Työskentelemällä tiivistä yhteistyötä, kaupungin alkuperäinen kirjailija keiichi arawi ja Kioton animaatiotiimi, joka on rakennettu Taiichi Ishidate : n ympärille uhmasi TV-animaation aikataulun normeja, tyylitrendejä ja säännöllisiä työnkulkuja, kaikilla yksittäinen tavoite: Ainutlaatuinen show, joka on mielikuvitus. Säännöllisesti toistetaan säännöllisesti, toisin kuin yleinen uskomus, studio ei vie paljon kauemmin kuin normi sarjakuvien valmistamiseen. Heidän henkilöstöllään ei ole parasta viitekehystä tässä suhteessa, koska suurin osa enemmistöstä on koskaan työskennellyt vain omissa projekteissaan, mutta on vertailu, jota heidän veteraanien jäsenet ovat valmiita tekemään. Tunnetusti myöhäinen Yasuhiro Takemoto -aktiivinen ohjaajana aikakaudella, jolloin Kyoani oli poikkeuksellinen tukistudio muille-havaitsi, että he viettävät suunnilleen niin kauan kuin muut yritykset kootavat yhden jakson. Vaikka he ovat hidastaneet tuotantonsa traagisen tuhopolton jälkeen, mikä antaa heille vahvistimen oletuksena, tämä on edelleen pääosin totta tähän päivään asti.
Tämän väitteen saalis on aina ollut, että vertailua ei tehty tuotannon todellisuuteen, vaan siihen, mitä se on tarkoitettu paperilla. TV-anime-aikataulujen yleisin ongelma on pakkaus; Varhaiset jaksot vievät niin kauan kuin alun perin suunniteltu ja sitten jotkut, mutta kun määräajat usein kieltäytyvät budjettamasta tarpeeksi kompensoimaan sitä, suurin osa myöhemmistä jaksoista uhrataan jollain tavalla tai toisella. Olipa kyse vain vähemmän resursseista (aika, arvokkaimman sisäisen henkilöstön huomio) tai ulkoistamisen tyypin: prosessi, jolla työ osa on muille studioille. Osittainen ulkoistaminen on hyvin yleistä tehtävissä, kuten avainanimaatio, väritys, taustat ja kaltaiset, mutta useimmissa TV-animissa on myös esimerkkejä täydellisestä ulkoistamisesta (グロス), jossa jaksoa käsittelee kokonaan eri studio. Se on halpaa ja nopeaa suunnittelusta, tällaiset kulmat leikataan jatkuvasti priorisoinnin nimissä… ja pystyäkseen viimeistelemään projekteja ollenkaan. Mutta ympäristössä, jossa melkein kaikki luovat taitavat toverit, tätä ilmiötä ei käytännössä ole Kyoanissa. Juuri jokaisen jakson animointi kestää noin 3,5 kuukautta, joista yksikään niistä ei heitetä linja-autojen alle.
Miksi tuoda se nyt? Kerro sinulle, että se ei ole totta, kun kyse on City : sta. Tämän ainutlaatuisen televisio-ohjelman tekemiseksi jopa tällä erittäin tehokkaalla joukkueella on ollut (ja ollut onnellinen) viettää ylimääräistä aikaa jotain erityistä.
Ymmärtääksesi yhden tietyn otsikon tuotantoaikataulun oikein, tarvitset silti jonkin verran tietoisuutta niistä, jotka ovat olleet sen vieressä. Kaupungin tapauksessa se tarkoittaa, että sinun on myös ymmärrettävä sen päällekkäisyys projektien kanssa, kuten hibike! Euphonium S3 ja äskettäinen Maidragon -elokuva. Faneille onneksi on tällä kertaa kohtuullinen määrä tietoa. Ensinnäkin sarjan ohjaajien ohjaaja: (監督, Kantoku): Koko tuotannosta vastaava henkilö, sekä luovan päätöksentekijänä että lopullisena esimiehenä. He ylittävät muun henkilökunnan ja heillä on viime kädessä viimeinen sana. Sarja, jolla on eri ohjaajien tasot, on kuitenkin olemassa-pääjohtaja, apulaisjohtaja, sarjan jakson johtaja, kaikenlaiset epätyypilliset roolit. Hierarkiassa on tapaus tapaus skenaario. Taichi Ishidate on jakanut muistojaan kaupungin tuotantoprosessista viikoittaisina merkinnöinä virallisella sivustolla, jotka ovat myös käännettynä Ohjelman englantilaisen sosiaalisen median tilit . Ironista kyllä, tämä on ollut yksi tuotannosta, joka kääri lähinnä sen julkaisupäivää-on tehty niin kevään ympärillä, vielä kuukausia ennen lähetystä-se on se, jossa joukkue on ollut rehellisin tuotannon aikajanasta. Ehkä osittain, koska Ishidate oli jo suunnitellut koko prosessin melko rehellisen kertomuksen.
Kuten hän muistelee, kaupunki: Animaatiosta tuli todellisuus hänen rennon kentänsä mukautuneena. 2022 . Se ei ollut ensimmäinen kerta, kun hän on nostanut sarjan nimen, koska hän oli ollut sarjan fani siitä lähtien, kun se aloitti julkaisemisen, mutta hän ei ollut odottanut sen olevan vihreää paikan päällä; Erityisesti ei anneta kunnianhimoa, jota voit pitää itsestäänselvyytenä hänen projekteissaan, tällä kertaa suunnattuna työhön, joka ei ole kaupallinen kultaseni. Newtype-lokakuun 2025 numerossa hänen keskustelunsa alkuperäisen kirjoittajan Keiichi Arawi : n kanssa vahvistaa, että mangan kustantaja Kodansha antoi hänelle välittömän hyväksynnän projektille. Mielenkiintoisempaa, se paljastaa myös Arawin tarinan puolella; Hän oli perhematkalla, kun hänen toimittajansa kutsui innostuneesti pyrkimään yhteistyöhön Kyoanin kanssa, Studio Arawi toivoi aina työskennellä uudelleen. Ottaen huomioon, että hän ajatteli, että hänellä ei olisi mahdollisuutta, äkillinen näkymä oli fyysisesti värisevä ennakointia. Toisin sanoen juhla-sarjakuva Hän veti ilmoituksen jälkeen, kun se osoittaa hänelle, että se osoittaa sen, että se on käsitellyt. MULKINA Nichijou : n tuotannon aikana Arawin läsnäolo oli ollut positiivisesti energinen studiolle. Hän toivoi, että hän olisi tällä kertaa aktiivisempi juhla, ja anime-maailmassa on jonkin verran kokemusta, Mangaka seurasi esimerkkiä. Toisin kuin perinteinen malli, jossa kaikki luovat valinnat hoidetaan kirjoittajan tai edustajan (kuten julkaisijan toimittaja) läpi hyväksyntää varten, hän kuvasi heidän järjestelynsä absorboivan niin monta Arawi-ideoa suoraan lähteestä. Hänen velvollisuudestaan tuli silloin rooli täydentämällä sitä joukkueen omalla ja jälleenrakentamalla tarinan kirjoittajan rinnalla. Siksi heidän yhteiset skenaarioiden esimiehensä rooli hyvityksissä.
