläuft. Um herauszufinden, ob das wirklich das Ende ihrer Beziehung ist, müssen Sie CITY: The Animation #13 einschalten.
Bevor wir uns mit der letzten Folge in voller Länge befassen, werfen wir einen Blick zurück auf die Tage vor der Ausstrahlung. Um genau zu sein, sollten wir über das Kernpersonal dieses Finales sprechen, das – wie immer – bereits veröffentlicht wurde, zusammen mit einer Vorschau, die einige Leute vielleicht überrascht hat. Die Rückkehr des SerienregisseursSerienregisseur: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als Endleiter. Sie sind dem Rest des Personals überlegen und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieniveaus – Chefregisseur, stellvertretender Regisseur, Episodenregisseur der Serie, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie ist in diesen Fällen ein Fall-zu-Fall-Szenario. und der Charakterdesigner, der die letzte Episode leiten sollte, war eine Selbstverständlichkeit; Es ist eine gängige Praxis in Fernsehsendungen und eine, die Ishidate in seinen eigenen, immer persönlich gebuchten Projekten aufrechterhalten hat. Und doch gibt es noch mehr Schöpfer an ihrer Seite. Der gesamte Lauf von CITY wurde, egal wie entmutigend die Arbeitsbelastung auch war, von einem einzigen Episodenregisseur und Storyboarder geleitet, begleitet von einem Animationsregisseur. Das heißt, bis zum Finale.
Sie könnten versucht sein, auf Episode Nr. 07 als kleine Ausnahme hinzuweisen, aber bedenken Sie, dass die Position des stellvertretenden Animationsdirektors bei KyoAni bedeutet, dass ein Neuling vor ihnen unter den Fittichen eines Veteranen lernt Debüt in einer Position. Diesen obligatorischen Schritt haben wir kürzlich für Kouhei Okamura (stellvertretender Episodenregisseur bei Eupho S3 #13, bevor er sich alleine um CITY #10 kümmerte), Ryo Miyagi (Assistent von Ishidate in der fünften Episode dieser Serie, bevor er nach und nach zum alleinigen Leiter zwischen diesem Projekt und CITY wurde) und Tamami Tokuyama selbst gesehen; Assistent von Ikeda auch in Tsurune S2 #04, wird ab der achten Folge Solo-Supervisor … und nicht viel später der Designer und Chefanimationsdirektor, den wir jetzt bewundern. Kurz gesagt, es handelt sich um eine Studiopraxis, die nichts mit der Produktion dieser bestimmten Episode zu tun hat.
Was ist dann mit dem Finale von CITY los? Obwohl es kaum überfüllt ist, insbesondere nach den peinlichen Maßstäben aktueller TV-Anime, gibt es zwei Regisseure und drei Animationsleiter in einer Show, die den perfekten Zusammenhalt zu schätzen wussten, den man aus individuell geleiteten Bemühungen erreichen kann. Wenn Sie in der Branche zunehmend auf Vertragspersonal umsteigen, sollten Sie Folgendes bedenken: Sobald Sie die Mitarbeiter dafür bezahlen, dass sie mit Ihnen zusammenarbeiten, und nicht nur für das, was sie liefern, sollten Sie sie sinnvoll einsetzen. In einem Studio, in dem jeder Vollzeitbeschäftigter ist und kaum Arbeit für andere Unternehmen geleistet wird, erfordert das eine kluge Arbeitsverteilung; Andernfalls sitzen die Leute einen Monat lang herum und haben nichts zu tun.
