O novo filme de Naoko Yamada, Kimi no Iro/The Colors Within, é lindo, altamente divertido na superfície, mas tão denso como sempre. Através de cores, luz, fé, giro e gravitação, ele formula a mais gentil mensagem de aceitação da diretora.
Quando ela estava conceituando seu primeiro filme, há cerca de 14 anos, Naoko Yamada‘A ideia surreal de K-ON foi passar uma hora e meia seguindo a protagonista de K-ON!, Yui, enquanto ela tentava enfiar a linha na agulha. Depois de todo esse tempo, tenho o prazer de anunciar que ela não apenas igualou o nível de não conflito dessa proposta, mas foi ainda mais longe na negação de uma narrativa tradicionalmente satisfatória. Embora Yamada sempre prospere em histórias pessoais e realistas de personagens, há um toque dramático em filmes como A Silent Voice ou Liz and the Blue Bird que é deliberadamente ausente em Kimi no Iro/The Colors Within. Veja bem, isso não ocorre porque lhe faltam sentimentos sombrios ou situações que possam levar a resultados negativos graves, mas sim devido ao seu compromisso total com uma mensagem de aceitação e compreensão, para com os outros e para nós mesmos.
Ninguém personifica melhor esse espírito do que sua protagonista Totsuko, que precisamente abre o filme recitando uma oração que prega a aceitação do inevitável, coragem para enfrentar aquilo que ainda pode ser resolvido e sabedoria para distinguir os dois. Como já sublinha a revelação do filme, ela tem um caso de sinestesia que lhe permite perceber as auras das pessoas como se fossem cores; não exatamente em um nível puramente visual, pois é algo que ela sente de uma forma mais profunda e abrangente. Isso imediatamente oferece espaço narrativo para conflitos dramáticos: flashbacks de uma jovem Totsuko, incapaz de compreender que sua visão do mundo não se alinha com a da maioria, é surpreendentemente isolada através dos storyboards de Yamada.
Como fica óbvio ao longo de seu tempo de execução, no entanto, o filme se recusa a seguir essa direção de forma muito agressiva. Uma sensação ligeiramente entorpecente de solidão permeia todo o filme, ainda traçando limites entre a protagonista e seu entorno. A arquitetura de seu quarto muitas vezes separa Totsuko das adoráveis colegas de quarto com quem ela não consegue ser totalmente honesta, mas nunca faz disso um ponto grandioso e dramático. The Colors Within apresenta um mundo repleto de mentiras e sentimentos desconfortáveis sobre não pertencer, mas tão firme em sua crença na boa vontade das pessoas que nunca há uma questão para resolver um problema quando abordado com honestidade.
Para incorporando toda essa visão de mundo, o filme está firmemente enraizado na escola cristã que Totsuko frequenta; como a própria Yamada comentou para a Variety, isso não é Não se trata tanto de fazer um filme sobre o catolicismo, mas de usar uma leitura muito gentil de seus preceitos para sustentar essas ideias e, em primeiro lugar, ter um lugar que acomode pessoas com crenças diferentes. E, de fato, como a diretora observou em sua pesquisa, a protagonista é vista como uma espécie de estranha na escola por seu comportamento devoto. Essa sutil sensação de atrito em um mundo claramente bem-intencionado é o nosso ponto de partida neste filme.
Antes que você tenha a chance de compreender a filosofia do filme, a direção sinestésica imediatamente se destaca como um ajuste excelente – tanto para o personagem quanto para o indivíduo que lidera o projeto. Yamada é conhecida por sua habilidade de abstrair sentimentos em uma ampla linguagem audiovisual, que ela contrasta com sua abordagem fofa, porém naturalista, à animação de personagens. A sua evolução como diretora teatral, em particular, enfatizou visivelmente esse aspecto. O título japonês de A Silent Voice, The Shape of Voice , tem um toque inerentemente sinestésico, algo que sua execução fez questão de destacar. Muito de Liz e o Pássaro Azul depende da extrapolação das relações interpessoais em formas que podem ser fisicamente sentidas como o BPM de seus passos compartilhados, e o relacionamento do diretor com o compositor Kensuke Ushio apenas inclina ainda mais a balança nesse sentido. direção de cruzamento; basta procurar sua trilha sonora, parcialmente criada por meio de um processo de decalquemania que une cor e som. Para qualquer um que acompanhe sua carreira, uma protagonista sinestésica deveria ser o desenvolvimento menos surpreendente.
