The Summer Hikaru Died/L’anime di HikaNatsu è stato concepito attorno alla direzione avventurosa di Ryohei Takeshita, ma senza perdere di vista le idee fondamentali dell’autore. Con un seguito all’orizzonte, è tempo di saperne di più su una produzione affascinante.
Esistono una serie di termini che potresti aver incontrato ascoltando le opinioni dei creatori di anime, soprattutto se parlano per punti vendita specializzati con un pubblico molto interessato. Questo non perché siano le espressioni più tecniche. Se non altro, sono leggermente insensati se analizzati attraverso la realtà letterale della produzione, ma gli artisti coinvolti nel processo li apprezzano come terminologia utile ed evocativa. Certo, sakugaSakuga (作画): tecnicamente disegna immagini ma più specificamente animazioni. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo di un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza integrante del marchio dei nostri siti. anime si applicherebbe tecnicamente a qualsiasi lavoro con componenti di animazione 2D, e questo significa già interpretare la parola con un significato più ristretto di quanto possa potenzialmente contenere. Quando vedi persone all’interno del settore o che orbitano da vicino ad esso usano questa espressione, però, dipinge un quadro specifico: quello degli anime in cui l’abilità e l’intento del movimento, così come l’assoluta qualità della grafica, sono il fulcro dell’esperienza.
Sebbene questa sia la versione più comune del termine, a volte ne incontrerai anche di più specifiche, così come fratelli che evidenziano diversi angoli di enfasi. È giusto considerare il layout anime come un sottoinsieme di sakugaSakuga (作画): tecnicamente disegna immagini ma più specificamente animazioni. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo di un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza integrante del marchio dei nostri siti. anime, riferendosi in questo caso a opere in cui la rappresentazione fisica dello spazio è un elemento di grande attrazione; che sia perché si adatta alla psicologia del personaggio o per pura eccellenza tecnica, tali opere brillano attraverso l’inquadratura in un modo che trascende i loro storyboard. Nei casi in cui i dipinti sullo sfondo non sono solo belli ma hanno anche un notevole risalto, non è raro parlare di bijutsu/anime artistico. Puoi anche trovare esempi di editing di anime, come il divertentissimo Pompo The Cinephile di Takayuki Hirao. Essendo un film che ritrae letteralmente l’atto del montaggio di un film, pur essendo costruito attorno al flusso bizzarro e divertente di Hirao, non sorprende che questa sia stata l’inquadratura abbracciata dal regista stesso.
Ancora una volta, questi termini non si riferiscono a compiti specifici di tali opere, poiché sono aspetti presenti in qualsiasi produzione. Inoltre, non dovrebbero essere interpretati come gli unici passaggi importanti del processo; guardando indietro all’esempio di Pompo, è chiaro che gran parte della soddisfazione viscerale derivante dalle transizioni di Hirao inizia con i suoi storyboard, molto prima che avvenga la fase di editing. Ciò che queste espressioni fanno semplicemente è enfatizzare l’aspetto che risulterà centrale nell’esperienza per lo spettatore, il che le rende anche molto utili per i registi che hanno bisogno di comunicare con i loro team durante le prime fasi di un progetto.
E, fin dall’inizio dell’anime di The Summer Hikaru Died /HikaNatsu, direttore della serieDirettore della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come un decisore creativo e supervisore finale. Superano il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Esistono tuttavia serie con diversi livelli di registi: regista capo, assistente alla regia, regista di episodi della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi varia caso per caso. Ryohei Takeshita aveva qualcosa di chiaro: sarebbe stato un anime enshutsu. Vale a dire, uno spettacolo che enfatizza l’esperienza immediata attraverso una messa in scena complessa e strumenti unici. Uno in cui l’aspetto sensoriale diventa il fulcro innegabile. Quell’idea era così fondamentale che la trasmise non solo al team, ed eventualmente agli spettatori attraverso le scelte esecutive, ma anche ai produttori quando il progetto era solo una presentazione. In effetti, è stata anche una delle primissime cose che Takeshita ha comunicato all’autore originale, che l’ha trovato un ottimo modo per arricchire un adattamento da guardare più e più volte.
