As produções de anime para TV são muitas vezes severamente limitadas, então como você supera isso para fazer algo não apenas bom, mas genuinamente extraordinário? Gimai Seikatsu e o diretor novato Souta Ueno encontraram sua resposta: abstração, narrativa eclética e influências de vanguarda para distorcer os tropos de gênero.
Neste site , tendemos a falar de animes com valores de produção relativamente elevados. Veja bem, isso não se deve a nenhum gosto especial por projetos maiores e mais caros do que o normal. Na verdade, regularmente nos encontramos elogiando equipes que consistentemente superam seu peso; algo alcançável por meio da desenvoltura tanto dos criadores quanto das equipes de gerenciamento, como é o caso da Makeine desta temporada e de sua amada linha de produção. Mesmo com essa mentalidade, porém, há um certo limite para os valores de produção que parece necessário para que os títulos modernos sejam registrados como empreendimentos criativos de sucesso.
O anime historicamente promoveu formas eficientes de expressão, maneiras de comover o público apesar da natureza barata e apressada da maioria das produções. Com o tempo, suas soluções podem ser refinadas a ponto de parecer que sua técnica não se destaca apesar dessas circunstâncias, mas sim por causa delas; na verdade, procurar atalhos nunca é uma tarefa tão nobre, já que a maioria das pessoas preferiria não ter de lidar com restrições, mas isso não torna a evolução dessas soluções menos interessante. Quando as pessoas apontam essas tendências, elas mencionam com razão aspectos como o domínio do Japão sobre a modulação da taxa de quadros ou escolas específicas de direção com encenações teatrais que minimizam a necessidade de movimento.
De um ângulo diferente, eu diria que o mesmo fenômeno ainda ocorre hoje em dia. O trabalho pesado dos departamentos de composição para dar coerência visual onde não há e acabamento chamativo a desenhos menos graciosos, ou mesmo alguns tipos de animação de ação favoritos dos fãs, são mecanismos para fornecer algo tangível que o público possa desfrutar mesmo quando não há. uma base sólida sob ele. E nas mãos certas, esses truques podem (mas não necessariamente se tornarão) uma experiência tão atraente quanto qualquer coisa concebida de maneira mais tradicional. Mais uma vez, a colcha de retalhos e o corte de cantos são capazes de evoluir para algo que vale a pena apreciar por si só.
O que acontece com os esforços menos afortunados que não podem arcar com o trabalho de base cuidadoso ou com os atalhos atraentes , então? Não é a falta de animação bombástica ou polimento superficial que pode se tornar um problema para eles. O brilho visual pode ser uma agradável cereja no topo, mas é efetivamente inútil se repousar sobre um bolo visivelmente meio cozido. Em vez de nessas áreas, o perigo real para projectos mais pequenos e mais baratos é ter de comprometer tanto a entrega – ou executá-lo tão mal a nível técnico – que as ideias interessantes que possam ter tido simplesmente não cheguem ao público. E se o fizerem, poderão fazê-lo num estado tão áspero que deixarão um sabor amargo.
É possível que um título com valores de produção muito baixos a abismais seja genuinamente excelente, uma experiência gratificante que você não se preocuparia em mencionar as deficiências de? A resposta é obviamente sim, mas vamos aprofundar um pouco mais no assunto.
As obras comerciais dificilmente conseguem escapar do espectro da narrativa. Embora essa regra de ferro tenha suas desvantagens, principalmente no sentido de estreitar a compreensão do público sobre o que a animação (e a arte em geral) é capaz, há uma vantagem óbvia: uma narrativa suficientemente convincente pode sempre fazer você sentir que um trabalho executado de maneira um tanto malfeita ainda vale a pena. vez, talvez até merecendo um lugar especial em seu coração. Não é nenhum feitiço mágico que torna até mesmo uma boa história impermeável a outros fatores – a animação pode ser tão ruim que distrai ativamente, e a direção plana pode esvaziar os desenvolvimentos mais gratificantes dentro de uma história. É, no entanto, uma forma de inclinar a balança subjetiva do que contribui para uma experiência atraente, apesar de falhas claras.