Quando se trata da própria personagem, a condição também se encaixa imediatamente. Simplificando, Totsuko se envolve com a vida de forma tão plena e intensa que é natural acreditar que ela a percebe em um nível totalmente adicional. Sua linguagem corporal alegre incorpora essa mentalidade, assim como sua fé inabalável. Sem ser uma pessoa abrasiva nem particularmente barulhenta, você pode contar com ela para estar totalmente comprometida com tudo o que estiver fazendo; mesmo que isso seja mentir por causa de uma amiga, nesse caso ela o fará de maneira espetacular, como se fosse a coisa mais natural do mundo. Uma criança que não fica simplesmente enjoada de carro, mas visivelmente e comicamente tonta com a simples menção de um veículo. Essa é Totsuko, uma protagonista cuja sinestesia parece uma extensão direta de sua maneira de se envolver com o mundo-e também aquela cujas travessuras bobas tornam este filme mais engraçado e de fácil digestão de Yamada desde K-ON!.
Assim que explica sua habilidade no início do filme, Totsuko pondera sobre a única cor que ela não consegue perceber: a sua própria. Em vez de ser um mistério para o espectador, esta questão é colocada como um veículo para a autodescoberta e, mais uma vez, também para a aceitação. Afinal, o pôster oficial do filme já explicita as cores que tingem seus personagens principais, assim como a própria Totsuko faz inadvertidamente naquele mesma cena; ao falar sobre a maneira como os olhos de uma pessoa normal percebem o mundo, ela exemplifica isso com uma maçã vermelha, uma árvore verde e um peixe azul – cores que são rapidamente atribuídas ao elenco principal. Vermelhos, rosas e cores geralmente quentes sempre seguem Totsuko de uma maneira que combina com o personagem, a um ponto que nenhum espectador jamais sentirá que isso é um quebra-cabeça para eles resolverem. No entanto, como ela ainda não aceitou totalmente sua natureza e posição únicas, as cores brancas que incorporam essa falta de autocompreensão também desempenham um papel em sua vida. Ainda na introdução, esse ponto é elegantemente apresentado por uma jovem Totsuko colando um adesivo branco em seu rosto enquanto se pergunta sobre sua própria cor.
Embora muitos conceitos neste filme são puramente Yamada, não é igualmente surpreendente que ela tenha deixado grande parte da narrativa para sua boa amiga Reiko Yoshida . A sensação de distância entre os personagens e a química divertida que você espera de sua escrita são fatores importantes para o quão divertido é.
Em outra extensão direta de sua personalidade curiosa e proativa, Totsuko não se contenta em simplesmente perceber as cores das pessoas: ela anseia pelos belos tons emitidos pelos outros. A propensão de Yamada para a floriografia assume um ângulo ligeiramente diferente quando Totsuko se compara a uma abelha que poliniza flores atraentes, explicando como ela naturalmente gravita em torno de pessoas com aquelas auras atraentes. Essa imagem exata é invocada novamente quando ela propositalmente para no corredor da escola, apenas para testemunhar o próximo membro do trio principal.
