ReeksregisseurReeksregisseur: (監督, kantoku): De persoon die verantwoordelijk is voor de gehele productie, zowel als creatieve beslisser als eindsupervisor. Zij overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Er bestaan echter series met verschillende niveaus van regisseurs: hoofdregisseur, assistent-regisseur, afleveringsregisseur van de serie, allerlei soorten niet-standaard rollen. De hiërarchie in die gevallen is een scenario van geval tot geval. Midori Yoshizawa heeft een nieuw tijdperk van visuele creativiteit ingeluid met de Monogatari-serie, die synergiseert met de thema’s tijd, identiteit en creatie. En toch, hoe nieuw de franchise ook voelt, haar team en het verhaal zijn het erover eens: dat noodzakelijke groei in de richting van de toekomst niet de ogen mag sluiten voor het verleden.
Zeven jaar geleden hebben we publiceerde een stuk over de verschillende tijdperken binnen de Monogatari franchise, corresponderend met de serieregisseurs die samen met de leider van de studio, Akiyuki Shinbo, leiding gaven aan het project. Op zichzelf hanteert studio SHAFT al een herkenbare stijl, die nog verder is verfijnd om een visuele benadering voor deze serie te formuleren die je met geen enkele andere kunt verwarren. Zelfs mensen die Monogatari niet bekijken, herkennen misschien gemakkelijk een screenshot uit de serie zonder context, omdat de tekstzware, hypergestileerde, vaak verlaten wereld onmiskenbaar is. Hoewel dat misschien wat beperkend klinkt, laten de grootste werken van de studio zien dat hun identiteit teams in staat stelt gemakkelijk een raamwerk van creativiteit te creëren, in plaats van te fungeren als regels die gedachteloos hun artistieke keuzes dicteren. De letters zijn misschien bekend in hun catalogus, net als de woorden van Monogatari op een specifieker niveau, maar de zinnen die elke regisseur aan elkaar heeft geregen zijn verschillend en hebben dus een eigen aantrekkingskracht.
Om deze te plaatsen verschillen op een meer tastbare manier, kun je eenvoudig elk van deze regietijdperken vergelijken vanuit een audiovisueel standpunt. Door het werk van Tatsuya Oishi te contrasteren met dat van Tomoyuki Itamura, zou je snel hun stilistische neigingen kunnen lokaliseren-niet alleen als persoonlijke eigenaardigheden, maar als middel om zich aan te passen zo’n lastige serie. Van Oishi’s verschillende gebruik van live-actionbeelden tot Itamura’s reactiebeelden uit de popcultuur, er waren genoeg keuzes die, ook al waren ze niet geheel exclusief voor hun tijdperken, ordes van grootte vaker voorkwamen onder die specifieke creatieve leiders. En toch waren die periodes ook niet volkomen monolithisch. Dit gold met name voor Itamura, die als groentje in de franchise werd geworpen en vervolgens de langste ambtstermijn in de geschiedenis van Monogatari kreeg, waarbij hij gaandeweg een eigen visueel lexicon ontwikkelde; late inzendingen zoals Owarimonogatari lieten dat het beste zien, door keuzes zoals de papiertexturen tot de tekstinterstitials, of de op maat gemaakte hoofdstukmarkeringen in tegenstelling tot de consistente typografie die eraan voorafging.
Zelfs voor een tijdje meesterlijke veteraan als Oishi die niet op dezelfde manier hoefde te groeien tussen Bakemonogatari en Kizumonogatari, was er nog steeds een duidelijk contrast tussen het ongebreidelde gebruik van fotorealisme tussen de twee. In het eerste geval manifesteerde het zich als uitbarstingen van live-actionbeelden die ofwel een zenuwslopende draai gaven aan een serieus moment, ofwel je overrompelden voor een nadrukkelijke snelle grap. In de allereerste boog van de serie vertrouwde het gevoelige achtergrondverhaal van Senjougahara op die stileringen om onderwerpen als misbruik een dieper ongemakkelijk gevoel te geven – dat is het inherente andere effect dat echte beelden hebben wanneer ze worden ingevoegd in anderszins zeer gestileerde animaties. Tegelijkertijd dienden die shots als middel om de meest expliciete details van haar traumatische verleden weg te abstraheren en haar intimiteit te sparen. Vanuit een geheel andere vector bouwde Kizu zijn hele esthetiek rond een fotorealistische CG-omgeving die sterk contrasteerde met de animatiecellen. Op deze manier belichaamde het visueel het gevoel er niet bij te horen van de hoofdpersoon, die niet zomaar een tiener is – specialisten in het gevoel onbegrepen te zijn en geen plek te hebben – maar toevallig een vampier is geworden, wat betekent dat hij er letterlijk niet bij hoort. onder de zon. Hoewel ze allebei voortkwamen uit dezelfde tendensen, manifesteerden ze zich op heel verschillende manieren.
