Mamoru Hosoda ja Takay >Pompo the Cinephile ja One Piece Baron Omatsuri and the Secret Island: kaksi loistavinta animeelokuvantekijää käyttivät henkilökohtaisia onnettomuuksiaan erittäin viihdyttävien elokuvien ruokkimiseen ja käsittelivät synkempiä tunteitaan eloisalla animaatiolla.
Eiga Daisuki Pompo-san, lokalisoitu nimellä Pompo the Cinéphile, oli yksi hurjan viihdyttävimmistä animeelokuvista vuoden 2021 täynnä villin viihdyttävää animea. elokuvia. Pelkästään tämän pitäisi toimia suosituksena, mutta jos etsit konkreettisempaa sävelkorkeutta, Pompo sattuu tuntumaan hyvin samanlaiselta kuin aikamme rakastetuimman ohjaajan arvostettu elokuva.
Koska että Takayuki Hirao ohjasi, käsikirjoitti ja kuvasi Pompon kokonaan, olisi järkevää olettaa, että tarkoitan hänen alan ensimmäisen mentorinsa Satoshi Konin töitä. strong>, yksi suurimmista elokuvantekijöistä, joka on koskaan siunannut animet. Vaikka Konin vaikutus Hiraoon säilyy tähän päivään asti, varsinkin hänen käsityksensä ajasta ja paikasta keinotekoisena kankaana, jota voidaan leikata ja ommella halutessaan, hänen elokuvansa eivät tule ensimmäisenä mieleen Pompoa katsottaessa. Se ei myöskään ole muiden ohjaajien, joita hän avoimesti mainitsee vaikuttajina, eikä niitä, joita hän hiljaisemmin ammentaa.
Loppujen lopuksi Pompoa lähimpänä oleva elokuva on One Piece: Baron Omatsuri ja Salainen saari ja laajemmin sen johtaja Mamoru Hosoda; toimii ilman yhtäläisyyksiä nimellisarvoltaan, ilman suoria luovia yhteyksiä ohjaajien välillä, ja silti heillä on jotain melko syvällistä.
Ymmärtääksemme tämän rinnakkaisuuden meidän on palattava tämän tarinan alkuun, joka tämä tapaus tarkoittaa vuotta 2000. Tuolloin nuori Hosoda oli jo kokemassa voimakasta kasvua Toei Animationin ohjaajana, kehittyen aloittelijan jaksoohjaajasta ihailluksi projektijohtajaksi vain parin vuoden sisällä. Se kiinnitti tärkeiden tuottajien huomion, minkä vuoksi hän sai mahdollisuuden viedä uransa aivan uudelle tasolle ohjaamalla Howlin liikkuvaa linnaa legendaarisessa Ghibli-studiossa. juuri se yritys, johon hän ei ollut liittynyt ennen työskentelyä Toein kanssa ja jonka kanssa hänellä ei koskaan olisi parempaa onnea.
Projektin alusta lähtien Hosoda törmäsi studioon, joka oli perustettu rauhoittamaan sen kahden ikonisen johtajan oikkuja ja tarpeita. Vaikka hän onnistui kuvakäsikirjoitukseenStoryboard (絵コンテ, ekonte): Animaatiosuunnitelmat. Sarja tavallisesti yksinkertaisia piirustuksia, jotka toimivat animen visuaalisena käsikirjoituksena, piirretty erityisille arkeille, joissa on kentät animaation leikkausnumeroa, muistiinpanoja henkilökunnalle ja vastaavat dialogin rivit. Enemmän kolme kokonaista näytöstä, mikä olisi ollut hänen näkemyksensä materiaalista, hän kamppaili jatkuvasti rakentaakseen tiimiä ja varmistaakseen omaisuuden, jota hän tarvitsi täyttääkseen visionsa, mikä vaikutti jatkuvasti kielteisesti aikatauluun. Hosodan odotettiin olevan joku, jota hän ei ollut, joku, jota kukaan muu ei voi aluksi toivoa matkivansa ympäristössä, joka ei ehkä ole ollut aktiivisesti pahantahtoinen, mutta joka oli siitä huolimatta väärennetty häntä vastaan; epätasainen taistelu, kuten hän itse on viitannut siihen.