Aiheesta: Eurekan viimeisin numero omistaa sen yli 300 sivua kirjalliselle kritiikille ja kunnianosoitukselle Arawin teokselle. Ei ole yllättävää, että se sisältää pitkän keskustelun Ishidaten ja Arawin välillä, joka kaivaa edelleen sitä, mitä tämä järjestely edustaa ideologisemmalla tasolla. Ohjaajan näkökulmasta Arawin näkökulma oli arvokasta-jopa kirjoittajan hahmon luontaisen painon ulkopuolella. Loppujen lopuksi Ishidate on henkilökohtaisesti viettänyt koko uransa animeen, ja niin on periaatteessa kaikki studiossa. Kokemus on hyödyllinen, mutta se johtaa rutiineihin ja uusiin uusiin ideoihin. Toisaalta Arawi on ollut mukana vain kahdessa televisio-ohjelmassa, joten hän ei oikeastaan tiedä kentän tapoja. Varsinkin ennakoivamman asenteensa kanssa hänen läsnäolonsa oli vapauttava; Ei vain epätavallisten ideoiden kanssa siitä, kuinka luoda animaatio, jonka hän nousee, vaan jopa hallintatasolla, edistämällä ympäristöä, jossa kaikki tunsivat olevansa rohkeita jakamaan omia hulluja ideoitaan.
ARAWI: n suhteen tämä kaikki alkoi, koska käsikirjoitusluonnoksien lukeminen ja varhaisten järjestelmien kuuntelu teki hänen aivonsa menemään ylenmääräiseksi. Kun hän aloitti, hän ei yksinkertaisesti pystynyt estämään itseään sanallistamasta mitä hän oli juuri keksinyt. Hän puhuu äärimmäisen rakkaudella päivistä, jotka alkoivat vuonna 2022 ja jatkoi usein viikoittaisilla kokouksilla vuoteen 2025 asti, ja kutsui sitä ajanjaksoa yhtenä hänen elämänsä viidestä onnellisimmasta hetkestä. Levyn kannalta Ishidate jakoi myös makeita muistojaan, vaikka hän lisäsi leikillään, että todellisella asian tekemisprosessilla on luontaisesti stressaava puoli.
Vaikka tämä kuulostaa makealta, ohjaaja on ollut avoin myös muiden esituotannon muista näkökohdista, jotka eivät olleet aivan niin tuulisia. Päinvastoin kuin ideat virtaavat paperille vähän tai ei ollenkaan vastarinta, kun tulva alkoi, niiden visuaalisen muodon antaminen oli toisinaan hieman taistelua. Jos seuraamme prosessia aikajärjestyksessä, joka on edelleen peräisin vuodelta 2022, yksi tällainen näkökohta oli taustataide. Kuten ensin mainittiin esiasetuksen aikana, joihin ydinhenkilöstö osallistui, he kävivät läpi kaikenlaisia lähestymistapoja ennen kuin asettuivat kaupungin nyt erehtymättömään, selkeään ilmeeseen: animaatioon. Vaikka tämä prosessi tapahtui, Ishidate ja suuri osa kaupungin johtavista äänistä eteni žongloida useita tehtäviä: jatkamalla rooliaan Eufo S3: ssa kyseisenä vuonna, ennen kuin suunnitteluprosessi oli ohi ja suurin osa heistä voisi alkaa siirtyä aktiiviseen tuotantovaiheeseen.
yksi kriittinen poikkeus siitä, että hän ohitti eufo-johtajansa, että he yrittivät selvittää täydellistä etostanta-johtajaa (rook-draderart eupho-yritystensä. BIJUTSU KANTOKU): Sarjan taustataidetta vastaava henkilö. He piirtävät monia taiteellisia tauluja, jotka kerran sarjan ohjaaja on hyväksynyt viitteenä koko sarjan taustalla. Koordinointi taideosastolla on pakollinen-asetus ja värisuunnittelijoiden on työskenneltävä yhdessä johdonmukaisen maailman valmistamiseksi. shiori yamasaki . Takaisin näiden hiipien huippujen aikana joukkue korosti jo juuri selitimme: Kaupungin maisemat, kuten näemme sen nyt, on seurausta pitkästä kokeilu-ja virheprosessista. On monia syitä, miksi tämä oli niin monimutkaista, alkaen Ishidaten tunnetulla kilpailuedulla. Yksinkertaisesti sanottuna hän halusi järkyttää alkuperäistä kirjailijaa positiivisesti, joten alkuperäiset visuaaliset kentät olivat näyttömpää radikaaleja; Muuten, Arawi myös ruokki tätä tulipaloa, muistuttaen heitä jatkuvasti siitä, että he voisivat tehdä jotain vaikuttavampaa kuin hän.
Ajan kuluessa, vaikka kävi selväksi, että tapa vangita hänen alkuperäisen taikuutensa olisi jotain, joka kuulostaa yksinkertaiselta… päätyi kuitenkin niin hankalaksi kuin ne villi lähestymistapa lopulta. Joukkue lukitsi tavoitteen kuvata saumatonta maailmaa, kuten alkuperäisessä sarjakuvassa nähdään. Se oli visio kaikesta, joka oli yhdessä yhtenäisessä tasossa, joka pitää sinut ihmettelemään, mitä voi tapahtua seuraavaksi, ilman kulmaa taustalla vihjeen, että se on vuorovaikutuksessa sen eri luonteensa kautta . Tyyli, joka sekoittaa kaiken, kaupunkiin, johon kaikki ovat omituisesti yhteydessä toisiinsa.
edellä mainitussa animaatiohaastattelussa Ishidate selittää näkemyksensä tästä lähestymistavasta tavalla, joka tuo mieleen myöhäisen Ghibli-legendan Isao Takahata . Kuten hänen fanit saattavat jo tietää, ei koskaan ollut annettu, että hänen ohjaajauransa jatkuu 90-luvun alkupuolella elokuviensa jälkeen ja pom Poko . Japanilaisen animaation kaupallisen animaation paradigmaa ei voida paeta niin paljon tyylillisiä monimuotoisuuksia kuin voit loihtia: tuloksena olevat visuaalit pidetään aina erillisten kerrosten liitto. Siellä on hahmopiirroksia ja taustamaalauksia, jotka on tarkoitettu päällekkäin ja-riippumatta usein harmonista tulosta-havaitaan erillisinä elementeinä. On melko kertovaa, että teollisuus viittaa edelleen näihin hahmopiirroksiin CEL-kerroksina, vaikka selluloideja ei ole käytetty laajasti vuosikymmenien ajan; Konsepti on pysynyt pohjimmiltaan samana aineellisesta kehityksestä huolimatta. Takahatan tapauksessa se oli juuri digitaalisen tekniikan eteneminen ja kokonaisvaltaisten tyylien käsitys, kuten näemme naapureissani Yamadas ja tarina prinsessa Kaguya , joka herätti hänen intohimonsa, tunteen tuoretta ja haastavaa, kun klassiset toimenpiteet eivät enää. on laaja uteliaisuus animaation ja elokuvien suhteen kokonaan. Oman myöntämisensä mukaan hän rakastaa muuttamaan tyyppiä, jota hän tekee, joten villi siirtyminen violetista Evergarden : sta kaupunkiin. Aivan kuten tämä on sävyinen piiska, hän oli onnellinen tekosyynä kääntyä vielä radikaalimmin esityksen yhteydessä. Ja jos he todella aikovat tehdä jotain, joka tuntui siltä, että tarkkailemme sarjakuvaa liikkeessä, hän sitoutuu täysin-kääntäessään sen myös opettavaksi kokemukseksi. kaikuen samanlaisia tunteita kuin muut veteraanijohtajat studiossa , hän valittaa, että tekniikan mukavuus on tehnyt niin, että animen mukavuuden ei ole enemmän. Sen ei-toivottu seuraus nykyisessä anime-teollisuudessa tuntuvaa on, että sukupolvet todella eivät voi kuvata niin monta asiaa kuin kerran.