Quando combinada com esses meios tradicionais de eficiência na entrega, uma história sólida tem mais chances de ser ressoar apesar de uma batalha difícil contra as limitações de sua produção. Não é por acaso que muitos dos maiores realizadores de anime provêm de obras de longa duração, com alocações de recursos bastante rigorosas e onde despesas exorbitantes têm sido frequentemente desprezadas internamente; ou seja, ambientes onde é melhor você ser um diretor engenhoso se não quiser atrair a ira do seu local de trabalho. É claro que essas abordagens também exigem proficiência em seus próprios métodos. Se você tentar compensar a grave falta de poder de fogo da animação através de uma encenação marcante, você precisará de storyboarders excepcionais, no mínimo uma espinha dorsal sólida quando se trata de layouts. Layouts (レイアウト): Os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo., e provavelmente a ajuda do design de cores inspirado ou direção de arte para vender o enquadramento estacionário.
Ao combinar ativamente os temas do trabalho com essas escolhas econômicas de direção, é possível para uma indústria tão cronicamente limitada como a anime lançar consistentemente pequenos trabalhos agradáveis. Um desses casos poderia ser o Tasogare Outfocus desta temporada. Sua adaptação no estúdio DEEN tem animação rígida e dificilmente poderia ser anunciada como a versão definitiva de seu encantador material original. No entanto, até agora, é uma forma perfeitamente razoável de vivenciar esta história, com suas próprias vantagens.
Ao tomar as estilizações teatrais da obra original, é uma história de amor. afinal, entre dois caras do cineclube — e construindo sobre eles, diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Toshinori Watanabe deu um sabor bastante distinto ao anime. É aquele que combina suas próprias tendências, como a confiança em painéis, com explorações visuais ocasionais desse tema central; por exemplo, mudando para uma proporção cinematográfica para seus momentos de intimidade física durante o filme que gravam, como se quisesse dizer que esse é o verdadeiro cinema. Ao fazer storyboards de cada segundo de filmagem até agora e processar diretamente a maior parte delas, Watanabe manteve essas pepitas de grandeza consistentes, elevando uma produção despretensiosa que teria caído de cara sem essas escolhas inspiradas.
Para para ser franco, não considero esses casos particularmente raros. Dado o quanto de anime é feito e o quanto muitas pessoas na indústria investem, apesar de tudo, não é surpresa que muitos programas de TV atraentes superem seus valores de produção abaixo da média. No entanto, e se alguém se propuser a fazer algo que não seja apenas bom, mas verdadeiramente excepcional, ao mesmo tempo que está preso a arestas talvez mais ásperas do que esta norma? Se a arte tivesse alocação de estatísticas numéricas, você poderia pensar em neutralizar isso simplesmente contando uma história única com um enquadramento tão cativante que os problemas de produção demonstráveis mal sequer são registrados. Ora, não é assim que a arte funciona, e não se pode realisticamente esperar que um trabalho concebido de forma tão desigual aconteça regularmente, mas estaria a mentir se dissesse que não é possível tropeçar numa posição como esta. Poderia até acontecer dentro de um gênero cheio de obras banais, com conteúdo reproduzindo tropos. E isso realmente está acontecendo em Gimai Seikatsu, também conhecido como Dias com minha meia-irmã.
O autor original Mikawa Ghost tem uma extensa experiência em escrita funciona para otakus básicos, abrangendo tantas funções quanto formatos com os quais ele esteve envolvido. Isso quer dizer que ele não tem problemas com tropos bem estabelecidos, então não foi por despeito que ele decidiu desafiá-los com Gimai Seikatsu; na verdade, parece um sociólogo brincando com cenários familiares. Não precisamos ir muito longe para encontrar uma explicação sobre seus objetivos: em sua própria conta no Twitter, o autor vem fornecendo comentários semanais sobre a adaptação fascinante que está recebendo agora. Chamar isso de extenso é um eufemismo, já que ele efetivamente totalizará o tamanho de um livro ao final da transmissão.
Um aspecto recorrente nesses comentários é o contraste entre a intenção dele e a do diretor, tanto o que ele percebe quanto as informações privilegiadas que ele tem acesso-e assim, dada a frequência com que esse tópico surge e a já enorme extensão de seus comentários, ele começou a resumir o objetivo geral de Gimai Seikatsu de maneiras cada vez mais compactas. Mikawa estabeleceu uma definição na linha de “Gimai Seikatsu retrata o cenário fantástico da comédia romântica de viver com uma nova meia-irmã, mas depois passa a atuar da forma mais realista possível, tratando essas pessoas como se elas realmente existissem”, o que não acontece. transmite todas as nuances da história, mas é um ponto de partida sólido. Para ser mais preciso, acho que vale a pena notar que os personagens estão vinculados à sua própria realidade, e não a uma realidade completamente real. Gimai Seikatsu é de fato muito fundamentado, mas também um tanto desequilibrado, de uma forma que aumenta seu apelo.
