Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana, nossas exibições de filmes variaram de clássicos do cinema ocidental a filmes modernos, ao lado de um dos meus poucos projetos teatrais de destaque liderados por qualquer um dos lendários diretores de Ghibli. Acredito que já vi todos os filmes de Miyazaki até agora, mas ainda tenho Túmulo dos Vaga-lumes e o intrigante projeto de mídia mista A história dos canais de Yanagawa se destacando entre os projetos de Takahata. Estou basicamente esperando o estado mental certo para assistir Grave of the Fireflies, mas enquanto isso fiquei feliz em saborear um projeto mais leve que incorpora muitas das melhores qualidades de Takahata. Vamos começar com esse artigo, enquanto encerramos uma nova Semana em Revista!
O primeiro desta semana foi Gauche, o Violoncelista, a adaptação de Isao Takahata do conto de Kenji Miyazawa. O filme de uma hora de duração segue Gauche, um violoncelista medíocre cujo jogo ruim está prejudicando a prática de sua orquestra local para uma próxima apresentação. Ao longo de uma série de quatro noites, Gauche é visitado em sua casa por uma série de animais locais, cada um dos quais oferece pedidos e orientações para sua apresentação no violoncelo. No final das contas, Gauche é capaz de integrar todas as suas lições e se apresentar com sua orquestra com um sucesso impressionante.
Gauche é um filme tranquilo, pastoral e eminentemente caloroso, uma fatia encantadora da pura excelência Takahata. Juntamente com a escrita e direção de Takahata, Gauche foi produzido em grande parte por dois outros artistas, com Shunji Saida cuidando da animação principal e Takamura Mukuo oferecendo os planos de fundo pintados. Ambos os artistas fizeram esforços incríveis aqui; Os cenários de Mukuo são ricamente detalhados e convidativos, enquanto a animação de Saida varia graciosamente entre formas animais naturalistas e floreios antropomorfizados, ao mesmo tempo que articula cuidadosamente as nuances da execução do violoncelo de Gauche.
Em suma, Gauche, o violoncelista, oferece uma fatia perfeita da excelência proto-Ghibli, parecendo uma produção do World Masterpiece Theatre condensada em uma hora de drama fluidamente animada. Traz à mente uma época em que os animadores aproveitaram amplamente as suas influências, abraçando formas narrativas veneráveis e celebrando a música clássica como um complemento natural ao drama visual da animação. A maioria dos melhores trabalhos de animação parecem desvinculados das demandas comerciais de sua época, trabalhos de pura paixão criadora como On-Gaku ou Rainbow Fireflies. Organizado e atemporal, Gauche the Cellist é o melhor que existe.
Depois disso assistimos The Bridge Curse 2: Ritual, que eu pessoalmente teria intitulado The Bridge Curse 2: Maior, Mais Malvado e Mais Bridgier. Embora eu suponha que esse título não descreva com precisão o filme em questão, já que The Bridge Curse 2 na verdade dispensa completamente as pontes e suas maldições, centrando-se em uma escola que é conhecida por repelir espíritos externos e prender aqueles que já estão dentro. Isso o torna o local perfeito para um grupo de estudantes universitários trabalhando em seu jogo de terror AR, que fazem o possível para conjurar os fantasmas locais e colher algumas consequências previsivelmente terríveis.
The Bridge Curse 2 é construído em torno de um ideia fundamentalmente excelente: a sinergia natural de jogos de Realidade Aumentada e rituais ocultos tradicionais, que são frequentemente adjacentes ao jogo por natureza. Coisas como invocar Bloody Mary em um espelho eram basicamente os jogos de RA da era pré-smartphone, e The Bridge Curse 2 faz uso eficaz desse conceito, oferecendo interpretações digitais inteligentes de antigos rituais e, assim, confundindo os limites entre o que se pretende. terror no jogo e quais espíritos realmente vagam pelos corredores. Adicione uma pitada de sustos bem executados e você acabará com uma bela fatia de cinema de terror, mesmo que não haja pontes presentes.
