Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana voltei ao modo de caça a apartamentos completos, tendo emergido de uma série de obrigações familiares e ainda sem uma maldita casa. No entanto, também encontrei tempo para finalmente voltar às exibições regulares de filmes, o que certamente deve ser apreciado pela minha quantidade cada vez menor de críticas mais antigas. Francamente, eu estava chegando ao ponto de ser forçado a admitir o vício coletivo da minha casa em reality shows e analisar os detalhes de inventar uma audição vencedora para o America’s Got Talent. Isso ainda pode acontecer um dia desses, mas por enquanto estou feliz por recuperar outro pedaço de normalidade por meio de exibições de filmes, ao mesmo tempo em que jogo o máximo de Baldur’s Gate 3 que posso. abandonar as oportunidades narrativas fornecidas por um personagem centrado no carisma, mas cortar os inimigos em dois com o machado gigante de Karlach parece ter despertado algo em mim, e estou pensando seriamente em fazer com que meu próximo personagem priorize quebrar coisas de verdade. Terei mais reflexões sobre Baldur’s Gate quando estiver mais aprofundado, mas por enquanto, vamos analisar uma nova coleção de filmes!
Tendo completado Dragon Ball, Z e Super inteiros no passado Alguns meses, encerramos a coleção com uma exibição de Dragon Ball Super: Broly, a sequência do remake que serve como a próxima entrada canônica na saga eterna de Goku. Mantendo o renascimento de um vilão do cinema dos anos 90, Broly também serve como um retorno estético à forma Z; se foram os designs de personagens geometricamente simplificados e a espessura das linhas grossas do Super, substituídos por uma estética que remonta às linhas finas e à fotografia celular ricamente pintada do Z original. Imagino que os designs do Super sejam mais amigáveis à animação, mas para ser honesto, desejo o show sempre foi assim – o visual de Super parece “limpo” ao ponto do anonimato estético, enquanto Broly e as épocas que ele evoca são ricos em textura visual, acentuando em vez de reduzir o impacto dos designs de Toriyama.
Juntamente com seu design artístico geralmente superior, Broly também tem um storyboard muito mais dinâmico e uma escrita energética do que seus filmes anteriores. O filme começa com um relato da destruição do planeta Vegeta que parece ao mesmo tempo icônico e refrescante, à medida que os vários atores-chave das origens de Goku e Vegeta se chocam com uma urgência e um senso de consequência bastante diferente da frequente falta de peso dramática de Z e Super. O diálogo é rápido e rico em voz, enquanto a cinematografia varia de tomadas majestosas de planetas desolados a ângulos furtivos ambientados em cantos escuros, imitando a combinação de orgulho e paranóia com que os saiyajins enfrentaram seus últimos dias. Mesmo com a introdução moderna do mais recente inimigo de Goku e Vegeta, o storyboard mantém uma sensação cinematográfica que o diferencia dos layouts estritamente funcionais do programa.
O filme em última análise, não conseguem escapar da falha fatal de todos os filmes de Dragon Ball: seu hábito de imitar os piores excessos dos arcos Z e, assim, dedicar suas segundas metades a lutas que continuam e continuam até enjoar. É um pouco estranho para mim que a franquia shonen que mais insiste nos méritos de batalhas sem fim seja também uma das menos interessadas em apimentar essas batalhas com interação estratégica ou reviravoltas dramáticas; é quase sempre apenas Goku e seu oponente socando e rugindo e se fortalecendo para socar e rugir um pouco mais. Ainda assim, pelo menos a animação das batalhas de Broly é bastante impressionante, aproveitando o design artístico superior do filme e realmente abraçando algumas coreografias energéticas de artes marciais. Embora ainda limitado pelas limitações da filmografia de Dragon Ball, Broly é um exemplo totalmente superior da forma e um retorno refrescante à arte icônica de Z. Se você estiver interessado em conferir um filme de Dragon Ball, este é o escolhido.