In un’intervista per Anime Corner, il produttore di CyberAgent Manami Kabashima fa risalire quei primi discorsi su un adattamento anime al maggio 2022, sottolineando anche che la produzione non sarebbe iniziata veramente se non molto più tardi, quando il regista della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Esistono tuttavia serie con diversi livelli di registi: regista capo, assistente alla regia, regista di episodi della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi varia caso per caso. hanno chiarito il loro programma intorno a ottobre 2023. In una conversazione più ampia per il numero di settembre 2025 di PASH!, che ha coinvolto non solo Kabashima ma anche i produttori di Kadokawa Chiaki Kurakane e Toshinori Fujiwara, quest’ultimo conferma di aver contattato vari studi in occasione dell’uscita dei primi due volumi del manga (da marzo 2022 a ottobre 2022) prima di stabilirsi in questa squadra a Cygames Pictures guidata da Takeshita.
Quando si è trattato di fare questa scelta, la chiarezza della visione di Takeshita ha dato fiducia ai produttori. Piuttosto che cercare un regista mite che si piegasse alle loro scelte, sembrano aver capito che catturare il fascino di HikaNatsu si basa su aspetti immateriali che è meglio lasciare a creatori brillanti con idee specifiche. Ecco perché hanno trovato confortante il fatto che Takeshita fosse molto esplicito e supponente riguardo al processo di assunzione del personale, orientandolo preventivamente verso quell’idea di un anime enshutsu. Il lato positivo delle scelte fatte allora sarà uno dei punti su cui concentrarsi quando approfondiremo gli episodi stessi, ma prima di arrivare a quel punto, dovremmo sfatare un mito allettante: l’idea che Takeshita abbia adottato questo approccio per aggirare i limiti della produzione.
È importante essere chiari sul fatto che le produzioni CyPic non sono sempre così glamour come molti si aspetterebbero, e che un regista come Takeshita non ha bisogno di motivazioni esterne per ottenere sperimentale. Sebbene l’ascesa di uno studio supportato da un’enorme azienda e il rilascio di gemme abbaglianti come Beginning of a New Era progettino un’aura di produzioni costose e di alto profilo, non tutti i progetti CyPic sono creati uguali. E per essere precisi, il grande aumento della loro produzione negli ultimi tempi ha costretto molti di loro a prendere notevoli scorciatoie.
Tali limitazioni si manifestano in vari modi; iniziare i progetti in anticipo ma anche stabilire scadenze che limitino le possibilità dello staff, rifiutarsi di entrare nelle attuali guerre di offerte per assicurarsi animatori di alto livello, lesinare un po’ sugli studi di supporto e in generale impostare un livello più basso quando si tratta di disegnare rifiniture rispetto a quanto vorrebbero i progetti di alto profilo. Intendiamoci, questo è qualcosa con cui sono riusciti a farla franca-non sempre, mi dispiace per il tipo di adattamento travolgente di Cenerentola Grey-perché hanno lavorato con molti team intelligenti e pieni di risorse. E quindi il merito dovrebbe andare più a loro che all’ambiente.
Questo vale anche per HikaNatsu. Ci sono molte persone eccezionali all’interno dello staff scelto da Takeshita, ma quando si è trattato di dare corpo al resto della squadra, si è accontentato di una formazione più modesta. Avendo una visione così chiara, però, poteva coinvolgere conoscenti perfettamente adattati, ancora trascurati, nella regia dell’episodioDirezione dell’episodio (演出, enshutsu): un compito creativo ma anche coordinativo, in quanto implica la supervisione di molti dipartimenti e artisti coinvolti nella produzione di un episodio-approvando i layout di animazione insieme al direttore dell’animazione, supervisionando il lavoro del team di fotografia, del dipartimento artistico, dello staff di CG… Il ruolo esiste anche nei film, riferendosi ai singoli individui. allo stesso modo responsabile dei segmenti del film. doveri. La prima da sola è la prova sia del loro successo che dei loro limiti. La sua grafica dei personaggi un po’rozza può sembrare in contrasto con la fama del progetto, soprattutto con i pochi grandi ospiti dell’animazione che fanno la loro comparsa. Il regista non ha mai nascosto come il programma sia diventato piuttosto problematico man mano che si avvicinava la fine, ma vale la pena notare che hanno raggiunto un senso di stabilità nonostante queste circostanze. Certo, l’anime HikaNatsu non può eguagliare la raffinatezza degli anime televisivi di più alto profilo, per non parlare della qualità illustrativa del manga, ma riesce a rimanere allo stesso livello accettabile per l’intera trasmissione. Se fossero stati eccessivamente ambiziosi con i loro standard in quei primi episodi, lo show sarebbe potuto crollare nella parte posteriore.
