kaupunki: Animaatio päättyi vielä yhdeksi runsasta animaatiosta, suunnittelusta ja musiikista Keichi Arawin herkkyyden ja sen iloisten teemojen kaappaamiseksi. Katsotaanpa viimeisin katsaus tähän koko-aikatuotantoon… ja mitä seuraavaksi on myös Kyoanille, kun olemme siinä.
Ensimmäinen kaupunkille omistettu kappale: animaatio oli tarkoitettu johdannona sellaiseen ainutlaatuiseen projektiin, kun taas toinen oli yksityiskohtainen kronikka sen tuotantoprosessista, alkuperäisen kirjoittajan kanssa. Suurin osa näyttelyn juoksusta. Se oli paljon tietoa prosessoinnista, mutta nyt kun se on tehty, voimme istua ja rentoutua, kun tarkkailemme kahta viimeistä jaksoa-asenne, joka sopii enemmän kaupungin tunnelmaan, rehellisesti sanottuna.
jakso #12 tulee ohjaaja-ja kuvakaapien noriyuki Kitanohara : n käsin. Hän on pysynyt yhtenä näyttelyn aktiivisimmista esityksistä huolimatta siitä, että se myös Maidragon -elokuvan kanssa tulee 2024; Jälleen, jos haluat tarkan katsauksen studion tuotannon aikajanaan, on suositeltavaa tarkistaa edellisen kaupungin kirjoitus. Siellä korosimme jotain, joka tulee jälleen kerran ilmeiseksi: Kitanohara on erittäin yhteensopiva tällaisen sarjan kanssa. Animaattorina, joka on aktiivinen 90-luvun vaihteesta, jolla on laaja taitoja, mutta myös aggressiivisten 2D-leikkausten halukkuus, hän sopii suuresti kaupungin haluun korostaa animaattorin roolia kaiken kattavana hahmona ja Fun Bombastin ideologina.
Tatsuya Ishihara Yli animea niin paljon, että hän tulee usein tarinapoikaan (絵コンテ, ikonte): animaation suunnitelmat. Sarja yleensä yksinkertaisia piirroksia, jotka toimivat anime-visuaalisena käsikirjoituksena, piirretään erityislevyille, joissa on animaatioleikkausnumero, henkilöstön muistiinpanot ja vastaavat vuoropuhelun linjat. Lisää räjähdyksiä ja muun tyyppisiä räikeitä, näyttäviä sisältöjä. Ironia hänen lausunnossaan on tietysti, että tämä on vielä totta Kitanoharalle, joka nauttii henkilökohtaisesti animoivista sellaisista asioista. Vaikka hän ei mennyt niin ydinvoiman kuin hän on tehnyt aiemmissa jaksoissa #12: n kanssa, niikuran ja Nagumon naurettavien, räjähtävien reaktioiden linjatyöt tuntevat, että hän vetäisi jälleen sellaisia hetkiä itse. Vanhat tavat kuolevat kovasti.
On olemassa pari syytä, miksi hänen aikaisempiin jaksoihinsa verrattuna Kitanohara ei ajautunut animaatiota ripsimään niin villisti; Toisin sanoen, että TV-anime-standardien mukaan se on edelleen naurettavaa, mutta kaupungin sisällä se tuntuu alistavan muiden etujen suhteen. Ensimmäisen pitäisi erottua melko nopeasti: jaksolla #12 on tähän mennessä suurin musikaalisuus, joten visuaaliset audio-käsi kädessä sen sijaan, että kiirehtivät eteenpäin. Varhainen skitit, jotka tekevät tästä itsestään selvästä, keskittyy niikura-uudelleenkysymykseen riipus, jota hän on jahtanut ikäisiä-sellainen, joka sisältää kuvan Nagumosta, uhkaa aina paljastaa inspiroivan murskauksensa kaikille muille kansalaisille. Hänen pyrkimyksensä omituinen finaali kerrottiin alun perin luvussa, jossa ei ole käytännössä vuoropuhelua, luottaen sen sijaan hänen sisäiseen kertomukseensa. Ja koska tämä on kaupunki, se tarkoittaa altistumista hänelle jotenkin syvällisille ajatuksille, kun hän kohtaa olennon, joka on niin käsittämätöntä, että kaikki kaupunkiin kerätyt mytologiset olennot ovat hämmentyneitä. Sen pelkkä läsnäolo suistuu Niikuralle hänen elämänsä tärkeimmistä tehtävistä, mikä johtaa taisteluun ikäviksi.