vastauksena, silloin kaupungin piti tulla show, jossa animaattorien on vedettävä kaikki; Ja päinvastoin, sellainen, jossa taustataiteilijoiden on ajateltava ja toimiva myös animaattoreiden tavoin. Tähän sisältyy temppujen ja sääntöjen sarjan (kuten kaupungin taustojen on oltava aina hieman ohuempia linjoja kuin hahmoilla, jotka opastavat silmiä), joita voimme tutkia myöhemmin, kun keskustelemme jaksoista itse. Loppujen lopuksi televisio-ohjelmassa näkemämme saumaton tyyli on monikerroksinen vastaus kaikkiin ohjaajan huolenaiheisiin. Se on yritys sovittaa Arawin herkkyydet, jotka ovat juurtuneet sarjakuviin itse. Se on myös tapa haastaa itsensä ymmärtäessään luontaisen kaavan, kuinka minkä tahansa animeen tehdään. Ja lopuksi, se on myös iloinen anime pimeinä aikoina , sellainen, jonka hän voisi asettua varmistamaan, että nuoremmat animaattorit eivät näe taiteellisia horizoneja. Taustataiteen tyylin perustaminen Cityn yleisen tunnelman telttapeiteksi, taideohjaajaohjaaja (美術監督 美術監督, Bijutsu Kantoku): sarjan taustataidetta vastaava henkilö. He piirtävät monia taiteellisia tauluja, jotka kerran sarjan ohjaaja on hyväksynyt viitteenä koko sarjan taustalla. Koordinointi taideosastolla on pakollinen-asetus ja värisuunnittelijoiden on työskenneltävä yhdessä johdonmukaisen maailman valmistamiseksi. Yamasakilla oli myös valtava rooli. Loppujen lopuksi hän oli lukittu laboratorioon takaisin vuonna 2022, kokeilemalla kaikkia näitä muita mahdollisuuksia ja lopulta muotoilemalla tämän upean tyylin. Hän on myös yksi, joka ajaa luontaisesti omaperäisempiä taustamaalauksia, Kuten hän oli jo tehnyt ishidaten rinnalla ; Ohjaaja vahvisti niin paljon näiden esikreenistimenetelmien aikana vitsaillen, että lopullinen valinta on saattanut pettyä häneen, vaikka se päätyi osaksi vallankumouksellista estetiikkaa. Edellisessä kaupungissa olevassa kirjoituksessa viittasimme päättyvään sekvenssiin-3DCG: n savisen emulointiin, joka on siroteltu joidenkin todellisten materiaalien kanssa-tapana rauhoittaa kokeellista yamasakia. Tuossa animaatiohaastattelussa Ishidate lisäsi, että hänen ohjaajamainen ajattelutapa ja valtava tieto olivat kiinnostuneita hänen kiinnostuksestaan, joten epätavallinen valinta antaa taiteen ohjaajaohjaajalle (美術監督 美術監督 美術監督, Bijutsu Kantoku) sulkemisjärjestys: henkilö, joka vastaa sarjan taustataiteesta. He piirtävät monia taiteellisia tauluja, jotka kerran sarjan ohjaaja on hyväksynyt viitteenä koko sarjan taustalla. Taideosaston koordinointi on pakollinen-asetus-ja värisuunnittelijoiden on työskenneltävä yhdessä johdonmukaisen maailman valmistamiseksi..
Hänen koominen herkkyytensä on tiukasti sidottu hänen maailmojensa sarjakuvalogiikkaan, joka on aivan toisin kuin useimpien animaattoreiden animaattorien realistiset huomattavat määräykset studiossa. Tokuyaman velvollisuutena oli selvittää tapa mennä naimisiin näiden kahden kanssa, tällä kertaa paljon lähemmästä asemasta Arawiin kuin studio oli ottanut Nichijoun aikana. Jopa ikätovereiden yllätykseksi, jotka olivat luottamuksensa häneen, hän veti sen pois ikään kuin se olisi täysin luonnollista. Ishidate toteaa, että aloittelijana tällaisissa rooleissa hän teki parhaansa seuratakseen hänen neuvojaan jo varhain… mutta hänen kunnioituksensa Arawin tyyliä ja yliluonnollista ymmärrystä sen monimutkaisuuksista tuli melkein pelottavaksi todistaakseen puolelta. Hän asettui nopeasti paljon kompakteihin mittasuhteisiin kuin mitä myöhäinen Futoshi Nishiya oli tehnyt Nichijou: lle, suorakulmaisemmilla raajoilla ja sormeilla, jotka taivuttavat todellisuutta tavoilla, jotka tuntuvat kurkistavan suoraan kirjoittajan mieleen. Hänen lopullinen tehtävänsä etukäteen oli tarkalleen Ishidaten rinnalla, koska Eupho S3 häikäisevä viides jakso. Voimme sijoittaa tämän seuraavan maamerkin tuotantoon vuoden 2023 ensimmäisen kuukauden aikana, vielä ennen animaatioprosessin alkamista kokonaan, mutta ei niin kaukana siitä. Se tapahtuisi, kun Ishidate oli suorittanut oman lopullisen Eupho-tehtävänsä- kivulias jakso #09 . Ja niin, kesällä 2023 kaupungista tuli päätyö yhä suuremmalle määrälle ihmisiä studiossa.
syksyllä on reilua sanoa, että se oli jo täysin liikkeessä. Jos seuraat Kyoanin taiteilijoita, olet ehkä poiminut joihinkin vihjeisiin, jotka siihen viittaavat. Erityisesti pari ihmistä, jotka lähtivät studiosta marraskuun 2023 ja huhtikuun 2024 noin (kuten heidän koko työntekijän luettelon satunnaiset julkaisut vahvistivat), hyvitettiin heidän osallistumisestaan sarjan keskivaiheisiin asti. Yksi henkilö, joka tuli freelancea syksyllä 2024, kun hän on työskennellyt viimeisissä jaksoissaan etukäteen. Vaikka henkilöstöblogi yrittää olla paljastamatta liian paljon tietoa etukäteen, veteraani Noriyuki Kitanohara -Storyboarder ja jakson ohjaaja kaupungin nro 02, #07, #12-on aina sisällytettävä hänen työnsä nykyisen vaiheen maininnot, jotka on helppo salata takautuvasti. Tietty viittaus jakson työskentelyyn edistyneessä tuotantovaiheessa, kesäkuussa 2024 , voidaan helposti yhdistää seitsemänteen jaksoon, koska hän viittaa.
