City: The Animation eindigde met nog een andere explosie van uitbundige animatie, ontwerp en muziek om de gevoeligheden van Keiichi Arawi en zijn vreugdevolle thema’s vast te leggen. Laten we nog een laatste keer kijken naar deze all-timer productie… en wat de volgende is voor Kyoani, terwijl we bezig zijn.
Ons eerste stuk gewijd aan City: de animatie was bedoeld als een inleiding tot zo’n uniek project, terwijl de tweede een gedetailleerde chronicle van zijn productieproces was, de betrokkenheid van de originele auteur kei in het breek van de normale koelingen. gemanifesteerd in de meeste run van de shows. Dat was veel informatie om te verwerken, maar nu het is gedaan, kunnen we achterover leunen en ontspannen terwijl we de laatste twee afleveringen observeren-een houding meer passend over de sfeer van City, eerlijk gezegd.
Aflevering #12 komt door de hand van regisseur en storyboarder Noriyuki kitanohara . Hij is een van de meest actieve aanwezigheid in de show gebleven, ondanks dat hij er ook jongleert met de film maidragon Come 2024; Nogmaals, als je een nauwkeurige kijk op de productietijdlijn voor de studio wilt, wordt het aanbevolen om onze vorige stadsschrijving te bekijken. Daar hebben we iets benadrukt dat weer duidelijk wordt: Kitanohara is erg compatibel met een serie als deze. Als een animator die sinds het begin van de jaren 90 actief is, met een brede vaardigheden, maar ook een voorliefde voor agressieve 2D-bezuinigingen, is hij goed geschikt voor de wens van de stad om de rol van de animator te benadrukken als een allesomvattende figuur en ideoloog van Fun Bombast.
Er zijn een paar redenen waarom, in vergelijking met zijn vorige afleveringen, Kitanohara de animatie niet zo wild uithaalde; Dat wil zeggen dat het nog steeds belachelijk is volgens normen van tv-anime, maar binnen de stad is het ondergeschikt aan andere interesses. De eerste zou vrij snel moeten opvallen: aflevering #12 heeft tot nu toe de meest muzikaliteit in de richting, dus de visuals vergezellen die audio hand in hand in plaats van zelf te rennen. De vroege skit die dit voor de hand liggend maakt, richt zich op Niikura die de hanger opnieuw aanspreekt die ze al jaren achtervolgt-degene met een foto van Nagumo, die altijd dreigt haar inspirerende verliefdheid bloot te stellen aan elke andere burger. De bizarre finale van haar zoektocht werd oorspronkelijk verteld in een hoofdstuk met in wezen geen dialoog, die in plaats daarvan vertrouwde op haar interne vertelling. En omdat dit de stad is, betekent dit dat ze op de een of andere manier diepe gedachten worden blootgesteld als ze geconfronteerd wordt met een wezen dat zo onbegrijpelijk is dat alle mythologische wezens die in de stad zijn verzameld, erdoor worden verbijsterd. De loutere aanwezigheid ontspoort Niikura tijdens een van de belangrijkste missies in haar leven, wat leidde tot een strijd voor de leeftijden.
Het was een gegeven dat een regisseur als Kitanohara ervoor zou zorgen dat een moment als dit een geweldige animatie kreeg. We hebben 2D-effecten die de suprematie-houding van de show belichamen, terwijl het schattige, cartoonachtige acteren de oorspronkelijke aantrekkingskracht van Arawi behoudt. Explosieve bezuinigingen en suggestieve visuele concepten die samenwerken, net zoals het erin slaagt cartoonachtige veelvouden en onmogelijke lopende vormen te combineren met schoten die de nadruk leggen op de bodybalans. En waarom niet, enkele goede stoten ook.
