Nas últimas semanas, eu estava avançando em Sailor Moon, que há muito considero uma das lacunas mais flagrantes em minha educação em anime. A série coloca Usagi Tsukino e seus colegas do ensino médio, guardiões-marinheiros, contra uma grande variedade de inimigos, enquanto eles tropeçam em sua adolescência enquanto lutam contra feras sobrenaturais aparentemente diariamente. Embora a maioria dos episódios siga um padrão bastante semelhante, a série permanece consistentemente emocionante e tem sido uma jornada geralmente gratificante – embora não, devo admitir, exatamente pelas razões que eu esperava.
O enredo abrangente de Sailor é, ao longo de seus duzentos episódios e cinco temporadas, raramente particularmente interessante. Os vilões exigem fontes de energia arbitrárias para cumprir ambições mal escritas, eles enviam lacaios para proteger essas fontes de energia, os marinheiros guardiões os combatem. Eventualmente, eles ainda assim recuperam energia suficiente para implementar seus planos, momento em que os marinheiros guardiões acreditam mais em si mesmos e novamente alcançam a vitória. Em vez de nos concentrarmos totalmente nas relações cotidianas dos personagens, os desafios de final de temporada de nossos heróis estão ligados a lendas de civilizações antigas ou futuras que não possuem nenhuma conexão substantiva com nossos protagonistas reais. É tudo bastante arbitrário, um andaime fino que raramente se congela em um impacto emocional genuíno.
O que tenho gostado, o suficiente para que minha indiferença à narrativa central do programa não chegue perto para um quebra-negócio, é toda a gloriosa perfumaria que cerca essa narrativa – os deliciosos prazeres incidentais dos muitos, muitos episódios originais de anime da série, ou o que alguns podem descrever rudemente como “preenchimento”. Sailor Moon é um tesouro de prazeres à beira da estrada: a dinâmica encantadora entre os protagonistas, a incrível expressividade dos protagonistas fornecidos pelos animadores, suas aventuras episódicas bobas, seu mundo realizado com amor. Até mesmo grande parte do material mais emocionalmente ressonante está contido no que tradicionalmente podemos descrever como “preenchimento”, desde a ambiguidade comovente do primeiro amor de Naru até a encantadora infiltração social dos alienígenas da segunda temporada, Ail e An.
Isso não deve ser surpresa se você tiver alguma familiaridade com a equipe principal do anime. Junichi Sato lidera a equipe como diretor da série original, que lideraria produções notáveis como Ojamajo Doremi e Princesa Tutu. Kunihiko Ikuhara passa de episódio a diretor principal ao longo da produção, emprestando o mesmo talento para humor e drama que mais tarde exibiria em Revolutionary Girl Utena (na verdade, o material dramático mais forte de Sailor Moon parece muito com um treino para aquele show). Takuya Igarashi, Yoji Enokido… a lista continua, uma lista com muitos dos maiores animadores, escritores e diretores da história do meio.
Além de seus próprios talentos e do modelo robusto do mangá original , o que esses artistas encontraram em Sailor Moon foi um trampolim natural para suas próprias ideias, desinibidos pelos limites do material de origem. Não apenas com a oportunidade, mas com a necessidade real de contribuir com suas próprias ideias (dada a divergência pré-planejada entre mangá e anime), eles foram capazes de embelezar personagens e esculpir arcos inteiros, encontrando nuances e pungência nos vastos espaços abertos deixados pela obra de Naoko Takeuchi. mangá original. Dado o espaço para cultivar seus próprios talentos e redefinir Sailor Moon, esse incrível conjunto de talentos foi capaz não apenas de recriar ou venerar, mas de reinterpretar e melhorar o material de origem.
Isso, na minha opinião, é o melhor resultado para praticamente qualquer adaptação. Não quero simplesmente ver um trabalho que apreciei noutro meio servilmente recriado em movimento – quero ver o que uma equipa adaptativa específica pode trazer para esse trabalho, como podem alterá-lo e torná-lo seu, se o resultado final é visto como uma melhoria, uma decepção ou simplesmente uma interpretação alternativa. Quero ver esses adaptadores gritarem com suas próprias vozes e demonstrarem quais novas ideias eles, e somente eles, podem trazer para a mesa.
Isso me coloca um pouco em desacordo com uma grande parte dos públicos adaptativos. Os fãs tendem a exigir mais daquilo que já conheciam, por razões perfeitamente compreensíveis. Eles investem na adaptação porque estão apegados ao original e querem que mais pessoas apreciem aquilo que amam. Os fãs muitas vezes veem as adaptações como oferecendo uma espécie de “legitimidade”, uma validação do seu apego anterior e, portanto, a divergência do material de origem não satisfaz necessariamente o seu desejo de serem confirmados pelos seus sentimentos originais. É uma ansiedade profunda no fandom, provavelmente ligada à tendência fundamental e imprudente dos fãs de vincular suas próprias identidades às obras que amam-afinal, quem quer sofrer com um relato impreciso de sua própria vida e paixões?
