Horror is een breed genre met veel facetten. Voor sommigen zijn het gewoon geesten en monsters: het griezelige en het onkenbare. Voor anderen is het meer psychologisch: de verwrongen aspecten van de menselijke ziel en de angst die daarin ontstaat. En voor weer anderen is het gewoon puur, aanschouwelijk geweld: splatterhouse-bloed dat ons diepgeworteld raakt. Dit Halloween-seizoen is de perfecte gelegenheid om even te gaan zitten en naar de beste horror-anime te kijken-en het ANN-personeel is hier met onze aanbevelingen!
© Nippon Television Network Corporation
“Weet je wat de meest primitieve emoties zijn die mensen hebben is? Het is angst.” Deze gedenkwaardige dialoog, gebracht met onnodige vrolijkheid, vormt de gruwelijke, anatomisch correcte kern van Death Parade, een opvallende psychologische thriller. Death Parade combineert klassieke horrorstijlen met bovennatuurlijke intriges en een uitgewerkt sciencefictionconcept van het hiernamaals en verdient zelfs 10 jaar na de release een plekje op je griezelige seizoensvolglijst.
Wanneer gasten aankomen bij Quindecim, de luxueuze bar in art-nouveaustijl die als achtergrond dient voor een groot deel van Death Parade – ze herinneren zich niets meer. Maar de kijker wordt al snel op een tragisch geheim gewezen: dat komt omdat ze niet langer onder de levenden zijn. De schok van de overgang van een staat van leven naar de dood is zo groot dat ze zich niet alleen belangrijke gebeurtenissen uit hun eigen leven niet meer herinneren, ze beseffen zelfs nog niet eens dat ze dood zijn. Het is aan arbiters, zoals barman Decim, om gasten ervan te overtuigen barspelletjes te spelen waarbij hun leven op het spel staat: extreme situaties die extreme reacties bij hun gasten teweegbrengen, of zoals Decim het noemt: ‘de duisternis van hun ziel’. Alleen dan kan Decim zijn eigenlijke taak voltooien: bepalen of elke gast wordt beloond met reïncarnatie – of verdoemd wordt tot de eeuwigheid in de leegte. Death Parade is niet zozeer beangstigend als wel verontrustend, ongemakkelijk en verontrustend. De elegantie van de bar van Decim botst op een ongerijmde manier met de gruwelijke aard van de gezelschapsspelen. Dartborden die vitale organen uitbeelden. Bowlingballen waarin kloppende mensenharten zitten. Een airhockeytafel versierd met grijnzende schedels. Geconfronteerd met deze dodelijke strafspellen onthullen personages snel hun ware aard. Het karakterontwerp is hier een grote factor: expressieve gezichten met brede mond grijnzen of grimassen snel; onthullende ogen kunnen twinkelen van onheil of zich verwijden van afgrijzen. Death Parade’s caleidoscopische weergave van menselijke emoties suggereert de kwetsbaarheid van onze kalmte en geestelijke gezondheid. Misschien zijn we allemaal maar één doodsspel verwijderd van het onthullen van onze duistere kanten.
Death Parade is ontstaan uit een bekroond studentenproject, Death Billiards, voordat het in 2015 zijn eigen seizoen kreeg. Zelfs tien jaar later is het een must-watch. Het heeft een openingsscène die je niet kunt overslaan en die een uitbundige levensvreugde uitbeeldt die alleen een anime over de dood kan weergeven. Maar bovenal is Death Parade uniek in zijn soort. Het verhaal bevindt zich op het kruispunt van horror en sciencefiction/fantasie, wat het een uitdaging maakt om te categoriseren, maar het ook uniek memorabel maakt. De ingewikkelde regels die het hiernamaals beheersen, zouden het kunnen classificeren als duistere fantasie, terwijl de onontkoombare tragedies van de afgebroken levens van de gasten onder een meer klassieke definitie van horror vallen. Bovendien: Death Parade kan ook best grappig zijn! De humor sluit daar beter bij aan dan je zou verwachten: zolang er mensen bestaan, maken we al grapjes over de dood om het ongemak van de onvermijdelijkheid ervan te verzachten. Tussen de death games, de worldbuilding (of moet ik zeggen galaxybuilding?) en de verrassend ontwikkelde karakterbogen, gezien de korte tijd die we met de meeste van hen hebben, zijn er veel bewegende delen in dit enkele seizoen van twaalf afleveringen, maar het voelt nooit overdreven. Het is een fascinerende en angstaanjagende blik in de labyrintische wendingen van de menselijke psyche, die een onwankelbaar kijkje biedt in de mensheid op zijn meest verzilverbare – en minst verzilverbare.