sen sijaan, että osoitettaisiin, että kaupunki tehtiin aikaisin, nämä päivämäärät viittaavat siihen pisteeseen, että avasimme tämän kappaleen: jokainen jakso, jokainen tuotantoprosessin vaihe kesti kauemmin kuin studion normi, koska kaikki olivat iloisesti tehottomia. Heidän tehtävänsä rekonstruoida 13 osaa samaan määrään jaksoja oli hankala. Toki, heillä oli alkuperäisen kirjailijan ideoiden tukeminen ja hänen rohkaisunsa menemään ballistisesti maltillisella määrällä skiittejä sen sijaan, että heittäisivät enemmän niitä vähemmän vahvuudella, mutta tämä projekti alkoi, koska ohjaaja rakastaa mangaa-tietysti hän yrittäisi kattaa mahdollisimman monta lukua kuin mahdollista! Ratkaisu? Ei-standardi jakson pituus, joka on antanut heille mahdollisuuden ylittää TV-anime-standardit niin paljon, että pari jaksoa on vielä jäljellä, sarja on jo saanut kahden jakson arvoisen ylimääräisen materiaalin; Aloittelijoille saavutettavissa oleva ihme, koska Kyoani-lähetyksiin liittyy studion omia mainoksia, joten heidän piti vain pudottaa omat mainoksensa. Erinomainen valinta näyttelyyn, mutta sellainen, joka lisäsi heidän työmääränsä kohtuullisella määrällä.
ja jälleen kerran tavoitteena ei ollut koskaan sisällyttää enemmän sisältöä sen vuoksi, vaan mennä koko ajan yli ja yli. Hahmo-animaation pelkkä liike ja herkkä (IM) tasapaino saavat sen jo studion haastavimpiin teoksiin, ja se on ennen kuin edes ottaen huomioon jokaisessa luovassa valinnassa, joka on haastanut tuotannon normit-puutteet, jotka ovat tehneet tuloksesta mielenkiintoisemman, mutta prosessin kalliimpaan. Jokainen jakso on ollut 5 pienen yksikön 4 ~ 6 avainanimaattorin ja yhden animaatiojohtajan käsissä, mikä mahdollistaa monisäikeisen edistymisen ja parantaa tulosten koheesiota huomattavasti, mutta myös jokaiselle henkilölle työmäärät, jotka vaativat paljon aikaa. Vaikka katsojat huomaavat erämaata, kuten jakso #05, eniten, ei ole toinen kaupunki, joka ei uhmata status quoa. Aivan kirjaimellisesti niin, kun se toistaa, kuinka jokainen näytöllä näkemäsi kehys piirrettiin vihdoin harjakynillä, et voinut poistaa. Tämä on myös ehdottanut studion välisiä yksiköitä, ryhmitelty yhteen kolmeen suureen vuorotellen ryhmään, joissa monet kykenevät veteraanit voisivat aina olla kenenkään takaisin.
Siirryttymisen jälkeen vuoden 2023 edeltävän tuotannon ylä-ja alamäet, ja vuoden 2023 todellisen tekoon siirtymisen ja sen todellisen prosessin todellisen prosessin todellisen tekemisen ja sen jälkeen, kun asiat alkoivat saada aikaan välttämättä pidemmän prosessin 2024. Viimeinen askel sen taiteellisten taiteellisten taiteellisten ja studion tuotantodynamiikan ymmärtämiseksi on yksinkertainen: Sinun on vain mietittävä sen lopullista päällekkäisyyttä neiti Kobayashin Dragon Maid: A Lonely Dragon kanssa haluaa olla rakastettu . Äskettäinen Maidragon-elokuva saavutti ymmärrettävästi täysin pakenevat tuotantovaiheet kaupungin jälkeen; Kun Arawin työn mukauttaminen oli työskennellyt, kun Eupho S3 oli vielä tekemässä, tämän elokuvan oli odotettava, kunnes sen ohjaaja ja ainoa kuvakaappaja siirtyi siihen. Ja silti, se valmistui myös ennen kaupunkia, helmikuussa 2025. Kuten käy ilmi, elokuva, jonka he olivat jo tuttuja, oli vähemmän monimutkainen käsitellä kuin Madness Ishidate yritti vedota televisioon. Monet, mutta mikä tärkeintä, ei kaikki. On yleistä, että Kyoani-ihmiset jakavat huomionsa, kun televisio-ja teatteriprojektit ovat päällekkäisiä, mikä johtaa kaikkien paitsi kunkin meneillään olevan työn ytimessä-kuten heidän pääjohtajansa-työskentelemään kaikissa tuotannoissa. Heidän veteraanin ohjaaja komensi Maidragonia, kun hän on tässä vaiheessa tuttu materiaali, melkein jokaisen ohjaajan sallittiin keskittyä sen sijaan kaupunkiin; Lukuun ottamatta kahta toimintakeskeistä, jotka lainasivat kättään elokuvan osaan. Vaikka he olisivat yleensä jakaneet myös vastuut, melko harvat studion tunnetuimmista, teknisesti kykenevistä animaattoreista oleskeli myös TV-sarjoissa koskettamatta koskaan Maidragonin elokuvaa.
Tätä motivoi osittain kahden tuotannon välisten vastakkaisten filosofioiden välillä. Toisaalta meillä on kaupunki: keskittyen niin liikkeeseen ja perinteiseen ilmaisuun siinä määrin, että he yrittävät jatkuvasti purkaa moderneja konsepteja animaatiokerroksiin, jotka eivät ole koskaan ilmaisseet niitä. Tämän seurauksena toisaalta ilmenee Maidragonin versio, josta tuli studion digitaalisen joukkueen myyntipiste, joka käyttää taitojaan antaakseen ylimääräistä oomphia tapahtumille omalla tavallaan. Ja kun kyse on 2D-animaattoreista, siitä tuli työkalu, joka päätti kaupungin aloittaman prosessin. Studion 2024 harjoittelijat viimeistelivät nopeasti koulutuksensa, ja pitkän prosessin ansiosta jokaisen kaupungin jakson päättymisessä pystyivät osallistumaan siihen alusta lähtien. Kuten aiemmin totesimme, tämä oli monimutkaisempi, korkeamman panoksen prosessi kuin normi, ja siihen liittyy niin paljon animaatiota, joka vaatii luottavaisia kynälinjoja. Ja se näyttää olevan tehokas koulutus, koska 6 heistä sai astua ylös ja liittyä pieneen (22) keskeiseen animaattoriryhmään Maidragon-elokuvassa, puhdistamalla LayoutSlayout (レイアウト): piirustukset, joissa animaatio todella syntyy; Ne laajentavat tavallisesti yksinkertaisia visuaalisia ideoita kuvakäsikirjoituksesta animaation todelliseen luurankoon, yksityiskohtaisesti sekä tärkeimmän animaattorin että taustataiteilijoiden teoksen. heidän veteraanien vertaisryhmästään. Vaikka meidän pitäisi ohittaa ensimmäinen jakso, kun olemme jo kattaneet sen johdanto-artikkelissamme, toinen on yhtä hyvä mikrokosmos kaupungin anime-sopeutumisesta. Siinä on johdossa edellä mainittu Kitanohara; Kaiken kaikkiaan hän on ollut yksi projektin aktiivisimmista ohjaajista, joka on hieno animaattorina, jolla on erinomainen affiniteetti materiaaliin, jonka hän oli jo osoittanut Nichijoussa. Kaupungin maailma, niin saumaton, että jopa sen tekijöiden on joskus mietittävä kovaa, mikä osasto tuotti jokaisen osan, on edelleen täysin yhtenäinen. Ja silti, animaatioalueelle on huomattava leveys, jota arvostetaan parhaiten Kitanoharan kaltaisen taiteilijan johdolla. yliopistossa. Tietoja usein sarjakuvista (kuten olemme nähneet, monipuolinen) hahmoanimaatio. Ja heillä on oikeassa: Spadesissa , . Se on kuitenkin vain pinta. Yksi näyttelyn varhaisessa vaiheessa on jo selvä näkökohta, että kaikki kaupungissa on elossa, jopa osat, jotka eivät ole kirjaimellisesti siellä; Lasketaanpa sanoja, jotka voivat lyödä sinut sydämeen dieettiseksi vai ei, on kuitenkin keskustelu ikäisille. Itse asiassa se on kaupungin teksti, joka ansaitsee huudon siitä, kuinka iloinen sen käyttö on. Nimikkeissä on ainutlaatuisia liikkeitä ja tyyliä, jotka sopivat heidän sisältöönsä, ja Onomatopoeia ovat aktiivisia osallistujia sen hulluihin animaatiosekvensseihin . Olipa suuri tai pieni, näytöllä on aina jotain huvittavaa.