Keväällä 2002 mennessä Hosoda’s Howl kirvettiin, ja hän löysi tiensä takaisin Toeeihin ystävien, kuten tuottaja Hiromi Sekin ja ohjaaja Takuya Igarashi. Aikana, jolloin hänen uransa näytti murenevan, jolloin Hosoda ei ollut varma, minkä tien valita, he tarjosivat hänelle mahdollisuuden työskennellä Ojamajo Doremi Dokkanin parissa. kaikkien aikojen mieleenpainuvimpia TV-animen jaksoja. Jakso 40, Doremi ja noita, joka luopui olemasta noita, asettaa nimihenkilön samanlaiseen ahdinkoon: kaikki hänen ystävänsä ovat löytäneet tavoitteen, johon he ovat intohimoisia ja joihin he voivat pyrkiä tulevaisuudessa, mutta hän tuntee olonsa tarkoituksettomaksi ja törkeäksi. epäpäteviä vierellään, juuttuneet elämän risteykseen. Tämä yksinkertainen mutta loistavasti toteutettu metafora, johon hän myöhemmin palasi elokuvassa Tyttö, joka hyppäsi ajan läpi, tuli hyvin henkilökohtaisesta paikasta, jolloin Hosoda myös pohti, mitä tehdä elämällään.
Ohjauksen jälkeen. Tuossa valtavassa jaksossa Hosoda jatkoi työskentelyä Toein kanssa – ja muualla hänen tunnetulla kirjaimellaan Katsuyo Hashimoto – jonkin aikaa keskittyen pienempiin projekteihin ennen kuin hänelle uskottiin seuraava suuri työ. Ja se oli tärkeä, sillä hänet valittiin ohjaamaan kuudes One Piece-elokuva: edellä mainittu Baron Omatsuri ja salainen saari. Hänet tuotiin hankkeeseen vasta, kun skenaario oli jo laadittu, mutta Hosoda teki siitä nopeasti omanlaisensa muotoillen jo pöydällä olleet ideat sellaisiksi, joita hän voi käyttää tuolloin tunteidensa ilmaisemiseen. Jos Doremi Dokkan #40 olisi kiteytynyt hänen epävarmuuteensa tulevaisuudesta, paroni Omatsurista tuli hänen kanavansa purkaa kaunaa ja pelkoa. Hän käytti sarjan keskittymistä toveruuteen muotoillakseen hänen ajatuksiaan siitä, mitä joukkueen johtaminen tarkoittaa. se on merirosvoja tai animaattoreita.
Koska Hosoda on ollut täysin selvä tässä, ei ole mitään järkeä lyödä pensasta. Kuten hän on myöntänyt haastatteluissa, kuten tässä AnimeStylen haastattelussa, että voit lukea käännettynä täällä, Baron Omatsuri on analoginen kokemuksensa kanssa Ghibli. Elokuvassa Luffy ja hänen miehistönsä huijataan oletettavasti paratiisimaalaiseksi lomasaareksi, jossa asiat eivät nopeasti ole niin kuin mainostetaan. Sen asukkaat, joita johtaa palmukarvainen Omatsuri, pakottavat heidät kilpailemaan minipeleissä. nyt se on idea alkuperäisestä skenaariosta, jossa elokuva hahmotettiin komediapelinä, mutta Hosoda väänsi sen niin, että koko keikka oli viety paikallisia kohtaan alusta lähtien. Jos olet tietoinen hänen taustastaan, hänen katkeruutensa tulee esiin huvittavan selvästi.
Asiat vain muuttuvat synkemmiksi tästä pisteestä. Omatsurin miehet, jotka myös paljastetaan merirosvomiehistöksi, onnistuvat luomaan eripuraa Luffyn ystävien välille käyttämällä noita minipelejä kiilana miehistötovereiden välille. Kun hahmot vähitellen saavat tietää saaresta ja Omatsurin suunnitelmasta herättää haamumiehistönsä henkiin, katsoja alkaa oivaltaa, mitä kaikki jumissa olevat merirosvokapteenit edustavat. Vaikka Baron Omatsuri on katkerat tunteet sisältävä elokuva, joka tekee selväksi, että ohjaaja luuli, että Ghibli kohteli häntä huonosti, se ei suinkaan ole pinnallinen todistus hänen toimilleen, ja se tekee siitä niin mielenkiintoisen. Joissakin pinnallisissa lukemissa Omatsuri tulkittiin edustavan myös Ghiblin johtajia, mutta Hosoda myönsi, että hänen roolinsa oli sovitettu johonkin muuhun – elokuvan konna oli hän itse.