—Lauren Orsini
Nog een
© 2012 Yukito Ayatsuji∙KADOKAWASHOTEN/Team Another
Er is enige ruimte voor discussie over de vraag of Another een goede horror is of niet. Het handelt zeker in een aantal campy-invalshoeken: het gebruik van poppen met kogelscharnieren, enkele manieren van doodgaan voor de cast, en misschien zelfs de hele verwaandheid van een vloek die op een specifieke klas wordt gelegd, veroorzaakt door goedbedoelende studenten die niet konden omgaan met de dood van hun klasgenoot, zijn allemaal op zijn minst een beetje flauw. Maar er is voor mij nog steeds iets speciaals aan deze show, en ik zou zeggen dat de campier-elementen nog steeds goed worden gebruikt, waardoor het verhaal op een manier wordt samengebracht die ervoor zorgt dat het werkt. Het is groter dan de som der delen.
Dat is niet verrassend, aangezien de bronromans uit de pen van Yukito Ayatsuji komen. Zijn mysterieuze mysteries zijn indrukwekkend, met name zijn roman The Decagon House Murders. Geschreven in de stijl van Agatha Christie en een eerbetoon aan haar roman And Then There Were None uit 1939, is het boek een triomf in zijn genre. Hoewel Another niet helemaal dezelfde hoogten bereikt, kunnen we nog steeds de invloed van Christie op het verhaal zien – vooral in de manier waarop je het hele mysterie kunt oplossen als je op de eerste vijf minuten let. (Dit geldt ook voor And Then There Were None.) Sterker nog, ik zou zeggen dat Another een horrorversie is van Christie’s klassieker: de wanhopige zoektocht naar een dader die zich in het volle zicht verbergt, het gebruik van poppen die de soldaatfiguurtjes in Christie’s boek weerspiegelen, en de perversie van een overblijfsel uit de kindertijd (de poging van de klas om met de dood van een klasgenoot om te gaan) houden allemaal verband met klassieke elementen uit de Gouden Eeuw van Mysterie. Het verschil is dat het bloed deze keer voor ons zichtbaar is. Maar is een paraplu door de keel echt zo anders dan de schijnbare dood door behang? (“The Blue Geranium” in Thirteen Problems) Het is pas raar als je niet weet waar het vandaan komt.
De schoonheid van Another zit in de ontvouwing ervan. Het gaat er niet zozeer om wat er gebeurt, maar wanneer en hoe het gebeurt, in het valse gevoel van veiligheid dat de personages op verschillende momenten overkomen, de frustratie dat alles klopt als ze hun hoofd maar precies de goede kant op konden draaien en het konden zien voor wat het is. Het idee dat iets goeds, een poging om een overleden vriend te herdenken, zo slecht kan worden, is misschien een klassieker in verschillende genres, maar het werkt hier vanwege de trucs uit de Gouden Eeuw die bij het schrijven worden gebruikt. Het heeft misschien niet de diepgewortelde kwaliteiten van Higurashi: When They Cry of het angstaanjagende herschreven sprookje van Magnetic Rose, maar het is nog steeds een van mijn favorieten in zijn genre.
—Rebecca Silverman
© 2001 Kouhei Kadono/MediaWorks/Project Boogiepop
Ik beschouw mezelf als een kosmopolitische horrorfan. De ruimte voor variatie en creativiteit in het genre opent het voor een breed scala aan permutaties, en ik denk dat de meeste daarvan hun verdiensten hebben. Als ik echter een favoriete vorm van filmische terreur zou moeten kiezen, zou ik kiezen voor voorbeelden die langzaam en psychologisch zijn. En weinig anime dragen deze bijvoeglijke naamwoorden met meer trots dan Boogiepop Phantom.
De grootste troef van Boogiepop Phantom – en de reden dat hij mij al bijna twintig jaar bijblijft – is zijn veeleisende beheersing van sfeer. Met de mogelijke uitzondering van zijn hedendaagse Serial Experiments Lain, roept geen enkele andere anime hetzelfde gevoel van stille angst diep in mijn borst op. Het gedempte palet, het aanhoudende vigneteffect en de stedelijke omgeving vormen samen een bijzonder claustrofobische ervaring. Dat is ook passend, gezien zijn voorliefde voor de donkere hoeken van de innerlijkheden van zijn personages. Het is een look die zowel steriel als zenuwslopend intiem aanvoelt, en in die zin komt Boogiepop Phantom waarschijnlijk het dichtst in de buurt van welke anime dan ook die de stijl van Kiyoshi Kurosawa heeft weten vast te leggen rond de tijd van zijn horrorklassiekers Cure en Pulse.