On muitakin näkökohtia, joita voit korostaa pelkästään tästä toisesta jaksosta. Yksi on ovet, jotka avautuvat tyylitystason kautta; Maailman yksinkertainen näköinen, värikäs tyyli mahdollistaa liikkumisen taustojen luonnollisen abstraktion, mikä puolestaan mahdollistaa Visceraalisesti tyydyttäviä, tehokkaita suunnan temppuja . Siellä on myös melko laskettu sarjan koostumuksen koostumus (シリーズ構成, sarja Kousei): avainrooli sarjan pääkirjailijalle. He tapaavat ohjaajan (joka teknisesti edelleen ylittää heitä) ja joskus tuottajia esi-tutkijan aikana sarjan käsitteen laatimiseksi, keksivät suuria tapahtumia ja päättävät kuinka vauhdistaa kaikki. Ei pidä sekoittaa yksittäisiin käsikirjoittajiin (脚本 脚本 脚本, Kyakuhon), joilla on yleensä hyvin vähän ilmaisua ja kehittää vain olemassa olevia luonnoksia-vaikka tietysti sarjan säveltäjät kirjoittavat itse käsikirjoituksia.. kirjoittaminen näyttää mielellään rento tai jopa satunnainen, kun se tulee päivittäisiin gageihin, mutta se voi piilottaa huomaavaisuuden emotionaalisesti merkittävien tapahtumien, kuten suhteiden välillä, NIKURAn ja NAGUMO: n välillä Matsuri. Since there are more layered examples of that a bit later, though, I believe that we should discuss something more fundamental as we move to the third episode: the appeal of CITY: The Animation.
Nichijou was happy to be consumed as self-contained, surreal bursts of madness. That is its legacy within most online fandoms, to the point where it’s erasing the fact that its anime adaptation fundamentally changed its narrative; another topic we’ve written about in the past, of course. Creating an arc for Nano rather than immediately placing the funny robot girl in school gave the TV show a throughline, which ultimately makes it about finding a place to belong. CITY, on the other hand, was born as that place to belong—for everyone. Arawi created it with a sense of place missing in its predecessor, which gleefully leaps between locations that are more hazily defined. The anime further emphasizes that with its seamless interconnection of assets and characters, all placed in the same curiously chill town. In a weird that was never true for Nichijou, which simply focuses on other aspects, the atmosphere that brews from that setting is one of the main points of appeal.
There is plenty more to appreciate in Yamamura’s work. Although the solemnity of Tsurune S2’s excellence has him broadly pegged as a refined, quiet director, the truth is that he’s always been fond of using involved camerawork for emphasis. This third episode is full of shifting points of view, be it to track a new recurring cast member or to literalize a frog in a well metaphor. And, through sheer accumulation in a show that already pulls such tricks on the regular, this further solidifies the feeling that everything is connected—a swing of the camera will always lead us to a face we recognize. Even without the same technical range to the animation as the preceding episode, it’s also worth noting that Yamamura and animation director Kayo Hikiyama emphasize the characterfulness in the types of movement. Be it Riko’s sleepy floating form or the carefully depicted demeanor of the two kids, watching the inhabitants move around feels charming on a more personal level this time around.
In contrast to Yamamura, who has already solidified himself as one of the new leaders at the studio, episode #04 comes by the hand of someone that only avid followers had been keeping track of; though given his work in the show, that may be about to change. To put it plainly, this is the first episode that Ryo Miyagi ever storyboarded and only the second one he properly directed.
Back during the production of Violet Evergarden The Movie, when he was a key animator making a name for himself, Miyagi called dibs on a particularly tricky, climactic sequence. It took him a while and he had to consult multiple seniors along the way, but it eventually reached a stage where he felt confident about the result. When he showed it to Ishidate, the director said that it indeed was looking good… but watching it inspired him, so he came up with a new idea where tactically deployed wind would amplify the emotions at play tenfold. Since properly doing so would require an essential redo—try standing in wind the same way you do when it doesn’t blow—he asked Miyagi if he was up for the task, undoubtedly readying himself to animate the sequence. Miyagi, who felt like this would demonstrably improve the scene, took up the challenge with the feeling that commercial animation production is something one must do in a team. On his own, he felt like he might’ve not come up with an idea like that.
A few years later, he continues to work in a team, but now he is one of the staff members coming up with such enhancements. Ishidate clearly took notice of him as well, because this progression has continued to occur under his wing; remember the fifth episode of Eupho S3, which teased CITY’s core staff with the Ishidate/Tokuyama duo? That was also the one where Miyagi finished his training as episode director, having passed the internal test beforehand. After directing the show’s eight episode as well, Miyagi moved on to CITY with such confidence that people who don’t keep track of staff wouldn’t ever guess he’s a rookie.
Perhaps due to his position, Miyagi seems to take note of the style set by his predecessors rather than trying to reinvent the wheel, though he does so with so much enthusiasm and ingenuity that he can escalate the already exceptional. We highlighted how episodes like Kitanohara’s exploit the background art style through occasional abstractions that increase dynamism, and that they also manage to sway the grounded thoroughness of the studio’s character animation in the direction of Arawi’s cartoon logic—weighting it toward the latter, but without erasing the former. Within just one butlerian attempt to capture the protagonist (a common happening in CITY), we have some of the best examples of those dynamics. And what about the characterfulness of the comedic animation that Yamamura had emphasized? Watching Tatewaku move so distinctly (and so anxiously) under the lead of Miyagi and animation director Nobuaki Maruki should tell you that this aspect is stronger than ever.
The real highlight of this episode, though, is in the calculated chaos that begins with the series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. choices. While many admire the astonishing episode that follows it, the buildup in the preceding one is essential to its success—and also, it’s something largely original to the anime. By grabbing snippets of different skits and coming up with new situations, CITY: The Animation can begin channeling its massive cast in a singular direction before the episode that culminates in everyone’s meeting. Of course, it’s easier to put this on paper than bring it to life, hence why much of the credit ought to go to Miyagi regardless. His connecting pathways extend to the crossroads in the eyecatches, and the casual ways in which so many characters come and go with their own agendas make the final minutes one hilarious rollercoaster.