Obwohl die Produktionen normalerweise laufen, ist das unwahrscheinlich. Die Personalrotation von CITY ist außerordentlich regelmäßig, wobei fünf Einheiten der wichtigsten Animatoren nacheinander in perfekter Reihenfolge auftauchen. Die drei dazwischen liegenden Gruppen taten mehr oder weniger dasselbe, ebenso wie die Regisseure und Vorgesetzten, die oft derselben Gruppe wichtiger Animatoren zugeordnet waren. Aber was passiert, wenn fünf Gruppen versuchen, innerhalb einer 13-teiligen Show zu rotieren? Am Ende des Laufs würden zwei von ihnen nichts mehr zu tun haben. Wenn wir uns die Animationsregisseure ansehen und erklären, warum Tokuyama bevorzugt ins Finale gerutscht ist, wird uns klar, dass die nächsten Supervisoren, die eine Episode erhalten würden, Kayo Hikiyama und Nobuaki Maruki wären – also die beiden, die sich ihr für CITY #13 angeschlossen haben. Auch wenn die Fluktuation bei den Regisseuren etwas größer ist, war Takuya Yamamura der erste, der seine zugewiesenen Episoden abschloss und keine weitere Aufgabe hatte. Und siehe da, er ist derjenige, der Ishidate im Finale begleitet. Fast so, als wäre Personalmanagement wichtig!
Ist das aber die ganze Geschichte? Nicht ganz. Sicher, CITY war lange Zeit der Fokus des Studios, aber es ist nicht das einzige Projekt, an dem bei KyoAni gearbeitet wird. Hätten sie es wirklich gewollt, hätten sie anderswo eine Stelle für diese plötzlich verfügbaren Mitarbeiter finden können. Ehrlich gesagt, wenn es eine reguläre letzte Folge gewesen wäre, wären sie möglicherweise geneigt gewesen, sie auf eine bestimmte Reihe von Filmen zu verschieben, die bereits in Arbeit waren. Aber wann hat CITY etwas Normales getan? Bevor die Ausstrahlung überhaupt begonnen hatte, warnten Mitarbeiter und Darsteller die Zuschauer bei der Vorabvorführung, dass bestimmte Episoden einfach nicht von dieser Welt seien, und wiesen oft auf die fünfte und die allerletzte Episode hin. Wenn man weiß, dass die Serie verrückte Standards hat und nachdem man gesehen hat, dass die anderen Episoden, die sie als besonders bezeichnet hatten, wirklich generationsübergreifend waren, sollte es leicht zu verstehen sein, dass das Finale gerne diese vertrauenswürdigen, plötzlich verfügbaren Veteranen beschäftigen würde.
Während Episode Nr. 05 ein so ungeheuerliches Konzept ist, dass jeder Zuschauer die belastende Produktion bemerken wird, und Nr. 09 das mit seinem dynamischen Rennen deutlich macht, beginnt Nr. 13 mit einer unauffälligeren Note. Das ist kaum ein Mangel, sondern vielmehr eine Folge der Ideen und des Tons, die sie in den Vordergrund stellen wollten. Die letzte Szene im Originalwerk ist tatsächlich diejenige, die dieses Finale eröffnet; ein Moment, der nicht von Bombast und Fanfaren geprägt ist, sondern von einer ruhigeren Erkenntnis für Nagumo. Wie sich herausstellte, war dieses schelmische, aber ernsthafte Mädchen besessen davon, ein möglichst unterhaltsames Leben zu führen … bevor es das Offensichtliche erkannte, dass das hektische Leben in dieser Stadt bereits reichlich unterhaltsam war. Die Änderungen am Ausgangspunkt der Serie, die Arawi als brillant empfand, wurden so vorgenommen, dass die erste Episode bereits den Beginn dieses einfachen, charmanten Charakterbogens signalisierte. Es ist immer einfacher, Momente wie diesen zu verkaufen, wenn die Ästhetik so lässig schön ist, wissen Sie.
Nach dieser Einleitung verlagern wir den Fokus auf eines der schlagenden Herzen – CITY hat eine Ensemblebesetzung, es kann mehrere davon haben – der gesamten Serie: Matsuri, Ecchan und ihre gefürchtete Trennung. Es ist erwähnenswert, dass ihre gesamte Handlung etwas losgelöster vom Rest ist, abgesehen von der Tatsache, dass sie beide Teil des urkomischen Ökosystems von CITY sind. Sicher, man kann genau genug schielen, um ihre Art, in die Zukunft zu blicken, mit Nagumos eigener Suche und dem Thema der Träume in Verbindung zu bringen, aber die Wahrheit ist, dass es im Anime wegen seines thematischen Zusammenhalts keine große Rolle gespielt hat. Dies geschah, weil diese beiden Kinder die wertvollsten Wesen der Welt sind, und das ist ein guter Grund.
