Olá amigos, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Recentemente recebi um pedido para escrever algum tipo de “artigo sobre sakuga”, ou seja, um artigo relevante de alguma forma para os exemplares cortes individuais de animação que nós, fiéis do anime, chamamos de “sakuga”. Isso tem sido uma fonte de alguma consternação para mim, já que geralmente não me considero particularmente estudado ou bem informado quando se trata do ofício específico da animação abstrata. Sei o suficiente para descrever por que um corte parece evocativo ou impactante para mim, mas minhas especialidades são, antes de tudo, relacionadas à escrita, seguida pela técnica cinematográfica, seguida pela animação.
No entanto, cheguei a um ponto crítico. compreensão incerta com o fato de que se as pessoas querem que eu escreva algo, elas geralmente serão receptivas a algo escrito na minha voz, da minha própria perspectiva. E certamente posso falar sobre como a animação me fez sentir, como considero as diversas tendências da animação moderna e quais cortes de animação foram mais importantes para mim. Na verdade, eu diria que definitivamente há espaço para mais adulação em relação a muitos estilos de facetas de animação brilhantes, mas subestimadas, especialmente dadas as tendências gerais do fandom de anime.
Quando a maioria dos fãs pensa em “sakuga”, eles provavelmente são estar pensando em cortes de ação – aquelas sequências ferozes de Jujutsu Kaisen ou One Punch Man ou mesmo Neon Genesis Evangelion, retratando figuras titânicas em conflitos violentos e desesperados. A ação é muitas vezes enquadrada como o vetor padrão para a excelência animada, devido tanto ao fascínio inerentemente orientado para a ação do meio, quanto ao simples fato de que a ação é um drama criado através do movimento, sendo, portanto, um veículo perfeito para contar histórias em um meio cujo os fundamentos são definidos pelo movimento sem palavras. Os fãs se orientam em relação aos seus personagens favoritos através dos métodos desses personagens de expressar força sobre o mundo, e a alegria de ver a graça e o poder de um personagem favorito expressos através de belos desenhos é realmente uma emoção maravilhosa.
Mas nós tenho muitas pessoas conhecedoras do fandom elogiando os cortes de ação dos principais animadores – caramba, até meu próprio artigo sobre Akihiro A animação de Ota foi amplamente centrada em sua abordagem às cenas de ação. Como tal, hoje gostaria de ampliar um pouco essa perspectiva e explorar como a animação pode ser excepcionalmente eficaz na articulação de outros tipos de drama emocional. A precisão e variabilidade simultâneas da forma da animação, sua capacidade de capturar detalhes precisos de nuances visuais e vincular esses detalhes a alterações exageradas e melodramáticas no design dos personagens, significa que ela é excepcionalmente eficaz na representação de uma ampla gama de experiências, expressando tanto os detalhes minuciosos e memoráveis e experiência pessoal e sentida de praticamente qualquer momento que você possa imaginar. Vamos comemorar apenas alguns desses momentos hoje.
One Piece: Luffy’s Despair (Ryo Onishi)
Em uma franquia que foi recentemente definida por extraordinários feitos de animação de ação, meu corte favorito continua sendo a representação de Ryo Onishi do desespero de Luffy ao perder sua tripulação. O conceito-chave transmitido aqui é “força e paixão sem saída”, e Onishi captura isso perfeitamente, estabelecendo-se como um antagonista que Luffy não pode esperar derrotar. Mudanças erráticas na energia são capturadas através de movimentos mínimos, como se Luffy estivesse equilibrado entre acelerar e cair em desespero-um contraste incorporado no momento em que ele tenta correr contra o chão antes de tropeçar e cair, apenas para então testar se seu crânio pode quebrar a terra.
Tudo isso se alinha para transmitir o horror para o qual os vários episódios anteriores de One Piece apontavam: a queda em seu estômago quando você percebe que todos os seus esforços não foram suficientes, que este é o fim da linha, e que nenhuma manobra ou negociação desesperada pode devolver o que foi tirado de você. A falta de sombreamento do personagem e o fundo plano apenas amplificam o efeito, apresentando Luffy como um recipiente puro, tão infantil e fraco como sempre foi. Quando considero uma perda impensável, em toda a sua feiúra e negação autodestrutiva, penso na bela articulação de Onishi do corpo outrora imponente e agora frágil de Luffy socando inutilmente a terra.