On annettu, että Kitanoharan kaltainen ohjaaja varmistaa tällaisen hetken annetaan suuri animaatio. Meillä on 2D-tehosteita, jotka ilmentävät näyttelyn piirtämistä ylivallan asennetta, kun taas söpö, sarjakuvanäyttelijä säilyttää Arawin alkuperäisen vetoomuksen. Räjähtävät leikkaukset ja mielenkiintoiset visuaaliset käsitteet, jotka toimivat yhdessä, aivan kuten se onnistuu yhdistämään sarjakuvien monikerrokset ja mahdottomat juoksumuodot laukauksiin, jotka korostavat kehon tasapainoa. Ja miksi ei, myös joitain hyviä lyöntejä.
Ennen kaikkea, tapahtumien kadenssin ja musiikin käytön välillä on kuitenkin hilpeä synergia tämän gagin 6+ minuutin välillä. Tässä seikkailussa ilman vuoropuhelua anime otti seuraavan askeleen ja poisti myös Niikuran ajatukset, jättäen katsojalle ihmettelemään, mitä helvettiä tapahtuu Tapahtumat jonkin verran rivin täydellisesti klassisen musiikin valinnoilla . Koska kaupunki: Animaatio on sitoutunut siihen, että Arawi kirjoittaa kaikki tuotantohyvitykset käsin, tämä tarkoittaa myös, että alkuperäisen kirjoittajan oli kirjoitettava huolellisesti Bach-ja Franz Liszt-kappaleiden pitkät nimikkeet. Nyt tämä saattaa saada hänet kuulostamaan huvittavasti säälittävältä, mutta harkitsemme seuraavaa: tiedämme, että nukkuessa samassa huoneessa kuin sarjan ohjaajien johtaja: (監督, Kantoku): koko tuotannosta vastaava henkilö, sekä luovana päätöksentekijänä että lopullisena esimiehenä. He ylittävät muun henkilökunnan ja heillä on viime kädessä viimeinen sana. Sarja, jolla on eri ohjaajien tasot, on kuitenkin olemassa-pääjohtaja, apulaisjohtaja, sarjan jakson johtaja, kaikenlaiset epätyypilliset roolit. Hierarkiassa on tapaus tapaus skenaario. Taichi Ishidate Suunnitteluvaiheissa hän jakoi joitain musiikkipaikkoja, jotka tekivät heistä molemmat cacklen yöllä. Ja niin, on realistinen mahdollisuus, että Arawi toi tämän kirjoitustehtävän itselleen. Sen arvoinen!
Seuraava Skit jatkaa näiden ominaisuuksien ilmentämistä, tällä kertaa rytmi on sidottu vahvasti näyttelyn BGM: ään. Koko kaupungin emotionaalinen vuoristorata, kun he seuraavat myrskyistä hevoskilpailua, on hauska aika itsessään, etenkin sen rytmisellä toimituksella. Se on kuitenkin yhteys kaupungin päätavoitteisiin, mikä tekee siitä niin standout. Yksi Ishidaten toistuvista ajatusjunista on ollut Arawin työstä, joka on erinomainen sen kyvyssä saada sinut kuvittelemaan hänen surrealistisen huumorinsa takana olevat Hows ja Whys, ja koko tämän gag-ohjelman vuoksi show keskittyy täsmälleen siihen. Aivan kuten mangassa, emme koskaan edes näe katsausta kilpailuun, josta tämä seikkailu on kyse. Sen sijaan meidän on pakko kuvata naurettava tapahtumasarja, jossa katoaavat jockeys ja hevoset, jotka ovat todella erilaisia eläimiä, kun pelaajien reaktiot kääntyvät villisti. Jos haluat testata yhteensopivuutesi Arawin työn kanssa, tämän yhden luvun tarkistaminen saattaa olla hyvä alku.