In plaats van deze tijdperken strikt volgens de heersende technieken te beoordelen, kunnen we misschien beter een stapje terug doen en de aanpassingsfilosofieën waarvan deze zijn afgeleid. Op dat conceptuele niveau behielden de eerste twee regisseurs van de serie die de serie behandelden consistente perspectieven die verklaren hoe ze dit werk aanpakten. Toen Oishi de serie voor het eerst aanpaste, zag hij een klim bergop en besloot deze steiler te maken; dat wil zeggen dat zijn benadering van NisioisiN’s karakteristieke, uitgebreide schrijven bedoeld was om te proberen het effect ervan te destilleren uit de ongrijpbare zaken van zijn richting. Let wel, dat betekent niet dat je het schrijven van de oorspronkelijke auteur moet mijden. De werkelijke woorden van de auteur waren overal aanwezig, zoals SHAFT’s hoofd Shinbo was het er mee eens om van de typografie een kernelement te maken zoals het vaak was geweest in de reeksen van Oishi.
In plaats van deze tekst te gebruiken als een eenvoudig voertuig voor informatie, gebruikte Oishi’s Bakemonogatari bewapende het gebruik ervan om het tempo te moduleren en specifieke denkwijzen op een beknoptere manier vast te leggen dan het oorspronkelijke proza van NisiosiN, terwijl uiteindelijk dezelfde effecten werden bereikt. Natuurlijk kun je een aflevering voortdurend pauzeren om elke dichte tekstdia te lezen, omdat de informatie daar toch blijft staan. Het echte genie van zijn aanpak, hoewel aanpak, was dat hij dat in stand hield, terwijl hij de kijker door snel flitsende schermen een uitbarsting van angst liet voelen; een soortgelijk gevoel dat de originele tekst de lezer wilde laten ervaren, zij het op een meer omslachtige manier.
Vanuit een andere invalshoek belichaamde Kizumonogatari Oishi’s beroep op de diepgewortelde ervaring in zijn meest indrukwekkende uitersten. De originele roman is onlosmakelijk verbonden met het standpunt van een diep verwarde tiener, die niet genoeg had van de klassieke ellende van zijn leeftijd, dus struikelde hij over een stervende schoonheid en werd gaandeweg vampierachtig. Het is zo langdradig als NisioisiN ooit is, en in zijn meest chaotische vorm daalt het herhaaldelijk af in Araragi’s bewustzijnsstroom-en toch achtte Oishi’s aanpassing het passend om elke schijn van innerlijke monologen en uiteenzettingen te verwijderen, en in plaats daarvan die informatie op de wereld als geheel te projecteren.. Alsof ze een statement wilden maken, begonnen deze films met een opvallende introductie waarin bijna tien minuten lang geen zin aaneengeregen werd. En eerlijk gezegd was daar geen reden voor, aangezien Oishi’s toespraak de geest van het bronmateriaal al op zeer elegante wijze weergaf. Elke verschuivende leerling, elke krassende kraai, elke opzettelijk doffe kleur die plaats maakt voor levendige vlammen, elke isolerende kaderkeuze: het waren degenen die de angst en het gevoel van ontoereikendheid van de hoofdpersoon belichaamden, dus waarom zou Araragi voortijdig zijn mond openen? p>
Hoe zit het dan met Itamura’s Monogatari? Hoewel er een onmiskenbare kloof bestaat tussen wat beide regisseurs kunnen bereiken, is het niet alleen de technische vaardigheid die deze tijdperken onderscheidde; meer dan welke briljante regiekeuze dan ook, was het de mentaliteit achter de verfilming – en het buitenaardse vermogen om met zo’n uitdaging te slagen, ja – die Oishi onderscheidde van Itamura. Onder het regime van laatstgenoemde streefde de aanpassing er in plaats daarvan naar om de feitelijke schrijfwijze van NisioisiN in een veel explicietere vorm te behouden, waarbij de beelden werden opgevat als een manier om de tekst te begeleiden in plaats van als een belichaming ervan. Dit was een paradigmaverschuiving voor Monogatari als anime: een overgang van de metaforische Oishi naar de reactieve Itamura, die voortaan de richting van moment tot moment bepaalde.
Als we terugkijken op enkele van de voorgaande genoemde visuele eigenaardigheden van de serie, wordt het begrijpen van de details van die verschuiving en de relatie met de filosofieën van de regisseurs veel gemakkelijker. Als je bijvoorbeeld de typografie bekijkt, zul je merken dat de tekst in Monogatari in de loop van de tijd duidelijker leesbaar werd. De serie behield mechanische trucs om scènes in te korten, zoals de geschreven voegwoorden om op elegante wijze seconden in lange gesprekken te scheren, maar stapte geleidelijk af van Oishi’s perceptie van tekst als een abstract hulpmiddel om de stemming te bepalen; een verschuiving van iets dat je voelt naar een element dat je op een meer traditioneel bedoelde manier ontleedt, wat de evolutie van de aanpassing helemaal belichaamt.