While the flow of the most trepidant moments of action is what will catch attention, I’d point to something else as the best example of Miyagi hitting the ground running as a storyboarder. At one point, Niikura’s improvised pole vaulting goes wrong and the animation slowly suspends her in the air. Niikura, with her blue pants, set against the blue sky, waiting for her doom. You anticipate the fall and it does come… but the blue thing that drops is Wako’s penguin onesie, because once again she’s in her own world and not particularly aware of other people’s stressful ordeals. This simple way to give physical continuity and emotional whiplash at the same time is what an excellent, seasoned storyboarder would do. And also, it’s what an absolute newbie like Miyagi did.
If the fourth episode shines in such details, CITY: The Animation #05 is the show at its most overwhelming, grandest excellence. An entire volume dedicated to countless plot threads converging into one party asked for a bold response, but under no circumstances did anyone foresee what we’d eventually experience. That also goes for Ishidate himself, who after witnessing what the ideas were shaping up to be, told the episode director that they could at least relax when it came to the animation. Of course, their reaction was doing the complete opposite, resulting in an episode that will go down in history. Regardless of their degree of experience, no one involved had ever seen an episode that required multiple sets of storyboards to tell all the concurrent stories through constantly shifting panels, and chances are that they won’t see such a thing again.
One of the reasons why it was so important to carefully go over the show’s production schedule and how it differs from KyoAni’s norm, let alone from anime as a whole, was that episodes like this take outrageously long to animate even in the best environment possible. One unique aspect any viewer will immediately notice is that the mansion where all the events are set is a real-life, articulated diorama that they carefully incorporated into the animation. Tweaking those aspects is no easy feat, but do you know what’s even more work? Making it from scratch; to be precise, and according to Ishidate’s recent words to Animate Times, it took 3 months just to assemble this one part. The director loves how the result feels like a manifestation of Arawi’s ideas into a new dimension, retaining a handmade, warm appeal that you might associate with educational programs. Critically, that’s a vibe he feels is very compatible with the author, whose inspirations in classic manga like Fujiko Fujio’s works give him a childhood flavor to anyone who grew up in Japan. But for as much as he liked it, as much as the team creating the diorama had a blast, such things require extraordinary schedules.
That much is true of the 2D animation in the episode as well. Earlier, we noted that the Maidragon film was entirely skipped not just by some directors, but by ace animators who’d never miss it under regular circumstances. That very much includes CITY #05’s director and storyboarder Minoru Ota, as well as the leader of their Osaka animation team, Tatsuya Sato. The sheer complexity of the episode demanded Ota’s attention for a long time, and Sato’s workload wasn’t any less challenging. While drawing number isn’t always a useful metric, as elements like 2DFX can greatly inflate it and it says nothing of the actual quality, the 16k drawings sported by this episode (effectively, multiple episodes’ worth) feel earned and meaningful. When you consider how many sequences within it would already be excellent on their own, without that maddening context, it becomes an incomprehensible achievement. And within that massive workload, Sato appears to have personally handled around half the cuts in the episode, putting the longest break he’s ever had in-between appearances to excellent use. His snappy timing is everywhere, further enriching what was already a stunning experience.
In such a packed episode, the technical finesse is simply mind-boggling. You can lose yourself in endless rewatches not just of the narrative and character details hidden everywhere, but on the usage of panels themselves; they change shapes according to the setting and to maintain momentum, acting as parts of the animation in and of themselves. This reaches its catharsis with the equivalent of Arawi’s original spread illustrations, becoming a dynamic collection of character bubbles encompassing the entire population coming together—as officially confirmed, something drawn by a single key animator. It’s a technical marvel in ways few episodes have ever been, and somehow, that’s one of the least important parts.
The sheer scale and precision are so overwhelming that it’s easy to miss the endless details about each character’s quest, many of them original to this episode. While the manga eventually calls it quits and manifests everyone in the final destination, the anime imagines what everyone would be up to across the entire runtime. It doesn’t need to be particularly complex; in fact, the adaptation understands that Nagumo’s own quest was amusing because of its repetitive pattern, hence why it feels confident in diverting attention onto other citizens. What it needs to be, though, is always representative of what each weird individual could be up to—and that much, it greatly accomplishes. That character tightness is matched on a thematic level, once again with fun surprises. Arawi opens the series with silly mythology that, somehow, captures the vibe of the setting. And in another original sequence, this special episode’s ending also imagines how such amazing towers could have manifested in the region, ultimately making it about the collective joy that CITY represents.
And, at the end of the day, that’s what it’s all about: imagination and surprise. It’s what it took to come up with such an outrageous idea, and what it sought by including such a discordant element like the diorama in what had otherwise been a homogenous visual style. One of Ishidate’s most recurring thoughts across all interviews is that Arawi’s humor has a specific brand of intelligence to it. He doesn’t mean it in the often-mocked sense that it is simply too intellectual to be understood by the masses, nor as an allusion to the construction of the jokes being intricately planned. What the director perceived is Arawi’s ability to stimulate your curiosity—to make you imagine through the many surreal details in his world. The reason why the team didn’t want to nudge the viewer more aggressively toward punchlines is that, in talking with Arawi and experiencing his work, Ishidate felt like it’s something you should chuckle through, ponder about its ridiculous implications, rather than bursting into laughter that may make you miss more details. Incidentally, that’s a reason why Amazon’s subtitles missing an endless amount of signs is kind of a crime. There’s so much surreal charm in those!
Much of this philosophy carries over to episode #06, directed and storyboarded by Taichi Ogawa. The first aspect that stands out is the animation, which ambushes anyone who expected a quiet time after the preceding madness with the exuberant, adorable, cartoony introduction to an entire family. The individual key animator in charge of it was likely also in charge of not just much of the following gag as well, but also a heap of delightful Wako animation for this group’s reappearance in episode #11. Chances are that they were handled by the reliable Yurika Ono, new animation superstar Tomomi Sato, or the very promising Uno Nakata—three women, one answer that we hope to get out of production materials soon. Regardless of its authorship, moments like that and later showcases of the family are a great example of that emphasis on imagination.
Ishidate conceived CITY as a broadening of horizons for animators, especially those maturing in an era where supposed technological convenience risks atrophying specific muscles of expression. In a way, that’s a way to foster imagination as well, and it has a broader reach than just those young members of the studio (and of course, the audience). The person he entrusted the making of the diorama to was Joji Unoguchi, who has been at the studio since the 80s. He began in the in-betweening department, transitioned to background art when they created that department a few years later, and has handled everything from art direction to his now common role of 3D art designer/director/artist. But do you know what he had never done? Crafting a diorama for work, even though that’s related to a personal hobby that Ishidate knew of. In a way, getting such veterans to try new things is even more impressive than doing so with young staff members.