Em vez de simplesmente sua intenção de recontextualizar cenários familiares, então, a textura e o tom peculiares da série são também pontos fundamentais na sua identidade. Manter esses aspectos menos tangíveis em diferentes iterações e formatos pode ser complicado, por isso a representação excessivamente convencional dos mesmos eventos por Gimai Seikatsu parece perder o foco, mas você também pode distorcê-los deliberadamente para deixar claro. Parte do experimento de Mikawa foi lançar a série por meio de um canal do YouTube que ainda é mantido até hoje, que funciona como um esforço regular de um influenciador. exceto com sabor de anime romcom; curiosamente, a ideia de lançar algo assim é lançada dentro da própria série como um esquema para enriquecimento rápido e é rapidamente rejeitada. Embora sua existência incorpore a natureza única da série, o estilo inerentemente performativo e a escrita irregular (conforme tratada por pessoas diferentes) a tornam fofa em alguns pontos, mas não particularmente interessante por si só; o fato de eles constantemente atrairem cliques, fingindo que o conteúdo será mais escandaloso do que realmente é, é algo objetivamente engraçado.
É através da própria novelização de Mikawa que você pode começar a apreciar o verdadeiro apelo de Gimai Seikatsu. Ao vincular estritamente os personagens à realidade, ele restringiu não apenas a narrativa, mas toda a visão de mundo. Isso pode parecer ameaçador, mas significa simplesmente que tem um princípio de escrita frequentemente verbalizado no posfácio: pessoas reais não precisam de eventos bombásticos para experimentar mudanças emocionais, e apaixonar-se pode ocorrer nas situações mais arbitrárias e mundanas. Pensando nisso, os romances tendem a abranger períodos muito curtos, com capítulos enquadrados a partir do ponto de vista de um personagem específico e durando um único dia. Os eventos que eles cobrem são comuns, dando casualmente um pequeno passo em seu relacionamento a cada vez.
Essa natureza discreta é amplificada pelo fato de que essas histórias são relatos em primeira mão de dois personagens com personalidades próprias bastante secas; tanto Yuta Asamura quanto Saki Ayase carregam feridas profundas de relacionamentos anteriores fracassados de seus pais e, embora estejam felizes com um novo casamento que está claramente iluminando a vida diária da família, sua distância emocional com o mundo em geral ainda permanece. Gimai Seikatsu não é particularmente triste, mas transforma um gênero geralmente brilhante e barulhento em algo muito mais contido e silencioso.
Novamente, traduzir esses intangíveis para outros formatos não é uma tarefa fácil. As adaptações de anime são um desafio particularmente complicado, já que às vezes nem há vontade de fazê-lo – especialmente quando levam a sabores não convencionais. Simplesmente por serem muito mais caros do que imprimir um romance, algo que acontece até mesmo com produções baratas, os projetos de anime são muitas vezes retidos por produtores que exigem produtos mais seguros e mais comercializáveis para recuperar os custos. Mesmo adaptações de obras já excêntricas tendem a ter suas arestas suavizadas dessa forma, apagando no processo seu charme original.
E não são apenas esses fatores cínicos: as restrições inerentes ao formato em si não são fácil de navegar. A estrutura rígida da programação de TV ainda é a norma, mesmo na era do streaming, por isso é melhor que as equipes criativas estejam preparadas para dividir as histórias em pedaços de 13 x 24 m, mesmo que isso não se encaixe naturalmente. Isto é especialmente complicado para uma série com um ritmo deliberadamente lento como Gimai Seikatsu; o crescimento é gradual e lento, o que significa que você gostaria de reunir alguns romances em um único curso, mas ao mesmo tempo esse ritmo é tão essencial ao seu charme que correr pela série faria tudo desabar.
Para realizar essa façanha, uma adaptação de Gimai Seikatsu teria que acertar sua vibração única para começar, manter divagações suficientes dos personagens sobre a sociedade para transmitir suas visões de mundo, mas também abstrair muitas cenas para que eles possam se mover. em um ritmo mais rápido, sem impactar negativamente o humor contemplativo. Isso não é algo que você deva desejar para um novato, mas talvez devêssemos ficar felizes por isso, porque o diretor da série novatoDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como final Supervisor. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Souta Ueno está arrasando.