Tijdens Itamura’s periode nodigde de Monogatari-anime het publiek uit om naast de personages te zitten, om te reageren op het verhaal naast hen; een manier van spreken, hoewel het op sommige momenten letterlijk hele afleveringen besteedde aan het voorlezen van verhalen over zijn eigen wereld aan de cast. Tendensen die we eerder noemden, zoals de toename van verwijzingen naar de popcultuur als reactieschoten, waren dus slechts een natuurlijk gevolg van deze nieuwe mentaliteit. Hoewel je voorbeelden kon vinden in Bakemonogatari zelf – zoals Araragi en Kanbaru die bezig waren om Nadeko te kalmeren toen ze haar bovennatuurlijke ellende probeerde uit te leggen – werden ze vanaf Nisemonogatari een bepalend kenmerk van de serie.. Op dezelfde manier gingen personages die ongebruikelijke poses aannamen van een enkele visuele grap naar een van de meest voorkomende trucs in de storyboards. Het eerst plaatsen van de tekst, en vervolgens de personages (en de wereld) er op grappige manieren op laten reageren, werd de nieuwe standaard.
Een belangrijke reden waarom deze aanpak, die sterker leunt op het originele schrijven, zo goed werkte, is simpelweg dat het iteratieve karakter van Monogatari’s verhalen elke nieuwe inzending interessanter maakte. Let wel, dit is niet te wijten aan geniale planning van de oorspronkelijke auteur; zoiets heeft nooit bestaan. Monogatari is, en ik zeg dit liefdevol, een schrijfafwijking die nooit zou werken als het niet door een briljante gek was geschreven; iets wat blijkt uit de vele auteurs die zich door NisioisiN hebben laten inspireren, hoe vermakelijk hun werken soms ook zijn. Zonder echte vooruitziende blik marcheerde hij vol vertrouwen verder, waarbij hij voortdurend stukken aan een bord toevoegde dat uiteindelijk het gevoel kreeg dat het vanzelf bewoog, geleid door interessante ideeën die alleen konden voortkomen uit de interacties tussen de excentrieke cast.
Itamura arriveerde met de meest luxueuze fundamenten die al voor hem waren gelegd, zowel door de schrijver als door de voorgaande regisseur. Let wel, dit wil niet zeggen dat zijn taak gemakkelijk was – het opvolgen van een briljante geniale regisseur op een otaku-megahit is een angstaanjagend vooruitzicht – maar dat zijn timing perfect was om te beginnen met het bouwen van iets dat voor velen met recht de meest memorabele delen van de film zou zijn. serie. En om dat te doen hoefde hij het wiel niet opnieuw uit te vinden, maar hoefde hij alleen maar de productie op te schalen tot iets dat hij wel aankon, en hopelijk kreeg hij er naarmate de tijd verstreek een steeds beter inzicht in; iets dat we achteraf gezien als een doorslaand succes kunnen beschouwen. Zeker, een directe vergelijking tussen Bake en Nise voelt als een aanzienlijke achteruitgang in regie, maar hij doorstond de storm lang genoeg om het originele werk te laten uitgroeien tot iets magnifieks, en om zijn eigen stijl op interessante manieren te laten rijpen. Itamura’s theatrale begeleiding bij de tekst werkte, omdat de tekst uitstekend was en de uitvoering meer dan leuk genoeg.
In 2017 deed het tweede seizoen van Owarimonogatari eindelijk zijn naam eer aan en markeerde het einde van Itamura’s tijdperk in de serie. Dat project werd zijn laatste grote inspanning bij studio SHAFT, aangezien hij een van de vele belangrijke veteranen was die destijds de studio verlieten; onafhankelijk van elkaar en in verschillende richtingen, met variërende graden van kwaad bloed, afhankelijk van hun betrokkenheid bij de interne vetes die tot een giftige omgeving bij het bedrijf hadden geleid. Hoewel een vernieuwing in de studio zeker de gezondere route was, had dat gevolgen voor een aantal van hun langerlopende eigendommen, waarbij Monogatari het meest voor de hand liggende voorbeeld was. In 2019 mocht Zoku Owarimonogatari de traagheid behouden en de zes afleveringen afmaken zonder een centrale regiefiguur naast Shinbo, maar voor een grotere inspanning zoals Off & Monster Season zou een nieuwe co-leider zijn vereist. Dan komt Midori Yoshizawa binnen, met weinig tot geen ervaring op dat verantwoordelijkheidsniveau, maar een overeengekomen bron van hoop voor de studio.