Im Manga erhalten diese beiden inmitten des geschäftigen Geschehens des letzten Bandes nur teilweise Aufmerksamkeit. Es ist nicht so, dass man sich nicht um ihre letzten gemeinsamen Momente gekümmert hätte, aber es gibt eine gewisse Betonung im Anime, die diese Lösung noch effektiver wirken lässt. Ein großer Teil davon ist der reinen Laufzeit zu verdanken (im Finale dauert es knapp 10 Minuten) und der Finesse bei der Darstellung zarter, emotionaler Beats, die wir von KyoAni-Regisseuren gewohnt sind. Aber das ist auch CITY: The Animation, ein Projekt unter der Leitung eines verrückten Animators und eines noch wahnsinnigeren Autors, der ihm etwas ins Ohr flüstert. Natürlich steckt noch mehr dahinter.
Und deshalb fahren Matsuri und der zuverlässige Adatara zum Beispiel nicht wie im Manga mit dem Fahrrad zum Flughafen, sondern mit dem Pferd dorthin. Ein Pferd, bei dem es sich tatsächlich um Menschen mit einer schäbigen Verkleidung handelt, für die es keine explizite Erklärung gibt. Wenn Sie jedoch ein gutes Gedächtnis haben, werden Sie sich daran erinnern, dass eines der Ereignisse, die im Rennen in Folge Nr. 12 erzählt werden, darin bestand, dass ein Teilnehmer disqualifiziert wurde, weil er ein anderes Pferd – das ist eine Gazelle, fragen Sie nicht – in die Kehle gebissen hat. Und das ist tatsächlich ihr Ross, was bedeutet, dass der Schuldige hinter solch brutalen Aktionen tatsächlich ein paar Menschen in Tierkostümen waren … und dass es mehrere Gründe gab, sie von einem Pferderennen auszuschließen. Eine herrlich arawieske Ergänzung, die die ständige Verbindung zwischen den Ereignissen fördert und auch eine gute Ausrede ist, den Schnitten nebenbei rhythmischere, amüsantere Dynamik zu verleihen.
Im Gegensatz zu den Aspekten des Ausgangsmaterials, die im Finale erweitert wurden, gibt es andere, die aus einem einfachen Grund vernachlässigt wurden: Kohärenz. Keine der Entscheidungen, die die Adaption auf einer konkreten Ebene des Geschichtenerzählens getroffen hat, hat die erzählten Ereignisse wirklich verändert; Etwas später auf die Geschichte einzugehen änderte nichts an Nagumos Arbeitsort, der in den ersten Kapiteln festgelegt wurde, genauso wie die Zusammenfassung von Rikos Schlafwandel dies nicht verhindern konnte. Wir haben vielleicht nicht ein ganzes Kapitel darüber gesehen, wie die Oma ein paar Bürger verprügelt, aber in den Nebenszenen von Episoden wie „Das Herrenhaus“ und „Das Rennen“ haben wir weiterhin Fehden zwischen ihnen gesehen. Bei all den kleinen Änderungen an den Schwerpunkten haben sie dafür gesorgt, dass sie jedes spätere darauf aufbauende Element angepasst haben – ein offensichtlicher Grund, warum Arawi neben Ishidate für den Prozess verantwortlich war.
Das Gleiche gilt für den Höhepunkt der Serie. In Folge Nr. 12 konnte man bereits Plakate erkennen, die sich auf die Wahl beziehen, die ursprünglich den CITY-Veranstaltungen ein Ende setzte. Auch im Finale wird kurz darauf hingewiesen, daher kann man davon ausgehen, dass es auch in der Kontinuität des Animes passiert ist. Wie bei früheren Großveranstaltungen dient dieser Mini-Bogen lediglich als Vorwand, um Unmengen von Bürgern in einem vernetzten Abenteuer zusammenzubringen. und da es das letzte ist, können sie mehrere Nebengeschichten abschließen. Angesichts der Abhängigkeit von Beziehungen zwischen Charakteren, die am Rande des Animes geblieben sind, hätte eine einfache Adaption jedoch kein großes Gewicht. Und so kehren wir 15 Minuten vor dem Ende des Finales zu einem Wunsch zurück: Arawi und Ishidates gemeinsame Meinung, dass der Anime die Dinge noch weiter eskalieren lassen und dabei die Tatsache ausnutzen sollte, dass es sich nun um ein Animationswerk handelt. Ausnahmsweise und obwohl der Autor immer noch so involviert wie eh und je ist, bedeutet dies, dass CITY: The Animation sich dafür entscheidet, mit einer völlig originellen Note zu enden.