Het opnieuw bekijken van Boogiepop Phantom deed me ook beseffen hoe weinig ik me herinnerde van de plot. Dat is geen kritiek; het is eerder een erkenning van de opzettelijk duistere presentatie ervan. Dit is een vervolg op een lichte roman die ik nog niet heb gelezen, gepresenteerd op een niet-lineaire manier via een labyrintisch netwerk van mensen en relaties. Als om dat gevoel van mysterie te benadrukken, bestaat het titulaire personage gedurende het grootste deel van de première slechts als een gefluister van een gerucht. Het verhaal concentreert zich alleen op het verbinden van de draden in de tweede helft van het seizoen, dus ik neem het mezelf niet kwalijk dat ik de eerste keer niet alles heb opgepikt. Bovendien zou ik zeggen dat een gevoel van verdwaald zijn bij de anime past. Door het publiek in het ongewisse te houden over de grotere machinaties, dwingt de show ons om ons eerst op de kleinere en belangrijkere details te concentreren.
De ware angst van Boogiepop Phantom komt voort uit de thema’s en hoe fris ze nog steeds aanvoelen. Veel van deze verhalen wortelen in een diep cynisme over de toestand van de moderne samenleving. Mensen voelen zich geïsoleerd en verdrinken in nostalgie, of doen hun uiterste best om andere vormen van escapisme te zoeken, vaak met gewelddadige middelen. Hoewel we misschien een kwart eeuw verwijderd zijn van de oorspronkelijke uitzending, rimpelen deze zorgen door tot in de huidige tijd. ‘My Fair Lady’, de aflevering die ik me het duidelijkst herinnerde, verraste me nog steeds met zijn verhaal over door technologie bedwelmde waanvoorstellingen, verslaving, vrouwenhaat en zelfvernietiging. Hoewel het oorspronkelijk geschreven was over datingsims, weerspiegelt het vandaag de dag met angstaanjagende nauwkeurigheid de horrorverhalen die ik over ChatGPT heb gelezen. Misschien was Boogiepop Phantom in ieder geval niet cynisch genoeg.
Maar ik hou wel van die somberheid. Het maakt de serie enger, wat relevanter is voor het onderwerp van dit artikel, maar ik geloof ook dat de toon van de show voortkomt uit een oprechte betrokkenheid bij de waargenomen effecten van technologische ontwikkeling, economische tegenspoed en maatschappelijke paniek rond de eeuwwisseling. In de geest van die ernst probeert Boogiepop Phantom ook geen simpele antwoorden te geven. Het vertelt ons alleen dat we het verleden, het heden of de toekomst niet in onze eentje onze geest kunnen laten domineren. Vooruitgaan – als individuen en als mensheid – vereist dat we de grenzen van onze tunnelvisie doorbreken. We moeten niet door dezelfde bijziende lens naar de wereld kijken als deze personages. Anders worden we allemaal achtervolgd.
—Steve Jones
© 2024 KADOKAWA/P.A.WORKS/MAYOPAN PROJECT
Dus je bent zo ver in de lijst gekomen, en ik weet al wat je denkt:”Wat doet een vrij recente, luchtige komedie als Mayonaka Punch tegen lichaamshorror, moordmysterie en de letterlijke Apocalyps? Oké, ja, ik begrijp dat er vampieren zijn, en dat is griezelig genoeg, denk ik, maar toch, er is niets engs over Mayonaka Punch!” Maar o beste kijker, je zou het inderdaad heel erg mis hebben. Iedereen die ooit heeft geprobeerd internetinhoud te maken, weet dat er VEEL dingen eng zijn aan deze show: het bedenken van clickbait-titels voor SEO! Ik probeer zo wanhopig inkomsten te genereren met je kanaal! Te maken krijgen met giftige opmerkingen en antipathieën! Mukbangs maken die voedselmisdaden waardig zijn! En het meest angstaanjagende van allemaal: te maken krijgen met het YouTube-algoritme! Als dat je niet afschrikt, dan weet ik het ook niet meer.