Yoshizawa’s carrière begon op een gewone manier: ze trainde bij Toei Animation als assistent-regisseur, zorgde voor een korte periode voor animatie in hun shows en ging daarna aan de slag bij Studio Luna; dat wil zeggen, een onopvallende assistentiestudio die ook gespecialiseerd is in kindershows. Als freelancer nam ze echter geen tijd om duidelijk te maken waar haar hart ligt. En die plek is studio SHAFT, waar ze snel vooruitgang boekte te midden van hun gebruikelijke chaos. Van opruimactie tot regieassistentie in 2014, precies in Tsukimonogatari. Volwaardige regie van de aflevering Regie van de aflevering (演出, enshutsu): Een creatieve maar ook coördinerende taak, omdat het toezicht houdt op de vele afdelingen en artiesten die betrokken zijn bij de productie van een aflevering – het goedkeuren van animatie-indelingen samen met de animatiedirecteur en het toezicht houden op het werk van het fotografieteam , de kunstafdeling, CG-personeel… De rol komt ook voor in films en verwijst naar de personen die op dezelfde manier verantwoordelijk zijn voor delen van de film. in alle werken van de studio tegen volgend jaar, en storyboardtaken die beginnen met Sangatsu no Lion in 2016. Iemand die slechts een paar jaar eerder een complete buitenstaander was, in een systeem waar dat vaak het geval is een groot probleem, begonnen steeds belangrijkere momenten te worden toevertrouwd.
Tegen de tijd van Magia Record, en dankzij de brede verdeling van taken vanwege het interessante maar ook chaotische productieproces , kreeg ze verantwoordelijkheden die vergelijkbaar waren met de regie van de serie voor specifieke afleveringen. Ze is in zeer moeilijke tijden bij de studio gebleven, wat bewijst dat ze niet alleen een grote fan is van hun werk, maar ook iemand die de fijne kneepjes van hun stijl diep begrijpt; iets dat ze van geen enkele regisseur als vanzelfsprekend kunnen beschouwen, zoals we later zullen bespreken. Ze heeft het vertrouwen gewonnen van haar collega’s en de bewondering van alle hardcore SHAFT-fans, waardoor deze kans om een van hun grootste werken te leiden volkomen verdiend voelt.
Maar wat heeft haar die positieve reputatie opgeleverd? Intern is er het feit dat het luchtiger is om met haar samen te werken dan hun chaotische norm, omdat ze weinig toezicht nodig heeft om een overtuigend pakket samen te stellen dat die vage SHAFT-identiteit behoudt. Haar afschilderen als iemand met wie het eenvoudig is om mee te werken, zou echter een enorme verkeerde karakterisering zijn. Om te beginnen is Yoshizawa een ambitieuze regisseur wiens wortels in animatie haar lastige lay-outs doen voorstellen. Lay-outs (レイアウト): De tekeningen waarin animatie feitelijk wordt geboren; ze breiden de doorgaans eenvoudige visuele ideeën van het storyboard uit naar het daadwerkelijke skelet van de animatie, waarbij zowel het werk van de hoofdanimator als de achtergrondkunstenaars gedetailleerd worden beschreven. SHAFT-werken neigen naar een zeer symbolische kadrering, met onmogelijke dwarsdoorsneden van gebouwen en platte maar gedenkwaardige enscenering. Als storyboarder geeft ze haar kaders op een vergelijkbare manier betekenis, maar vaak met een ruimere aanpak die het werk inherent ingewikkelder maakt voor de animators. De meer realistische basisprincipes (die ze vervolgens graag overdrijft door middel van vislensvervormingen) hebben een grote synergie met Yoshizawa’s vermogen om aantrekkelijke shots samen te stellen waarbij niet alleen de animatie met diepte en bedoeling is opgemaakt, maar ook achtergronden, CG en zelfs live-actie-elementen werken. in combinatie om het oog samen te leiden. Een hele belangrijke vaardigheid binnen het eigenzinnige systeem van SHAFT!
Dit brengt ons bij een andere karakteristieke eigenschap van Yoshizawa: de pure creativiteit die niet alleen in vorm, maar ook in materiaal wordt weergegeven. De visueel meest radicale dagen van SHAFT, vertegenwoordigd door mensen als Oishi zelf, liggen achter hen… maar Yoshizawa heeft die memo nooit gekregen, want hoe meer speelruimte haar wordt gegeven, hoe meer ze de nadruk heeft gelegd op live-action beelden en onconventioneel analoog materiaal. Ten eerste leunt Yoshizawa vaak op de inherente link tussen tijd en tastbare elementen. Als iets dat fysiek bestaat, roepen deze echte materialen het verstrijken van de tijd op een directere manier op dan immateriële animatie zou kunnen-vandaar haar gebruik van time-lapses en seizoensgecodeerde live-action-rollen, analoge tekeningen, papieruitsparingen, enzovoort.