Bem, eu encorajo mais coragem entre os fãs, a coragem de aceitar que as adaptações podem ser diferentes das obras que amamos, uma coragem que permite que artistas adaptativos sejam corajosos e audaciosos por sua vez. O amor pelo material original nunca pode ser “estragado” por uma adaptação criativa; esse original sempre existe e sempre pode ser retornado. Os fãs devem ser corajosos o suficiente para aceitar que a próxima coisa que os poderá deslumbrar poderá ser uma surpresa total, e que devem confiar em grandes artistas para lhes trazerem surpresas tão deslumbrantes, mesmo no contexto de uma obra que já conhecem bem. Devemos estar dispostos a permitir que os criadores assumam riscos ousados com trabalhos adaptativos e, assim, enriquecer-nos a todos com as novas formas que encontraram para os fazer brilhar.
A tudo isto, alguns podem dizer “bem, então, por que esses adaptadores não escrevem suas próprias histórias?” Francamente, gostaria que fosse assim tão simples. A verdade é que a adaptação é uma das melhores formas de criar obras novas e excepcionais na esfera light novel-mangá-anime. Originais genuínos de anime são um risco financeiro que poucas empresas estão dispostas a correr atualmente, e tanto os editores de mangá quanto de light novels são frequentemente tão avessos ao risco quanto os executivos mais conservadores de Hollywood. Tendem a encorajar a adesão aos tropos e modelos narrativos que tiveram sucesso anteriormente – e para além desta orientação activa, a natureza fundamental da publicação em série cria um ciclo de feedback avesso ao risco entre o artista e o público. Com o risco de cancelamento perpetuamente pairando sobre sua cabeça, os artistas são incentivados a não ter fé em seu público, a não gastar tempo construindo coisas lentamente, sem indicação imediata de recompensa dramática, a não abraçar o tipo de digressões livres e guiadas pelos personagens que realmente fazem clássicos. como One Piece ou Dragon Ball são tão divertidos.
Muitos artistas de mangá e light novels também são colocados sob os holofotes ridiculamente no início de suas carreiras, essencialmente saltando de obras de fãs para títulos emblemáticos com milhares ou milhões de fãs. Isso muitas vezes não significa apenas que suas habilidades não estão totalmente aprimoradas, mas também significa que eles terão menos confiança como criadores e menos controle sobre seu trabalho, cedendo ainda mais a tomada de decisões aos editores que buscam tendências. Em contraste, diretores, escritores e animadores de anime são todos contratados especificamente por causa de sua experiência, das habilidades específicas que aprimoraram e da confiança que são conhecidos por trazer para qualquer produção. Há muito mais dinâmica de poder igualitária e frutífera em um ambiente tão criativo, mais confiança e experiência.
Nesta atmosfera colaborativa e testada em batalha, quando uma nova propriedade é abençoada com uma capacidade adaptativa aberta mandato, a verdadeira magia pode acontecer. É assim que você acaba com animes tão distintos e icônicos como Sailor Moon, ou Aku no Hana, ou Bakemonogatari. Mesmo uma história como o frequentemente difamado Boruto é muito superior como anime, precisamente da mesma forma que Sailor Moon – o enredo principal repetitivo e bastante mecânico fica em segundo plano, e a grande variedade de personagens originalmente desperdiçados começa a brilhar, trazida para vida por escritores experientes e diretores distintos. Perseguir um conjunto de tendências de sucesso resultará apenas em um drama previsível e insípido – para superar tais tendências no material original, um amplo mandato de adoção é essencial.
E como sempre, se você quiser simplesmente reviver a obra original, você pode simplesmente lê-la uma segunda vez. É um desperdício terrível amarrar artistas experientes e criativos a exercícios inúteis de fotocópia como Sailor Moon Crystal, ou vincular um talento de design de personagens tão profundo como Yoshihiko Umakoshi (basta olhar para os personagens amigáveis de animação de Ojamajo Doremi!) à replicação exata de Desenhos de mangá de My Hero AcadeKaren. Amar verdadeiramente a arte é celebrar a variedade e a diversidade dos artistas, é sempre buscar o novo e o desconhecido, para que isso possa enriquecê-lo de maneiras que você nunca imaginou. Deixe suas adaptações serem soltas e seu material original de anime seja abundante. E assista a maldita Sailor Moon.
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