La flessibilità che ha permesso loro di adattarsi alle circostanze della produzione è una qualità positiva, che possiamo collegare sia al team di Takeshita che al personale dirigente di CyPic. Tuttavia, come accennato in precedenza, non dovremmo attribuire la causalità laddove non esiste. Questo per dire che Takeshita ha sempre desiderato creare un anime horror sperimentale e atmosferico, un genere per il quale ha mostrato il suo interesse quando ha parlato con ANN. Francamente non c’era nemmeno bisogno di una conferma del genere, perché era una cosa che si poteva sempre sentire nel suo lavoro; ovviamente l’eccentrico regista che ama emulare le telecamere a mano era appassionato di horror coinvolgente. C’è un motivo per cui era così sicuro di voler realizzare un anime enshutsu prima ancora di avere un assaggio di quelle circostanze di produzione: è qui che risiedono gli interessi di Takeshita, e la natura di questa serie era la scusa perfetta per attingere a loro.
Non è un limite che ha dato vita alla genialità di HikaNatsu, questo è intrinseco alle persone che l’hanno creato. Le sue circostanze di produzione mediocri (molto lontane dalle peggiori quando si tratta degli attuali anime televisivi, per la cronaca) non sono qualcosa da celebrare, poiché lo spettacolo avrebbe potuto essere ancora migliore con programmi più ampi e più risorse. Questi non smorzerebbero il loro impatto, ma piuttosto aprirebbero le porte al tipo di recitazione sfumata che non potevano realizzare, a disegni di immediato impatto che potrebbero competere con il materiale originale in questo senso. Se non altro, avrebbe potuto essere ancora più sperimentale, poiché i metodi insoliti a cui Takeshita è interessato tendono a richiedere più tempo per essere realizzati. Anche se non lo darei per scontato, visto che questa sta diventando una tendenza all’interno dello studio, possiamo sperare che il suo successo motivi i produttori a sostenere il sequel già annunciato quanto merita.
Considerato il punto di vista esplicitamente dichiarato del regista, dovevamo semplicemente iniziare a inquadrare questo adattamento attraverso l’ottica degli anime enshutsu. È il modo in cui ha immaginato l’adattamento fin dall’inizio e, per giunta, un ottimo modo per avvicinarsi all’horror. Dopotutto, stiamo parlando di un genere in cui l’esperienza coinvolgente e momento per momento è fondamentale. Per quanto possa avere successo in mani come quelle di Takeshita, tuttavia, l’ossessione per il micro a scapito del macro alla fine avrebbe potuto creare un’esperienza vuota. Uno in cui sei attratto da ogni scena, ma da cui ti allontani senza lasciare un’impressione duratura e risonante. Se non avessero considerato i temi generali e le idee allettanti presentate dall’autore originale Mokumokuren, sarebbe potuto essere così, anche con il livello di storyboard ispirato che abbiamo ottenuto.
Takeshita non era il solo a desiderare di mantenere le idee fondamentali alla base della serie. Accanto a lui c’era, ad esempio, l’autore che li ha inventati. Mokumokuren ha affermato più volte che, anche se non hanno precedenti esperienze con progetti di adattamento, immaginano di essere molto più coinvolti di quanto tendono ad essere gli autori. Questo è qualcosa affermato nel Newtype di ottobre 2025 con Mokumokuren, Takeshita e Murayama, ma esemplificato in modo più divertente nella tavola rotonda di Comic Natalie tra la suddetta autrice e l’interprete di apertura Vaundy. Lì, quest’ultimo ha spiegato di non aver mai partecipato a un incontro con l’autore prima che creasse una canzone per loro. Sebbene il processo di produzione fosse fondamentalmente ordinario, anche quando si trattava della presenza del creatore originale, la proattività di Mokumokuren nelle riunioni regolari e i compiti aggiuntivi come la sceneggiatura a colori per la sequenza di apertura hanno portato a una situazione in cui le idee preziose dell’autore hanno avuto una forte risonanza nell’adattamento.