Holen Sie sich das, Achtung, denn sie haben sich ein Musical ausgedacht.
So ungeheuerlich die Idee auch ist, ich empfand meine Reaktion darauf, dass CITY mit einer langen musikalischen Darbietung endete, „selbstverständlich [Schimpfwort]!“. Der schnelle Wechsel von der großen Überraschung zur amüsierten Konformität liegt nicht daran, dass in der vorherigen Folge die Musikalität der Darbietung betont wurde, als ob das Publikum darauf vorbereitet werden sollte. Das liegt nicht einmal daran, dass der lustigste Gag der ersten Folge einen Song aus einem bestimmten Broadway-Werk hinzugefügt hatte, worauf Ishidate trotz der Angst der Produzenten hartnäckig bestand den Lizenzierungsprozess. Der Grund ist einfacher: Das Ende mit einem riesigen, extravaganten Musical, in dem jeder seltsame Bürger etwas vorhat und mit anderen zusammenstößt, ist einfach das STÄDTISCHSTE, was man sich vorstellen kann.
Und stellen Sie sich vor, dass sie es tun – fast so, als hätten die Hauptschöpfer viel in diesen Aspekt der Serie investiert! Die Prämisse, dass das Makabe-Restaurant einen Michelin-Stern erhält (oder doch?), löst bei unzähligen Bürgern kollektive Aufregung aus, die alle ihre eigene Melodie und ihren eigenen visuellen Stil auf die Leinwand bringen. Die Darsteller ziehen durch die Straßen, neu gestaltet, um unzählige Anspielungen auf den Gegenstand ihrer Feier zu enthalten, während sie eine Mischung aus Outfits tragen, die man vielleicht in einem Theaterstück sieht. Dieselbe Freudensequenz gipfelt in einem ukiyo-e-ähnlichen Bildschirm, der uns mit einem Schlag in eine völlig andere Ära versetzt; und es plötzlich mit modernen Texturen zu schmücken, mit Schichten über Schichten visueller Ideen. Mit genauso viel Schnelligkeit kann all das zugunsten der farbenfrohsten Insel mit Herzschmerz oder der Mischung aus einer Detektivgeschichte und einem Pixel aus dem Fenster verschwinden Kunst RPG.
Das Ergebnis ist immer erkennbar CITY-artig, aber jetzt, da wir uns so kurz vor dem Ende befinden, ist es sogar erlaubt, die Regeln der Produktion zu brechen. Sie erinnern sich vielleicht, dass Ishidate die Verwendung von Standardhervorhebungen auf der Charaktergrafik verboten hat; eine radikale Abkehr von seinem vorherigen WerkViolet Evergarden, das tatsächlich mehr Töne zu den üblichen drei Zuständen von Animes hinzufügte (Schattierung/Normal/Hervorhebung). Was aber, wenn wir einen verrückten Trottel haben, der über sein eigenes Märchen phantasiert? Das regt zu einer kompletten Überarbeitung der künstlerischen Ausrichtung an, indem der Hintergrund dem ähnelt, was wir vielleicht in einem solchen Buch finden und die Idealisierung verwendet wird seines geliebten Menschen als Vorwand, die ursprüngliche Regel zu brechen. Auch hier ist es erwähnenswert, dass all diese lustigen Dreh-und Angelpunkte es nie schaffen, die Arawi-Identität loszuwerden – sehen Sie sich nur die niedlichen, unverständlichen Tiere an, die die Prinzessin umgeben. Das Ausmaß, in dem es ihnen gelang, seine Sensibilitäten zu treffen, während sie so viele Ideen ausprobierten, ist ehrlich gesagt erstaunlich. Kaum zu glauben, dass die fast Moebius-artige Welt, in die sie kurzzeitig versetzt werden, nicht aus seinem ursprünglichen Manga stammt, wenn man bedenkt, wie Arawi-artig sich der Niikura-Roboter und die Mechanismen anfühlen.