Som! Euphonium: Kumiko Starstruck (Kunihiro Hane)
Uma escolha óbvia, eu sei, mas difícil de superar quando se trata de demonstrações de uma experiência emocional e sentida puramente através da animação. É fácil dizer que alguém está totalmente deslumbrado com a presença de outra pessoa, ou retratar sua expressão após ficar tão deslumbrado, mas é muito mais difícil articular de fato a experiência daquele momento, incorporar em suas imagens a sensação de que o personagem emoções estão provocando dentro deles. E Kumiko, de repente, percebendo que está totalmente extasiada por sua colega de banda Reina é um exemplo extraordinário.
É certo que este não se resume à animação em abstrato. A incomparável equipe de pós-processamento da Kyoto Animation faz um trabalho notável ao fazer com que este momento pareça um anjo se revelando de repente, empregando as luzes da rua e os carros que passam para franjar o cabelo de Reina com um halo de luz, criar um fundo brilhante de bokeh e simular flashes de câmera. como se ela fosse uma modelo de passarela através do espaçamento conveniente dos carros que passam. Mas nada disso funcionaria se não fosse pela atenção cuidadosa de Kunihiro Hane em como a queda da franja de um personagem pode emoldurar ou disfarçar seu rosto, ou a transição graciosa de emoções do sorriso desanimado e acomodado de Reina, para seu contato visual orgulhoso, quase desafiador, e depois inclina a cabeça alegremente, como se Reina estivesse convidando Kumiko para contar algum segredo divertido. Uma fusão perfeita de animação e efeitos posteriores de iluminação, onde cada modificação dos desenhos originais tem como objetivo amplificar e celebrar seu poder subjacente.
Rainbow Fireflies: The Weight of Time (Shinji Hashimoto)
Em um filme que geralmente está repleto de belos feitos de animação rica em personagens, a representação de Shinji Hashimoto de uma conversa entre um menino e um velho à beira da destruição de sua aldeia é absolutamente minha. favorito. Nas suas trocas, o peso que a idade nos impõe é expresso fisicamente, claramente nos movimentos pesados e pronunciados do ancião da aldeia e na confiança que beira o fatalismo com que ele olha para a escuridão.
Em nos movimentos hesitantes e na forma instável do menino, uma estética de inocência torna-se igualmente tangível. Seu queixo está retraído, olhos arregalados e medrosos, postura defensiva – todos os pontos levam a ele mesmo, transmitindo sem palavras seu medo do escuro, sua admiração pelo desconhecido. E o bloqueio é igualmente proposital – o rapaz está sempre a olhar para cima e para fora, captando apenas o contorno do rosto do seu companheiro, a força nobre mas recuada do seu maxilar rígido e nariz orgulhoso. A forma do menino é fluida, sua camisa esvoaçante, seus olhos reconhecendo, mas não entendendo completamente, a tristeza por trás das palavras de seu parceiro. Nesta sequência, idade e inocência se comunicam com perfeita clareza visual, capturadas em linhas fluidas, mas perfeitamente escolhidas.
Março chega como um leão: a frustração de Rei (Yuya Kamagai)
Tendo derrotado um oponente absorto na autopiedade por sua sorte medíocre no shogi, nosso protagonista Rei finalmente entra em erupção, correndo para um parque vazio para poder gritar suas frustrações no vazio. Se você quer ter sucesso, por que não praticar mais? Como Rei é o culpado pela sua infelicidade, quando shogi é a única coisa no mundo em que ele é bom? Por que ele deveria se sentir mal por vencer, por que é vergonhoso se preocupar tanto com este jogo que ambos adoramos?