Het gekke? Op de een of andere manier lijkt dit allemaal heel erg leuk in de wereld van Mayonaka Punch. Degene die dit heeft gemaakt, heeft alle kleine Kafkaëske verschrikkingen begrepen die in digitale creatie kunnen worden gebruikt, en wat is een betere manier om ze voor de gek te houden dan ze allemaal in een stukje levenskomedie te verwerken? In tegenstelling tot je favoriete YouTuber zit niemand in Mayonaka Punch met dode ogen voor zijn computer en scrollt door zijn feeds op zoek naar inspiratie. Al hun stomme pogingen om virale bekendheid te verwerven, worden gedaan met een manische vrolijkheid die aanstekelijk is-je kunt niet anders dan Live en haar bende vampirische knokploegen aanmoedigen terwijl ze bergen knoflook proberen te eten, of Jackass doen! stunts van bruggen.
De humor en het uitgangspunt zijn niet de enige dingen die Mayonaka Punch geweldig maken. Ik vind de OP van de anime absoluut geweldig. Het is anderhalve bop die sinds het begin huurvrij in mijn hoofd heeft geleefd. Het zou op dit moment zelfs in mijn top vijf van favoriete OP’s kunnen thuishoren. Het kleurenschema is een griezelig opzichtige mix van donkerrood, paars, blauw en zwart, en naast het elegante gotische landhuis waarin de Mayonaka Punch-bende woont, legt het uitbundig de beelden van horror vast zonder echt gruwelijk te zijn. Er is zelfs een tedere aflevering over het volgen van je muzikale passies die nog harder toeslaan als je de film opnieuw bekijkt, vooral nu ik de gitaar weer heb opgepakt om alles te oefenen wat ik vijf jaar geleden had moeten leren (hallo, sweep picking!).
Mayonaka Punch’s uitwisseling van schrik ten gunste van gelach weerspiegelt perfect die eigenzinnige, campier kant van Halloween. Het was voor mij liefde op het eerste gezicht om naar het verloop ervan te kijken, en ik kan echt niet wachten op de dag dat seizoen twee uitkomt.
—Jeremy Tauber
Akira
© 1987 AKIRA COMITÉ
Simpel gezegd: Akira is het spul van legendes. Deze absoluut iconische hit, die zich tussen Star Blazers en Robotech bevindt als misschien wel de meest voorkomende titels waarvan je normaal gesproken zult horen dat oudere anime-fans zeggen dat ze in de eerste plaats met anime zijn begonnen (met name deze inclusief Greg Ayres), is niet voor niets een klassieker. Verschillende redenen eigenlijk. De invloed van deze film, zowel binnen als buiten anime, kan echt niet genoeg worden benadrukt. Je kunt een hoop levendig gekleurde inkt morsen als je praat over de enorme culturele en artistieke impact van deze film, maar vandaag zijn we hier niet voor een geschiedenisles. Laten we het in plaats daarvan eens hebben over wat dit cyberpunk-hoofdbestanddeel tot een goede keuze maakt om je in een griezelige stemming te brengen.
Ik weet wat sommigen van jullie denken: ja, we zouden hier de hele dag kunnen zitten en discussiëren over de vraag of Akira al dan niet als een horrorfilm geldt, en in het verlengde daarvan, of het wel of niet jouw grote Halloween-filmmarathon waard is. Maar weet je waar we niet over konden debatteren? Hoe maken ze geen bloed en body-horror zoals ze dat in de jaren 80 deden? Er was sprake van hypergeweld, en niets verkoopt op dezelfde manier als liters dik, felgekleurd, nauwgezet met de hand gesmolten bloed en ingewanden. En Akira brengt dat in het laatste stuk op een 11. Het meest aangrijpende moment (met het risico dat ik iets bederf, noem ik het gewoon “dat ding dat gebeurt en dat begint met Tetsuo’s arm”) is meer dan vervelend genoeg om je huid te laten kloppen en je maag te laten kruipen. Dus zelfs als het geen horrorfilm is, is het in zekere zin nog steeds een enge film. Dus om die reden, omwille van deze lijst, telt het.
Het is geen wonder dat body horror bij Akira past als een handschoen van vlees, met een stel griezelige beestjes die net onder het bovenste oppervlak rondscharrelen. Meer dan de meeste andere subgenres van horror, leeft of sterft body horror vaak door hoe goed de beelden zijn. En Akira is niets anders dan een van de grootsten aller tijden als het gaat om animatie van welke aard dan ook. Elk van de meer dan 160.000 graden Celsius is een artistiek werk op zichzelf. Ongeacht hoe je over de rest van de film denkt, het visuele en stilistische genie dat voortdurend (letterlijk) in Akira te zien is, valt niet te ontkennen. En het blijkt dat dezelfde handen die tot op de dag van vandaag veel van de beste en meest adembenemende stadsgezichten van anime kunnen produceren, net zo goed in staat zijn om de meest groteske lichaamshorror te creëren waaraan het menselijk oog ooit is blootgesteld. Simpel gezegd is Akira de gouden standaard als het gaat om lichaamshorror in anime.