jälleen kerran, meidän on vain siirrettävä yksi skitit eteenpäin löytääksesi toisen syyn, miksi jaksoa 12 hallitaan sen animaatiolla. Saatuaan niin lähelle viimeistä jaksoa, ja etenkin keskittyen yhteen juoniin, joka uhkaa erottaa sarjan kaksi lähimpää hahmoa, siellä on melankolian sävy, jota kaupungissa ei ole oikeasti ollut ennen. Matsurin ja Ecchanin erottelun specter on leijunut koko näyttelyn ajan-se on osa heidän söpöjä seikkailujaan yhdessä, koska tiedät, että heidän jakavansa aika on rajallinen. Mutta vasta nyt, kun voit tuntea sen tarttumaan jakson kehystys-ja värivalintoihin, jopa ennen kuin Ecchan menee hänen omituisen erottelu rituaalinsa läpi. Saataksesi selville, onko se todella heidän suhteensa loppu heidän suhteensa, sinun on viritettävä kaupunkiin: animaatio #13.
Ennen kuin sukellamme viimeiseen jaksoon kokonaan, katsotaanpa takaisin lähetysten edeltäneisiin päihin. Tarkemmin sanottuna meidän pitäisi puhua tämän finaalin ydinhenkilöstöstä, joka jo julkistettiin-kuten aina on-esikatselun, joka on ehkä yllättänyt joitain ihmisiä. Sarjan ohjaajaohjaajan palautus: (監督, Kantoku): Koko tuotannosta vastaava henkilö, sekä luovan päätöksentekijänä että lopullisena esimiehenä. He ylittävät muun henkilökunnan ja heillä on viime kädessä viimeinen sana. Sarja, jolla on eri ohjaajien tasot, on kuitenkin olemassa-pääjohtaja, apulaisjohtaja, sarjan jakson johtaja, kaikenlaiset epätyypilliset roolit. Hierarkiassa on tapaus tapaus skenaario. ja hahmojen suunnittelija viimeisen jakson johtamiseksi oli annettu; Se on yleinen käytäntö televisio-ohjelmissa, ja se, jonka Ishidate on pitänyt kiinni omissa, aina henkilökohtaisesti varautuneissa projekteissa. Ja silti heidän vierellään on enemmän tekijöitä. Koko kaupungin juoksua, riippumatta siitä, kuinka pelottava työmäärä oli, oli yksi animaatiojohtajan seurassa yksittäinen jakson ohjaaja ja kuvakäsikirjoittaja. Toisin sanoen, kunnes finaaliin. Kyoanin apulaisanimaatiojohtaja tarkoittaa aloittelija-oppimista veteraanin siipin alla ennen heidän debyyttiään. Tämä pakollinen vaihe on yksi, jonka olemme äskettäin nähneet Kouhei Okamura (apulaisjakson johtaja Eupho S3 #13: lla ennen kuin hän käsitteli kaupunkia #10 yksin), Ryo Miyagi (Ishidate-avustaja kyseisen näyttelyn viidennelle jaksolle, ennen kuin asteittain soolo-johtaja; Ikedan avustaja Tsurune S2 #04: ssä, josta tuli yksinvalvoja kahdeksannen jakson mukaan… eikä niin paljon myöhemmin suunnittelija ja pääanimaatiojohtaja, jota nyt ihailemme. Lyhyesti sanottuna, se on studiokäytäntö, ei jotain kyseisen jakson tuotantoon liittyvää.