Als ob die stilistischen Änderungen für jede Musiknummer nicht genug wären, dürfen die Charaktere, die von Natur aus mehr von der Realität abgekoppelt sind, wie Wako, sogar für Einzelperson Schnitte. Eine Episode wie diese erfordert eine absurde Menge an Designarbeit und auch an Aufnahmen selbst. Sie haben vielleicht gehört, dass KyoAni-Werke tendenziell mehr Schnitte als üblich aufweisen – eine natürliche Folge der Besessenheit von Kleinigkeiten im Leben der Menschen –, aber selbst ihre Standards verblassen im Vergleich zum Wahnsinn während des musikalischen Teils, der allein dazu führt, dass dieses Finale doppelt so viele Schnitte hat wie eine reguläre, dichte Episode. Eine Wahl, die die Arbeitsbelastung enorm erhöht, ihnen aber auch zusätzlichen Spielraum verschafft, um während dieser originellen Feier Anspielungen auf den Manga zu machen. Shia, eine der Figuren, die in der Adaption nicht häufig vorkommt und bei der Wahl eine Rolle gespielt hätte, bekommt bei all dem Gesang ihre Chance. Und wie bereits erwähnt, sogar die Wahl selbst taucht in dem Abenteuer, das sie ersetzte, in den Vordergrund.
Es versteht sich von selbst, dass es für CITY nie eine Option war, die Standards der Animation zu senken, um die höhere Anzahl an Schnitten auszugleichen. Viele Sequenzen, sei es die Kamera, die sich mit vielen Charakteren kreuzt, oder das endlose Tanzen, sind für sich genommen hervorragend, geschweige denn als Teil dieses größeren Ganzen. Konzeptionell glänzen viele Sequenzen durch ihre Fähigkeit, die Charaktere immer wieder miteinander zu verbinden – sei es durch Trägheit oder sogar erzählerisch, wobei der musikalische Akt immer wieder betont, dass Ecchan durchaus noch ein aktiver Teil der Bande ist. Und dieses Maß an Liebe zum Detail spiegelt sich auch in der technischen Umsetzung jedes Schnitts wider, wobei immer noch der Sinn für Arawi-Humor darin verankert ist. Es ist eine Episode, die Sie dringend dazu ermutigt, sie sich noch einmal anzusehen, damit Sie so viele kleine Juwelen wie möglich fangen können.
Nagumos Ausdruck der Frustration ist nicht gerade subtil, aber selbst in diesen explosiven Momenten verbergen sich Details. Sie müssen besonders aufmerksam sein, um die verschwommenen Formen zweier Tiere zu bemerken, die innerhalb der Effekte kurz aufblitzen. sehr Arawi-ähnliche Formen eines Pferdes und eines Hirsches, entsprechend dem Kanji von 馬鹿, wenn sie das Wort laut ausspricht.
So wie ein paar Vorgesetzte und Direktoren, die ihre Aufgaben erledigt hatten, zur Hilfe kamen, taten auch zwei weitere wichtige Animatoren ihre Hilfe – sodass sich die Gesamtzahl dieser Animatoren für dieses große Finale auf 7 (+1) erhöhte. Die vielversprechende Ayumu Yoshida, die zur vierten Genga-Einheit von CITY gehört, die die nächste Episode betreut hätte, wenn es sie gegeben hätte, wurde ausgewählt, um ihren bekannteren Kollegen vorzuziehen. Aber der große Name ist zweifellos Tatsuya Sato, Leiter sowohl der Osaka-Abteilung des Studios als auch der fünften Einheit dieser Produktion. Als wir erklärten, wie die völlig absurde Episode Nr. 05 überhaupt möglich war, stellten wir fest, dass Sato die Erlaubnis erhalten hatte, sich länger als bei jedem vorherigen Job darauf zu konzentrieren, was ihm erlaubte, etwa die Hälfte einer der dichtesten Anime-Episoden aller Zeiten zu zeichnen.