Kun pääset asiaan, jokainen merirosvokapteeni edustaa erilaista reaktiota. johtamasi tiimiprojekti hajoaa yhtäkkiä. Omatsurin kanssa Hosoda kanavoi katumuksensa, jota hänellä oli silloin asenteestaan kohtaan: aivan kuten kapteeni, joka eli loukussa punaisen nuolen merirosvojen menneisyydessä, ei kyennyt siirtymään katkeraksi ja loukkaavaksi, Hosodan pakkomielle elää. lupaukset, jotka hän oli antanut tiimilleen, eivät antaneet hänen edetä. Ohjaaja tuomitsee tämän asenteen, samalla kun hän hyväksyy sen, että velvollisuudentunto ei ole luonnostaan peräisin väärästä paikasta, ja jopa myöntää, että tämän tyyppisellä itsepäisyydellä on luonnollinen viehätys, sillä Luffy melkein kävelee tuota polkua myöhemmissä vaiheissa. elokuvasta.
Päinvastoin, elokuva antaa tärkeän roolin myös Tearoom Piratesin perhemiehistöä johtavalle pelkurimaiselle isälle. Kun kohtasi Omatsurin ansa, hänen päätöksensä oli paeta ja suojella perhettään hinnalla millä hyvänsä; pohjimmiltaan se vastaa kaikista velvollisuuksista luopumista suojellakseen joukkuettaan niin paljon kuin pystyi. Jostain noiden äärimmäisten reaktioiden väliltä löydät Brief of the Short Mustache Pirates: jonkun, joka kerran hylkäsi miehistönsä katastrofin edessä pelastaakseen itsensä, mutta toisin kuin Omatsuri, tämä johti myönteiseen kasvuun hänen päätöksessään estää tämän tapahtumasta. toisille, ja myös löytää uusia kumppaneita ympärille rakentaa.
Luffyn idealistinen mantra taistella tovereidensa puolesta ei loi lopulta maagista ratkaisua; loppujen lopuksi, riippumatta siitä, kuinka välittävä projektijohtaja olet, käsisi ulkopuolella on aina lukemattomia tekijöitä. Elokuva kuitenkin asettuu terveellisimmälle tavan edetä eteenpäin: uuden ryhmän muodostamiseen vastaamaan haasteisiisi. Luffy kukistaa Omatsurin lopulta ainoan Short Mustache-jäsenen ja Tearoom Piratesin nuorimman ovelien temppujen ansiosta, ja mikä tärkeintä, kiitos kerran pelkurimaisen isän, joka astui haasteeseen.
Kerran kukka, joka osoitti, että Omatsurin zombimiehistö on tapettu, heidän todelliset äänensä pyytävät häntä siirtymään heistä eteenpäin ja etsimään uusia kumppaneita-osoittaen Luffya, jota ympäröi tämä uusi ragtag-tiimi, kuin joku, joka juuri onnistui siinä. Hosoda meni jopa ehdottamaan, että jos hänen miehistönsä olisi tuskin selvinnyt hengissä, luonnollinen lopputulos olisi ollut, että Luffy olisi liittynyt näiden uusien kumppaneiden kanssa. Jonkinlainen radikaali asenne hahmoon, joka ei normaalisti koskaan luopuisi yhdestäkään miehistöstä, mutta edustaa Hosodan päätelmää.
Kun otetaan huomioon nämä tuskalliset tunteet ja kokemukset, jotka syntyvät alla, ja Kun otetaan huomioon niin synkät tapahtumat kuin kidutus ja taistelu kuolemaan, saatat ajatella, että paroni Omatsuri on kokemusten hirveä. Ja tietysti olisit erittäin väärässä. Jännittävän vauhdin, värikkään estetiikin, energisen animaation ja huumorintajuisen ohjauksen välissä, vaikka asiat avoimesti muuttuvat synkäksi, Hosoda varmisti, että elokuvan hetkestä-hetkeen toteutus oli erittäin nautittavaa. Niille, jotka eivät ole perehtyneet hänen henkilökohtaisiin olosuhteisiinsa, jopa niille, joilla ei ole juurikaan aavistustakaan One Piecen yleismaailmallisuudesta, Baron Omatsuri on silti pääsymaksun arvoinen hauska, intensiivinen seikkailuelokuva. Mitä paremmin olet perehtynyt sen kontekstiin, sitä enemmän saat kokemuksesta irti, mutta ohjaaja olisi pettänyt roolinsa, jos hän teki äärimmäisen kontekstiherkän perheelokuvan, joka sai nuorta yleisöä järkyttymään.