Bovenal is er echter een hilarische synergie tussen de cadans van de gebeurtenissen en het gebruik van muziek over de 6+ minuten van deze gag. In dit avontuur zonder dialoog nam de anime de volgende stap en verwijderde ook de gedachten van Niikura, waardoor de kijker zich afvroeg wat er in godsnaam gebeurt als De gebeurtenissen soorten href=”https://x.com/yuyucow/status/1969823285371195593″> met de keuzes van klassieke muziek . Omdat City: de animatie is toegewijd aan het feit dat Araki alle productiecredits met de hand laat schrijven, betekent dit ook dat de oorspronkelijke auteur zorgvuldig de lange titels moest schrijven voor de hier gebruikte Bach-en Franz Liszt-stukken. Nu kan dit hem amusant zielig klinken, maar overweeg het volgende: we weten wel dat, terwijl ze slapen in dezelfde kamer als Directory Director: (監督, Kantoku): de persoon die verantwoordelijk is voor de hele productie, zowel als een creatieve beslisser en de uiteindelijke supervisor. Ze overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Series met verschillende niveaus van regisseurs bestaan echter wel-hoofddirecteur, assistent-regisseur, serie-afleveringsregisseur, allerlei niet-standaard rollen. De hiërarchie in die gevallen is een case per case scenario. Taichi Ishidate Tijdens de planningsfase deelde hij enkele muziekvelden waardoor ze allebei’s nachts kakelden. En dus is er een realistische kans dat Arawi deze schrijfopdracht op zich heeft gebracht. Maar de moeite waard!
De volgende skit blijft die kwaliteiten belichamen, dit keer met het ritme dat sterk gebonden is aan de BGM van de show. De emotionele achtbaan van de hele stad terwijl ze een tumultueuze paardenrace volgen, is een leuke tijd op zich, vooral met zijn ritmische levering. Dat gezegd hebbende, het is het verband met de belangrijkste doelen van de stad die het zo opvalt. Een van de terugkerende treinen van Ishidaat ging over het werk van Arawi dat uitblinkt in zijn vermogen om je de hows en waarom achter zijn surrealistische humor voor te stellen, en voor de hele gag richt de show zich daar precies op. Net als in de manga zien we zelfs nooit een glimp van de race waar dit avontuur om draait. In plaats daarvan worden we gedwongen om een belachelijke reeks gebeurtenissen voor te stellen, met verdwijnende jockeys en paarden die eigenlijk verschillende dieren zijn, omdat de reacties van de gokkers wild slingeren. Als u uw compatibiliteit met het werk van Arawi wilt testen, is het bekijken van dit hoofdstuk misschien een goed begin. Na zo dicht bij de laatste aflevering te zijn gekomen, en vooral met de focus op één verhaallijn die de twee naaste personages in de serie dreigt te scheiden, is er een vleugje melancholie die stad nog niet echt heeft gehad. Het spook van de scheiding van Matsuri en Ecchan is gedurende de hele show gedwee-het is deel van wat hun schattige avonturen samen maakt, omdat je weet dat de tijd die ze delen eindig is. Maar het is nu alleen dat je het in de aflevering in de aflevering kunt voelen om de framing-en kleurkeuzes vast te houden, zelfs voordat Ecchan haar eigenzinnige scheidingsritueel doorloopt. Om erachter te komen of dat echt het einde van hun relatie is, moet je afstemmen op City: The Animation #13.
Voordat we volledig in de laatste aflevering duiken, laten we een kijkje nemen op de dagen die voorafgingen aan de uitzending. Om precies te zijn, moeten we praten over het kernpersoneel voor deze finale, die al openbaar werd gemaakt-zoals het altijd is-een preview naast een preview dat sommige mensen kan hebben verrast. De terugkeer van de Directory Director van de serie Directorseries: (監督, Kantoku): de persoon die verantwoordelijk is voor de hele productie, zowel als een creatieve beslisser als de uiteindelijke supervisor. Ze overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Series met verschillende niveaus van regisseurs bestaan echter wel-hoofddirecteur, assistent-regisseur, serie-afleveringsregisseur, allerlei niet-standaard rollen. De hiërarchie in die gevallen is een case per case scenario. en personage-ontwerper om de laatste aflevering te leiden was een gegeven; Het is een gebruikelijke praktijk binnen tv-programma’s, en een die Ishidate heeft gehandhaafd in zijn eigen, altijd persoonlijk geboekte projecten. En toch zijn er meer makers aan hun zijde. Het geheel van de run van de stad, hoe ontmoedigend de werklast ook was, was geleid door een enkele regisseur en storyboarder, vergezeld door een animatieregisseur. Dat wil zeggen, tot de finale.
