Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies – Toei Animationin upea kunnianosoitus menneisyydelle ja tulevaisuuden uhille

Toei on viihdealan ryhmittymä, johon yksikään anime-studio ei voi verrata, ja joissain suhteissa kenenkään sen ikäisensä ei pitäisi toivoa verrata; sillä niin jättimäinen kuin heidän perintönsä animessa onkin, tuo massiivinen jalanjälki luo myös pilkkoja varjoja sekä työelämässä että luovassa rintamassa. Viimeisten 7 vuosikymmenen aikana heidän animaatioosastonsa on kehittynyt nykyisekseen. Sellaisen, joka pystyy tuottamaan monia samanaikaisia, loputtomia maailmanlaajuisia hittejä, ja kuten One Piecen katsojat voivat tällä hetkellä todistaa, myös tekemään heidän kanssaan fantastista työtä, kun nuo otsikot ovat hyvin hallittuja. Kuten täsmälleen saman sarjan kokeneemmat fanit muistavat, heidän mallinsa voi kuitenkin tarkoittaa myös jatkuvaa stressaavaa työtä ja tulosta, joka tuntuu olevan olemassa vain hitaudesta ja tarpeesta toimittaa tuote viikoittain.

Samalla kun animeteollisuus marssii masentavasti kohti tulevaisuutta, jossa studiot ovat vain kokoonpanolinjoja, Toei on kokenut veteraani, jolle tämä tulos ei ole uusi. Heitä on kohdeltu sellaisina useiden vuosien ajan, mutta silti he onnistuvat yhdistämään tarpeeksi luovia osia näiden kaupallisten velvoitteiden puitteissa estääkseen kyynisyyden valtaavan täysin vallan. Se voi olla epävarma tasapaino, mutta Toei on löytänyt kaavan, jonka avulla he voivat täyttää nämä vaatimukset samalla kun he tekevät mieleenpainuvaa työtä ja kasvattavat animen loistavimpia nuoria mieliä. Toistamassa jaksoja esimerkiksi Sailor Moonin, Doremin, Ashita no Nadjan ja Precuren kanssa, Kunihiko Ikuharan, Mamoru Hosodan, Takuya Igarashin kanssa, Rie Matsumoto ja Haruka Kamatani – nämä positiiviset kuviot eivät ole onnellinen sattuma. Et voi koskaan pitää niitä itsestäänselvyytenä yhdessä tietyssä sarjassa, mutta yksi asia on ollut varma vuosikymmeniä: Toein massiivisissa halleissa tapahtuu aina jotain erittäin mielenkiintoista.

Temppu tässä, Tietenkin Toeilla on pakoventtiilit tälle tukahduneelle, radikaalille luovuudelle. Vaikka on mahdollista lähestyä niitä suosittuja, pitkäkestoisia nimikkeitä, joista studio tunnetaan tavanomaista kunnianhimoisemmin ja luovemmin, ja studion kulttuuri kannustaa rohkeita ohjaajia tekemään niin, on vain niin paljon tehtävissä, jotta se saisi aikaan. Suositun toiminta-animen tai valtavan franchising-sarjan tiukat rajat, joiden on jatkettava muovin myyntiä. Usein omituisimmat ohjaajat käsittelevät ikonisia jaksoja Toein lippulaivoista, mutta jos he voisivat työskennellä siinä, heidän uransa studiossa olisi melko lyhyt. Vaikka vain silloin tällöin, hurjan ainutlaatuiset taiteilijat on vapautettava kahleistaan, minkä vuoksi Toei näytti pitäneen mielessään aina vaihtoehtoja, kun he kehittyivät kohti tätä tehdaslinjan todellisuutta. Yksi tällainen projekti, joka julkaistiin 10 vuotta sitten, oli unohtumaton Nijiiro Hotaru – Rainbow Fireflies.

