Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana foi produtiva em uma variedade de frentes, já que tenho encerrado o último dos meus projetos de redação pendentes, ao mesmo tempo em que atualizo animes de safras recentes e veneráveis. Meu grupo de visualização acabou de terminar a primeira temporada do excelente Delicious in Dungeon, que agora está orgulhosamente ao lado de Edgerunners entre minhas propriedades favoritas do Trigger. Dada a minha aversão às preferências dramáticas de Imaishi, suponho que não seja nenhuma surpresa que eu goste mais das adaptações mais abrangentes de Trigger, mas mesmo assim me diverti muito com Laois e sua equipe. Também tenho continuado minha jornada Gundam com Victory Gundam, que até agora provou ser um dos Gundams mais bem compostos e totalmente satisfatórios desde a série original. E, claro, houve The Films, uma coleção errante de recursos estimulados por caprichos ociosos, recomendações no Twitter ou simplesmente o que quer que aconteça que apareça no Netflix. Vamos ao que interessa!
O primeiro desta semana foi Duna, de David Lynch, um fracasso de bilheteria que desde então desenvolveu um número significativo de seguidores. O filme em si torna perfeitamente compreensível tanto seu desempenho inicial quanto sua cauda longa final; Duna é um filme de fragmentos magníficos e decepções extensas, capturando a estranheza inerente da história de Herbert com muito mais precisão do que Villeneuve, mas falhando em se tornar um longa-metragem propulsivo ou satisfatório.
É certo que muito disso se resume a à natureza do próprio livro. Como o filme de Lynch, o romance de Herbert voa sobre invenções vívidas e intrigas políticas durante sua primeira metade, e então atinge uma parede de tijolos de ritmo e filosofia presunçosa quando Paul chega ao deserto. A sensação de inevitabilidade, de o tempo ser uma tela fixa que apenas alguns abençoados ou amaldiçoados podem admirar plenamente, é essencial para o efeito de Duna, mas também desastrosa para qualquer sensação de tensão ou intriga cinematográfica. Duna é a história de um homem muito perigoso que chega a um inevitável pico de poder, momento em que a eliminação de seus inimigos se torna uma reflexão tardia sem esforço. Um experimento mental convincente, mas para transformá-lo em um filme de fantasia épico, são necessários alguns enfeites pontuais.
Então, sim, estruturalmente, Duna simplesmente não se presta à narrativa tradicional de grande sucesso. Superar esse obstáculo requer fazer uma narrativa verdadeira da metade focada no deserto de Duna, que aparentemente foi a abordagem de Villeneuve. Lynch não faz isso; ele adapta Duna em grande parte como está, o que significa que a segunda metade do filme é contada principalmente por meio de montagem, e basicamente não há sensação de conflito ou ameaça para falar, uma vez que a Casa Atreides está em desvantagem. Muitos ótimos atores (Brad Dourif! Patrick Stewart! Max von Sydow!) e figurinos absolutamente deliciosos, mas Duna de Lynch acaba se mostrando um artefato histórico mais intrigante do que um filme de sucesso.