je kunt verleiden tot een lichte uitzondering, maar een lichte uitzondering, maar een lichte uitzondering, maar een lichte uitzondering, maar een lichte uitzondering, maar een lichte uitzondering. Assistent-animatie-directeur bij Kyoani betekent een newbie-leren onder een veteraanvleugel voor hun debuut in een functie. Die verplichte stap is er een die we onlangs hebben gezien voor Kouhei Okamura (Assistant Episode Director op Eupho S3 #13 voordat hij City #10 alleen behandelde), Ryo Miyagi (assistent van ISHIDATE op de vijfde aflevering van die show, vóór Gradual wordt een Solo-leider; Assistent van Ikeda ook in Tsurune S2 #04, en wordt een solo-supervisor door de achtste aflevering… en niet zo veel later, de ontwerper en hoofdanimatieregisseur die we nu bewonderen. Kortom, het is een studiopraktijk, niet iets dat verband houdt met de productie van die specifieke aflevering.
Wat is er dan met de finale van de stad? Hoewel nauwelijks druk, vooral door de gênante normen van de huidige tv-anime, heeft het twee regisseurs en drie animatie-supervisors binnen een show die de perfecte cohesie had gekoesterd die je kunt halen uit individueel LED-inspanningen. Een ding om in gedachten te houden als de industrie geleidelijk verschuift naar gecontracteerd personeel, is dat, zodra u mensen betaalt voor het werken met u in plaats van alleen voor wat zij leveren, u ze goed moet gebruiken. In een studio waar iedereen een fulltime werknemer is, en waar nauwelijks werk voor andere bedrijven is gedaan, dat moet slim zijn met de toewijzing van werk; Anders heb je mensen met niets te doen voor een maand achter elkaar.
Hoewel producties normaal gesproken aan de gang zijn, zal dat waarschijnlijk niet gebeuren. De rotatie van de stad is buitengewoon regelmatig, met 5 eenheden belangrijke animators die na elkaar in perfecte volgorde verschijnen. De 3-in-betweening-groepen deden min of meer hetzelfde, net als de regisseurs en supervisors die vaak gehecht waren aan exact dezelfde groep belangrijke animators. Maar wat gebeurt er als 5 groepen proberen te roteren binnen een show met 13 afleveringen? Tegen het einde van de run zouden twee van hen niets te doen hebben. Als we naar de animatieregisseurs kijken en de Tokuyama bij voorkeur in de finale glijden, realiseren we ons dat de volgende supervisors die een aflevering zouden ontvangen kayo hikiyama en nobuaki maruki zou zijn-die te zeggen is, de twee die haar bij haar hebben gekregen. Hoewel er een beetje meer fluctuatie onder de regisseurs is, was de eerste die hun toegewezen afleveringen afsluit en zonder een volgende taak om verder te gaan Takuya Yamamura . Zie, hij is degene die ishidaat vergezelt voor de finale. Bijna zoals personeelsbeheer is belangrijk!