Een opmerkelijk voorbeeld hiervan is te vinden in een van Yoshizawa’s afleveringen van Magia Record, waar ze een echte zandloper tevoorschijn haalde voor de bezuinigingen die het verstrijken van de tijd aanduiden. Toen ze het heden bereikte, maakte ze een soortgelijk canvas van zand klaar waarop ze zelf een overtuigend kinderachtig schilderij schilderde om een relatie weer te geven die in die periode tot bloei was gekomen. Met deze beweging wordt een vorm van expressie die tijd oproept, tijd die we samen doorbrengen, een diëgetisch element dat ook de band tussen twee individuen vertegenwoordigt. In zekere zin vat dit het aspect samen dat haar het meest onderscheidt van haar collega’s in de studio. Hoe fascinerend haar techniek ook is, het is die nadruk op persoonlijke, emotionele verhalen die haar onderscheidt van de meer logisch georiënteerde veteranen als Yukihiro Miyamoto (of haar Monogatari-voorganger Itamura) en gekke genieën als Oishi, die hebben altijd het gevoel dat ze op een hoger abstractieniveau opereren. De bizarre beelden in Yoshizawa’s werken doen je misschien een afstandelijk verhaal verwachten, maar haar natuurlijke neiging is om die onorthodoxe middelen te gebruiken om de personages op kleine, zeer persoonlijke manieren te humaniseren.
Een andere techniek die Yoshizawa vaak koppelt aan het concept van tijd is 4:3 framing , dat in haar werk het verleden vertegenwoordigt – of het nu een nostalgisch moment ver terug is of een recente gebeurtenis. Ze construeert die opnames met echte zwarte balken, enigszins diegetische vernauwing, of alles daartussenin. Hoewel je dat waarschijnlijk al hebt gemerkt in het huidige seizoen van Monogatari, het is iets dat ze al jaren doet.
Zoals vermeld in de personeelsdiscussies in de fanboeken van MagiReco, heeft Yoshizawa inderdaad de reputatie uit te blinken in het veroveren van de innerlijke harten van personages – vooral vrouwen – door haar excentrisch afgebeelde alledaagsheid. Je kunt dat ongetwijfeld terugvoeren op haar werk in Sangatsu, met een bijzonder gedenkwaardige aflevering waarin een pestincident centraal stond. Deze uitbarsting van negatieve maar terechte opgekropte gevoelens demonstreerde de impact van haar overbrenging van zeer reële emoties, waarbij de ogen in haar richting de studio in en uit draaiden.
Zelfs buiten dit hoogtepunt, de aantrekkelijke gevoeligheden van een jonge Yoshizawa begonnen hun hoofd over de show heen te steken. Er zit een interessante kleureneconomie in haar afleveringen die kunnen doen denken aan Oishi’s voorliefde voor monochrome landschappen met accenten, maar die in haar geval directer wordt gebruikt om de kloof in emotionele intensiteit tussen personages te laten zien, of precies wat op dat moment echt betekenisvol is. aan hen; nogmaals, een meer persoonlijke invalshoek vanuit haar richting. Het is misschien niet verrassend dat het luisteren naar haar collega’s die praten over wat ze bewonderen in haar werk haar ware sterke punten belicht.
Nu we een goed inzicht hebben in de stilistische evolutie van Monogatari als anime-serie, plus een goed begrip van de nieuwe regisseur en de prioriteiten die ze met zich meebrengt, kunnen we eindelijk een geïnformeerde blik werpen op de eerste delen van Off & Monster Season. Heeft de komst van Yoshizawa de serie op een zinvolle manier veranderd?
Vertrouwen was het bijvoeglijk naamwoord dat we eerder aan het schrijven van NisioisiN hebben toegekend, en dat is ook het gevoel dat uit de inleiding van OMS #01 voortkomt – storyboarded door Yoshizawa zelf, zoals het zou zo moeten zijn. Tsukihi Undo is een grappige kleine boog waarin de titulaire onsterfelijke vogel, even impulsief en gevaarlijk als altijd, de waarheid over haar levensgrote pop ontdekt. Of beter gezegd, ze heeft leugens over de situatie gekregen van genoemde pop Yotsugi, een wezen met een eveneens twijfelachtige relatie met sterfelijkheid en catastrofaal slechte schadebeheersingsvaardigheden. Hoewel hun interacties op zichzelf erg vermakelijk zijn, is het de voordracht van Yoshizawa die dit verhaal meteen speciaal doet voelen. De waarheid in deze brutale vogel wordt onthuld door een echt ei te kraken, en dit vervolgens te volgen met een spervuur van geïnspireerde, relevante beeldspraak; vogels en kooien, omdat ze technisch gezien onder toezicht staat, plus handschaduwpoppenspel dat benadrukt dat een wezen als Tsukihi niet is wat ze lijkt te zijn.