Mitä sitten kaupungin finaalilla on? Vaikka tuskin tungosta, etenkin nykyisen TV-animen kiusallisten standardien mukaan, siinä on kaksi ohjaajaa ja kolme animaation esimiestä näyttelyssä, joka oli arvokasnut täydellistä yhteenkuuluvuutta, jonka voit päästä pois yksilöllisesti LED-ponnisteluista. Yksi asia pitää mielessä, kun teollisuus siirtyy vähitellen sopimushenkilöstölle, on se, että kun maksat ihmisille työskentelystä sinun rinnalla sen sijaan, että pelkästään heidän toimittamistaan, sinun tulisi käyttää heitä hyvään käyttöön. Studiossa, jossa kaikki ovat kokopäiväinen työntekijä ja jossa tuskin tehdään työtä muille yrityksille, mikä vaatii älykkään työn jakamisen kanssa; Muutoin sinulla on ihmisiä, jotka istuvat ympärillään mitään tekemistä kuukauden ajan kerrallaan.
Vaikka tuotantoja yleensä jatkuu, niin ei todennäköisesti tapahdu. Kaupungin henkilökunnan kierto on poikkeuksellisen säännöllistä, ja 5 yksikköä avainanimaattoreita esiintyy peräkkäin täydellisessä järjestyksessä. Kolme enemmän tai vähemmän välissä olevaa ryhmää tekivät samoin, samoin kuin ohjaajat ja esimiehet, jotka olivat usein kiinni täsmälleen samaan ryhmään avainanimaattoreita. Mutta mitä tapahtuu, kun 5 ryhmää yrittää pyöriä 13 jakson näyttelyssä? Ajon loppuun mennessä kahdelle heistä jäi mitään tekemistä. Jos tarkastelemme animaatiojohtajia ja otamme huomioon Tokuyaman, joka liukuu ensisijaisesti finaaliin, ymmärrämme, että seuraavat seuraavat esimiehet, jotka saavat jakson vastaanottamisen, olisivat Kayo Hikiyama ja Nobuaki Maruki -mikä sanotaan, että kaksi, jotka ovat liittyneet häneen kaupunkiin #13. Vaikka ohjaajien keskuudessa on vähän enemmän vaihtelua, ensimmäinen, joka kääri heidän allokoidut jaksonsa ja ilman seuraavaa siirtämistä, oli Takuya Yamamura . Katso ja katso, hän on finaaliin liittyvä Ishidate. Melkein kuten henkilöstön hallinta on merkitystä!
Onko se koko tarina? Ei aivan. Toki, kaupunki oli studion painopiste pitkään, mutta se on tuskin ainoa projekti Kyoanin teoksissa. Jos he todella halusivat, he olisivat voineet löytää jonkin verran roolia muualle näille yhtäkkiä saatavilla oleville henkilöstölle. Suoraan sanottuna, jos se olisi ollut säännöllinen viimeinen jakso, he ovat saattaneet olla taipuvaisia liu’uttamaan ne tiettyyn elokuvia, jotka olivat jo töissä. Mutta milloin kaupunki on tehnyt mitään normaalisti? Ennen sen lähetysten alkamista henkilökunta ja esittelytarkastukset varoittivat katsojia siitä, että tietyt jaksot olivat yksinkertaisesti pois tästä maailmasta, osoittaen usein viidennellä… ja viimeisellä jaksolla. Tietäen, että sarjassa on hulluja standardeja, ja kun he ovat nähneet, mitä muut erityiset mainitsemansa jaksot olivat todella sukupolvien, pitäisi olla helppo ymmärtää, että finaali käyttäisi onnellisina luotettavia, yhtäkkiä saatavilla olevia veteraaneja. Tämä on tuskin puute, vaan pikemminkin seuraus ideoista ja sävystä, jonka he halusivat laittaa eturintamaan. Alkuperäisen teoksen viimeinen kohtaus on itse asiassa se, joka avataan tämän finaalin; hetki, joka ei ole pommi ja fanfaari, vaan hiljaisempi toteutus Nagumolle. Kuten osoittautuu, tämä ilkikurinen, mutta tosissaan tyttö on pakkomielle jahtaamalla mahdollisimman