Ueno se tornou assistente de produçãoAssistente de produção (制作進行, Seisaku Shinkou): Efetivamente a função de’produtor’de classificação mais baixa, e ainda assim um engrenagem essencial do sistema. Eles verificam e carregam os materiais e entram em contato com dezenas e dezenas de artistas necessários para terminar um episódio. Geralmente lidando com vários episódios dos programas em que estão envolvidos. no estúdio DEEN há mais de uma década, onde ele imediatamente trabalhou com diretores tão fascinantes como Mamoru Hatakeyama, e para projetos excêntricos como Meganebu!. Sua ascensão como diretor o levou a trabalhar como freelancer, embora ele ainda trabalhe com sua empresa original com mais frequência-daí o motivo de seu primeiro projeto como diretor de série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como criativo tomador de decisão e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. pousando não há surpresa. Ao longo de sua curta carreira como storyboarder e diretor de episódios, você pode, em retrospectiva, apreciar aspectos que agora fazem parte do estilo fascinante exibido em Gimai Seikatsu; gosta de usar detalhes incidentais para transmitir o clima específico e, portanto, a sensação do momento, a profundidade de suas cenas em Cells at Work! S2, ou seu enquadramento da realidade doméstica em Kami-sama ni Natta Hi.
É importante notar, no entanto, que foram, em sua maioria, instantes isolados de excelência em caso contrário, episódios muito competentes, mas não particularmente atraentes. Para encontrar algo mais próximo do trabalho excepcional que ele está liderando agora, você teria que dar uma olhada no filme Collar x Malice do qual ele co-escreveu o storyboard e fez parte da direção da unidade; a maneira elegante de capturar uma experiência traumática logo no início deve parecer muito familiar para os espectadores de Gimai Seikatsu. Embora seja natural que Ueno tenha simplesmente melhorado com o tempo, parece que o seu último salto tem muito a ver com hierarquias de produção. Muitas vezes lembramos às pessoas que, mesmo para diretores de episódios que já se destacam como superestrelas, a responsabilidade de liderar seu primeiro projeto pode ser pesada – a ponto de muitas vezes fazer com que diluam seu estilo. Em alguns casos, essa mesma abordagem atraente nunca acaba sendo traduzida para o papel de direção da série, porque simplesmente requer um conjunto de habilidades diferente.
No caso de Ueno, você poderia argumentar que o fenômeno oposto está ocorrendo. As imagens de Gimai Seikatsu são muito inspiradas, assim como muitas opções de sua adaptação ao nível da construção. Sua maior força, porém, é como todos eles são voltados para uma filosofia específica que é palpável a qualquer momento. Mesmo que esta seja, em última análise, a interpretação de Ueno do trabalho de Mikawa, permite-lhe apresentar uma visão abrangente que simplesmente não pode ser exposta como diretor de episódio, onde você está sempre dentro do regime de outra pessoa. Não há dúvida de que esse novo desafio ainda é uma luta para ele – disse isso ao autor, que afirmou com alegria que se achou que este era um trabalho complicado, isso era uma ótima notícia porque significa que o diretor realmente o entende. Mas mesmo com essa batalha inerentemente difícil, uma subida mais íngreme dados os recursos limitados do projeto, Ueno está provando ser a pessoa perfeita para liderar esta série intrigante.
O primeiro episódio de Gimai Seikatsu de Ueno estabelece sua identidade logo de cara. A introdução é tranquila, monocromática, mostrando gradualmente Ayase diante de uma cidade realista. Eventualmente, ela diz que um novo meio-irmão é efetivamente um estranho. Essas palavras são repetidas por Asamura – logo depois que ele é coberto por um caminhão anunciando uma série romcom padrão da imouto, que vai embora com seus brilhos coloridos e retorna a série ao seu estado silencioso. Segue-se uma montagem silenciosa, um dos muitos momentos em que esta adaptação permite que os momentos incidentais da mundanidade falem.