Intendiamoci, c’è una ragione per cui stiamo parlando dei concetti a cui tiene l’autore piuttosto che delle specificità del materiale originale. L’anime HikaNatsu non ha mai esitato a cambiare la storia originale, per non parlare di adattarne l’esecuzione per sfruttare la natura del suo nuovo canovaccio. Nella suddetta conversazione su Newtype, Mokumokuren ricorda il loro primo incontro con Takeshita, in cui il regista gli chiese se potevano cambiare le cose fin dall’inizio:”non aprirti con questo!”, pensò divertito l’autore. In realtà entrambi erano d’accordo sulla necessità di modificare alcuni aspetti. Molte delle modifiche proposte (anche quelle su larga scala) sono nate dai suggerimenti di Mokumokuren, o per lo meno dalla loro stretta collaborazione con Takeshita. Sono fiducioso nel dire che alcuni di questi aggiustamenti hanno elevato lo show televisivo. E, per quanto riguarda quelli che credo abbiano risultati più contrastanti, posso ancora ammirare l’intento chiaro e mirato che mostrano. Ancora una volta, la lezione è che gli autori comprendono la necessità intrinseca di cambiamento negli adattamenti meglio dei fanbase vocali.
Di cosa parla HikaNatsu, allora? La sua premessa è tanto semplice quanto convincente. Veniamo trasportati in un ambiente rurale piuttosto isolato, seguendo l’introverso liceale Yoshiki Tsujinaka. In quello che gradualmente scopriamo essere il rituale segreto del loro villaggio, la sua migliore amica Venusia è scomparsa prima dell’inizio della serie. Una storia potenzialmente tragica che sembrava avere un lieto fine quando si presentò di nuovo, confuso ma abbastanza sano. Ma questa è, in effetti, solo la superficie. Qualunque cosa abiti la sua pelle ora non è più la persona che Yoshiki conosceva. In realtà non è affatto una persona;”Hikaru”è un essere soprannaturale venuto in questo mondo senza un senso di sé, per non parlare della moralità umana. I due diventano intrinsecamente legati in questa rievocazione diretta dell’esperimento mentale Swampman, che costringe il lettore (e i poveri ragazzi coinvolti in questa situazione) a riflettere su ciò che rende veramente una persona.
Per quanto importante sia questo lato della storia, quelle idee sono inseparabili da qualcos’altro: l’orrore del conformismo e, al contrario, il fascino di una spaventosa alterità. Se lo scippo è un classico dell’orrore, lo è anche il collegamento dell’atmosfera opprimente di un ambiente rurale al soprannaturale. Per Yoshiki, l’asfissiante vita quotidiana non è iniziata con l’apparizione di “Hikaru”. Lo ha fatto molti anni prima, dato che era stufo di tutti gli adulti che gli dicevano di tagliare la frangia con cui si sente più a suo agio. Lo ha fatto quando si è reso conto che non poteva sfuggire ai sussurri sulla sua famiglia; sua madre estranea, sua sorella che non frequenta la scuola, se stesso. E lo ha fatto soprattutto quando ha interiorizzato che la sua sessualità è insolita e viene trattata come una grave deviazione dalla norma. Venusia non era solo sua amica, ma qualcuno da cui era attratto romanticamente e sessualmente. Ora che se n’è andato ed è stato sostituito da una creatura misteriosa, le cose stanno per diventare molto più complicate.
A questo proposito, Mokumokuren è diventato sempre più esplicito su cosa sia HikaNatsu e cosa non sia. Se torni a leggere il suo one-shot iniziale, noterai sicuramente che molte pagine sono esattamente le stesse dell’inizio della serializzazione. Ciò che noterai anche, però, è che i due personaggi principali procedono rapidamente a condividere un bacio e iniziano una commedia romantica normale come si può avere in tali circostanze. Tuttavia, non è questo il percorso intrapreso dall’intera storia. Come Mokumokuren è stato costretto a dire molte volte a causa delle pressioni dei fan da più angolazioni, HikaNatsu è una queer non romantica storia. Ci sono molteplici ragioni che li hanno spinti in questa direzione: la convinzione che sia importante dissociare lo stile queer dal romanticismo, il desiderio di raggiungere ampiamente tutti i tipi di persone che si sentono rifiutate dalle norme sociali e, soprattutto, l’amore di Mokumokuren per l’altro.