Het slechte nieuws is dat je inderdaad moet wachten tot de laatste momenten van deze twee uur durende film voor alle lichaamshorror in al zijn misselijkmakende glorie. Het goede nieuws is dat Akira over het geheel genomen een briljante film is, dus het zal een goede tijdbesteding zijn in een van de meest prachtig geanimeerde anime-werelden waar vaak naar wordt verwezen. Over Akira wordt meestal gesproken als een must-watch voor (sterke maag) liefhebbers van cyberpunk, jaren 80-gerechten, anime of animatie in het algemeen-en voor alle duidelijkheid: dat is het ook. Maar als het thema van je Halloween-griezelfilmthon lichaamshorror is, dan moeten de gelijke delen opmerkelijke en weerzinwekkende Akira absoluut op je radar staan.
—Kennedy
Higurashi: When They Cry Seizoen 1
© Er is iets aan het medium dat het moeilijk maakt om een echt enge anime-horror. Het is gemakkelijk genoeg om bloederige scènes te creëren en brute gevechten tegen kwijlende monsters te animeren, maar in tegenstelling tot live-action horror is er een aangeboren kloof tussen geschilderde afbeeldingen en het echte leven. Dus hoewel er genoeg anime met een horrorthema is, kan ik er maar een paar als echt verontrustend beschouwen. Behalve Higurashi: When They Cry.
Gebaseerd op een reeks ‘sound novels’ (geluidsoverheersende visuele romans zonder vertakkende verhaallijnen) van Silent Hill F-schrijver Ryukishi07, over verschillende tv-seizoenen en OVA’s, omvat Higurashi: When They Cry in totaal honderd afleveringen. Terwijl latere seizoenen hun tegenstanders hebben, wordt het eerste seizoen van zesentwintig afleveringen (2006) door critici bijna universeel geprezen als een mijlpaal in anime-horror.
Higurashi: When They Cry speelt zich af in het fictieve Japanse bergdorp Hinamizawa en volgt de tegenslagen van een groep schoolgaande vrienden, terwijl ze meerdere keren worden gemarteld en vermoord in een zich eindeloos herhalende tijdslus. De show is bijna onverbiddelijk intens, somber en doordrenkt met een doordringende sfeer van verstikkende paranoia. Bijna iedereen kan – en wordt – een moordenaar worden. Misschien wel een van de engste aspecten zijn de diep verontrustende karakterontwerpen. Of het nu opzet is van Studio DEEN of niet, de misvormde gelaatstrekken van de kleine kinderen, met onwaarschijnlijk grote ogen en vreemd geplaatste monden en neuzen, dragen alleen maar bij aan de sfeer van verkeerdheid, vooral tijdens de scènes van vaak misselijkmakend geweld.
De scène die gratis in mijn hoofd (en in mijn nachtmerries) wordt geleefd, komt uit aflevering 17 en staat online op gedempte toon bekend als’de vingernagel scène”. Iedereen die ooit per ongeluk een vingernagel heeft afgescheurd of iets eronder vast heeft zitten, kan huiveren bij de erkenning dat vingernagelmisbruik een bijzonder onaangename vorm van marteling is. In deze scène dwingt de groenharige tiener Mion, op aandringen van haar machtige familie, haar eeneiige tweelingzus Shion om haar hand in een brutaal uitziend apparaat te plaatsen en op traumatische wijze haar eigen vingernagels af te rukken als boetedoening voor haar verliefdheid op de verkeerde jongen.
Shion’s aanvankelijke zwakke bravoure ontaardt in gejammer en bedelen terwijl ze ongelooflijke niveaus van pijn en vernedering ervaart. De scène is bijna volledig verstoken van bloed en bloed, afgezien van de spijkers die uit hun bed zijn gescheurd. Er zijn geen monsters, geen bovennatuurlijke verschrikkingen, geen seriemoordenaars. Alleen familiale verplichting en dwang. Het sluiten van je ogen doet ook niets af aan de kracht van de scène, want ongeacht of je ze nu in dub-of subvorm bekijkt, de geluidseffecten en het gekwelde geschreeuw van Shion zijn vrijwel ondraaglijk om te ervaren. Wat nog erger is, is dat het lijden van Shion in wezen niets oplevert. Hoewel haar familie haar’vergeeft’, kan hetzelfde niet gezegd worden over het voorwerp van haar genegenheid. Het is een verwoestende, pijnlijke scène in een show die er tot de nok mee gevuld is.