Konosuke Udan nimi ei todellakaan ole yhtä lumoava hänen, kuten Ikuharan tai hänen roolimallinsa Junichi Saton aikalaisia, jotka ansaitsivat paikkansa Toein kaikkien aikojen parhaiden ohjaajien kaanonissa. Julkisen tai kriittisen maineen puute ei kuitenkaan tee kenenkään urasta yhtään vähemmän tärkeää. Ensinnäkin kukaan muu ei voi ylpeillä olevansa One Piecen ensimmäinen sarjan ohjaaja… vaikka yksi Goro Taniguchi voi omistaa sarjan ensimmäisen kantoku-roolin, koska hän ohjasi pilotin joka vuosikymmeniä myöhemmin on johtanut tulevaan One Piece Film Rediin. Udan parhaat teokset eri genre-tiloissa, kuten Lovely Complex, Ginga e Kickoff ja MAJIN BONE eivät ole kaupallisia megahitteja eivätkä prototyyppistä kriittistä kultaa. , mutta ne ovat sellaisia ​​töitä, joita ihmiset huomaavat muistavansa hellästi. Ohjaajana, joka huomasi olevansa eksyksissä ja vailla ajoa uransa alkuvaiheessa, työskennellessään edellä mainitun SatoJunin alaisuudessa – ja kaikkien aikojen mestarina hauskuuden lisäämisessä kaavamaisissa skenaarioissa, joita todennäköisesti kohtaat Toeissa – energisoi Udaa, joka on siitä lähtien. sitten onnistui johdonmukaisesti välittämään tuon nautinnon yleisölle.

Tällä hiljaisesti merkittävien saavutusten ja miellyttävien mutta ei poikkeuksellisten teosten uralla on yksi suuri poikkeus. Vuodesta 2007 valmistettu versio, kun tuottaja Atsutoshi Umezawa lähestyi Udaa esittää hänelle elokuvan, joka on saanut inspiraationsa romaanista, jonka hän oli hiljattain lukenut. Umezawa, joka liittyi studioon Toei Doga-aikakaudella ja on jatkanut ajan varaamista outo pienille projekteille senkin jälkeen hänen eläkkeelle jäämisensä onnistui koottamaan erittäin houkuttelevan tarjouksen. Ja tehdäkseen niin, hän myi ensin idean ylemmille tahoille vakuuttaen heidät siitä, että oli oikea aika osoittaa kunnioitusta nuoruuden historiallisesti merkittäville Toei Doga-elokuville studion kokonaan rahoittaman henkisen seuraajan kanssa.

Umezawa pystyi sitten välittämään tämän ehkä kerran elämässä-mahdollisuuden Udan kaltaiselle ohjaajalle: luovan vapauden, kunhan hän teki jotain studion perinnön arvoista korkean profiilin tiimin ja paljon aikaa hänen käytössään. Vaikka pitkän prosessin jälkeen – 2 vuotta animaatiolle, 3,5 vuotta koko tuotannolle ja lähes 5 sen julkaisemiseen – ylemmän tason edustajat kyllästyivät lopulta ja vaativat valmiin tuotteen, tämä paine ei riittänyt kompromissiin. elokuva, joka seisoo varpaisiin varpaisiin Toein suurimmilla animaatiosaavutuksilla. Itse asiassa hyvin harvat animet ovat verrattavissa tämän joukkueen saavutuksiin.

Kuten Uda selitti artikkelissa AnimeStyle002 vaikka projektin lähtökohta saattoi olla sokeripäällysteinen, tie, jolle he lähtivät, ei välttämättä ollut makea – tai edes tie ollenkaan, kun otetaan huomioon, kuinka paljon he juoksivat ympyröitä esituotantoprosessin aikana, kuten he ajattelivat. luomansa teoksen identiteetin. Nijiiro Hotarun matka alkoi Udasta ja Takaaki Yamashitasta, joiden osallistuminen oli Kenkichi Matsushitan suositus esimiespuolelta. Ottaen huomioon, että ainoa ylhäältä tuleva mandaatti heillä oli alun perin kunnioittaa Toei Dogan historiaa, Yamashitan osallistuminen sopi; hän oli myös liittynyt studion tuon aikakauden jälkimmäisten vaiheiden aikana ja lopulta huomasi mentoroivansa Hosodan ja Tatsuzou Nishitan kaltaisia, katseenvangitsevia ilmentymiä studion moderneista mahdollisuuksista. Jos pitäisi juhlia Toein menneisyyden ominaisuuksia ja hyödyntää heidän nykyisyytensä vahvuuksia, Yamashita olisi heidän miehensä. Eli ihanteellisessa maailmassa, jossa aika ei ole rajallinen resurssi.