Zelfs na deze briljante intro lijkt de eerste aflevering van OMS te hebben alle voordelen waar de Yoshizawa-gelovigen op hadden gehoopt. Dat vermogen om de symbolische shotcompositie die kenmerkend is voor SHAFT anime te matchen met haar ruimere lay-outs. Lay-outs (レイアウト): de tekeningen waarin animatie feitelijk wordt geboren; ze breiden de doorgaans eenvoudige visuele ideeën van het storyboard uit naar het daadwerkelijke animatieskelet, waarbij zowel het werk van de belangrijkste animator als de achtergrondartiesten gedetailleerd worden beschreven. is vanaf het begin volledig weergegeven; het wordt bijvoorbeeld gebruikt om de mismatch tussen Tsukihi en Yotsugi te laten zien die deze boog zo grappig maakt, evenals de angsten van een personage dat de serie binnenkort opnieuw zal bezoeken. Monogatari’s trotse herclaiming van het brede scala aan expressies deed bij veel kijkers aan Oishi denken, en dat kan ik ze niet kwalijk nemen; vooral niet als er sequenties zijn met ideeën die zo lijken op de ideeën die ooit zo gebruikelijk waren in zijn show. Dat gezegd hebbende, geloof ik dat het bekijken van haar werk als de tweede komst van Oishimonogatari iedereen een slechte dienst bewijst: de regisseur, met een eigen stijl, en de show, die iets genuanceerder heeft ondergaan dan een volledige reboot.
Monogatari’s uitbarstingen van animatie, die ooit toebehoorden aan toppers als Ryo Imamura, en later mensen als Hironori Tanaka, zijn inmiddels ook doorgegeven aan hun huidige sterren als Hiroto Nagata. Ook in dit opzicht voel je de generatiewisselingen binnen OMS.
Vanwege de structuur van de serie en het ongeplande karakter ervan zijn de karakterbogen van Monogatari sterk gefragmenteerd. Door de jaren heen hebben we Araragi en zijn bende zien groeien als mensen (en als mythologische wezens), hoewel voor de meesten van hen niet op een bijzonder lineaire manier. Gezien de grote cast en de manier waarop bogen de neiging hebben zich op een of twee individuen te concentreren – binnen een reeks die anders de hele bevolking van de aarde wegneemt – missen we veel van het bindweefsel tussen hun cruciale groeimomenten. Terugkeren naar een personage dat de serie al eerder heeft onderzocht, lijkt op het inhalen van een vriend die je al een tijdje niet meer hebt gezien, met de extra wetenschap dat ze op het punt staan een nieuwe vorm van catharsis te ervaren die hen hopelijk als persoon zal verbeteren..
Gezien het feit dat bogen als Nadeko Draw zijn gebouwd op de evolutie van die personages, zou je kunnen denken dat ze die gefragmenteerde aard zouden wegpoetsen. Een meer conventionele schrijver, misschien een verstandiger schrijver, zou dat inderdaad doen – maar dit zijn NisioisiN en Monogatari waar we het over hebben. In plaats van de gaten op te vullen, benadrukt de serie Nadeko’s eigen ik telkens wanneer ze een belangrijk aandachtspunt in het verhaal is geweest. Ze worden gescheiden als onafhankelijke karakters, krijgen humoristische namen, en worden gecodeerd met verschillende stileringen door Yoshizawa en zijn compagnons; het meest berucht is dat ze paletten hebben van hun eigen die op het eerste gezicht herkenbaar zijn. De ultieme boodschap van zelfacceptatie is het verwachte eindpunt voor een boog als deze, maar de weg ernaartoe is formeel fascinerend en weerspiegelt perfect de toestand van de serie als geheel op dit moment.
De synergie tussen de productie en het verhaal begint bij de thema’s. De huidige Nadeko werkt aan haar droom om als mangaka te werken, wat een goed excuus is voor Yoshizawa om zich te verdiepen in allerlei stileringen rond de kunst ; een andere verbluffende introductie vindt een groot aantal manieren om strips vanuit verschillende invalshoeken te integreren, waarbij het sleutelconcept van Nadeko’s identiteit al aan de lambrisering wordt gekoppeld daarin. Verdere afleveringen zijn gebaseerd op trucjes om die ideeën te visualiseren, en op papier zowel gesimuleerd als echt materiaal. Het is vooral als het om die huidige zelf gaat dat Nademonogatari een leuke kunst-en handwerktentoonstelling wordt om haar droom te begeleiden.
Op dezelfde manier waarop dit team besloot een aanzienlijk deel van Monogatari’s identiteit te behouden, ondanks Yoshizawa’s frisse wind , bouwt Nadeko zelf haar groei op acceptatie en integratie van het goede en slechte van haar vroegere zelf. Nademonogatari gaat niet over het vervangen van het verleden door een meer verfijnde huidige persoonlijkheid, maar over het reiken naar de toekomst met het besef dat je huidige zelf nooit zou bestaan zonder zijn voorgangers, fouten en zo. Monogatari heeft met meerdere inzendingen een beroep gedaan op de nostalgie van de fans, maar de terugroepacties hebben nog nooit zo aangrijpend gevoeld als in deze iteratie die een stilistisch verschillend heden en toekomst laat zien, terwijl het tegelijkertijd een interessante verhalende invalshoek heeft als dit retrospectieve verhaal over hoeveel is een rustig kind gegroeid.