Danach sollte seine Einheit in der zehnten Episode wieder auftauchen. Obwohl Sato neben dem Rest des Teams auftrat, deutete seine relativ schüchterne Rolle – „nur“ ein paar Minuten stach durch seine flotten Animationen hervor – auf einen weiteren besonderen Auftritt hin. Das war in der Tat beim Finale der Fall, das ihn offenbar speziell im gesamten Musiksegment eingesetzt hat. Obwohl die Arbeitsbelastung nicht auf dem gleichen Niveau wie in der fünften Folge liegt, ist sein Timing in verschiedenen Teilen der verschiedenen Aufführungen nervöser. Auf jeden Fall einer der größten Faktoren für die Freude, die diese Episode ausstrahlt.
Kurz vor dem Ende kommt für uns das Stichwort, uns an eines der ersten Dinge zu erinnern, die wir vor fast drei Monaten über den Regisseur von CITY geschrieben haben. Das galt damals, und das gilt auch heute noch: Ishidate animiert gern selbst Dinge. Er wird stürmisch davon reden, dass die Regie (besonders, wenn er ein ganzes Projekt leitet) einem nicht die Zeit gibt, ganze Schnitte persönlich zu zeichnen, und dann in aller Stille damit fortfährt, komplexe Sequenzen für sich selbst beiseite zu legen. CITY: Die Animation beginnt praktisch mit einem erstaunlichen Schnitt, der aus seiner Hand zu kommen scheint. Und nun, als Apotheose dieses plötzlichen Musicals, das alles abschließt, ist der Protagonist wieder seine Feder. Bekannte Flatterbewegungen und die Vorliebe für die Verwendung kurzer Linien, die Verwendung winziger Trümmerstücke zur Erhöhung der visuellen Dichte und das Timing selbst schreien nach Ishidates Namen. So wie er dafür gesorgt hat, diese Show thematisch abzurunden, hat er das Gleiche auch stilistisch getan, mit seiner eigenen umwerfenden Animation.
Und jetzt, wo es vorbei ist, was sind die letzten Erkenntnisse aus CITY? Selbst wenn Sie sich weigern, sich auf irgendeiner Ebene außer der Oberfläche damit auseinanderzusetzen, bleibt Ihnen immer noch ein bezaubernder, supersüßer, skurriler Zeichentrickfilm von der Art, wie Sie ihn in kommerziellen Animationen selten finden werden. In Nichijou gibt es zwar einen scheinbar offensichtlichen Vorgänger, aber jeder Vergleich zwischen den beiden unterstreicht ihren Kontrast. Man lässt sich trotz der transformativen Interpretation der Geschichte in der Adaption gerne als lose zusammenhängende, nicht folgerichtige Häppchen explosiver, surrealer Animation konsumieren. Während die Darbietung genauso beeindruckend ist, entscheidet sich der andere für eine viel entspanntere Wahrnehmung der albernen Atmosphäre und der entstehenden Dynamik innerhalb der vernetzten Umgebung. Man wird oft feststellen, dass CITY genauso viel mit Leuten wie Yokohama Kaidashi Kikou zu tun hat wie mit Nichijou, da es sich bei der Serie weniger darum handelt, ständiges Lachen hervorzurufen – wenn überhaupt, eine Idee, von der abgeraten wurde – als vielmehr darum, die Fantasie anzuregen, durch die Straßen zu schlendern.