Os movimentos de Rei são curtos, abrasivos, mas apaixonados – mesmo quando ele libera toda a sua frustração e ressentimento. , ele ainda aperta o corpo com força, como se houvesse um carvão queimando na boca do estômago, como se mesmo em sua raiva ele ainda estivesse garantindo que não ocupasse muito espaço. Close-ups de dentes e suor contrastam com o cenário idílico do crepúsculo, um contraste que envergonha Rei por sua paixão, desafiando-o visualmente a ler a sala. Mudanças erráticas na composição, comuns nas produções do Studio SHAFT, estão aqui ligadas aos picos emocionais de Rei, uma sequência contínua de adições “e outra coisa” acompanhadas pela mudança no quadro. Envolto em luz solar pós-produção e nuvens de hálito gelado, as explosões de Rei o retratam como uma criatura marinha se contorcendo para romper a superfície, a luz solar formando um eco cruel das persistentes imagens de afogamento de March. Uma fusão perfeita de animação e intenção dramática, amplificada ainda mais pelo eletrizante design de som da sequência.
O conto da princesa Kaguya: a princesa foge (Shinji Hashimoto)
Outra escolha óbvia , mas quem pode negar a emoção apaixonada incorporada nas pinceladas selvagens deste voo? Tendo ficado totalmente desiludida com a vida dentro do palácio, e aprendendo que ela é essencialmente apenas uma prisioneira para ser usada como moeda de troca política, a raiva, a solidão e a fome desesperada de Kaguya por um lar transbordam, fazendo-a fugir do castelo e seguir em frente. , sua forma solta dançando sob o pálido luar.
Há tanto para amar nesta sequência, tanta complexidade em cada curva frenética. A atuação do personagem na primeira realização de Kaguya é surpreendente; você pode ver nas mudanças pronunciadas de seu queixo e boca como ela luta para engolir, ver a transição do choque para a primeira tristeza e depois para a raiva enquanto ela pesa a verdade do que está ouvindo contra as esperanças que guardou por tanto tempo. Então tudo se desfaz e seu rosto se perde para nós; correndo para fora do castelo, ela aparece como um pássaro frenético, lançando casacos semelhantes a penas sobre ela, sua forma se distorcendo em uma onda de cortes desesperados de tinta. Sua corrida pelas árvores é uma maravilha de perspectiva em abstração, demonstrando como o próprio movimento pode transmitir continuidade e peso da forma, mesmo com traços tão minimalistas. Paixão, determinação, uma raiva animalesca e um desespero profundamente humano – nesta sequência, Hashimoto captura a saudade de um lar perdido que permeia toda a carreira de Takahata.
Sua Mentira em Abril: Mudança de Perspectiva (Takashi Kojima)
O solo de Takashi Kojima animou todo o episódio, tornando seus picos ainda mais impressionantes, e sua inteligente economia de fluidez não apenas uma força, mas uma necessidade. A animação é uma arte de subtração – dar vida a imagens estáticas exige muito trabalho e, portanto, é essencial encontrar um equilíbrio entre fluidez e economia. Nesta sequência, um capricho repentino convida a um daqueles momentos típicos da adolescência, momentos em que você pode sentir visceralmente o mundo brilhando ao seu redor, e tudo se torna hiperreal por um breve e glorioso instante.
Essa sensação é transmitida através de uma mistura de técnicas cuidadosas e econômicas. Close-ups parciais ecoam nossa compreensão fragmentada de uma mudança repentina ao nosso redor, enquanto a mente de Kosei luta para acompanhar as ações dessa quase estranha Kaori. O foco intenso amplifica ainda mais essa sensação de tentar aprimorar o que está acontecendo após o fato, ao mesmo tempo que evoca uma estética de filme caseiro que aumenta a sensação de uma cena presa na memória. E então aqueles desenhos de personagens soltos e sem sombra, fazendo a transição da grandeza do salto de Kaori para uma humanidade de exagero suave e identificável, aproveitando nossa tendência natural de nos vermos em formas simplificadas. Através desta transição de “fotos glamorosas” cuidadosas e fortemente produzidas para uma atuação divertida e superdeformada de personagens, o argumento de Kaori torna-se visualmente inegável: todos nós podemos nos transformar, todos podemos reservar um momento para abraçar os prazeres incidentais da vida. Basta um ato de fé.
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