Questo punto finale è reso piuttosto esplicito nella narrativa di HikaNatsu, ma credo che la conversazione precedente con Vaundy sia il riassunto più divertente. Essenzialmente spontaneamente, l’autore continua a inveire contro La Bella e la Bestia e tutte le storie che seguono schemi simili. Essendo una persona attratta dalle aberrazioni, percependo il loro fascino e la loro ripugnanza come un cocktail inebriante, l’idea che un lieto fine implichi trasformarli in un normale essere umano è offensiva per Mokumokuren. Per quanto fosse importante definire i sentimenti di Yoshiki in modo preciso, lo era anche proteggere la natura anormale e incomprensibile di “Hikaru”. Una storia d’amore semplice come intesa dalla società umana implicherebbe inevitabilmente la sfigurazione di”Hikaru”, che è qualcosa che l’autore detesta. Sebbene la serie sia incentrata sull’amore, e chiunque apprezzi il piccante vedrà questo scenario solo come un BL ancora più gustoso, è importante capire perché l’autore originale non è innamorato delle etichette. Dopotutto, spingerli in modo aggressivo significa anche rafforzare quella visione incentrata sull’uomo che a loro non piace.
Potresti inventare una visione così interessante e internamente coerente e riuscire comunque a fallire nell’esecuzione. Ma questa è HikaNatsu, la serie che ha catturato l’attenzione di tutti perché la sua interpretazione è così ispirata. Anche con i suoi interessi inclinati in quella direzione, Takeshita potrebbe non essere stato costretto ad andare all-in dal punto di vista dell’anime enshutsu se Mokumokuren non fosse stato brillante nel sintetizzare quei temi in immagini che ti rimangono impresse. Tra i tanti strumenti che l’autore utilizza in questo processo, ce n’è uno in particolare che è stato menzionato in ogni intervista che abbiamo menzionato finora. E realisticamente, nella maggior parte dei casi non abbiamo ancora parlato, come la conversazione di PASH con il direttore artisticoArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): la persona responsabile della grafica di sfondo per la serie. Disegnano molte tavole da disegno che, una volta approvate dal regista della serie, servono come riferimento per gli sfondi di tutta la serie. Il coordinamento all’interno del dipartimento artistico è fondamentale: i designer dell’ambientazione e del colore devono lavorare insieme per creare un mondo coerente. Kouhei Honda. Se hai mai letto HikaNatsu, probabilmente saprai che stiamo parlando dell’uso degli effetti sonori, delle onomatopee e dell’evocazione generale del suono.
Catturare l’intera ampiezza di quell’aspetto negli anime richiederebbe qualcosa di più di una semplice direzione del suono, ma non prendiamoci in giro, dovrebbe iniziare con quello. Takeshita ci ha pensato tanto quando ha inventato il nome di Kouji Kasamatsu per dare forma al suono onnipresente, quasi palpabile; e proprio come per le scelte precedenti, anche perché era stato lui stesso a cercare una scusa per lavorare con lui. Potresti aver notato il fatto che Takeshita è direttamente coinvolto anche in questo aspetto, guadagnandosi il ruolo di direttore del suono (ongaku kantoku). Nel frattempo, Kasamatsu è elencato nel ruolo non standard di ongaku enshutsu. Davvero la parola chiave per l’intera produzione, a quanto pare.
In un’intervista con JINS PARK, Kasamatsu rivela come ha incrociato la sua strada con gli anime, e perché preferisce quel credito specifico. La sua carriera professionale è iniziata come tecnico degli effetti sonori in programmi televisivi, anche se la sua vera passione era il cinema. E poiché era appassionato, era anche critico, motivo per cui trovava il sonoro nei film giapponesi in un certo senso deludente. Armeggiando con una digital audio workstation all’epoca acquistata dal suo capo, faceva esperimenti come l’editing del suo trailer di Patlabor: The Movie sostituendo l’audio con qualcosa che fosse all’altezza dei suoi standard. Nel processo, attirò l’attenzione dei produttori della macchina e, infine, dello stesso staff audio di Patlabor.