Is dat echter het volledige verhaal? Niet helemaal. Natuurlijk, City was lang de focus van de studio, maar het is nauwelijks het enige project in de maak in Kyoani. Hadden ze echt gewenst, ze hadden elders een rol kunnen vinden voor deze plotseling beschikbare medewerkers. Eerlijk gezegd, als het een regelmatige laatste aflevering was geweest, waren ze misschien geneigd om ze weg te schuiven naar een bepaalde set films die al in de maak waren. Maar wanneer heeft City normaal gesproken iets gedaan? Voordat de uitzending zelfs was begonnen, waarschuwden het personeel en de cast-prescreen kijkers dat bepaalde afleveringen gewoon niet van deze wereld waren, vaak wijzend op de vijfde… en de allerlaatste aflevering. Wetende dat de serie gekke normen heeft, en hebben gezien wat de andere afleveringen die ze als speciaal hadden genoemd, echt generatie waren, zou het gemakkelijk moeten zijn om te begrijpen dat de finale die betrouwbare, plotseling beschikbare veteranen graag zou gebruiken. Dit is nauwelijks een tekortkoming, maar eerder een gevolg van de ideeën en toon die ze op de voorgrond wilden zetten. De laatste scène in het originele werk is in feite degene die deze finale opent; Een moment niet van bombast en fanfare, maar van een stillere realisatie voor Nagumo. Het blijkt dat dit ondeugende maar ernstige meisje geobsedeerd is geweest door het meest vermakelijke leven te achtervolgen… voordat hij zich realiseerde, voordat het hectische leven in deze stad al veel vermakelijk was. De veranderingen in het startpunt voor de serie, die Arawi briljant vond, werden gemaakt zodat de eerste aflevering al het begin van die eenvoudige, charmante karakterboog aangeeft. Altijd gemakkelijker om zulke momenten te verkopen wanneer je esthetiek zo nonchalant mooi is , weet je. en hun gevreesde scheiding. Het is vermeldenswaard dat hun hele verhaallijn degene is die iets meer losgekoppeld is van de rest, behalve het feit dat ze allebei deel uitmaken van het hilarische ecosysteem van de stad. Natuurlijk, je kunt hard genoeg knijpen om hun manier om de toekomst onder ogen te zien te verbinden met Nagumo’s eigen zoektocht en dat thema van dromen, maar de waarheid is dat het geen grote rol speelde in de anime vanwege zijn thematische cohesie. Dat deed het omdat die twee kinderen de kostbaarste wezens ter wereld zijn, en dat is goed genoeg van een reden.
In de manga krijgen deze twee slechts gedeeltelijke aandacht te midden van de drukke gebeurtenissen van het laatste deel. Het is niet alsof er geen zorg wordt besteed aan hun laatste momenten samen, maar er is een niveau van nadruk in de anime die deze resolutie nog effectiever maakt. Veel hiervan is te danken aan de pure looptijd (het duurt iets minder dan 10 minuten in de finale) en de finesse in de weergave van tedere, emotionele beats die we van Kyoani-regisseurs verwachten. Maar dit is ook City: The Animation, een project onder leiding van een gekke animator en een nog meer demente auteur die in zijn oor fluistert. Natuurlijk is er meer dan dat.
En dat is waarom bijvoorbeeld, in plaats van een fiets naar het vliegveld te rijden zoals ze deden in de manga, Matsuri en de betrouwbare Adatara daar met paard. Een paard dat eigenlijk mensen is met een slordige vermomming, zonder expliciete uitleg. Als je echter een goed geheugen hebt, zul je je herinneren dat een van de gebeurtenissen die in de race van aflevering 12 zijn verteld, een deelnemer was die werd gediskwalificeerd over een ander paard bijt-die een gazelle is, vraag niet-in de keel . En Dat is inderdaad hun ros , wat betekent dat de dader achter dergelijke brutale acties in feite een paar mensen in dierenpak was… en dat er meerdere redenen waren om hen te diskwalificeren uit een paardenras. Een heerlijk Arawieske toevoeging die de constante verbinding tussen gebeurtenissen bevordert, en ook een groot excuus om de snijwonden onderweg in te zetten met meer ritmische, grappige dynamiek.
contrasteren met die aspecten van het bronmateriaal waar de Finale zich uit breidde, er zijn anderen die het om een eenvoudige reden hebben neergeschoten. Geen van de keuzes die de aanpassing op een concreet verhalenniveau heeft gemaakt, heeft de gebeurtenissen die worden verteld echt veranderd; Naar het verhaal was iets later niet meer veranderd Nagumo’s plaats van werk in de eerste hoofdstukken, net zoals het samenvatten van Riko’s Sleepwalk het niet stopte. We hebben misschien niet een heel hoofdstuk gezien dat is gewijd aan de oma die een paar burgers in elkaar sloeg, maar in de zijvignetten van afleveringen zoals het herenhuis en de race zijn we blijven zien reviezen. Voor alle kleine wijzigingen in de aandachtspunten hebben ze ervoor gezorgd dat ze elk later element dat erop is gebouwd, hebben aangepast-een voor de hand liggende reden waarom Arawi de leiding had over het proces naast Ishidate.