—Kevin Cormack
© PSYCHO-PASS-commissie Onder licentie van Fuji TV via FCC aan Funimation® Productions, LLC. Alle rechten voorbehouden.
Er zijn allerlei enge dingen. Springangsten die je doen gillen, die griezelige, rillingen over je rug, psychologische horror, gewelddadige grotesqueries, fantasiemonsters en monsters uit het echte leven. Dan is er nog het angstaanjagende waarbij je om drie uur’s nachts wakker wordt, naar het plafond staart, klaarwakker, en voor de derde nacht op rij een aanhoudende gruwel ervaart. Dat is het enge dat je krijgt met seizoen 1 van Psycho-Pass, van Aya Fukuda, Gen Urubochi en Makoto Fukami.
Dit seizoen combineerde verschillende veel voorkomende horror-elementen: we hebben onze standaard, uit de hand gelopen AI als basis, een kleine seriemoordenaar met een systeemhack voor een herkenbaar tintje, en een politiestaat waarin de persoonlijke vrijheid beperkt is als topping. Maar wat mij’s nachts wakker hield, waren de veel reëlere en verraderlijkere verschrikkingen. Het was specifiek een scène die het Bystander Effect benadrukte, met een sciencefiction-twist, maar het was niet de dystopie die angst aanjaagde.
De scène leeft levendig in mijn geheugen. Een vrouw wordt in het openbaar aangevallen, omringd door mensen die het geweld waarvan ze getuige zijn, niet kunnen registreren. Het was een goed geanimeerde scène van een vrouw die op de stoep lag in een druk winkelgebied en werd doodgeslagen terwijl niemand iets deed. Een vrouw zijn die door iemand wordt belaagd terwijl niemand het lijkt te merken. Er is een oude kastanje over heteroseksueel daten waar mannen bang voor zijn uitgelachen te worden, en vrouwen bang zijn om vermoord te worden. Veel vrouwen hebben te maken gehad met intimidatie en zelfs mishandeling op plaatsen waar hulp beschikbaar had moeten zijn. Er is dus een fysieke en emotionele spanningsreactie op deze scène die je misschien niet ziet, en die is inderdaad absoluut cruciaal voor het verhaal, terwijl niemand helemaal iets doet.
Ik zou geen gruwelijker scenario kunnen bedenken als ik het probeerde. Fantasiemonsters, geluiden in het donker, ze spreken iets oers in ons aan. Psychologische horror speelt met de dissonantie tussen ons hagedissenbrein en de moderne volwassen logica waarvan we volhouden dat die de onze is. We weten dat dit ding de regels van de natuurkunde en de natuur niet kan schenden; niettemin zijn we bang dat dit zou kunnen gebeuren, of dat dit zo is.
Maar Psycho-Pass maakt op veel manieren gebruik van het limbisch systeem. Door ons voor te bereiden op het willen van orde en vrede, door ons aan de kant van de politie te plaatsen die begrijpt dat de vrijheid van sommige mensen moet worden opgeofferd om veiligheid voor de massa te creëren, kunnen we, wanneer het systeem vreselijk misgaat, alleen maar hulpeloos toekijken, als een eenzame omstander die de aanval ziet, maar niet kan schreeuwen om hulp.
Voor een angst die dagenlang blijft hangen en zelfs jaren later nog steeds sporen achterlaat, raad ik Psycho-Pass seizoen 1 aan. Waarom alleen seizoen 1? Omdat Makoto Fukami, ondanks alle dood en terreur die mij nog steeds nachtmerries bezorgen, zijn lesbiennes nooit pijn zal doen.