Siihen mennessä Yamashitalla oli jo suuri kysyntä sekä TV-ohjelmissa että teatteriurallaan – hänen ainoana painopisteensä nykyään – eli myös nousuun. Nijiiro Hotaru oli niin pitkä sitoumus, että se meni päällekkäin yhden vaan kahden Hosoda-elokuvan kanssa, puhumattakaan muista projekteista, jotka vaativat hänen apuaan. Koska alusta asti oli selvää, että hän ei pystyisi kiinnittämään kaikkea huomiotaan Nijiiro Hotarulle, Uda pyysi apua hyvin erityiseltä taiteilijalta, joka juoksi samanlaisissa piireissä: Hisashi Morilta, kanadalaistyyliseltä toiminta-animaattorilta, joka kääntyi lujasti perään. ratsastaa Mitsuo Ison realistisella aallolla, mutta ei koskaan menettänyt terävyyttään ja geometrisia muotojaan ja tuplata tästä lähtien rohkean lineartin. He kolme lähtisivät laajoille paikanhakumatkoille, mikä oli tuolloin studiolle epänormaalia, piirtäen konseptitaidetta auttaakseen itseään näkemään elokuvan ihanteellisen muodon. Tietyllä tavalla se tuntui enemmän huolellisesta arkeologisesta paljastamisesta sen luonnollisesta lopputuloksesta, eikä ryhmältä, joka ryntäsi eteenpäin ennakko-ideoiden kanssa.

Taaskaan prosessi ei ollut helppo, ja tiimi huomasi palaavansa takaisin. päätöksistään useammin kuin ei. Ensimmäinen suuri muutos suunnitelmissa tapahtui tuossa kolmiossa: vaikka Mori alun perin merkitsi auttamaan kiireistä Yamashitaa, Uda rakasti hänen rohkeita luonnoksiaan niin paljon, että päätettiin nopeasti, että hänen pitäisi olla hahmosuunnittelija. Se auttoi heitä myös käsittelemään joitain varhaisia ​​epäilyksiä, joita heillä oli hankkeen identiteetin suhteen; saatuaan pyynnön noudattaa Toei Doga-perinnettä paitsi nykyaikaisemmassa kontekstissa, Uda ja hänen tiiminsä katsoivat, että he menevät liian voimakkaasti päällekkäin muiden tämän tyylin kaukaisten perillisten kanssa, kuten Ghiblin teosten tai tuolloin samanaikaisen Mai Mai Miraclen tuotannon kanssa. Rakentamalla sen sijaan Morin ainutlaatuisen paksuun linjaan, Nijiiro Hotaru tuntui heti omalta teokseltaan. Heidän lopulta rakentamansa animaatioputki heijasti myös tätä uutta dynamiikkaa. Yamashita lainasi edelleen kuvien sommitteluosaamisensa piirtämällä lukemattomia karkeita asetteluja. Layouts (レイアウト): Piirustukset, joissa animaatio todella syntyy; ne laajentavat tavallisesti yksinkertaisia ​​visuaalisia ideoita kuvakäsikirjoituksesta varsinaiseksi animaation rungoksi, yksityiskohtaisesti sekä pääanimaattorin että taustataiteilijoiden työtä. joka laajensi kuvakäsikirjoitustaStoryboard (絵コンテ, ekonte): Animaatiosuunnitelmat. Sarja tavallisesti yksinkertaisia ​​piirustuksia, jotka toimivat animen visuaalisena käsikirjoituksena, piirretty erityisille arkeille, joissa on kentät animaation leikkausnumeroa, muistiinpanoja henkilökunnalle ja vastaavat dialogin rivit. Lisää, jotka siirrettäisiin sitten Morille näyttelijän erityispiirteiden säätämiseksi ja lopuksi tietyille tärkeille animaattoreille, jotka noudattavat animaatioiden standardityönkulkua.

Koska lähdemateriaalin päähenkilön sukunimenä sattui olemaan Okuyama, aivan kuten Toei Doga-legenda Reiko Okuyama, tiimillä oli röyhkeä idea nimetä päähenkilö, jolla ei ollut sukunimeä kirjassa Yoichi Kotaben mukaan, joka oli yhtä merkittävä hahmo studiolle. Välttääkseen liioittelua he menivät sen sijaan Otaben kanssa, mikä kuulosti hyvin läheltä ottaen huomioon hänen VA:n ääntämisen. Lopulta Kotabe katsoi elokuvan muiden Toei Doga-legendojen rinnalla ja oli erittäin kiitollinen heidän eleestään.