Hetzelfde geldt voor het hoogtepunt van de serie. In aflevering #12 zou je al kunnen zien posters die verwijzen naar de verkiezing die oorspronkelijk een einde maakten aan de evenementen van de stad. Dit wordt ook kort genoemd in de finale, dus het is eerlijk om aan te nemen dat het ook in de continuïteit van de anime is gebeurd. Net als eerdere grootschalige evenementen, dient dat Mini-Arc eenvoudig als een excuus om tonnen burgers te verzamelen in een onderling verbonden avontuur; En als de laatste, stelt het hen in staat om meerdere zijverhalen af te ronden. Gezien de afhankelijkheid van relaties tussen personages die in de zijlijn van de anime zijn gebleven, zou een eenvoudige aanpassing echter niet veel gewicht zijn. En dus, met nog 15 minuten van de resterende finale, keren we terug naar één wens: het gedeeld sentiment van Arawi en Ishidate dat de anime dingen nog verder moet escaleren, het feit dat het nu een animatiewerk is. Voor een keer, en ondanks dat de auteur nog steeds zo betrokken is als altijd, betekent dit dat de stad: de animatie ervoor kiest om te sluiten op een volledig originele noot.
Krijg het, merk op, omdat ze een musical hebben bedacht.
als schandalig een idee als het is, vond ik mijn reactie op de stad eindigend met een lange muzikale act om te zijn”van [expletive] cursus het deed!”De snelle wending van grote verrassing naar geamuseerde conformiteit is niet omdat de vorige aflevering de muzikaliteit van de levering benadrukte, alsof het publiek klaar is. Het is niet eens omdat de grappigste gag van de eerste aflevering een nummer van een bepaald Broadway-werk heeft toegevoegd , die ishidaat was. href=”https://x.com/city_en_info/status/1952733441167888547″> ondanks producers die het licentieproces vrezen . De reden is eenvoudiger: eindigend op een enorme, extravagante musical waar elke rare burger iets van plan is en tegen anderen botst, is gewoon het meest denkbare stadsgewijs.
en stel je voor dat ze dat doen-voor de hoofdleiders waren zwaar geïnvesteerd in dit aspect van de serie! Het uitgangspunt van het Restaurant van Makabe dat een Michelin-ster verdient (of niet?) Te activeert een collectieve razernij over talloze burgers, die allemaal een eigen melodie en een visuele stijl op het scherm brengen. De cast parades door de straten, opnieuw ontworpen om talloze verwijzingen naar hun vieringobject in te pakken, terwijl ze een pastiche van outfits dragen die we in een theaterspel zouden kunnen zien. Diezelfde reeks vreugde culmineert met een ukiyo-e Als scherm brengt ons naar een geheel ander tijdperk in één swing; en het plotseling met moderne texturen sieren, met lagen op lagen van visuele ideeën. Met net zoveel snelheid kan dat allemaal het raam uit gaan ten gunste van het meest kleurrijke hartzeereiland of de mix tussen Een detective-verhaal pixel art rpg . Zo dicht bij het einde. Misschien herinnert u zich dat het is om het gebruik van standaardhoogtepunten op de karakterkunst te verbieden; Een radicale afwijking van zijn vorige werk Violet Evergarden , die eigenlijk meer tonen toevoegde aan de gebruikelijke 3 staten van Anime (schaduw/regulier/hoogtepunt). Maar wat als we een waanvoorstellingen hebben die fantaseert over zijn eigen sprookje? Die een volledige vernieuwing van de art-richting aanmoedigt, de achtergrond wijzigen in iets meer verwant aan wat we kunnen
alsof de stilistische schakelaars voor elk muzikaal nummer niet genoeg waren, zijn de personages die natuurlijk meer zijn gekonnit href=”https://i.imgur.com/zvljxjr.jpg”> individu snijdt . Een aflevering als deze vereist een absurde hoeveelheid ontwerpwerk, en ook van schoten zelf trouwens. Je hebt misschien gehoord dat Kyoani-werken de neiging hebben om een groter aantal bezuinigingen te hebben dan de norm-een natuurlijk gevolg van de obsessie met minutiae in het leven van mensen-maar zelfs hun normen bleek in vergelijking met de waanzin tijdens het muzikale gedeelte, dat op zichzelf erin slaagt om het zo te maken dat deze finale twee keer zoveel snijdt als een reguliere, dichte aflevering. Een keuze die de werklast enorm verhoogt, maar ook een die hen extra onroerend goed geeft om tijdens deze oorspronkelijke viering naar de manga te sluipen. Shia, een van de personages die niet veel in de aanpassing is verschenen en een rol zou hebben gespeeld in de verkiezingen, krijgt haar moment te midden van dit zingen. En, zoals eerder vermeld, Zelfs de verkiezing zelf steekt zijn hoofd op In het avontuur dat het heeft vervangen.