—Erica Friedman
© 2017
Als mensen hebben we een oerangst voor het onbekende. Het is een van de meest fundamentele gevoelens die onze daden bepalen, zowel in de beschaafde samenleving als in onze meest rauwe, dierlijke keuzes. Ironisch genoeg worden we ook aangespoord om het onbekende na te streven – om erin te duiken en het te verkennen om onze nieuwsgierigheid te bevredigen, zelfs tegen de innerlijke stem in die tegen ons schreeuwt dat we het niet hoeven te weten. Zo zijn er talloze ontdekkingen gedaan en zijn er nog meer levens verloren gegaan. Misschien wel het engste aan het onbekende is de uitgestrekte onmeetbaarheid ervan: soms is wat ons te wachten staat in de duisternis waarin we ons storten niet de opluchting van iets dat voor de menselijke geest overkomelijk is, of de persoonlijke groei die we hebben verworven door er doorheen te vechten. Soms is wat daar beneden gebeurt nog erger dan we ons ooit hadden kunnen voorstellen.
Made in Abyss is een anime-serie over het oerverlangen om het onbekende in te duiken. Riko is nominaal op zoek naar antwoorden over de verdwijning van haar moeder, terwijl de robot Reg probeert meer te weten te komen over zijn eigen afkomst. Maar deze zeer menselijke zoektocht naar kennis wordt getemperd door wat ze al weten over de Abyss: de manier waarop het niet alleen opslokt, verplettert en vervormt wat er een voet in zet, maar ook wat durft te proberen er daarna weer uit te komen. Riko en Reg hebben, voordat ze al vroeg in het verhaal beginnen af te dalen, stilzwijgend geaccepteerd dat ze niet terug uit dat verdomde gat klimmen, en zelfs als ze dat wel doen, zullen ze niet meer hetzelfde zijn.”Het gaat niet meer terug naar hoe het vroeger was.”
De aangrijpende weergave van het afdalen in het onbekende is wat de horror van Made in Abyss zo krachtig maakt, zelfs naast de andere anime-accessoires zoals actiescènes, prachtige wereldopbouw en rare perverse dingen (en eigenlijk zijn rare perverse dingen zijn eigen stand-by-element van horrormedia, dus het is volkomen toepasselijk). Zelfs als de schattige personages zich afvragen wat er om de volgende hoek gebeurt, schuwt de show nooit het feit dat dit hellelandschap in een gat iedereen erin kan en zal doden zonder erbij na te denken. Het tilt dat gevoel naar ware terreurniveaus in inzendingen als de tiende aflevering van het eerste seizoen, waarin de lichaamsverminkende gevolgen worden weergegeven van te onzorgvuldig omgaan met het soort wezens dat in deze verzonken nachtmerrie leeft. Het laat zien wat er gebeurt met de wanhopige reactie van Riko en Reg erop met terloopse wreedheid op een manier die je mond doet uitdrogen en je ogen naar het scherm staren. Ondanks de fantastische attributen is het een zeer geloofwaardige, herkenbare horror.
Hoe beangstigend de flora en fauna van de Abyss ook zijn, de serie maakt dubbel duidelijk dat de mensen, de bewuste wezens die op de een of andere manier hun thuis vinden in dit ding, nog meer gevreesd moeten worden. De torenhoge Ozen is een onderdrukkende, imposante kracht die de kinderen dwingt tot een verhardende training, en zij is ogenschijnlijk een van de aardigere bewoners. Het is de koude, verwrongen moraal van Bondrewd die de ware nachtmerries laat zien die mensen hun verwanten kunnen aandoen. Wat hij in flashback met Nanachi en Mitty doet, vormt de basis voor het zichtbaar worden van de misstanden. Als je speciaal voor je Halloween-filmmarathon een film nodig hebt, kun je Made in Abyss: Dawn of the Deep Soul opzetten om de knagende angst te ervaren dat er vóór het einde iets vreselijks met iemand zal gebeuren door toedoen van Bondrewd. Jij en de personages zullen het nog lang moeten dragen.
Er is dat gevoel van doorzetten, van volharden in Made in Abyss en zijn verschrikkingen, maar het is bitterzoet in het licht van al het andere dat naar deze schattige kinderen wordt gegooid. Maar dat is precies wat de serie zo krachtig maakt, en zo perfect als ervaring van angst als emotie. Elke kleine overwinning van een stap die wordt gezet terwijl ze in leven blijven, brengt Riko, Reg en Nanachi alleen maar in een nieuwe laag die nog gekker, angstaanjagender en onkenbaarder is dan de vorige. Het verhaal maakt gebruik van die oermenselijke emotie die ons ertoe aanzet zelfs de donkerste verschrikkingen te verkennen, zowel binnen als buiten de verhalen: waar we onze stoel vastgrijpen met zweet en angst, gedwongen om te zien wat er gaat gebeuren, maar toch bang zijn om dat te doen, juist omdat we niet weten wat het is.