O próximo foi Rancho Notorious, um faroeste dos anos 50 dirigido pelo filho da puta do Fritz. Lang, que eu não tinha ideia de que gostava de um filme de Hollywood no final de sua carreira. O mestre está aqui acompanhado pela imponente Marlene Dietrich, no papel de diretora de um fantástico esconderijo criminoso conhecido como Chuck-a-Luck. Seguindo o rastro do assassino de sua esposa, Vern Haskell (Arthur Kennedy) se encontra com o aclamado pistoleiro Frenchy Fairmont (Mel Ferrer), que eventualmente leva Vern de volta ao esconderijo. Lá, Vern se insinua entre a tripulação regular enquanto busca a resposta para sua pergunta candente: qual desses canalhas foi quem matou sua esposa?
Cara, que relógio divertido foi esse! A cinematografia de Fritz Lang é magnífica, Kennedy e Ferrer são rivais dinâmicos na tela, o roteiro é espirituoso e enérgico e Dietrich é absolutamente imparável. Seu desempenho de comando aqui deixa óbvio como ela administraria um curral de rufiões assassinos, ao mesmo tempo que torna praticamente impossível não se apaixonar por ela. Arthur Kennedy passa o primeiro terço do longa marinando de raiva enquanto persegue essa misteriosa baronesa, mas poucos minutos depois de chegar a Chuck-a-Luck, tudo o que podemos realmente sentir é desespero com a falta de sentido da violência invasora. Tanto Lang quanto os protagonistas manipulam habilmente a simpatia do público, vendendo a intimidade e o desejo implícitos em cada uma das histórias de vida remotas de Rancho Notorious, apenas para puxar o tapete debaixo de nós quando essas histórias entram em conflito. Uma obra-prima casual de um dos maiores mestres do cinema.
Em seguida, assistimos In A Violent Nature, uma versão interessante da convenção de filmes de terror. Em vez de seguir um grupo de universitários malfadados enquanto eles acordam e são rapidamente desmantelados por um assassino sobrenatural, esse recurso na verdade nos coloca atrás dos ombros do próprio assassino, acompanhando sua jornada desde a ressurreição até o cumprimento de seu terrível propósito.
É uma ideia que parece óbvia, talvez até fácil de executar, mas um exame mais aprofundado revela suas qualidades inerentes e incompatíveis com o gênero. Os filmes de terror prosperam com implicação e suspense, mas quando o filme já está enquadrado no ombro do assassino, não há dúvida sobre o que está perseguindo nosso grupo ou quando o assassino atacará. Além disso, você perde o ritmo narrativo padrão de seguir suas vítimas desde o começo humilde até as conclusões heróicas, em vez de seguir um vilão que poderia muito bem ser uma força elemental, dada sua perspectiva implacável e força incomparável.
Em A Violent A natureza é inteligente o suficiente para entender o que está sacrificando e, portanto, substitui esses padrões de gênero por substitutos que permitem que seu toque distinto brilhe. Embora siga praticamente a estrutura narrativa exata de uma sequência comum de Sexta-feira 13, o filme na verdade tem mais em comum com o cinema lento e o terror extremo francês do que com os slashers em termos de ritmo, cinematografia e recompensas. Sequências lentas de nosso assassino vagando pela floresta oferecem um novo estilo de antecipação nervosa, tiros longos promovem prelúdios de violência para ranger os dentes e, quando as mortes chegam, são executadas com uma ferocidade tão contundente e carnuda que choca, mesmo que seus a chegada é claramente iminente.
Com sua perspectiva assim definida e a propensão para recompensas cruéis assegurada, In A Violent Nature encontra um novo teor de horror em nossa antecipação do derramamento de sangue que se segue, bem como na intensidade inabalável de seu mata. E porque seguimos o assassino e não as vítimas, os fragmentos do guião de terror que nos são fornecidos não conseguem ser coerentes numa jornada de superação da adversidade; nossos heróis estão tão desarmados e indefesos no final quanto no início, o que significa que o filme está livre para marinar em um final cruelmente prolongado, enquanto nós, ao lado do elenco, esperamos o machado cair. In A Violent Nature poderia facilmente ter sido simplesmente uma nova prova de conceito, mas em vez disso explora completamente as implicações tonais e estruturais desse conceito, resultando em um filme que faz seu público se sentir genuína e gloriosamente inseguro.