Als Yoshizawa ooit de kans krijgt om een serie helemaal opnieuw te leiden, zou ik blij zijn als ze een geheel eigen beeldtaal formuleert. Zelfs voordat ze de positie kreeg om een hele serie mede te leiden, was het duidelijk dat ze alles in huis had om dat te bereiken, puur gebaseerd op de dichtheid aan interessante concepten waarmee ze andermans werk kon doordrenken. Dit wil zeggen dat ik iedereen kan begrijpen die een nog radicalere vernieuwing van deze serie had gewild, maar ook dat ik erg blij ben met het evenwicht dat ze heeft weten te bereiken en hoe goed dat aansluit bij de boodschap van de serie zelf.. Nu ik in dit zeer specifieke late tijdperk van Monogatari ben aangekomen, kan ik niet anders dan het gevoel hebben dat het gepast is om op een meer iteratieve manier te evolueren, om vooruit te gaan en tegelijkertijd de elementen uit het verleden te integreren. Dat was de les voor personages als Nadeko, uitgekristalliseerd in een prachtig einde waarin ze haar oorspronkelijke zachtmoedige zelf confronteert.
Uit de talloze verwijzingen naar eerdere iteraties van Monogatari, geen enkele kwam zo hard binnen als terugkeren naar het begin van alles, de plek waar ze ooit verwachtte een glimp op te vangen van haar verliefdheid. Haar verlangen naar die eerste liefde bootst de maniertjes van haar eerste openingsscène na, hoewel die schattige bewegingen tragisch aanvoelen nu we weten dat het zo is een onbeantwoorde, onmogelijke droom. De huidige Nadeko spoort haar aan om verder te gaan, maar niet af te zien van wie ze is. In plaats daarvan belooft ze haar dat hun toekomst de liefde net zo sterk en vervullend zal houden als de liefde die ze in het verleden voelde. Een ontroerende scène die profiteert van de uitbarsting van Yoshizawa’s emotionele verhalen, geanimeerd door een van de toekomstige hoop van de studio, maar met acceptatie van alles wat daartoe heeft geleid. Kortom, ik geloof dat mensen dit nu cinema noemen.
Hoewel dit een zeer positief artikel over de serie is geweest, zou het nalatig zijn om niet te vermelden hoe de instabiliteit van SHAFT ook een rol speelt; Als we het hebben over de nieuwigheid van een nieuwe regisseur, moeten we ook de kwesties vermelden die helaas ongewijzigd blijven. Hun managementfouten zijn al langer een enorm probleem dan de meeste anime-kijkers die zich aan deze hobby hebben gewijd, en worden het soort lopende grap dat de ernst van de situatie dreigt te verdunnen. Zoals gewoonlijk, slechts een fractie van de kreten om hulp en uitdrukkingen van ontevredenheid over hoe hun werk bubbel bleek te zijn-hoewel het altijd vertelt wanneer je aasanimators gedwongen worden om het te doen.
terwijl we gaan In wazamonogatari heb je misschien gemerkt dat een verdachte 東冨 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 耶子 beschouwt dan ook. Pak een specifieke onyomi voor elke kanji, keer hun bestelling om en je krijgt shiyafuto-dat wil zeggen, schacht, omdat het hun leider Shinbo zelf is. Ik zal eerlijk zijn en zeggen dat ik blij ben dat hij expliciet (zij het grapje) er op openbare wijze voor werd gecrediteerd, omdat het betekent dat we dit rechtstreeks kunnen aanpakken. Shinbo was niet gepland naar StoryboardStoryboard (絵 コンテ, Ekonte): de blauwdrukken van animatie. Een reeks meestal eenvoudige tekeningen die dienen als het visuele script van Anime, getekend op speciale vellen met velden voor het animatie-snede nummer, notities voor het personeel en de bijpassende lijnen van dialoog. Deze aflevering, maar heeft het bijna volledig opnieuw getekend. Door dit te zeggen, denk je misschien dat hij op de een of andere manier veel bestaande panelen heeft opgelost, maar het is meer verwant aan het wegwerken van hele secties in de aflevering en volledig nieuwe tekenen die niet direct overeenkomen met alles wat dat was Oorspronkelijk opgesteld. Hij wordt om een goede reden bij de leiding gecrediteerd.