Vaikka sen visuaalisuutta on vaikea kutsua kirkkaaksi, varsinkin kun mykistetty paletti ottaa vallan saaren salaisuuksien asteittaisen paljastamisen myötä, Hosodan tavaramerkki kagenashi-estetiikka tuntuu niin rehelliseltä ja läpinäkyvältä, ettei se yksinkertaisesti voi jättää hämmentäviä tunteita. Ja vaikka värit eivät aina ole kirkkaimmillaan, hänen suuntansa varmasti on. Ohjauksen musikaalisuus on käsinkosketeltavaa jopa katkerassa keskustelussa, saati sitten hauskimmista jaksoista. Kaikista Kunihiko Ikuharan seuraajista Hosoda erottui aina kyvystään yhdistää lavastettu keinotekoinen kuvakäsikirjoitus erittäin monimutkaisella arkkitehtuurilla, ja tässä elokuvassa saattaa hyvinkin olla hauskimpia tapauksia, joissa hahmot eksyvät arkkitehtuurin ihmeisiin. Kaikki hänen tavanomaiset temppunsa on suunnattu tuon välittömän hauskuuden lisäämiseen; hänen tunnetut doupoji-kuvansa, toistuvat asettelutLayouts (レイアウト): Piirustukset, joissa animaatio todella syntyy; ne laajentavat tavallisesti yksinkertaisia visuaalisia ideoita kuvakäsikirjoituksesta varsinaiseksi animaation rungoksi, yksityiskohtaisesti sekä pääanimaattorin että taustataiteilijoiden työtä. Hän kurkistaa hahmojensa jokapäiväiseen elämään, kiihdytetään koomisiin vaikutuksiin koko elokuvan ajan, pitäen samalla erittäin energistä tahtia koko ajan.
Elokuvan animaatio toimii yhtä korkealla energiatasolla, alkaen pääanimaatioohjaajan Sushion suunnitteleman hahmon kanssa. Vaikka hänet valittiin luontaisesti sopivaksi One Piecen tyyliin ja sen vaatimaan löysyyteen, hänen näkemyksessään sarjasta liikkeessä on selkeä terävyys, jonka hän auttoi levittämään kaikkialle elokuvaan. Hänen johtamassaan tiimissä oli kaikenlaisia nykyään maineikkaita nimiä, yksi suurimmista sarjan kanssa tähän päivään asti; ja temaattisesti sopivalla tavalla se oli miehistö, jossa oli vanhoja liittolaisia, joiden kanssa Hosoda oli aikonut tehdä yhteistyötä Howlille, sekä uusia kasvoja, jotka puuttuivat joitain tavallisista kumppaneistaan, mutta kompensoivat sen monilla lahjakkuuksilla. Jopa karkeammat näkökohdat, kuten 3DCG:n liian kunnianhimoinen käyttö – puhtaan esteettisen ja hirviömäisyyden välinen kontrasti voi olla todellinen doozy – mahdollisti toisinaan dynaamisia, erittäin kekseliäitä sarjoja. Kaikki sen muodolliset puolet on niin omistettu sisäelinten tyydyttämiselle, että usein synkkä elokuva, jota ruokkii henkilökohtainen onnettomuus, ei koskaan tule lähellekään synkkää oloa. Jos se ei ole elokuvanteon saavutus, en tiedä mikä on.
Kun olet lukenut tähän asti, voit luultavasti arvata, mikä on Pompon juttu; todellakin, toinen villisti viihdyttävä matka, jos mikä tahansa kirkkaampi ja avoimemmin iloisempi kuin paroni Omatsuri, mutta myös ohjaajan uraa muuttavat onnettomuudet, jotka vaikuttavat elokuvan teesiin… tai sen puute. Joten sen sijaan, että kysyisimme Pompon tilannetta, meidän on ehkä parempi kysyä, mitä sen johtajalle kuuluu.