Het is vanzelfsprekend dat het verlagen van de normen van de animatie om het hogere aantal bezuinigingen te annuleren. Veel sequenties, of het nu de camera-kruisende paden met veel personages of de eindeloze dansen op zichzelf uitstekend zijn, laat staan als onderdeel van dit grotere geheel. Conceptueel schijnen veel sequenties door hun vermogen om personages met elkaar te blijven verbinden-het door traagheid of zelfs verhalend, waarbij de muzikale act herhaaldelijk benadrukt dat Ecchan nog steeds een actief onderdeel van de bende is. En dat niveau van aandacht voor detail is gekoppeld aan de technische levering van elke snit, nog steeds met dat Arawi-gevoel voor humor ingebed daarin. Het is een aflevering die je ten zeerste aanmoedigt om het opnieuw te bekijken, zodat je zoveel mogelijk kleine edelstenen kunt vangen. U moet extra aandacht besteden om de wazige vormen van twee dieren op te merken die kort flitsen in de effecten; zeer Arawi-achtige vormen van een paard en een hert , overeenkomend met de kanji van 馬鹿 terwijl ze het woord hard luid zegt.
Op dezelfde manier als een paar supervisors en regisseurs die hun opdrachten hadden voltooid, gleed om te helpen om te helpen, dus deden twee extra belangrijke animators-het totale aantal van hen voor deze grote finale naar 7 (+1). De veelbelovende ayumu yoshida , behorend tot de vierde genga-eenheid van de stad die de volgende aflevering zou hebben afgehandeld als het had bestaan, werd gekozen om te helpen over haar meer gerenommeerde collega’s. Maar de grote naam is ongetwijfeld Tatsuya Sato, leider van zowel de Osaka Division van de studio als de vijfde eenheid van deze productie. Toen we uitlegden hoe de volledig absurde aflevering #05 zelfs mogelijk was, merkten we op dat Sato toestemming had gekregen om zich er langer op te concentreren dan in een eerdere baan, waardoor hij ongeveer de helft van de dichtste anime-afleveringen ooit kon tekenen. Ondanks dat ze naast de rest van dat team verschenen, viel de relatief timide rol van Sato-“alleen”een paar minuten op als zijn pittige animatie-op nog een speciale verschijning. Dat is inderdaad het geval geweest met de finale, die hem specifiek in het muzikale segment lijkt te hebben ingezet. Hoewel de werklast niet op hetzelfde niveau ligt als in de vijfde aflevering, is zijn timing van Jirspectie overal in verschillende delen van de verschillende uitvoeringen. In alle opzichten een van de grootste bijdragers aan de vreugde die deze aflevering bestraalt.
vlak voor het einde komt onze keu om een van de eerste dingen te onthouden die we bijna 3 maanden geleden over de regisseur van de stad schreven. Het was toen waar, en het blijft nu waar: Ishidate houdt ervan om dingen zelf te animeren . Hij zal een storm ophalen over hoe richting (vooral wanneer hij een heel project leidt) je geen tijd geeft om persoonlijk hele bezuinigingen te tekenen en dan rustig complexe sequenties voor zichzelf opzij te zetten. City: De animatie begint vrijwel met een geweldige snit die uit zijn hand lijkt te komen. En nu, als de apotheose van deze plotselinge musical die het allemaal inpakt, is de hoofdrolspeler weer zijn pen. Bekende fladderende bewegingen en een neiging tot het gebruik van korte lijnen, het gebruik van kleine stukjes puin om de visuele dichtheid te vergroten, en de timing zelf schreeuwt de naam van Ishidate. Net zoals hij ervoor zorgde dat hij deze show op een thematisch niveau boekte, deed hij stilistisch hetzelfde, met zijn eigen oogverblindende animatie.