Grazie a quel divertente incidente, per Kasamatsu si aprirono le porte all’animazione e al cinema. Essendo così particolare, gli piace essere coinvolto dalle prime fasi (come parte proattiva nella pianificazione della colonna sonora) fino alla fine, modificando i dialoghi e i tempi nei montaggi finali. È consapevole che una posizione del genere tende ad essere etichettata come ongaku kantoku particolarmente influente, ma poiché non è un grande fan dell’aura imponente che hanno quelle parole, preferisce andare con il più umile ongaku enshutsu. È così che è stato accreditato in numerosi progetti Ghibli, inclusa la volta in cui Miyazaki gli chiese di concettualizzare tutti gli effetti sonori in Si alza il vento come rumori prodotti dall’uomo. È diventato il punto di riferimento esclusivo delle icone dell’animazione teatrale giapponese. E con HikaNatsu, è stato in prima linea in un anime televisivo per la prima volta in oltre un decennio. Puoi contare il numero di volte in cui ciò è accaduto con una mano e avresti ancora le dita a disposizione. Anche il personaggio della serie, che è un po’troppo appassionato di sacrificare parti del suo corpo, potrebbe farcela.
Un altro aspetto centrale dell’adattamento condivide il protagonismo con il suono per una scena altrettanto incisiva, soprattutto per gli spettatori che non sono consapevoli della premessa della serie. È ciò che dà forma alla vera natura di”Hikaru”: una forma decisamente appiccicosa e affascinante. Nel momento in cui è stato annunciato l’adattamento, ogni fan ha immediatamente capito perché Takeshita aveva scelto personalmente Masanobu Hiraoka come artista a cui era stato affidato quel ruolo specifico. La sua maestria nel morphing del movimento in opere indipendenti gli ha occasionalmente guadagnato una posizione in progetti commerciali di alto profilo, sebbene sia anche quello stile unico che lo rende incompatibile con la maggior parte degli anime.
La maggior parte degli anime, ma non HikaNatsu, dove si adatta con perfetta (in)naturalità. Le forme fluide di Hiraoka sono ipnotizzanti, proprio come l’attuale”Hikaru”, da cui Yoshiki non riesce a smettere di essere attratto nonostante il chiaro pericolo. Le forme mutevoli ricordano le strutture biologiche che potresti trovare nelle cellule; eppure sono fondamentalmente diversi, e corrispondono all’effetto ottenuto dagli orrori frattali di Mokumokuren. L’anime passa a questi tagli speciali ogni volta che intende accelerare l’orrore, ma forse sono più efficaci quando coesistono con eventi ordinari. A questo proposito, poche scene sono memorabili quanto l’adattamento della scena che inizialmente ha aiutato HikaNatsu a decollare:”Hikaru”si scioglie mentre Yoshiki gli chiede chi sia veramente.
Credo che sia importante vedere questi poli dell’orrore di HikaNatsu non come elementi distinti, ma come parte della rete interconnessa che formano. Nonostante l’assoluta diversità delle tecniche utilizzate da ciascun regista di episodi, tutte si fondono in un’unica trama unificante che è strettamente correlata ai temi di cui abbiamo discusso in precedenza. HikaNatsu è appiccicoso, viscoso. Un fluido che filtra ovunque. Proprio come il caldo dell’estate, catturato in modo così preciso dalla direzione artistica di Honda, dal design dei colori di Naomi Nakano e dal compositing di Tomohiro Maeda. Schiacciare i neri nell’ombra e modificare in modo scomodo il contrasto potrebbero essere scelte indesiderabili in altre serie, ma si adattano al disagio silenziosamente onnicomprensivo di HikaNatsu. Anche il ruolo di Hiraoka riceve il nome di animazione dorodoro, dall’onomatopea presente nel manga. Ancora una volta, questo collega strettamente l’orrore che filtra con una forma di suono. Entrambi gli aspetti condividono questa struttura, come la pressione sociale che trasuda intorno a Yoshiki, non importa dove si trovi. Tutto è spiacevole, eppure non puoi distogliere lo sguardo. Questa è la complessa relazione con l’ignoto che Mokumokuren vuole evocare.