Kimi parece ser uma aluna modelo, embora rapidamente fique claro que o lindo azul que Totsuko percebe abrange uma gama mais ampla. Ela é uma pessoa altamente respeitada e membro do coral da escola, embora o que a protagonista aprecie seja claramente algo mais puro do que essas conquistas, um azul sereno inerente ao seu próprio ser. Embora sempre deslumbrante para os olhos de Totsuko, vemos esses azuis ficarem mais opacos quando, aparentemente do nada, Kimi abandona a escola-um evento que também tira a cor da vida de Totsuko. Novamente, este é um evento que o filme se recusa a transformar em sensacionalismo; nunca a vemos desistir, nem o motivo é mencionado diretamente além da sensação de que ela sentiu atrito com as expectativas colocadas sobre ela. Em vez disso, a vemos tirar cuidadosamente o uniforme da escola em uma das animações mais completas de todo o filme. Depois desse ponto, Kimi nunca mais será vista como uma estudante.
Suas ações imediatamente depois definiram o rumo de todo o filme. Kimi começa a pegar o violão, um novo hobby que ela pratica enquanto trabalhava meio período em uma biblioteca. Ao ouvir rumores sobre isso, Totsuko embarca na aventura que reúne os personagens principais — e suas cores ao longo do caminho. Do blues ainda abafado da rotina matinal de Kimi e da tarde avermelhada quando Totsuko é desviada por um gato, passamos para os verdes suaves de Rui; a cor que adorna o piano usado que o vemos comprar, numa rua decorada com tons semelhantes.
Tal como Kimi, Rui também se encontra numa posição desconfortável relativamente às expectativas que lhe são depositadas. Através de uma narrativa discreta, descobrimos que ele ouve a atenção de uma família de médicos em uma ilha um tanto remota, do tipo em que parece que você retrocedeu algumas décadas apenas por pisar lá. Fotos de família sugerem que o herdeiro dessa posição normalmente seria um irmão mais velho que nunca é mencionado no filme; com ele provavelmente em busca de um sonho diferente, ele sente a pressão para seguir esse caminho.
Embora ainda esteja disposto a corresponder a essas expectativas, Rui procura uma válvula de escape na forma da verdadeira paixão que ele mantém escondido: a música e todo um lado sensível que pode ter mais significado sobre seu verdadeiro eu. Seu caminho finalmente se cruza com o do resto da turma na biblioteca White Cat Hat, onde Kimi trabalha e pratica, habitada pelo mesmo felino que Totsuko perseguia. Essa cor também é o resultado aditivo de suas três cores, então é apropriado que o nome de sua banda-que se forma na hora, graças ao comportamento desavergonhado de Totsuko-seja devido a esse mesmo gato. O prisma do filme está finalmente completo.
Enquanto o O trabalho de expressão no filme é distintamente de Yamada, o efeito do designer de personagens de animação Takashi Kojima também não pode ser subestimado. Os personagens mais nítidos, como Kimi em particular, estão muito mais próximos de seu trabalho em nomes como Heike Monogatari, seu papel anterior com o diretor.
Bela por si só, a paleta se torna tão importante para a narrativa quanto o título do filme indica. Não é surpresa que Yamada tenha decidido contar com o designer de coresColor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): a pessoa que estabelece a paleta geral do programa. Os episódios têm seu próprio coordenador de cores (色指定, Iroshitei) encarregado de supervisionar e fornecer aos pintores as folhas de modelo que determinado passeio exige, que eles próprios podem fazer se forem tons que ainda não foram definidos pelo designer de cores. Yuko Kobari: uma camarada confiável de diretores com um olhar aguçado para cores como Kotomi Deai de Skip & Loafer, e alguém cuja formação na era cel da animação lhe confere mais material compreensão das cores em um filme que consiste em misturá-las. Mesmo quando não apresenta uma abstração de cair o queixo das relações em massas de cores que se transformam, os tons que representam a essência de todos estão presentes sempre que a banda faz alguma coisa. Antes do primeiro treino juntos, Kimi, agora muito mais alegre, se depara com o azul intenso do mar e do céu. Quando chegam à ilha de Rui, o verde intenso os saúda; o mesmo que sempre lhe dá uma aura verde iluminada sempre que brincam dentro de sua base secreta. Não por acaso, aquele local é uma igreja abandonada, o que combina com o caráter devoto de Totsuko e suas cores quentes. Após o treino, à medida que se aproximam casualmente, todos compartilham diferentes sabores de sorvete: vermelho, verde e azul.