Jos olet seurannut tätä sivustoa, Takayuki Hiraon hahmo ei tarvitse paljoa esittelystä. Vaikka hänet tunnetaan parhaiten kappaleista Kara no Kyoukai/The Garden of Sinners: Paradox Spiral, Hirao oli jo johtava ääni ufotablen aikaisemmalla, paljon kokeellisemmalla aikakaudella. Hänen kykynsä ajatella laatikon ulkopuolella sekä ohjaajana juoksuhaudoissa että projektijohtajana teki hänestä täydellisen luojan nuoren studion etuosassa, joka yrittää löytää persoonallisuuttaan. Kuvakäsikirjoittajana hänellä oli häikäisevä virtaus ja tempon hallinta sekä nerokas mieli keksiä uusia temppuja, joita kukaan ei ollut aiemmin edes harkinnut – mikä sovelsi hänen johtajuuteensa sarjan ohjaajana Sarjan ohjaaja: (監督, kantoku): Koko tuotannosta vastaava henkilö sekä luovana päätöksentekijänä että lopullisena ohjaajana. He ylittävät muun henkilöstön ja heillä on viimeinen sana. Sarjoja, joissa on eri tasoisia ohjaajia, on kuitenkin olemassa – pääohjaaja, apulaisohjaaja, sarjan jaksojohtaja, kaikenlaisia epätyypillisiä rooleja. Hierarkia näissä tapauksissa on tapauskohtainen. yhtä hyvin. Vaikka hän oli lähimpänä perinteistä ohjaajaa sellaisissa nimikkeissä kuin Manabi Straight, projekti vei studion idean perheen kaltaisesta ympäristöstä ilman tiukkaa hierarkiaa äärimmäisyyksiin, ja siinä oli 4 erilaista johtajaa tärkeimmille osa-alueille. esitys; kirjoittaminen, estetiikka, ulkoasutLayouts (レイアウト): Piirustukset, joissa animaatio todella syntyy; ne laajentavat tavallisesti yksinkertaisia visuaalisia ideoita kuvakäsikirjoituksesta varsinaiseksi animaation rungoksi, yksityiskohtaisesti sekä avainanimaattorin että taustataiteilijoiden työn ja toteutuksen. Jopa projekteissa, joissa on perinteisemmin koottu tiimi, Hiraon valta-asema merkitsi sitä, että jotain ainutlaatuista tapahtui väistämättä.
Vaikka ufotablen menestys Aniplexin ja Type-Moonin kaltaisten yritysten kanssa teki studio asettui paljon säännöllisempään rutiiniin, Hiraon suhde heihin jatkui upeiden teosten kautta, kuten Majocco Shimai no Yoyo to Nene, radikaali poikkeama intensiivisestä jälkikäsittelystä, josta oli jo tullut synonyymi sanalle ufotable. Jopa niissä tapauksissa, joissa hän kaipaa, Hiraon epäonnistuminen oli yleensä melko mielenkiintoinen yritys tehdä jotain uutta. Valitettavasti hänen kohdallaan kaikki kaatui GOD EATER-televisio-ohjelman tuotannon aikana. Hirao oli toistuvasti työskennellyt franchising-sarjassa rakentaen samalla vahvan suhteen Bandain tuottajien kanssa, mikä teki projektista, jonka saattoi olettaa olevan vain kotitehtävä tällaiselle omituiselle ohjaajalle, hyvin henkilökohtaiseksi sopimukseksi. Hän siirtyi storyboardiinStoryboard (絵コンテ, ekonte): Animaation suunnitelmat. Sarja tavallisesti yksinkertaisia piirustuksia, jotka toimivat animen visuaalisena käsikirjoituksena, piirretty erityisille arkeille, joissa on kentät animaation leikkausnumeroa, muistiinpanoja henkilökunnalle ja vastaavat dialogin rivit. Enemmän koko esityksen, käsikirjoittaen periaatteessa myös kaikkia käsikirjoituksia, samalla kun hän on hyvin tarkka visionsa suhteen sarjan ohjaajana Sarjan ohjaaja: (監督, kantoku): Koko tuotannosta vastaava henkilö, sekä luova päätöksentekijä ja lopullinen esimies. He ylittävät muun henkilöstön ja heillä on viimeinen sana. Sarjoja, joissa on eri tasoisia ohjaajia, on kuitenkin olemassa – pääohjaaja, apulaisohjaaja, sarjan jaksojohtaja, kaikenlaisia epätyypillisiä rooleja. Hierarkia näissä tapauksissa on tapauskohtainen. Ja kun romahtavan aikataulun pysäyttämätön voima kohtaa liikkumattoman kohteen, kuten itsepäinen ohjaajan, asiat muuttuvat rumaksi.
Ei voida kiistää, että Hirao kysyi paljon hänen tiimistään. Yksityiskohtaiset suunnitelmat monisävyisillä varjostuksilla, jotka vaativat erityiskohtelua maalaushenkilökunnalta, sekä raskasta toimintaa hänen aina mukana olevalla kameratyöllä, muodostavat cocktailin, jota ei kannata toivoa kenellekään animaatiotiimille. Tämän lisäksi hänen vaatimuksensa hoitaa kaikki itse aiheutti ennalta ehkäisevän kriittisen osuman aikatauluun; koska ei pystynyt kirjoittamaan kaikkia skriptejä ennen kohtuullista määräaikaa, kaikki oli myöhässä aikataulusta alusta lähtien. Jos ufotable olisi kuitenkin ollut parhaimmillaan, studio olisi todennäköisesti kestänyt myrskyn. Elleivät he olisi juuri saaneet päätökseen Fate/Stay Night: Unlimited Blade Worksin-sarjan toista kurssia, joka on ymmärrettävästi korkeampi prioriteetti ja joka on jo ajanut heidät äärirajoihinsa, asiat olisivat saattaneet järjestyä Hiraolle. Todennäköisesti hän työskentelee edelleen heidän kanssaan vaimonsa ja usein värisuunnitteluyhteistyöhön osallistuvan Emi Chiban kanssa. On helppo nähdä, kuinka tällainen aikajana saattaa kehittyä, mutta se ei ole se, jolla elämme.