Innerhalb der Show und in Interviews hat sich der kreative Kern gegen die Idee gewehrt, dass es in der Komödie notwendigerweise um Telegrafie geht Gags, die sich erst dann lohnen, wenn die Pointe kommt. Dies erinnert an die wiederkehrenden Gespräche über Comedy und Horror als zwei benachbarte Genres; Eine nachweisbare Idee, die von brillanten Regisseuren wie Jordan Peele ausgenutzt wurde, und doch ist ein Gedanke, den viele hegen, wenn sie auf amüsante Momente in Horrorwerken hinweisen, entweder zufällig oder völlig gescheitert. CITY besetzt eine andere Region im Land der Komödie, aber Ishidate glaubt dennoch an die Weite dieses Territoriums. Wie wir bereits besprochen haben, waren es stattdessen Filmemacher wie Charlie Chaplin, die er als beispielhaft für Arawis Anziehungskraft bezeichnete. Das heißt, Komiker, die Ihre Fantasie mit ihren Streichen anregen, anstatt Sie mit einem lärmenden Gelächter aus der Fassung zu bringen. Diese Vision fand beim Autor Anklang und führte zu einer äußerst engen Zusammenarbeit zwischen ihm und dem Studio, über die wir auch ausführlich berichtet haben. Das Ergebnis lässt sich in gewisser Weise durch Arawis einfachen Wunsch zusammenfassen: „Ich möchte, dass sich die Zuschauer fragen, was zum Teufel die Macher überhaupt gemacht haben.“
Ein großer Teil des dafür erforderlichen Überraschungsfaktors liegt in der Präsentation. Die visuelle Sprache von CITY und die verrückte Logik dahinter sind überschwänglich, aber auch so angenehm für das Auge, in einer Zeit, in der jeder andere Titel bestrebt ist, seinen hohen Produktionswert durch intensive digitale Effekte unter Beweis zu stellen. Obwohl dies effektiv umgesetzt werden kann, handelt es sich um einen Ansatz, der so weit verbreitet ist (und oft grob angewendet wird), dass er die Luft aus dem Raum gesaugt hat. Und hier kommt STADT, ein höchst willkommener Hauch frischer Luft. Jede Komponente ist organisch in ein nahtloses Ganzes eingefügt, das die Vorschriften der Cel-Animation verwischt, die seit Ewigkeiten alle kommerziellen Arbeiten beherrschten; Es gibt keine unterschiedlichen Charakter-und Hintergrundebenen, es gibt eine einzige Stadt. Um genau zu sein, es gibt eine Stadt, in der es so viele unglaublich komplizierte Animationen gibt, dass jedes Fernsehprojekt vor Scham erröten könnte.
Eine der interessantesten Fragen, die Ishidate in einer Social-Media-Kampagne beantwortete, war, welcher Episodenregisseur ihn in einem Projekt am meisten überrascht hatte Sowohl junge als auch erfahrene Mitarbeiter haben ihr Bestes gegeben. Sein erster Instinkt war, Arawi selbst noch einmal zu loben, da er an so vielen ikonischen Entscheidungen beteiligt war (wie dem Herrenhaus-Diorama!), dass er genauso gut Regisseur hätte sein können. Unter KyoAnis Mitgliedern lobte er jedoch auch den jungen Regisseur, von dem wir am meisten begeistert waren: seinen Schüler Ryo Miyagi. Die Storyboard-Fähigkeiten, die er in Momenten wie dem Ende von Episode #04 und dem damit verbundenen Höhepunkt des Rennens zeigte, sind wirklich etwas Besonderes.
Vielleicht aufgrund dieser grundlegenden stilistischen Einfachheit ist die schiere Größe von CITY als Animationsprojekt schwer zu durchschauen. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. Ein Name, der aus der Vergangenheit stammt, als bei diesem Prozess tatsächlich Kameras verwendet wurden. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Sie zeichnen viele Zeichenflächen, die nach Genehmigung durch den Serienregisseur als Referenz für die Hintergründe der gesamten Serie dienen. Die Koordination innerhalb der Kunstabteilung ist ein Muss – Bühnenbild-und Farbdesigner müssen zusammenarbeiten, um eine kohärente Welt zu schaffen. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Sie zeichnen viele Zeichenflächen, die nach Genehmigung durch den Serienregisseur als Referenz für die Hintergründe der gesamten Serie dienen. Die Koordination innerhalb der Kunstabteilung ist ein Muss – Bühnenbild-und Farbdesigner müssen zusammenarbeiten, um eine kohärente Welt zu schaffen. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. Sie zeichnen viele Zeichenflächen, die nach Genehmigung durch den Serienregisseur als Referenz für die Hintergründe der gesamten Serie dienen. Die Koordination innerhalb der Kunstabteilung ist ein Muss – Bühnenbild-und Farbdesigner müssen zusammenarbeiten, um eine kohärente Welt zu schaffen. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
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