–Christopher Farris
©本郷あきよし・フジテレビ・東映アニメーション
Als ik het heb over goede horror-anime en welke shows eigenlijk het label waardig zijn, denk ik het gevoel hebben dat de horror van kinderen vaak over het hoofd wordt gezien in het gesprek. Zeker, de beperkingen om kindvriendelijk te moeten zijn, betekenen dat je niets zo grafisch kunt krijgen als meer op volwassenen gerichte horror, maar terughoudendheid hoeft niet altijd een slechte zaak te zijn, en soms kun je iets enger maken door implicaties in plaats van iets expliciets te laten zien. Dat is het geval voor Digimon Ghost Game, dat, ondanks dat er zelden een druppel bloed te zien is, erin slaagt angstaanjagend te zijn op manieren die zowel bij kinderen als volwassenen nachtmerries kunnen veroorzaken.
Vergeleken met veel andere Digimon-inzendingen, die de neiging hebben een groot overkoepelend plot te hebben, is Ghost Game een zeer monster-van-de-week-serie met een eenvoudige formule. Onze helden, Hiro, Ruli en Kyoshiro, zullen een paranormale verstoring onderzoeken, en nadat ze erachter zijn gekomen dat deze verstoring werd veroorzaakt door een Digimon, zullen ze meestal met hun eigen Digimon-partners vechten totdat ze erachter komen dat de Digimon in kwestie alleen maar kwaadaardig handelde vanwege een misverstand over hoe de dingen in de mensenwereld werken. Soms zal dit misverstand een Digimon-dokter zijn die patiënten mummificeert nadat ze op tv over mummies hebben gehoord, en andere keren hebben de kinderen misschien te maken met Digimon, hongerige roofdieren of seriemoordenaars, waarbij het misverstand is dat deze buitenaardse wezens niets verkeerds zien in het aanvallen van mensen of andere Digimon. Ongeacht hoe bedreigend de Digimon van de week eigenlijk blijkt te zijn, hun acties vóór elke oplossing worden vrijwel altijd uit horror gespeeld, en de show haalt behoorlijk wat kilometers uit hen. Een Digimon die ervan houdt pompoengezichten uit te snijden lijkt misschien volkomen onschuldig, maar het is een ander verhaal als hij zegt dat Digimon pompoenen op de hoofden van mensen legt voordat hij ze uitsnijdt, en we worden getrakteerd op POV-opnamen van de slachtoffers die voortdurend een mes naar hun gezicht zien komen, terwijl ze alleen maar in paniek kunnen toekijken.
Hoewel het episodische formaat van de show betekent dat niet elke aflevering een winnaar is op het gebied van horror, is het wel zo dat wanneer de aflevering toeslaat, dit wel het geval is. hits, en het kan een aantal werkelijk verontrustende scenario’s opleveren. Een goed voorbeeld hiervan is de aflevering’Whispers of the Dead’, waarin Kyoshiro wordt achtervolgd door een Digimon die op zoek is naar een vriend om zich bij hem aan te sluiten in het hiernamaals, en de herhaalde pogingen moet vermijden om hem door willekeurige ongelukken te vermoorden, waarbij ze in principe allemaal doordrenkt zijn van zoveel mogelijk spanning om het concept te verkopen. In een andere aflevering,’Cannibal Mansion’, wordt Ruli’s partner Digimon, Angoromon, herenigd met een oude vriend om er vervolgens achter te komen dat de vriend een voorliefde heeft gekregen voor het eten van mensen, en er zo verslaafd aan is dat ze weinig andere keus hebben dan hem neer te halen, wat zorgt voor een even tragisch als zenuwslopend stukje horror. My personal winner for its most frightening episode, however, is “The White Bride,” which sees a group of mushroom-themed Digimon kidnapping brides to harvest mushrooms from their bodies for their own consumption. As strange and creepy as that sounds by itself, it’s nothing compared to the image of seeing these women having mushrooms violently plucked from their bodies, which is played so disturbingly straight that the fact this episode made it onto a Sunday morning timeslot without any notable pushback remains one of life’s greatest mysteries. If anything is holding this show back as a great piece of kids’horror, it’s that the show lacks an English dub as of this time of writing, which severely limits its ability to reach its target demographic in English-speaking territories. That said, if you’ve got a kid who’s okay with reading subtitles and nothing here sounds too scary for them, or you’re an adult who’s down for some quality spooky kids’fare, this show has plenty of frights to offer.
—Jairus Taylor