Hirao otti romahduksen hyvin henkilökohtaisesti. Toisessa haastattelussa AnimeStylen viimeisimmässä numerossa hän myönsi, kuinka huono tiimin ympäristö oli saanut, ja hänen ikätoverinsa kyseenalaistivat hänen inhimillisyyttään ja järkeään, kun GOD EATER hajosi. Totta puhuen, Hiraolla oli aina ollut maine siitä, että hän ei ollut harkinnut villien ideoidensa toteuttamiskelpoisuutta, mutta ollessaan poikkeuksellisen tukevassa studiossa hän oli päässyt eroon enimmäkseen vain huvittuneesta huokauksesta. Kun asiat menivät todella kurjaksi, siitä tuli avoin vihamielisyys, mikä yhdistettynä siihen, ettei ohjelma saanut kritiikkiä eikä kaupallista suosiota, jätti Hiraon asemaan, jossa hänestä tuntui, että hänen täytyi lähteä työpaikaltaan.
Et tule olemaan. yllättynyt kuullessani, että tämä aiheutti Hiraon täydellisen tuhon, vaikka hänen onneksi tässä asiat alkavat näyttää ylöspäin. Koska hänellä oli tuskin aikaa pohtia tapahtunutta, hän sai puhelun yhdeltä alan vanhimmista ystävistä: Tetsuro Araki, Death Note-ja Attack on Titan-maine. Heistä kahdesta tuli samaan aikaan uransa alkuvaiheessa Madhousessa, ja heistä tuli nopeasti hyviä ystäviä ja mahdollisimman tiukka yhteistyökumppani kasvaessaan kiireisiksi hahmoiksi eri studioissa. Araki, joka ystävänsä mukaan oli myös joutunut harkitsemaan uudelleen velvollisuuksiaan projektin johtajana ja hänen vaativan näkemyksensä vaikutusta henkilökuntaan, antoi Hiraon rakentaa itseluottamustaan uudelleen kuvakäsikirjoittamalla huippujaksoja toisen ja kolmannen kauden aikana. Attack on Titan.
Tämän keskellä – tarkalleen ottaen vuonna 2017 – elpynyt Hirao sai mielenkiintoisen ehdotuksen. Niin paljon vahinkoa kuin GOD EATERin tuotanto oli tehnyt hänen uralleen, hänen mieletön omistautumisensa antoi hänelle myös hyvää tahtoa. Bandain pelien tuottaja Yusuke Tomizawa otti Hiraon puoleen ja suositteli hänelle Pixiv-mangasarjaa, joka hänen mielestään olisi hänen kujaansa. tietysti se ei ollut kukaan muu kuin Pompo. Kun hän päätti ryhtyä hankkeeseen tosissaan, kaikki muut palaset loksahtivat paikoilleen ikään kuin projektin oli määrä olla. Hirao työskenteli tuolloin romaania, jossa oli Shingo Adachi-kuvituksia ja jonka julkaisi Kadokawa, josta tuli Pompon suunnittelija ja päärahoittaja. Toinen hänen vanha kaverinsa Madhousessa ja myöhemmin ufotable-projekteissa, kuten Majoccossa, Ryoichiro Matsuo sattui juuri perustamaan studion CLAP, jolla oli täydellinen ajoitus tämän projektin hoitamiseen. Kaunis sarja yhteensattumia erittäin hauskalla lyöntilinjalla: Bandailla ei lopulta ollut mitään tekemistä elokuvan kanssa, mutta Tomizawa istuu silti aivan elokuvan päällä. elokuvan erityiset kiitokset ja kertoo ylpeänä uteliaasta avustaan myös Twitter-profiilissaan.