Nossa próxima exibição foi Keanu, uma comédia estrelada por Jordan Peele e Keegan-Michael. Key como primos Rell e Clarence. Embora esses dois sejam, segundo todos os relatos, caras bem-educados, quando o gatinho de Rell, Keanu, é roubado durante uma invasão, eles são forçados a se infiltrar no submundo do crime na esperança de recuperá-lo. Imediatamente confundidos com os assassinos “Allentown Boys”, eles tentam fingir até conseguirem, disfarçando-se de durões pelo bem de seu amigo felino.
Keanu se sente quase como um portal para uma dimensão alternativa, uma onde Key e Peele saltaram diretamente de seu show de esquetes para o lugar de Judd Apatow para uma nova década de comédias de amigos drogados. O filme tem ambições modestas e sucessos modestos; A química óbvia de Key e Peele significa que é sempre agradável sair com eles, mas Keanu estende muito poucas piadas durante muito tempo de execução, ao mesmo tempo que carece da inventividade ou da força de seu trabalho de comédia de esquetes. É um recurso perfeitamente aceitável, o que, francamente, só me deixa ainda mais agradecido por Peele ter imediatamente se voltado para seu trabalho cada vez mais essencial como diretor. acabou sendo fundamentalmente irritante e aparentemente projetado por idiotas. Tal como acontece com o lendário Dia da Mentira, o Dia da Mentira parece acreditar que prometer algo e depois simplesmente fazer outra coisa é na verdade a alma da inteligência, em vez de uma simples traição à nossa assumida obrigação social de não sermos idiotas uns com os outros. Assim, o Dia da Mentira prossegue tanto no nível narrativo quanto no meta, com seus personagens realizando pegadinhas idiotas sob a lógica tênue do humor do Dia da Mentira, enquanto o próprio filme faz a mesma coisa em relação à promessa de oferecer um filme de terror.
Porque sim, estou estragando tudo, ninguém morre neste filme, foi tudo uma pegadinha. Isso é fácil de descobrir pelas cenas de morte completamente desanimadoras do filme, mas o que torna tudo pior é o orgulho com que dedica seu último ato a revelar seu segredo “magistral”. No final, eu esperava que algum assassino de verdade arrombasse a parede e matasse esse grupo de brincalhões insuportáveis, mas tal alívio não foi oferecido. No final das contas, o Dia da Mentira não oferece mais do que a mesma lição que todo tolo confunde com insight: a maioria das pessoas não presume que você está mentindo para elas sem motivo.
Enfurecido pela falta de recompensa em No Dia da Mentira, meus colegas de casa exigiram a satisfação de um verdadeiro filme de terror e, assim, rapidamente coloquei A Casa Perto do Cemitério. Como a terceira entrada na trilogia “Gates of Hell” de Lucio Fulci, eu esperava uma versão opressiva e grindhouse da atmosfera de Argento e não fiquei desapontado. Caramba, nos primeiros cinco minutos deste filme, uma mulher é esfaqueada na nuca com tanta força que a lâmina sai de sua boca, o que significa que este filme realiza em sua primeira cena o que nosso último longa falhou durante todo o tempo de execução./p>
As coisas acontecem da maneira previsível de Fulci a partir daí, quando um homem pesquisando o suicídio de seu mentor filma para a casa titular, trazendo sua esposa complacente e seu filho aparentemente conectado espiritualmente. A narrativa nunca consegue unir as narrativas do pai e do filho, embora ofereçam uma interessante mistura de subgêneros: as investigações do pai são todas um trabalho processual giallo, enquanto o filho caminha em um mundo onírico de fantasmas que lembra o anterior The Beyond de Fulci.. A bagunça estrutural do filme significa que seu final não congela de maneira eficaz, mas o caminho até lá é repleto de terror ambiental tenso e mortes confusas e confiáveis. Fulci pode não ter a graça de Argento ou Bava, mas ainda sabe como alimentar os famintos fãs de terror.