Embora essa seja a posição mais clara que você pode assumir em seu gênero e em relação tom desejado, os momentos menos flagrantes não são menos atentos. Ninguém vai se virar para a câmera para dizer que a vida doméstica de Asamura e de seu pai não foi das melhores, mas como eles naturalmente falam sobre as mudanças que estão por vir em sua casa, os conselhos de Ueno fazem questão de mostrar que eles estavam confiando em
Para capturar essa vida diária em constante mudança, o enquadramento de Ueno é bastante particular. Somente no primeiro episódio, as mesmas tomadas de corredores distantes são usadas às dezenas, nos dando vislumbres de diferentes momentos no tempo para um agregado familiar que está a mudar gradualmente. Isso lembra a predileção de Mamoru Hosoda por tomadas casualmente voyeurísticas de doupoji, layouts repetidos. Layouts (レイアウト): os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. que mostram o interior das casas das pessoas para construir uma compreensão de suas rotinas diárias. O cinema japonês seco, com um tom discreto e muitas tomadas de travesseiro, ressoa fortemente em toda a adaptação de Ueno – mas o mesmo acontece com mais fontes internacionais de inspiração. O diretor destacou o trabalho do falecido Jonas Mekas, uma figura fundadora do cinema de vanguarda cujo trabalho é dedicado à beleza do arbitrário e do mundano.
Isso já se sobrepõe com as crenças desta série em um nível temático e, em alguns pontos, também o faz narrativamente. Uma das áreas de atuação de Mekas foram seus filmes diários, e é justamente através de uma espiada no diário pessoal de Ayase que temos um gostinho de sua realidade no episódio #03 de Ueno. Depois de enquadrar tudo, desde o ponto de vista de Asamura até aquele ponto, deixando deliberadamente vagos muitos aspectos que ele não entende, vislumbres do outro lado da moeda são apresentados de forma impressionante através de momentos desconectados de mundanidade, assim como Mekas mostrou ao mundo. Esta experiência memorável também recompensa a atenção: deixa claro, por exemplo, que Ayase estava distraidamente olhando para uma borboleta (a mesma vista por um breve momento no campo de visão de Asamura) quando quase sofreu um acidente, o que aumenta o natureza fortuita e casual desta história.
Por si só, os romances de Gimai Seikatsu já eram uma mistura eclética de influências; gerando um subgênero otaku alegre e idealista, mas também baseado em seu próprio senso de realismo. É apropriado, então, que a adaptação do anime também abranja seus vários lados, mesmo que pareçam conflitantes entre si. Este estilo único começou silenciosamente a fazer barulho na indústria de anime, com nomes como Shunsuke Okubo listando-o entre os programas mais elaborados desta temporada, e a superestrela da animação Kai Ikarashi dizendo claramente que é realmente muito bom. A avaliação crítica do diretor Mitsuharu Yoshida é especialmente interessante aqui: por um lado, porque ele sempre complementa seus comentários técnicos de storyboards com desenhos para transmitir o que ele quer dizer, mas também porque ele destaca especificamente essa mistura eclética como sendo a chave para o apelo de Gimei Seikatsu. Aliás, se nosso artigo anterior não bastasse, você pode conferir suas impressões sobre o Eupho S3 e como seus layoutsLayouts (レイアウト): Os desenhos onde realmente nasce a animação; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. que retratam de perto como percebemos o mundo são do tipo que normalmente você não conseguiria fazer, pois exigem um tremendo habilidade de desenho para funcionar.
No final das contas, o anime Gimai Seikatsu não é fascinante só porque ele efetivamente se baseia em filmes de arte, não porque seja um romance fofo e estranho, mas porque a mistura desses ingredientes díspares é filtrada pelo estilo de um jovem diretor e resulta em algo totalmente novo. Como observa Yoshida, o posicionamento da câmera na série tende a ser comparativamente baixo, o que acentua a sensação casual daquele enquadramento cotidiano— é como se alguém tivesse deixado cair uma câmera no chão e ela simplesmente continuasse gravando. Isso contribui para uma narrativa muito naturalista, combinando também com o caráter desapaixonado de ambos os protagonistas. E ainda assim, apesar de ser este o sentimento dominante da obra, a adaptação opta por manter alguns dos aspectos mais brilhantes da fantasia que as romcoms regulares oferecem, sempre que pretende realçar a natureza das personagens principais através do contraste.
Um exemplo claro disso é o melhor amigo de Ayase, o tipo de borboleta social todo-poderosa que você teria dificuldade em encontrar fora da ficção. Sua primeira aparição é habilmente resumida nesta adaptação, já que uma explosão de sua energia teria desestabilizado o clima tranquilo do mundo de Asamura. Por outro lado, o episódio #04 dedica uma cena inteira à sua brincadeira troposa, já que naquele momento ele está procurando novas fontes de inspiração para ajudar Ayase em sua busca por estudar com eficiência. Essa combinação de direção fundamentada-até o som, um dos aspectos que mais se destacou para o autor-com o diálogo e o comportamento muito ridículos que você normalmente encontra em títulos de comédia romântica cria um sabor que você não encontrará em outro lugar.