Tämä muutos oli vasta ensimmäinen monista tapahtuneista, ja monet niistä johtuivat edellisestä tekemästään päätöksestä. Ensinnäkin Morin rohkeiden linjojen omaksuminen oli osoittautunut liian ahdistavaksi ilmapiiriksi, kuten he katkerasti ymmärsivät, kun heitä pyydettiin animoimaan pilottielokuva. Yrittäminen vähentää visuaalista vaikutusta jäljittelemällä ruskeaa hiilipaperiefektiä, joka näkyy esimerkiksi Naapurini Totorossa, ei myöskään onnistunut. , koska se antoi tyylikkään syksyisen tunnelman elokuvaan, jonka oli tarkoitus ilmentää kesän ylhäältä alas. Ratkaisu, johon he päätyivät, oli keskeyttää Morin mustat linjaukset tarkoituksella sijoitetuilla värillisillä piirretyillä segmenteillä, jotka antavat kuvien hengittää.

Tähän seurasi myös taiteen suunnan muutos, mikä vahvisti entisestään raikkautta. Anime Kobo Basaran Seiki Tamura, joka oli korvannut Studio Pablon Kentaro Akiyamann varhaisen valvonnan aikatauluristiriitojen vuoksi – puhutaan kahden aikakautensa suurimman asiantuntijan hankkimisesta. pudottaa valikoivasti yksityiskohtia, heijastaen aikaisempien Toein viereisten mestareiden, kuten Takamura Mukuon, tietoista polarisaatiota. Uda oli törmännyt Mukuon työhön ennen hänen traagista kuolemaansa Sailor Moonin aikana ja oli kiehtonut hänen tyylistään; niin harvat täplät, että se sai hänet miettimään, olivatko maalaukset edes valmiita, ja silti niin pidättäviä, kun kaikki palaset lopulta kerrostettiin. Tästä tarkoituksellisesta taloudesta tuli toinen tärkeä pilari visuaalisen tasapainon säilyttämisessä, vahvan vaikutelman säilyttämisessä, mutta ei siinä määrin, että se ylikuormittaisi kaupungin tuulista tunnelmaa, jota niiden oli tarkoitus kuvata. Raskasta ja kevyttä, modernia ja vanhaa, animaatiota ja live-toimintaa, fantasiaa ja arkipäivää, elämä ja kuolema, teoksen ytimessä olevat perustavanlaatuiset vastakohdat alkoivat vähitellen avautua.

Nijiiro Hotaru on ytimessä noin lyhytaikaisuuden kauneus, jonka teemana ovat tulikärpästen kaltaiset olennot, jotka voivat loistaa vain niin kirkkaasti, koska he loistavat niin lyhyen ajan. Se on tarina lapsesta, joka ajaa ajassa menneisyyteen, ja sen sijaan, että hän olisi pakkomielle aikamatkustuksen mekaniikasta, se keskittyy hetken arvostukseen täysin tietäen, että se lopulta ohittaa meidät. Päähenkilö Yuuta rohkaistaan ​​nauttimaan tästä kerran elämässä tapahtuvasta kesäkokemuksesta, ja hän oppii tekemään niin, vaikka eron haamu uusista ystävistään tulee lähemmäksi päivä päivältä. Heidän seikkailunsa sijoittuvat kylään, joka hylätään ja joutuu tulvimaan padon rakentamiseksi – lopputuloksen Yuuta tietää olevan väistämätön, koska se oli sen kohtalo hänen alkuperäisellä aikajanallaan. Kuten hän ymmärtää, monilla hänen uusilla tuttavallaan, joiden kanssa hän viettää elämänsä aikaa, on henkilökohtaisia ​​olosuhteita, jotka johtavat samoin väistämättömiin seurauksiin. Ja juuri sitä visuaalista tyyliä, johon tämä tiimi asettui, on viime kädessä tarkoitus ilmentää: erittäin vaikuttava jossain mielessä, kuten Morin linjataide, koska nämä ovat loppujen lopuksi ikimuistoisia tapahtumia kaikille mukana oleville, mutta heillä on myös haurautta. Mikään ei ole ikuista.

Varhainen konseptitaide julkaistu AnimeStyle002.