En dus, nu het voorbij is, wat zijn de laatste afhaalrestaurants van City? Zelfs als je weigert er op elk niveau mee te gaan behalve het oppervlak, heb je nog steeds een charmante, super schattige, eigenzinnige cartoon van een type dat je zelden ooit zult tegenkomen in commerciële animatie. Het heeft een schijnbaar voor de hand liggende voorganger in Nichijou, maar elke vergelijking tussen de twee benadrukt hun contrast. Eén, zelfs met de transformerende kijk op het verhaal van zijn aanpassing, is blij om te worden geconsumeerd als losjes verbonden, niet-sequiturbites van explosieve, surrealistische animatie. Terwijl hij zoveel punch is voor de levering ervan, kiest de ander voor een veel meer relaxte waardering voor de dwaze sfeer en de opkomende dynamiek in de onderling verbonden setting. Je zult vaak merken dat City net zoveel te maken heeft met mensen als Yokohama Kaidashi Kikou als met Nichijou, als een serie die minder bezig was met het uittrekken van constant gelach-als alles, een idee was dat het idee was om te wanderen in de core en in interviews. Noodzakelijkerwijs over telegrafeerde gags die pas de moeite waard worden zodra de clou belandt. Dit doet denken aan de terugkerende gesprekken over komedie en horror als twee aangrenzende genres; Een aantoonbaar idee uitgebuit door briljante regisseurs zoals Jordan Peele , en toch, een gedachte die velen entertainen terwijl ze wijzen op grappige momenten in horror werkt als toevallige of regelrechte mislukkingen. City bezet een andere regio in het land van komedie, maar Ishidate gelooft toch in de breedte van dat grondgebied. Zoals we eerder hebben besproken, waren het in plaats daarvan filmmakers zoals Charlie Chaplin dat hij wees als een voorbeeld van Arawi’s aantrekkingskracht. Dat wil zeggen, cabaretiers die je verbeelding zullen activeren met hun kaping, in plaats van je in je sporen te stoppen met een geestdodend gebrul van gelach. Deze visie resoneerde met de auteur, wat leidde tot de extreem nauwe samenwerking tussen hem en de studio die we ook uitvoerig hebben behandeld. Het resultaat is in zekere zin samengevat door de eenvoudige wens van Arawi:”Ik wil dat kijkers zich afvragen wat de makers in godsnaam zelfs deden”.
Een groot deel van de verrassingsfactor die nodig is, ligt in de presentatie. De visuele taal van de stad en de demente logica erachter zijn uitbundig, maar ook zo gemakkelijk voor het oog, in een tijdperk waarin elke andere titel graag zijn hoge productiewaarden wil bewijzen door intensieve digitale effecten. Hoewel dat effectief kan worden uitgevoerd, is het een benadering die zo wijdverbreid is geworden (en vaak grof wordt ingezet) dat het de lucht uit de kamer heeft gezogen. En hier komt City, een zeer welkome adem van frisse lucht. Elke component is organisch geplaatst binnen één naadloos geheel dat de voorschriften van Cel-animatie vervaagt die alle commercieel werk voor een eeuwigheid hebben geregeerd; Er zijn geen apart karakter en achtergrondlagen, er is één stad. Om precies te zijn, er is één stad die zoveel belachelijk ingewikkeld animatie herbergt dat het elke tv-project in schaamte zou kunnen maken. director had surprised him the most, within a project where both young and veteran staff members have gone all out. His first instinct was to shout out Arawi himself yet again, as he’s been involved in so many iconic choices (like the mansion diorama!) that he might as well have been a director. Among KyoAni’s members, though, he shouted out the young director we’ve been most enthusiastic about as well: his pupil Ryo Miyagi. The storyboarding prowess he showed in moments like the end of episode #04 and the interconnected climax of the race is truly special.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