Paljon kuin Hosodan työ hänen tuhoisan Ghibli-kokemuksensa jälkeen, Hiraon suhtautuminen Pompoon on pitkälti ohjaajan olosuhteiden tuote. Huolimatta siitä, että se oli sovitus, hän tajusi nopeasti, että sarjakuvassa ei yksinkertaisesti ollut tarpeeksi materiaalia pitkää elokuvaa varten, mikä antoi hänelle täydellisen tilaisuuden vapauttaa pullotetut tunteensa. Tämän seurauksena Pompo on ihastuttava sotku; se on optimistinen ja voimaannuttava yhtä usein kuin sokean synkkä ja itseään vahingoittava, mikä tiivistää Hiraon asenteen luovaan prosessiin tällä hetkellä. Elokuvan tarina, joka seuraa synkän näköistä apulaistuottaja Genettä ja hänen karismaattista tuottajaansa Pompoa entisen törmääessä tilaisuuteen ohjata omaa teostaan, jättää runsaasti tilaa noille ristiriitaisille tunteille.
Hiraon mantra. on asettunut, johon hän sanoo, että vain ufotable jättäminen antoi hänelle mahdollisuuden muotoilla oikein, on se, että hän haluaa luoda teoksia, joissa vähemmistö saa takaisin enemmistön. Tai, hieman tarkemmin sanottuna, teoksia, jotka juhlivat syrjäytyneiden ja sosiaalisten sopimattomien menestystä heikentämättä heidän ainutlaatuista identiteettiään. Tämä kaikuu kauniisti eräässä huippukohtauksessa, jossa Gene sanoo, että elokuvat pelastivat hänet – aivan kuten Hirao sanoi tapahtuneen hänelle hänen nuoruudessaan – ja jotta tämä tapahtuisi muille, hän tekee elokuvia, joita ne, jotka ovat kaatuneet. tienvarsilla voi myös nähdä itsensä sisään, kun visuaalit välähtävät kaikenlaisten kroonisesti äänioikeutettujen yhteisöjen läpi. Elokuvan viimeiset näytökset hämärtävät rajat Genen ja hänen tekemänsä elokuvan välillä, ja näin tehdessään ne kanavoivat suoraan myös Hiraon hyvää tarkoittavat unelmat.
Samalla tavalla kuitenkin Hiraon epäterveellinen lähestymistapa luomisprosessista tulee väistämätön läsnäolo elokuvassa. Vaikka alkuperäinen teos on jossain määrin kieltämättä uupunut, Hirao suhtautuu siihen täysin vakavasti ja pohtii, onko luova prosessi todella synonyymi elämäsi osien – ihmissuhteiden, ajan, jopa terveyden – ja luontaisen yksinäisen prosessin uhraamiselle. Ja hänestä se todella näyttää olevan. Genen ja hänen hahmojensa matka on itsetuhoinen; Ohjaaja tietää sen, myös elokuva on täysin tietoinen siitä, mutta kummallakaan ei kuitenkaan ole itsessään sitä täysin tuomita. Heidän maailmankatsomuksensa on kyseenalainen, mutta toisin kuin Hosodan paroni Omatsuri, jolla oli tarpeeksi aikaa keksiä lopullinen vastaus, Hirao voi tarjota vain siistin ajatusten yhteentörmäyksen.
Tämä on parhaiten havainnollistettu Alanin kautta, täysin omaperäinen. elokuvamaailmasta erottuva hahmo, jonka Hirao keksi tavoittaakseen enemmän katsojia. Aiemmin elokuvassa Pompo kertoo, että hän värväsi Genen, koska hänellä ei ollut elämää hänen silmissään, koska vain ihmiset, jotka eivät ole eläneet täyttä elämää, voivat kanavoida pakolaistarpeensa luomaan mukaansatempaavia fiktiomaailmoja. Alan on sen vastakohta, sillä hän on suosittu lapsi, joka varttui nopeasti saamaan tärkeän aseman pankissa – ja silti hänen elämästään puuttuu jotain. Yhdessä hiljaisimmin merkittävimmistä kohtauksistaan hän kertoo Genelle, että hänen katseensa, jotka ovat kiinnittyneet luovaan prosessiin sellaisenaan, kimaltelevat elämää. Äskettäisessä keskustelussa Yuichiro Oguron kanssa Hirao myönsi, että hän ei pysty tukemaan täysin kumpaakaan kantaa ja että vaikka tämä yksinäinen näkemys luovasta prosessista on se, mitä hän itse näkee, hän ajattelee, että Pompon itsensä vahingoittava, ylityöllinen asenteet ovat viimeinen asia, jota animeteollisuus johtaa tällä hetkellä. Vitsaillen he olivat yhtä mieltä siitä, että jos hän olisi tehnyt tämän elokuvan myöhemmin elämässään, sillä olisi ehdottomasti lämpimämpi sävy tässä suhteessa.