Speaking to Mantan, Ishidate compared Arawi’s appeal to that of Chaplin’s silent films. He didn’t mean that Arawi’s works evoke the mannerisms of the legendary director in a direct way; at least, that wasn’t all he meant. Ishidate could have made the association to Buster Keaton, for example, and his point would be exactly as sound. Certainly, setpieces like this have a physicality to the humor that is shared with such directors, but the more fundamental quality is that they aim to tickle your curiosity and make you wonder how such ridiculous events could come together. While reading Arawi’s work, you continue with a smile while somewhere in your head, you wonder what the incomprehensible store you only saw the sign of could entail. And in the original author’s own words for the latest issue of Newtype, his hope for the anime was that people would watch it while chuckling, wondering (and growing curious about) what the hell its creators were even doing.
Given that Ogawa directed it, episode #06 is also quite good at… well, many things. Brilliant storyboarding that somehow uses text in a more involved, original way than a source medium where words actually belong? We’ve got that. A beautiful, cel-forward experience? No doubt about it. The original author making an appearance as a music composer, within a short skit that also shifts to a style even more reminiscent of his personal animation? Somehow, we have that covered as well. But let’s be real: people associate Ogawa so much with character drama that he gets teased about it among his coworkers. There was no doubt that his first episode would be a turning point in the most emotive relationship within the show, the type of content suited to his direction and the ability to twist the knife.
And yet, even such moments don’t escape the anime’s focus on fostering the viewers’ imagination. The choice to use a hollow pumpkin to hide your feelings while bidding goodbye to your partner comes straight from Arawi’s manga, but a subtle change in the delivery represents their intent in a brilliant way. In the manga, the idea of using a pumpkin for a breakup had been pitched by another citizen beforehand, making this an amusing delayed punchline amidst that painful moment. CITY: The Animation, instead, shows you this emotive yet slightly nonsensical scene first. A new viewer is emotionally affected all the same, but somewhere in their mind, they may be left wondering about that detail; was it for no reason? It certainly feels like the hijinks that those two constantly come up in the spot. In a later episode, the skit that motivated the pumpkin plan is brought to life, also serving as a delayed punchline—one that sparked your imagination in between those two points, reinforcing what the series really wants to do. And that is to think about silly stuff, hopefully without getting hit in the face by a football.
Kitanohara’s second episode, CITY: The Animation #07, feels like a good time to bring up another unique point of appeal in the series. The episode has the director’s fingerprints all over it, sometimes literally so; despite not being credited on it, and even having alluded to “checking” the cut, there’s no way he didn’t personally key animate moments like the background animation as Niikura succumbs to late-night hunger. It’s no secret that, like multiple directors at the studio, Kitanohara sets aside certain sequences for himself and draws them uncredited. This is so casually known that, in a recent stage event for the Maidragon film featuring Ishihara and him, they casually mentioned that Kitanohara was a key animator for a movie in which he only appeared in the credits as unit director (even the studio’s official report of the event mentions it!). Amusing, though ultimately, not all that important a detail. For creators who only ever work for one highly reputable studio, and who’ve already reached the status of director, there’s no need to stuff their resume—they’re already renowned figures.
Witnessing him animate sequences like that brings to mind Nichijou, where he already penned some truly memorable chases. For someone with a blunt, animation-focused appeal, some of his traits are also distinctly more detail-oriented and modern in their execution. Kitanohara pays a great deal of attention to the physical properties of objects, often trying to use them to express psychological aspects of the characters. Since modern anime will rely overwhelmingly on the compositing team to handle concepts like reflections, that much ends up being true of Kitanohara’s work as well; not to the degree that the traditional 2D drawings don’t play a role, since that’s the core of his vision, but deeply intertwined with digital tools. And that’s where we turn to CITY’s one-of-a-kind commitment to a level of technology.
We’ve talked about Ishidate’s desire to make CITY into a perfectly unified, comic-like screen that emphasizes the cel feeling—as both an attempt to capture Arawi’s magic and a training, horizon-broadening exercise for the studio’s members. Because of that, every effect on screen must be drawn by an animator… or, on rare occasion, accomplished by other departments in a way that looks like the former did it. To say that it brings back anime to its analog era wouldn’t be accurate. The fact that it’s all drawn on paper isn’t even relevant, as that’s true of every work at the studio. Instead, it’s about that idea of cel as an absolute, inescapable truth of CITY. The show showcases all sorts of effects that, even during the actual celluloid era of animation, would never be drawn; instead, they’d be accomplished through photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. and lighting tricks.
It’s precisely those tricks that every episode director in the series has emulated and expanded on in their own ways. Ishidate’s first episode proposes the idea of replacing linework with short diagonal lines to convey that something is out of focus, showing that they could also adopt modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas as long as they embraced CITY’s toolset. Every director we’ve seen has stuck to that rule, finding their own tricks in the process. One aspect that is very eye-catching in that regard is the distortions, often used to transition between scenes, which the show entrusts to animators rather than achieving them through filters; Yamamura’s episodes stand out when it comes to that, doing so in multiple ways that reach their peak with the abstract transitions during Riko’s skits. Given Kitanohara’s interests in various phenomena, he’s of course among the most active in this process of reimagination. Watching how his usual ideas become CITY-fied is frankly fascinating.
The eighth episode, marking Yamamura’s second appearance as director, is charming in ways that are all too familiar at this point. Even without his craziest usages of the camera, the flow is remarkably good. Be it using silhouettes and cute abstraction to stylishly transition in and out of flashbacks, flipping the orientation of the drawings to relive the experience of nearly falling into a whole, or subtler touches like connecting cuts in a way that informs us about the direction of a character’s gaze, it’s the type of episode that progresses so naturally that it feels like it naturally spawned in this form.
Its highlight is an excuse to talk about another brilliant side of CITY: the voice acting. The performance of the Tekaridake troupe that the show had been building up to on the side—starting with Yamamura’s previous episode, which gives it a sense of continuity—arrives in a form that is as delightful to watch as it is to listen to. The show’s voice acting is, on the whole, simply excellent. From the interviews preceding the broadcast to the weekly VA watchalong videos on the studio’s Youtube channel, it’s easy to appreciate that the cast was more motivated than ever by a series sporting visuals like they’d never seen before, which they got to act over in already polished, finished form.
Although right about everyone’s performances have been great, there are two individuals who even their peers pointed out as extraordinary beings: Niikura’s Aki Toyosaki, and Tekaridake’s Jun Fukuyama. They were so impressive in their recordings that, even when they had already finished their parts, other actors would stick around the studio to watch them voice their wacky characters as if they were possessed. Toyosaki wowed everyone in moments like the epilogue for the second episode, as Niikura faces her many inner demons; all of them voiced by her in a single take, which also happened to be the very first one. Meanwhile, FukuJun’s crowning achievement is his enthralling delivery of a classical play in the form of a breathless rap. It’s worth noting that this twist in the delivery was actually pitched by sound director Yota Tsuruoka, and that it was planned at such an early stage that Yamamura assembled a video storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. More incorporating the beat he’d come up with, ensuring that the animation was in rhythm as well. Once again, these achievements are collective victories.