Anche se Takeshita è così al di sopra di tutto, l’anime di HikaNatsu non sarebbe altrettanto avvincente se ogni episodio tra quelli da lui realizzati nello storyboard non fosse un’esperienza coinvolgente a sé stante. Fortunatamente, il processo di assunzione del personale che aveva dato fiducia ai produttori si è rivelato efficace come avevano sperato. Gli episodi seguenti mostrano come l’arrivo di altri registi non impedisca alla produzione di aggirare con inventiva i propri limiti, rafforzando nel contempo le proprie idee. Intendiamoci, la seconda mela non è caduta lontano dall’albero; L’episodio n. 02 è stato scelto e diretto dal promettente Mitsuhiro Oosako, un animatore Dogakobo che ha assorbito molti tratti dai registi attualmente attivi nello studio. Dato che uno dei protagonisti più importanti di quel gruppo è Takeshita stesso, non sorprende che Oosako si sia adattato così bene all’interno di questa serie.
Mentre Yoshiki cerca di elaborare tutto ciò che è accaduto, dallo scippo del corpo a un omicidio che sicuramente non è correlato a”Hikaru”, Oosako enfatizza la sua soggettività attraverso ricorrenti scatti attraverso suoi scoppi. Questo è il tipo di scelta dell’inquadratura così ovvia che nessuno potrebbe non comprenderne il significato, eppure le illustrazioni più efficaci dell’episodio dello spazio mentale di Yoshiki sono ancora una volta quelle che traducono in suono la pressione asfissiante che sente. La scelta più brillante dell’episodio traduce alla lettera le battute di Yoshiki sulle misteriose interiora che sembrano pollo, attraverso l’uso di inquadrature di carne dal vivo. Ciò che inizialmente è divertente diventa immagini inquietanti quando crolla sotto pressione. Le mani che si allungano diventano realistici grumi di carne di pollo stirata, con una fotografia più realeFotografia (撮影, Satsuei): l’unione di elementi prodotti da diversi reparti in un’immagine finita, che prevede il filtraggio per renderla più armoniosa. Un nome ereditato dal passato, quando durante questo processo venivano addirittura utilizzate le fotocamere. interstitial che trasformano l’ordinario in qualcosa di rivoltante. I disegni ripugnanti incarnano il misterioso effetto valle che Mokumokuren spesso utilizza come arma, ma attraverso la sua percezione soggettiva possiamo ancora sentire un’attrazione inebriante. Stanno accadendo cose brutte e il nostro ragazzo ne è tragicamente dipendente.
Al contrario, il terzo episodio è una scelta un po’più rischiosa per il personale. Vale la pena notare che Asaka Yokoyama è una grande fan della serie, quindi non è una grande sorpresa che ne abbia compreso così bene la natura. Il team deve essere stato d’accordo, considerando che lei ha già animato il grande colpo di scena nella premiere insieme a Hiraoka. Eppure, il modo in cui è finita lì non è stato sicuro come quello del regista della serieRegista della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto dello staff e alla fine hanno l’ultima parola. Esistono tuttavia serie con diversi livelli di registi: regista capo, assistente alla regia, regista di episodi della serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi varia caso per caso. affidando un episodio ad un suo allievo. Quando l’anime fu annunciato per la prima volta, a pochi mesi dall’inizio del processo di produzione, lei lo festeggiò e implorò immediatamente il team di lasciarla lavorare nella serie. Questa non era nemmeno una novità per lei, poiché sperava pubblicamente di poter disegnare storyboard per un ipotetico adattamento di HikaNatsu dal 2022, quando erano stati pubblicati solo pochi capitoli. Nonostante all’epoca avesse poca o nessuna esperienza di regia, Asaka si presenta come un’artista con delle idee, quindi il team l’ha accolta rapidamente (tramite il produttore di animazione Kenta Ueuchi) tra i loro ranghi.
La scommessa è stata ripagata, forse perché aveva davvero passato anni a immaginare cosa avrebbe fatto con HikaNatsu se fosse stato animato. In un modo simile alla graduale escalation di terrore nel manga, il suo episodio stabilisce un ritmo chiaro attraverso la ripetizione. Immagini e ricordi ricorrenti diventano sempre più corrotti quanto più li vediamo, con una cadenza che di per sé mette a disagio. Ciò porta all’esplosione di sentimenti umani e istinti disumani; trasmesso attraverso reimmaginazioni di pannelli memorabili, quegli strumenti ricorrenti come il suono e la melma di Hiraoka, così come le sue aggiunte come il disegno al tratto che evoca disumanità. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
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