Nyt, niin synkkää kuin elokuvan temaattiset vaikutukset voivat olla, Pompo on melkein matemaattisesti virkistävä elokuva katsottavaksi. Totuus on, että huolimatta siitä, että Hirao oli arvostettu korkealle hänen näppärästään editoinnistaan, hän oli menettänyt luottamuksensa siihen miettiessään, oliko hänestä tulossa kikkaileva, matala ohjaaja. Huomattuaan vain kaikki ylistykset, joita hänen suuntansa sai Paradox Spiralin kaltaisista teoksista freelancerina tultuaan, ja hänelle uskottiin Pompon kaltainen elokuva, joka juhlii elokuvan taikuutta ja editoinnin voimaa, hän päästi kaikki temppunsa valloilleen terävämmällä tavalla kuin koskaan..
Jo ennen tätä elokuvaa Hirao oli vahva kannattaja editoimista animaation muuttavana vaiheena, joka harvoin saa huomiota – ei ikäisensä, puhumattakaan yleisöstä. Hän arvostaa tarpeeksi, että kaikilla teoksilla on omistautunut toimittaja: Tsuyoshi Imai, jonka kanssa hän työskenteli jo kuvakäsikirjoitusvaiheessa. Pomposta tuli tavallaan elokuva, joka vaati vähemmän nimellisleikkausvaiheestaan, koska se oli jo visualisoitu tarkka editointi mielessä.
Saumaton kulku ja älykäs leikkaus ovat sinänsä nautinnollisia, mutta editointi makrotasolla on aivan yhtä tarkoituksellista. Pompon hahmo uskoo vahvasti noin 90 minuuttia kestäviin elokuviin, sillä hänen lapsensa oli vaikea pysyä paikallaan pidempään, kun isoisä pakotti hänet katsomaan elokuvaa. Ja niin, Hirao otti sen mieleen; huolimatta siitä, että hän oli liioitellu alkuperäisen materiaalinsa kanssa niin paljon, että hänellä oli lähes 2 tuntia käsikirjoitusta, hän leikkasi sen niin, että Genen ensimmäisen esiintymisen ja elokuvan viimeisen otoksen väliseen toiseen kulumaan kului 90 minuuttia, jossa hän julistaa suurimman voittonsa. teki Pompon halutun pituisen elokuvan. Tämä tiukka ja tempon hallinta tekevät Pomposta yhden kitkattomimmista elokuvista, joita olen nähnyt, mikä ei ole helppo saavutus, kun otetaan huomioon, että se käsittelee joitain raskaita aiheita.
Loppujen lopuksi Baron Omatsuri ja Pompo ovat kaksi erittäin viihdyttävää elokuvaa, jotka eivät vaadi mitään tästä kontekstista. Molemmat ovat sellaisten ohjaajien tuotteita, jotka ymmärtävät, mikä tekee elokuvasta sisäelinten tyydyttävän kokemuksen, luultavasti heidän parhaiden teostensa joukossa, kun kyse on pelkästä viihdetekijästä. Ja kuitenkin, molemmat ovat myös luonnostaan sidoksissa niihin tuskallisiin kokemuksiin, joita heillä oli, mikä tekee kiehtovasta kaksinaisuudesta. Vaikka heidän tilanteensa ovatkin samankaltaisia, he tulevat selvästi eri vaiheissa näiden synkkien tunteiden käsittelyssä: katkeroista muistoista huolimatta, Baron Omatsuri haluaa jatkaa terveellisesti, kun taas Pompo on elokuva ilman vastausta ja jossa itsensä-tuhoisia taipumuksia ei täysin kumota. Tätä kirjoittaessaan Hirao työskentelee parhaillaan alkuperäisen animen parissa, jolla on sama teema: kohottavat hylkijät, joten on täysin mahdollista, että näemme hänen seuraavan samanlaista kaaria – niinhän ohjaaja itsekin on profetoinut!
Tue meitä Patreonissa, jotta voimme saavuttaa uuden tavoitteemme, ylläpitää animaatioarkistoa Sakugaboorussa, SakugaSakuga (作画): Teknisesti kuvien piirtäminen, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan erityisen hyviin animaatioihin, samalla tavalla kuin osa japanilaisia faneja. Melko olennainen osa sivustojemme brändiä. Video Youtubessa sekä tämä SakugaSakuga (作画): Teknisesti piirretty kuvia, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan erityisen hyviin animaatioihin, samalla tavalla kuin osa japanilaisia faneja. Melko olennainen osa sivustojemme brändiä. Blogi. Kiitos kaikille tähän mennessä auttaneille!