Elokuvan temaattisesti täydentää sen luottamus uusiin sukupolviin, mikä muuttaa sen, mikä olisi voinut olla hieman alaspäin, erittäin kohottavaksi tarinaksi. Huomattuaan samankaltaiset tapahtumat tosielämässä ja tietäen niiden monimutkaisuuden, Uda vältti ottamasta puolta patokysymyksessä. lopullisen tekijän äänen kautta; On selvää, että kylässä asuvat aikuiset kokevat tietynlaisen tunteen, mutta heidät esitetään passiivisempina ja väistämättömän hyväksyvinä. Näin ei ole lasten kohdalla, jotka ilmaisevat avoimesti erimielisyytensä elokuvassa, joka on sitoutunut antamaan heidän puhua puolestaan, vaikka viime kädessä ei olisikaan heidän vallassaan muuttaa näitä olosuhteita. Juuri heille kuuluu tulevaisuus, ja heidän kritiikkiään aikuisten tekemistä päätöksistä, jotka uhkaavat heidän maailmaansa, kunnioitetaan yhtä paljon kuin heidän kykyään toipua. Sen jälkeen kun elokuvan mainoslauseena on käytetty ilmausta”lapset elävät edelleen nykyhetkessä”, viimeinen kohtaus lisää”ja suuntaa kohti tulevaisuutta”osoittaessaan, että he ovat kaikki nousseet ja löytäneet uusia tapoja eteenpäin. Nijiiro Hotaru on vanhentunut kuin hieno viini, ja näkökulma on nyt rohkaisevampi kuin koskaan.

Näiden teemojen valmistuttua – mikä vei aikansa, koska käsikirjoitusta sääteltiin animaatioprosessin ollessa jo käynnissä. – Jäljelle jäi lopullisten tyylipäätösten tekeminen ja lopuksi kaikkien näiden ideoiden laittaminen paperille. Vaikka heidän oli vielä tässä vaiheessa muutettava suunnitelmiaan jonkin verran, prosessi oli tässä vaiheessa yksinkertaisempi. Udalla oli alusta asti selvää, että jos hän aikoi osoittaa kunnioitusta Toei Dogan klassikoille ja upottaa Yuutan ja katsojan uskottavasti 70-luvun maalaiskaupunkiin, heidän käyttämiensä tekniikoiden pitäisi myös heijastaa sitä. Hän joutui luopumaan cel-animaatioiden käytöstä, koska se ei ollut enää mahdollista mekaanisista syistä, mutta huomasi vetävänsä kovan rajan nykyaikaisten digitaalisten tekniikoiden suhteen.

Tämän seurauksena Nijiiro Hotaru ei käytä mitään CGi riippumatta siitä, että siinä on näkyvästi mukana elementtejä, kuten tulikärpäsiä, joita on helpompi kuvata näillä työkaluilla. Elokuvan animaatio on täysin piirretty paperille ja heidän oman erikoistuneen henkilöstönsä valvoma oli myös kiistakohta, poikkeama teollisuudelle ja erityisesti Toeille; Vaikka heidän sijoittajiensa raportit ovat olleet vuosia ylpeitä siitä, kuinka suuren osan työmäärästä heidän Toei Philsin tytäryhtiönsä hoitaa nopeasti ulkomailla, Uda tiesi, että monet näistä sarjoista piirrettiin tableteille, joten hän rajoitti väliprosessin kansallisiin yrityksiin, jotka hän tiesi työskennellyt yksinomaan paperilla. Elokuvan jokaisen elementin oli tarkoitus kunnioittaa mahdollisimman paljon analogisen animaation perinnettä, vaikka se merkitsisikin kameratyön rajoittamista tai kalliimmalla alihankinnalla.

Mielenkiintoisin näkökohta tässä suhteessa oli kompositioprosessi, jonka hän tietoisesti uskoi valokuvauksen tehtäväksi. Valokuvaus (撮影, Satsuei): Eri osastojen tuottamien elementtien yhdistäminen valmiiksi kuvaksi, johon sisältyy suodatus, jotta se harmonisoituisi. Nimi, joka on peritty menneisyydestä, jolloin kameroita todella käytettiin tämän prosessin aikana. ohjaaja, kuten Masao Oonuki, joka oli työskennellyt tässä roolissa fyysisten materiaalien ajoista lähtien. Oonukia pyydettiin rajoittumaan käytännöllisen näköisiin tehosteisiin ja jopa korostamaan fyysistä etäisyyttä hahmokerrosten ja taustojen välillä, samanlaista kuin selluloidien kerrostaessa. Luopuessaan suodatetun kuvan välittömästä mukaansatempaavasta vaikutuksesta valaistustehosteineen Uda vahvisti immersiivistä, josta hän todella välitti: pudotti katsojan perinteisen animaation nostalgiseen maailmaan, jossa ei ehkä ole parhaiden digitaalisten teosten laskennallista koheesiota, mutta jossa voit tuntea käsityön voimakkaammin.