viihdyttävän elämän… ennen kuin huomasi ilmeisen, että kiireinen elämä tässä kaupungissa oli jo paljon viihdyttävää. Sarjan lähtökohdan muutokset, joiden Arawi piti loistavan, tehtiin siten, että ensimmäinen jakso ilmoitti jo tuon yksinkertaisen, viehättävän hahmon kaaren alkuun. Aina helpompaa myydä sellaisia hetkiä, kun estetiikkasi on niin rento kaunis , tiedätkö. ja heidän pelätty erottelu. On syytä huomata, että heidän koko juoni on se, joka on jonkin verran irrotettu muusta, lukuun ottamatta sitä, että he ovat molemmat osa kaupungin hilpeää ekosysteemiä. Toki, voit rypistää tarpeeksi kovaa yhdistääksesi heidän tapaansa kohtaavat tulevaisuuden Nagumon omaan pyrkimykseen ja siihen unelmateemaan, mutta totuus on, että sillä ei ollut suurta roolia animessa sen temaattisen yhteenkuuluvuuden vuoksi. Se tapahtui, koska nämä kaksi lasta ovat maailman arvokkaimpia olentoja, ja se on riittävän hyvä syy.
mangassa, nämä kaksi saavat vain osittaisen huomion keskellä viimeisen volyymin kiireisiä tapahtumia. Ei ole niin, että heidän viimeisiin hetkiinsä ei ole mitään huolta, mutta animessa korostetaan tasoa, joka tekee tästä päätöslauselmasta entistä tehokkaammin. Suuri osa tästä johtuu pelkästään ajonaikasta (se kestää vajaat 10 minuuttia finaalissa) ja hienovaraisuutta kuvaamalla hellävaraisia, emotionaalisia lyöntejä, joita olemme odottaneet Kyoani-ohjaajilta. Mutta myös tämä on kaupunki: animaatio, projekti, jota johtaa hullu animaattori ja vieläkin dementoituneempi kirjailija, joka kuiskaa hänen korvaansa. Tietysti siinä on enemmän kuin sitä.
ja siksi esimerkiksi sen sijaan, että ajisit pyörälle lentokentälle, kuten he tekivät mangassa, Matsurissa ja luotettavassa adatarassa hevosella. Hevonen, joka on oikeastaan ihmisiä, joilla on huono naamio, ilman selkeää selitystä. Jos sinulla on hyvä muisti, muistat, että yksi jakson 12 kilpailussa kerrottuista tapahtumista oli osallistuja, joka oli hylätty toisen hevosen pureminen-joka on gazelle, älä kysy-kurkussa . Ja Se on todellakin heidän SEED , mikä tarkoittaa, että tällaisten raakojen toimien syyllinen oli itse asiassa pari ihmistä eläinpukuissa… ja että heillä oli useita syitä hylätä hevosurheilusta. Ihastuttavasti arawiesque-lisäys, joka edistää jatkuvaa yhteyttä tapahtumien välillä, ja myös loistava tekosyy infusoida leikkauksia matkan varrella rytmisemmällä, huvittavalla dynaamisuudella.
vastakohtana lähdemateriaalin näkökohtiin, joihin finaali laajensi, on muitakin, että se ampui yksinkertaisen syyn: Yhteenveto. Mikään konkreettisella tarinankerrontatasolla tekemistä valinnoista ei ole todella muuttanut kerrottuja tapahtumia; Tarinan napauttaminen hieman myöhemmin ei muuttanut Nagumon ensimmäisissä luvuissa perustettua työpaikkaa, aivan kuten tiivistäminen Rikon Sleepwalkista ei estänyt sitä tapahtumasta. Emme ehkä ole nähneet koko lukua, joka on omistettu isoäidille, joka lyö paria kansalaisia, mutta jaksojen, kuten kartanon ja rodun, sivu vinjettien sisällä olemme edelleen nähneet heidän feudingin. Kaikille pienten keskipisteiden muutoksille he ovat varmistaneet, että ne säätävät sitä myöhemmin rakensivat myöhemmät elementit-ilmeinen syy siihen, miksi Arawi oli vastuussa prosessista Ishidaten rinnalla.