Essas relações crescentes continuam a ser expressas por meio de cores, de uma forma que une os três. deles, mesmo quando nem todos estão presentes. Num adorável momento de evasão escolar, Totsuko e Kimi pintam as unhas ao ritmo da música de Ushio, fazendo-o não só na cor deste, mas também num verde que lembra Rui. À medida que eles começam a fazer música juntos, o próprio software rotula as respectivas faixas com suas próprias cores. Na verdade, a primeira sequência do filme mostra uma flor rosa brilhando sobre um tapete vermelho, estendendo-se até uma capela com painéis de vidro principalmente azuis e pilares agradavelmente verdes; resumindo não apenas as cores dos personagens, mas o papel de Totsuko em conectá-los.
Apesar dessa presença constante, porém, o filme nunca parece estar martelando o assunto de maneira anormal. O toque gracioso de Yamada e Kobari é guiado pela resistência do primeiro contra a arte utilitarista; para um diretor que se baseia na vida cotidiana sem sentido e que enquadra personagens fictícios como pessoas que existem além do alcance da câmera, não seria natural fazer com que cada escolha artística tivesse um significado singular-e muito menos o mesmo-e ignorar os caprichos de suas imaginações. personalidades. Embora Totsuko sempre pegando uma maçã vermelha para o almoço provavelmente esteja ligada à sua cor, já que isso fazia parte de seu próprio exemplo introdutório, sua tendência de usar esses tons pode ser simplesmente devido ao diretor pensar que ela gosta deles. Com essa mentalidade, ela vende o elenco mais uma vez como pessoas autônomas, e não apenas como veículos pré-programados para marcadores.
Outra razão pela qual o filme evita cair na monotonia das cores do trio principal é que a paleta é mais amplamente usado para fins de contar histórias, com resultados surpreendentes. Enquanto Kimi esconde a verdade sobre o abandono de sua adorável avó, as fotos contrastam com a velha senhora imersa em cores caseiras e Kimi persistindo em corredores mais sombrios; a própria arquitetura também contribui para isso, permitindo tomadas singulares onde a avó está cercada por aquelas cores vivas enquanto Kimi está sentada na mesma mesa – exceto que ela está emoldurada pela porta escura. Entretanto, o contraste entre uma rede restritiva de ramos castanhos e folhas verdes brilhantes apresenta de forma brilhante a mãe de Rui ao grupo. Com uma apresentação tão elegante, o filme sublinha a pressão que estes adolescentes sentem, mas também que ainda estão rodeados de colegas amorosos.
O uso da cor por si só seria suficiente para contar esta história de uma forma memorável, mas para um diretor cujos filmes são tão facilmente assistíveis, a abordagem de Yamada tornou-se bastante complexa. Há muito o que apreciar na escolha do theremin como instrumento principal da banda, o que não apenas aproxima seus sons às raízes espirituais de um grupo com dois (agora um) alunos de uma escola católica, mas também confere uma sensação muito táctil à forma de tocar de Rui-algo que o aproxima das sensibilidades sinestésicas de Totsuko. Não é novidade que a atuação também o eleva ainda mais. A animação do filme nem sempre é tão precisa como durante suas atuações fortemente referenciadas, nem como era nos filmes anteriores de Yamada, mas compensa isso através de pura alegria e charme extrovertido. Através de um processo de correção que claramente envolveu não apenas o designer e supervisor Takashi Kojima, mas também a própria Yamada, os personagens principais sempre se movem de uma maneira que parece única com eles; seja o comportamento vertiginoso de Rui, a tendência de Totsuko para girar, ou as piscadelas laterais de sua colega de quarto gordinha. de qualquer forma-com conceitos que surgem do campo esquerdo, muitas vezes recorrendo a campos como matemática e física para descrever o estado dos relacionamentos. The Colors Within coloca muita ênfase nas propriedades da luz a esse respeito, como o veículo para as cores que são parte integrante de sua história, mas se apoia fortemente em outra coisa: movimentos circulares e giratórios e a ideia de gravidade que é derivado dele. Esse é precisamente o tipo de atração natural e inevitável que Totsuko sente por pessoas com almas lindamente coloridas; algo que é expresso literalmente por meio de imagens do planeta, quando Totsuko é atingida pela bola de Kimi no rosto porque ela foi enredada por sua tristeza.