Nämä perinteiset ideat tunkeutuivat itse animaation filosofiaan. Tiimi teki parhaansa nauhoittaakseen lapset, jotka he olivat antaneet äänittääkseen hahmoja, jotka tekivät kaikenlaisia ​​toimia, joita he tekisivät elokuvassa, viitaten tietyt Toei Doga-teokset. Ja kun heillä oli viitemateriaalia aitouden parantamiseksi, kaikkia yksilöitä rohkaistiin piirtämään haluamallaan tavalla; Yritin jälleen tuoda nostalgisen tunteen takaisin aikakaudelta, jolloin hahmoarkkien johdonmukaisuutta ei arvostettu nykyisellä tavalla. Morin animaatiosuuntaAnimaatiosuunta (作画監督, sakuga kantoku): Taiteilijat valvovat itse animaation laatua ja johdonmukaisuutta. He saattavat korjata leikkauksia, jotka poikkeavat malleista liikaa, jos he pitävät sitä sopivana, mutta heidän tehtävänsä on useimmiten varmistaa, että liike on tasainen, mutta ei näytä liian karkealta. Animaatioohjaukseen erikoistuneita rooleja on runsaasti – meka, tehosteet, olennot, jotka kaikki keskittyvät yhteen tiettyyn toistuvaan elementtiin. oli suunnattu suojelemaan hahmojen identiteettiä heidän eleillään enemmän kuin minkään tietyn visuaalisen tyylin avulla, ja näin elokuvasta tuli loputon hahmoanimaatio, jossa oli runsaasti tilaa henkilökohtaisille tulkinnoille.

Oli se sitten Shinji Hashimotonilmeiset helmisilmät ja jatkuvasti virtaavat linjat tai Hiromi Ishigamin pehmeämpi kosketus, elokuva ei pelännyt jatkuvasti vaihtuvia tyylejä, mutta se ei koskaan tuntunut vahingoittavan kenenkään luonnetta. Kukaan ei ilmentänyt tätä lähestymistapaa paremmin kuin Shinya Ohira, jonka upea työ toteutettiin silloin, kun se oli tehokkainta. hänen animaationsa elää fotorealismin ja surrealistisen ekspressionismin rajalla, jonka Uda tiesi olevan tehokkainta hetkinä, jolloin hahmot kävelevät kirjaimellisesti elämän ja kuoleman välistä polkua. Vaikka elokuva olisi täysin oikeutettu vahvistamaan animaattorien omituisuutta sen vuoksi, etenkin perinteisten animaatiomenetelmien kunnioittamisen yhteydessä, on syytä huomata, että se oli myös tietoinen siitä, kenen ainutlaatuisia tyylejä käyttää. Sen tiimiin kuului studion taitavimmat animaattorit sekä Morin itsensä kokoamat henkilökohtaiset tuttavat, mikä muodosti tiukan tiimin, jossa he kaikki olivat tietoisia jokaisen parhaista ominaisuuksista.

Elokuvan huipentuma päätyi siihen, että puhdasta Ohira-animaatiota: kaikki piirustukset täällä ovat hänen piirtämiään avaimia, eikä se loppujen lopuksi mennyt läpi minkäänlaisia ​​korjauksia, koska se olisi ollut liian aikaa vievää ja tuskin tuntunut sarjalta, jossa korjausten idea edes pätee. Sen sisällä olevat yksittäisten leikkausten asettelut ovat noin 6 metriä pitkiä, ja jopa skannausprosessi oli viritetty poimimaan piirustuksista mahdollisimman paljon vivahteita.