Sama pätee sarjan huipentumiseen. Jaksossa #12 voit jo huomata vaaleihin viitaten julisteet , jotka alun perin lopettivat kaupungin tapahtumien. Tätä viitataan lyhyesti myös finaalissa, joten on kohtuullista olettaa, että se tapahtui myös animen jatkuvuudessa. Kuten aikaisemmat suuret tapahtumat, myös mini-kaari toimii tekosyynä tonnia kansalaisia tonnia toisiinsa liittyvässä seikkailussa; Ja koska se on viimeinen, se antaa heille mahdollisuuden kääriä useita sivutarinoita. Koska anime-sivussa pysyneiden hahmojen väliset suhteet ovat riippuvaisia, suoraviivainen sopeutuminen ei kuitenkaan pidä paljon painoa. Ja niin, kun 15 minuuttia finaalista on jäljellä, palaamme yhteen toiveeseen: Arawin ja Ishidaten yhteinen mielipide siitä, että animen tulisi laajentaa asioita entisestään, hyödyntäen sitä tosiasiaa, että se on nyt animaation teos prosessissa. Kerran, ja huolimatta siitä, että kirjoittaja pysyy edelleen yhtä mukana kuin koskaan, tämä tarkoittaa, että kaupunki: animaatio päättää päätellä täysin alkuperäisestä huomautuksesta.
Hanki se, huomaa, että he keksivät musikaalin.
yhtä törkeää ideaa kuin se on, löysin reaktioni kaupunkiin, joka päättyi pitkään musiikilliseen tekoon”. Nopea käännös suuresta yllätyksestä huvittuneen vaatimustenmukaisuuteen ei ole, koska edellinen jakso korosti toimituksen musikaalisuutta, ikään kuin yleisön valmistamiseksi. Se ei johdu edes siitä, että ensimmäisen jakson hauskin gag on lisännyt Laulu tietystä Broadway-teoksesta , joka Ishidate oli vastuullinen Huolimatta siitä, että tuottajat ajavat lisensointiprosessia . Syynä on yksinkertaisempi: päättyy massiiviseen, ekstravagantti-musikaaliin, jossa jokainen outo kansalainen on jotain tekemistä ja törmää toisten kanssa, on vain kaikkein kaupunkihuone.