Como uma criança que cresceu perto de aulas de balé, muitos dos maneirismos de Totsuko dê giros floridos para eles, e ela mesma ainda tem um sonho frustrado de interpretar Giselle adequadamente um dia-um sonho do qual ela desistiu porque seu físico e sua condição um pouco desajeitada não a permitem realizar os movimentos mais complicados. Mesmo assim, ela dá voltas e mais voltas pela vida, sem perder nada de sua alegria subjacente. Assim como os círculos que ela frequentemente desenha, assim como a dança improvisada da felicidade quando a banda volta a ensaiar junta após uma breve separação. Tudo neste filme se move dessa forma circular, e na maioria das vezes isso acontece em torno de uma protagonista que não percebe que tem o mesmo efeito atraente daqueles por quem ela gravitou; na verdade, sua atração gravitacional é mais forte, porque o significado de seu vermelho está se tornando mais claro do que nunca.
Enquanto a banda começa a praticar durante o inverno, uma tempestade de neve os surpreende, cercando Totsuko com mais branco do que nunca. Depois de uma noite deliciosa onde eles se aproximam e ela finalmente se abre sobre sua sinestesia com eles, ela acorda com um lindo cenário onde sua cor agora está vazando.
Na primeira entrada da série contínua de entrevistas com a equipe do The Color Within, Yamada se refere à música como um meio de compartilhar algo que você ama. Ao longo do filme, cada personagem principal compõe uma música original que incorpora esse espírito, mas ninguém o faz tão bem quanto a própria Totsuko. Sua música é boba, amadora, mas repleta de sua maneira honesta de se envolver com o mundo. Mais uma vez, baseia-se nesse motivo giratório e gravitacional; em seu desejo de compartilhar a cor de Kimi com o mundo, ela sente excitação (wakuwaku, わくわく) e sua mente imediatamente se volta para planetas em rotação (wakusei, 惑星). Suas letras misturam alegremente aqueles corpos celestes, sua fé e seu almoço favorito como se fosse a coisa mais natural do mundo. E, de todas as apresentações, é a dela que anima todo o público. Os alunos que a consideravam uma estranha e solitária se alegram perto de seus colegas, e as freiras dançam alegremente-novamente, nos contagiantes movimentos giratórios de Totsuko.
A primeira palavra que você pode ouvir depois dessa apresentação alegre é alguém no público gritando eu te amo. A próxima que você pode ver são as mesmas palavras estampadas no fundo – cortadas de um cenário de Ame seu Próximo para o palco. E ainda há Totsuko, que realiza seus sonhos de Giselle por meio de uma sequência onírica que finalmente lhe permite ver sua própria cor: o vermelho do amor, condizente com alguém que naturalmente anima quem se aproxima dela com honestidade. O filme (corretamente) assume que ganhou algumas voltas de vitória depois disso, incluindo uma bela materialização compartilhada da sinestesia de Totsuko através das serpentinas coloridas às vezes vistas quando os navios partem. No entanto, é dessa performance extática e do momento seguinte de autoatualização que mais me lembrarei como o belo clímax do filme mais gentil de Naoko Yamada. Isso e a música agressivamente cativante de Totsuko. Talvez assistir esse filme meses antes de seu lançamento propriamente dito tenha sido uma má ideia, porque agora estou viciado em uma música que nem consigo ouvir.
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