Jokaisen pitkän, hyvin huolellisen tuotantoprosessin kautta tekemän työn tulos on elokuva, joka on aivan poikkeuksellinen. Ei olisi realistista odottaa, että Toein tuotanto olisi täynnä Nijiiro Hotarun kaltaisia ​​teoksia, ja kuten Uda tunnusti, juuri se tunne, että kyseessä oli erityinen projekti, johti siihen, että kaikki tekivät parhaansa. Hän asetti sen suoraan heidän franchising-työhönsä sanoen, että kaikki arvostivat mahdollisuutta työskennellä elokuvan parissa, joka seisoi yksinään, ja siinä on valtava taiteellinen vapaus. Heidän innostuneensa reaktioidensa teki selväksi, että vaikka et voi odottaa Toein pumppaavan tällaisia ​​elokuvia – mikä olisi alun perinkin heidän hengen vastaista – loistavimmat tekijäsi tarvitsevat näitä pakoventtiilejä.

Toeilla on ollut niitä pisimpään, olipa kyse sitten epämääräisestä ideasta myydä kauppatavaraa, josta tuli lumoava intohimoprojekti, joka oli Kyousougiga tai Kenji Nakamuran värikkäästi muotoiltu maailmankuva. eri nimikkeissä, joita hän ohjasi studiossa. Nyt vuonna 2022 en voi sanoa, että Toeilla olisi enää tällaisia ​​projekteja. Ja se on jo ongelma.

Viime vuosien aikana Toein vaihtoehtoiset projektit ovat joko vaarantuneet suuresti tai ne on peruttu kokonaan. Popin Q oli omituinen pikkuelokuva, jota rasitti vastuu toimia studion vuosipäiväprojektina, vaikka sitä ei koskaan suunniteltukaan, ja sen jälkeen kun se ei toiminut, sen luvattu jatko-osa leikattiin ja lopulta katosi. kirjaksi. Mielenkiintoisin aloite sen jälkeen oli projekti, jonka tarkoituksena oli tarjota alusta heidän nuorille henkilökunnalleen lyhytelokuvien kautta, joka useiden lehdistötiedotteiden jälkeen, joissa siitä luvattiin olla säännöllinen tapahtuma, katosi kokonaan ensimmäisen merkinnän jälkeen Megumi Ishitanin Jurassic. Siitä lähtien studio on keskittynyt vain franchising-työhön, kun taas ainutlaatuiset projektit kaipaavat sisäistä tukea, ne poistetaan seremoniallisesti tai ovat huijauksia, jotka meidän on parempi jättää huomiotta.

Tämän vaarat studiolle eivät ole vain teoreettisia. Jotkut Toein suosituimmista hahmoista ovat lähteneet viime vuosina vedoten nimenomaan haluun työskennellä projekteissa, jotka eivät kuulu suurempiin, ikuisiin franchising-sopimuksiin; Jotkut ovat enemmän tai vähemmän jättäneet kaupallisen animaation tämän seurauksena, kun taas toiset ovat yksinkertaisesti juuttuneet erilaisiin franchising-sopimuksiin, kun taas heidän henkilökohtaiset projektinsa ovat jumissa, koska puhumme tämäntyyppisestä toimialasta. Uda, joka on tähän päivään asti mielellään työskennellyt Toein kanssa, vaikka hän on etäännyttynyt heistä, ilmaisi asian hyvin selkeästi: sinun on yksinkertaisesti annettava henkilökunnan joskus koukuttaa luovia lihaksiaan tavalla, jota franchising-työ ei koskaan anna heidän antaa. Nijiiro Hotaru ei koskaan aikonut aloittaa analogisen animaation uutta aaltoa, mutta sen pitäisi ainakin olla upea muistutus siitä, että taiteilijat tarvitsevat vapautta, vaikka heidän työnsä ei salli sen olevan normi.

Tue meitä Patreonissa, jotta voimme saavuttaa uuden tavoitteemme eli animaatioarkiston ylläpitämisen Sakugaboorussa, SakugaSakuga (作画): Teknisesti kuvien piirtäminen, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan erityisen hyviin animaatioihin, samalla tavalla kuin osa japanilaisia ​​faneja. Melko olennainen osa sivustojemme brändiä. Video Youtubessa sekä tämä SakugaSakuga (作画): Teknisesti piirretty kuvia, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan erityisen hyviin animaatioihin, samalla tavalla kuin osa japanilaisia ​​faneja. Melko olennainen osa sivustojemme brändiä. Blogi. Kiitos kaikille tähän mennessä auttaneille!

Ryhdy suojelijaksi!