Het is belangrijk op te merken dat serie-regisseurs die storyboards controleren een regelmatig onderdeel van het productieproces is, en dat met name Shinbo er uitgebreid doorheen gaat, is Shinbo een gewone taak. Dus, in plaats van het feit dat hij dit deed, is het de mate waarin het actie vereiste (en de reden erachter) die een belemmering voor de productie werd. Een van de kwaliteiten van Yoshizawa die we eerder hebben benadrukt, was dat ze weinig toezicht nodig heeft, omdat ze de voorschriften van schachtanime heeft geïnternaliseerd, zoals zijn unieke cadans op manieren die veel anders getalenteerde regisseurs niet hebben. Jongere medewerkers en buitenstaanders hebben de neiging om te moeite hebben om te leveren wat wordt verwacht van een directeur bij Shaft, ondanks de studio die werkelijke richtlijnen biedt om hen te helpen.
over buitenstaanders in de studio, Shunsuko Okubo’s openingssequentie is een ander geweldig voorbeeld van iterating op De reeds bestaande beelden van de franchise terwijl je iets samenstelt dat fris aanvoelt.
Dat is nu een bijzonder zorgwekkend probleem, omdat het vertrek van vele veteranen in voorgaande jaren de studio heeft gedwongen om meer te werken naast individuen die deze ervaring in de studio missen. Ik hoorde voor het eerst van de productie van OMS in de zomer van vorig jaar, toen het al vast kwam te zitten in dit lange proces van het repareren van storyboards. Door te stallen tijdens de pre-productie, wordt zelfs een project dat een aanzienlijke hoeveelheid tijd omvat zoals deze, wordt gewurgd door zijn deadlines naarmate de uitzending nadert. En dit heeft natuurlijk niet alleen gevolgen voor een individueel project, maar ook voor andere titels in de maak. Als uw systeem veteraan-interne leden vereist en u daar relatief kort op hebt, zullen de overgebleven personen meer moeten helpen dan oorspronkelijk gepland was, wat betekent dat andere banen die ze kunnen hebben, verwaarlozen. Hoewel de situatie niet zo eenvoudig is als het trekken van een eenvoudige correlatie, zou het feit dat Monogatari extra hulp eist, u te helpen begrijpen waarom een bepaalde magische meisjesfilm een heel jaar weg is gepeeld.
voor AS Cruciaal als ik ben van hun management, denk ik dat het belangrijk is om te begrijpen van de problemen die aan hun capaciteiten ontsnappen-ze kunnen die resterende veteranen niet eenvoudig klonen-en ook niet melodramatisch zijn over hun effect op de kwaliteit van de show. Op zichzelf is het hebben van Shinbo de controle over afleveringen met vampier gotische horror neigingen zo goed als nieuws uit de studio kan komen. Dat is precies de genre-ruimte waar hij ontelbare mensen toch verliefd werd op zijn stijl, dus hij zou natuurlijk bijzonder geïnteresseerd zijn in deze volgende boog. Yoshizawa zelf heeft ook duidelijk uitgebreide input verstrekt in Nademonogatari; Haar stilistische eigenaardigheden verschijnen zelfs in het zeldzame exemplaar waarin ze niet wordt vermeld als een storyboarder, en de aflevering credits komen niet overeen met de informatie over auteurschap op de officiële site voor starters. Niemand mag betreuren dat getalenteerde regisseurs zeer actief betrokken zijn.
Het is alleen als u bedenkt dat die extra taken knelpunten maken die dit alarmerend wordt, vooral in een studio waar het productieproces nooit soepel is. En inderdaad, het heeft een tol geëist van de animatie, zowel in de ambitie als in het niveau van Pools, hoewel ik zou beweren dat niet in zekere mate hoe briljant het anders is. Een mate van frustratie over de show die niet de hoogten bereikt, is gerechtvaardigd, net als de woede dat zelfs een wijd succesvolle serie die in geen enkele haast zou moeten zijn, werk zo verpletterend kan maken voor het personeel. De lastigste stap kan zijn om in het reine te komen met OMS als een uitstekende show toch… hoewel gezien de productiegeschiedenis van de serie, kunnen oude fans hier misschien al aan gewend zijn. Ik weet dat ik Monogatari graag oude eigenschappen heb omarmd, zelfs terwijl Yoshizawa het in een nieuw tijdperk luidt, maar eerlijk gezegd zijn die productieproblemen een aspect dat ik graag achterlaat.
Ondersteun ons op Patreon Om ons te helpen ons nieuwe doel te bereiken om het animatiearchief in Sakugabooru, Sakugasakuga (作画 作画): technisch meer specifiek te tekenen, maar meer specifiek animatie. Westerse fans hebben al lang het woord toegewezen om te verwijzen naar instanties van bijzonder goede animatie, op dezelfde manier als een subset van Japanse fans. Vrij integraal onderdeel van het merk van onze sites. Video op YouTube, evenals deze Sakugasakuga (作画 作画): technisch tekenen van foto’s maar meer specifiek animatie. Westerse fans hebben al lang het woord toegewezen om te verwijzen naar instanties van bijzonder goede animatie, op dezelfde manier als een subset van Japanse fans. Vrij integraal onderdeel van het merk van onze sites. Bloggen. Dank aan iedereen die tot nu toe heeft geholpen!