Quando se trata dos aspectos que tornam esta série única, a escrita de Mikawa merece outro destaque. Como mencionado anteriormente, seus personagens principais foram profundamente afetados por incidentes familiares que levaram ao divórcio. Cada um à sua maneira, internalizaram comportamentos que lhes permitem evitar conflitos tanto quanto possível; não sendo completamente anti-social, mas mantendo distância e descobrindo maneiras de esvaziar os problemas. Por ser mulher, porém, Ayase tem que enfrentar questões específicas. Sua mãe é muito atraente, mas nunca teve a chance de receber educação avançada, o que significou que Ayase teve que observar preconceitos contra sua mãe solteira, o que deixou cicatrizes profundas. Conseqüentemente, ela não sente nada além de desprezo pelas normas sociais de gênero, contra as quais ela protesta longamente no segundo e terceiro episódios. Embora suas opiniões não sejam nada revolucionárias, o compromisso da série com a visão de mundo que alguém com essa formação provavelmente desenvolveria é louvável… e contribui para o apelo estranho de Gimai Seikatsu, já que você faz a transição de uma piada estranha sobre roupas íntimas para sua dissertação sobre a sociedade. arraigando o preconceito de gênero até mesmo naqueles que o odeiam.
E ainda assim, esses discursos sobre os males sociais coexistem com tantos momentos de silêncio, de cenas em que o programa se sente confiante em permitir que o espectador descubra o que está acontecendo transmitido-ou se algo específico precisa ser transmitido. O breve sorriso de Ayase para o termostato no primeiro episódio pode nem ter sido registrado por muitos espectadores, muito menos fazer sentido, e só no terceiro episódio é revelado que ela estava feliz por Asamura estar atento o suficiente para preparar água fresca para ela. Quando aquele episódio introdutório termina em uma longa cena silenciosa pós-créditos em seu corredor recorrente, nada é explicado, porque o programa acredita que você entenderá que as dificuldades dela com os interruptores de luz têm como objetivo incorporar aquele período estranho em que você não está acostumado com um novo lar.
Até o próprio Mikawa está participando disso: no comentário do terceiro episódio, ele mencionou que não apenas há um significado específico para Ayase manter um peixe, mas até mesmo que sua espécie específica acrescenta nuances a isso-e ainda assim ele se recusou a revelar a resposta, argumentando que, como essas foram as ideias que o diretor teve, cabe a ele revelá-las, se quiser. Muitas destas expressões são originais do anime, mas parecem extensões tão naturais do material de origem que o autor se refere a elas como algo que já fazia parte do seu mundo, implícito na sua escrita.
Se quisermos voltando ao tópico original da conversa ao examinar esta adaptação fascinante, é fácil perceber quantas dessas escolhas permitem que ela escape impune de seus recursos limitados. A construção inteligente e essas sensibilidades interessantes resolvem os problemas do tempo de exibição limitado; uma longa conversa sobre a utilidade dos canais Lo-fi Beats To Study To foi destilada no episódio #04 em uma montagem melancólica de tais sons durante um dia chuvoso, tornando-o ao mesmo tempo mais rápido e mais sensorialmente atraente. Esse trabalho de câmera casual e estático com uma infinidade de planos gerais reduz o número de recursos necessários e camufla um pouco os desenhos de má qualidade. Claro, isso não significa que o show seja melhor para essas limitações – Ueno simplesmente provou que é capaz de criar algo excepcional mesmo quando acorrentado por elas. Embora seja certamente verdade que ele teve sorte de ter sido confiado um material interessante para sua estreia, bem como um ambiente que não tentou restringir a visão ampla que ele tão claramente tem, isso também faz você desejar o melhor de ambos. os mundos. Claro, é legal quando um diretor promissor supera condições nada ideais, mas poderia ser ainda melhor se ele estivesse em uma situação em que esses aspectos o elevassem ainda mais, em vez de tentar impedi-lo. Qualquer produtor que esteja lendo isso sabe o que fazer.
O final melancólico, produzido pelo artista independente hewa, abstrai ainda mais os personagens através de um estilo perturbador que pretende dar qualidades pictóricas à animação 3DCG. Assim como o show em si, uma mistura deliberadamente incomum.
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