Beverly Hills Cop 2 é basicamente mais do mesmo, embora o filme definitivamente precise ampliar sua premissa para manter a presença de Foley como um azarão, em vez de um campeão que retorna. A sequência também se apoia mais em palavrões e apelo sexual para preencher as lacunas entre segmentos de comédia genuinamente inspirados, demonstrando claramente que a maioria das melhores ideias de Murphy foram usadas no original. No entanto, Murphy, Juiz Reinhold e John Ashton ainda criam uma dinâmica de amizade brilhante, e o carisma pessoal de Murphy é tão cativante como sempre. Pode ser um Murphy menor da era do pico, mas ainda é o Murphy da era do pico. Nossa próxima exibição foi Raw, o longa-metragem de estreia de Julia Decourna, que iria dirigir o visceral Titane.. Raw se alinha perfeitamente com as ruminações de terror corporal de Titane, acompanhando uma jovem vegetariana (Garance Marillier) durante seu primeiro ano na escola de veterinária, onde trotes persistentes por parte de veteranos rapidamente despertam uma fome por carne humana. Guiada por sua irmã suspeitamente complacente (Ella Rumpf), ela emerge em um mundo assustador, porém atraente, de profanação e desejo. Embora você possa facilmente agrupar o trabalho de Decourna com outros trabalhos de terror corporal, ou até mesmo considerá-lo um desdobramento da onda extrema francesa do final dos anos 2000, seu trabalho é significativamente mais texturizado e específico do que seus compatriotas do gênero. Decourna não está interessada em cortar corpos; ela está mais fascinada com a forma como os corpos já são inerentemente aterrorizantes, como processos como a puberdade ou a gravidez são grotescos e assustadores mesmo antes de você adicionar uma partitura de sintetizador de Carpenter. Titane levou essa curiosidade ao ponto da fantasia total, mas Raw é mais íntimo e acessível; você pode realmente sentir o medo de Marillier no que ela está se tornando, bem como aquele desejo inegável de ver o que emergirá do casulo. Cenas individuais de Raw me fizeram engasgar e desviar os olhos, não porque fossem tão grotesco ou alarmante, mas porque Decourna organizou tão bem seus atos de violação que me senti como se estivesse saboreando carne ao lado de nossa heroína faminta. O filme nunca sacrifica a intimidade pelo espetáculo, unindo consistentemente os seus impulsos mais transgressores e mais solidários e, assim, recusando o conforto da alienação, a segurança de não se reconhecer nas suas pistas desviantes. Raw desafia a santidade do corpo com tanto sucesso que pode fazer qualquer um se sentir um estranho em sua própria pele, cercado não por uma extensão do eu, mas apenas por osso, pele e tecido, carne não diferente da de qualquer animal. A seguir veio a peculiar comédia dos anos 80, Moscou no Hudson, estrelada por Robin Williams como Vladimir Ivanoff, um saxofonista russo que toca no circo de Moscou. Em uma viagem para se apresentar na cidade de Nova York, Vladimir abandona a Rússia em Bloomingdales e rapidamente se vê imerso na cultura estranha e contraditória da América. Ajudado por seu melhor amigo Lionel (Cleavant Derricks) e sua namorada Lucia (María Conchita Alonso), Vladimir faz o possível para alcançar algo parecido com a felicidade neste admirável mundo novo. Moscou nas instalações do Hudson me fez esperar um tipo de filme muito diferente, algum tipo de história desenfreada de peixe fora d’água no modelo de Coming to America. Mas o longa de Paul Mazurky é uma fera muito diferente; um tipo de quase-comédia mais lento e sombrio, ilustrando tanto os absurdos humorísticos da vida quanto os longos e ambíguos trechos intermediários. Williams é excelente como Vladimir, saltando de sua personalidade televisiva para um modo mais pensativo isso caracterizaria grande parte de seu melhor trabalho. O homem conhece a tristeza muito bem, e Moscou, às margens do Hudson, é ao mesmo tempo triste e engraçada, como a vida costuma ser, cheia de reviravoltas estranhas e marés baixas inesperadas. Mais uma série de estudos de personagens do que um longa-metragem de gargalhadas, o filme avança por pequenas vitórias e mal-estar repentino, recusando-se a oferecer soluções fáceis ou finais felizes convenientes. Vladimir é apenas um imigrante lutando para se dar bem como todo mundo; sua fama como desertor quase não é mencionada após o primeiro ato, com a maior parte do filme dedicada a ele lutando para se definir como russo ou americano, músico ou capitalista, história de sucesso ou conto de advertência. A ambigüidade tonal do filme, os meandros estruturais e o humanismo firme, coletivamente, me tocaram muito mais do que eu esperava; Com certeza irei conferir mais do catálogo de Paul Mazurky.