Speaking of collectives, the return of Miyagi for episode #09 is another special occasion that gathers essentially every citizen. The race was one of the events that everyone who’d read CITY was looking forward to, and the execution certainly lives up to that. While its storytelling is more streamlined, it’s rather reminiscent of the already iconic fifth episode. Much like that one, it’s complemented by details that weren’t even in the original work, yet feel organically Arawi-ish. Miyagi brings back his usage of the eyecatches in a purposeful way, but by turning the positions in the podium into vignettes, it channels the usage of paneling to enrich the flavor that #05 relied on so heavily. And just like that episode, KyoAni’s ace animators went absolutely ham on it. The work of Kunihiro Hane is all over CITY #09, most noticeably when he strays a bit away from his Ishidate influences and employs looser, more liquified smears.
Once again, its structure builds up to the eventual meeting of every character into a chaotic showcase of masterful animation and storyboarding. If episode #04’s climax was impressive in how a rookie storyboarder threaded together so many concurrent adventures, the way that the now only slightly more experienced Miyagi translated Arawi’s fun spread illustrations into one nearly uninterrupted cut is astonishing. He manages to capture every incidental detail in Arawi’s surreal world and somehow adds more visual gags to it, like Niikura’s realization that she’d been chasing the wrong pendant, without interrupting the flow of the scene. And it goes without saying, but the animation itself is incredible too; I would assume that, just like the climax of #05, it’s a single key animator’s work. Perhaps the veteran Hiroshi Karata, already responsible for iconic KyoAni running.
Following Miyagi, we have an even more curious newbie director. The regular trajectory of staff members at the studio, if they choose to take the test for upper positions and manage to pass it, is to do so at relatively young ages and then commit to that path; which is to say, separating between the director and the animation supervisor ladders. Okamura is hardly old, but he has been an animation director for 10 years, having reached the stage where he’s trusted as chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have increased in number; moreso than the regular animation directors, their job is to ensure the characters look like they’re supposed to. Consistency is their goal, which they will enforce as much as they want (and can). and character designer on occasion. Most notably, with Free!, where he has replaced Nishiya in recent entries. And yet, seemingly out of nowhere, he has decided to give direction a spin. It was the final episodes of Euphonium’s first season that saw his promotion in one field, and the finale of its third, final season where he finished his training in another. It’s worth noting that, as early as Eupho S3’s bluray specials, we’ve already seen him pivot between episode and animation directionAnimation Direction (作画監督, sakuga kantoku): The artists supervising the quality and consistency of the animation itself. They might correct cuts that deviate from the designs too much if they see it fit, but their job is mostly to ensure the motion is up to par while not looking too rough. Plenty of specialized Animation Direction roles exist – mecha, effects, creatures, all focused in one particular recurring element. at will. It’s possible that, with time, he’ll take up the challenge of handling it all at the same time, as the studio hasn’t seen since the earlier days of the late legend Yoshiji Kigami. Or perhaps, one day he’ll get to direct the original dancing battle animation he internally pitched. Who knows!
Although it’s not confirmed like it was for episode #05, the climax for #09 was likely key animated by a single person again. In a way, it’s inevitable: if a handful of artists split episodes that are noticeably longer than the norm, everyone is going to be entrusted with several minutes of footage. Regardless, Miyagi’s ability to synthesize these events through the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. More blows the mind for someone with barely any experience with that task.
With such a versatile director still figuring things out, CITY #10 is a bit too early to figure definitive aspects of Okamura’s style. I can say for a fact that the episode is playful in its usage of color even by the standards of such a lively show, that he nails the idealization of nostalgic memories as wacky old men reminisce about their past, but I believe we’ve yet to see what he’s truly capable of. For now, all we have is one amusing episode that just so happens to end with maybe the most contentious trick the adaptation has pulled off—the abbreviation of an entire volume into an endless series of fake previews to a somehow real adventure.
The residual discourse about CITY’s faithfulness to the source material feels like a depressing product of our times, where reactionary, thoughtless complaints on social media are greatly overblown. It spawns from the lie that it’s at all changing the story (something that Nichijou actually did without facing such criticism!), gleefully ignoring Arawi’s role in every creative choice to instead champion the sacred status of the source material as it was originally published. Does it ever consider neat details, like how key dialogue was changed between its magazine and compiled volume versions? Of course not, because it’s not motivated by a deep, thoughtful engagement with the work. In a trend that greatly transcends this one show (and that is way more toxic surrounding other projects), cynical, vapid appeals to the honor of “original authors” is directed to the idea of them rather than the actual individuals, the ones who speak out publicly about their stances. In this pointless argument, the concept of source material merely means the way that individuals who only want something familiar first experienced it.
Mind you, I’ve been sad that some skits I love have been cut. To some degree, this includes Riko’s sleepwalk as well. But at the same time, there is both intent and authorial approval to all these choices, which feel very easy to justify in this instance. Although that’s a fun volume, it’s a fundamental departure from CITY’s ensemble cast focus and the links to its physical setting. Sending two characters to a wacky island is plenty amusing in the moment, and can be accepted by the reader as a change of pace, but it’s easy to see why it might’ve been on the chopping block—especially since it has little to no reaction to the overarching theme of dreams.
What it does accomplish is widening the world of CITY, showing the even weirder creatures and situations out there. And that much is also achieved in the form that the anime presented it, which also doubles down as a gag that only becomes funnier the more they double down on it. If all you want is the exact same events as the manga, it remains right there on your shelf, or in a wiki’s list of chapters if the presence of content is what truly matters to you. But that’s not what mattered to Arawi, who repeatedly (as he does with everyone who approaches his work) told the team that they should be trying to surpass him instead; to do more with what they include, not to include more. And c’mon, we haven’t had fake previews this good since Katanagatari pranked the entire world. It was sorely missed.
Apart from every chapter determined to have narrative or thematic importance, the initial writing camps attended by all sorts of staff (including Arawi) also turned into a way for them to vote for skits they wanted to include no matter what. Ishidate doesn’t hide that at one point he threw a tantrum to include the three old men’s adventures like Oyaji Summer, even knowing that this type of thing isn’t broadly popular. He only feels slightly remorseful about it.
To wrap up on a more positive note, before we eventually return to the series for a final write-up, we have yet another joyful episode led by Ogawa. In fact, it might be the most joyful episode by him, as if he was happy to fight that reputation as a very effective but depression-inducing director. Even by CITY’s standards, the way it presents its visual (with a plethora of background animation) feels exciting and original, in a way that you’ll never be able to guess what will be on screen next even if you’ve grasped the flow of the gag.
Although Ogawa is particularly good at his job, it’s fair to look at this episode as a microcosm of all the qualities we’ve been highlighting. Some gags have small additions that feel like they were poked straight out of Arawi’s brain; and given his continued presence, that could be the truth in certain cases. The excellent animation is matched by equally inspired voice acting, and that celification of effects that are now overwhelmingly digital continues. Even trends within the studio itself, like the attention to capture the amateur quality of non-professional art, rear their head in this episode.
But above all else, the highlight is a skit that sums up so much of the show’s appeal that you should be able to tell you whether you’re compatible with CITY or not from it. And that is the story of how, after greedily becoming youtubers, Niikura showcases her incomprehensible faith in Mambo Number 5 as the panacea that makes any crappy video funny. Or maybe she doesn’t believe it anymore, sorry Nagumo. Regardless, if you laughed like a madman or merely pondered what the hell is wrong with her with a smile, then congratulations—you’re as compatible with one of the most impressive TV anime ever made as I am. If you didn’t, my condolences, you won’t even get to enjoy the ending they edited in-universe to the song.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!