ja kuvittele, Michelin-tähden (vai he?) Ansaitsevan Makabe-ravintolan lähtökohtana, laukaisee kollektiivisen vimman lukemattomien kansalaisten yli, ja he kaikki tuovat näytölle oman sävyn ja visuaalisen tyylin. Näyttelijät paraavat kadut, jotka on suunniteltu uudelleen pakkaamaan lukemattomia viittauksia heidän juhla-esineeseensä, samalla kun pukeutuvat teatterinäyttelyssä näkemämme asujen pastiikka. Sama ilon sekvenssi huipentuu ukiyo-e , kuten näyttö, tuomalla meidät täysin erilaiselle aikakaudelle yhdessä keinuessa; ja koristamalla sitä yhtäkkiä moderneilla tekstuureilla, kerroksilla visuaalisten ideoiden kerroksilla. Aivan yhtä paljon nopeudella kaikki tämä voi mennä ikkunasta värikkäimmän Heartbreak Islandin tai sekoituksen etsivä tarina Pixel Art rpg . loppuun asti. Saatat muistaa ishidate-kielen kieltämisen hahmotaidetta koskevien vakiokohteiden käytön; Radikaali lähtö hänen aiemmasta työstään Violet Evergarden , joka todella lisäsi lisää ääniä Animen tavanomaisiin 3 tilaan (varjo/tavallinen/korostus). Mutta entä jos meillä on harhaanjohtava goofball fantasioi hänen omasta satustaan? Tämä rohkaisee täydellisen taiteen suunnan uudistamista muuttamalla taustan johonkin enemmän kuin mitä Voisimme löytää yhdessä sellaisessa kirjassa ja käyttämällä hänen rakkaansa idealisointia tekosyynä rikkoo alkuperäisen säännön . Jälleen on syytä huomata, kuinka kaikki nämä hauskat pivotit eivät koskaan pysty ravistamaan arawi-identiteettiä- Katso vain söpöjä, käsittämättömiä eläimiä, jotka ympäröivät prinsessaa . Se, missä määrin he onnistuivat vastaamaan hänen herkkyyttään, kokeilemalla niin monia ideoita, on rehellisesti hämmästyttävä. Vaikea uskoa, että melkein Moebius-kaltainen maailma, johon heidät kuljetetaan hetkeksi, ei tullut hänen alkuperäisestä mangastaan ottaen huomioon, kuinka Arawi-kaltainen Niikura-robotti ja mekanismit tuntevat. href=”https://i.imgur.com/zvljxjr.jpg”> yksilö leikkaukset . Tällainen jakso vaatii absurdin määrän suunnittelutyötä ja myös itseään laukausta asiasta. Olet ehkä kuullut, että Kyoani-teoksilla on yleensä suurempi määrä leikkauksia kuin normi-ihmisen elämässä olevan yksityiskohtien pakkomielle luonnollisessa seurauksena-, mutta jopa heidän standardit ovat vaaleita verrattuna musiikillisen osan aikana tapahtuvaan hulluuteen, joka itsessään onnistuu tekemään niin, että tämä finaali on kaksi kertaa niin monta leikkausta kuin säännöllinen, tiheä jakso. Valinta, joka lisää työmäärää valtavan määrän, mutta myös sellaisen, joka antaa heille ylimääräisiä kiinteistöjä hiipiä mangaan tämän alkuperäisen juhlan aikana. Shia, yksi hahmoista, joka ei ole ilmestynyt paljon sopeutumiseen ja olisi ollut rooli vaaleissa, saa hänen hetkensä Kaiken tämän laulun keskellä. Ja kuten aiemmin mainittiin, Jopa itse vaalit kasvattavat päänsä Seikkailussa, joka korvasi sen.
Ei ole sanomatta, että animaation standardien alentaminen kaupunkiin ei ollut koskaan vaihtoehto. Paljon sekvenssejä, olipa kyse sitten kameran ylityspolkuista, joissa on monia merkkejä tai loputon tanssi, ovat itsessään erinomaisia, puhumattakaan osana tätä suurempaa kokonaisuutta. Käsitteellisesti runsaasti sekvenssejä loistavat kyvynsä pitää yhdistää hahmot toisiinsa-olkoon se hitaus-tai jopa narratiivisesti, musiikillisella näytöksellä korostaen toistuvasti, että Ecchan on erittäin edelleen aktiivinen osa jengiä. Ja tämä huomiota yksityiskohtiin sovitetaan kunkin leikkauksen tekniseen toimitukseen, joka on edelleen upotettu ARAWI: n huumorintaju. Se on jakso, joka rohkaisee sinua katsomaan sitä uudelleen, jotta voit saada mahdollisimman monta pientä helmiä. Sinun on kiinnitettävä erityistä huomiota huomataksesi kahden eläimen utuiset muodot, jotka vilkkuvat hetkeksi vaikutuksissa; hyvin arawi-like-hevosen ja peurien muodot , joka vastaa 馬鹿: n kanjia, kuten hän sanoo sanan ääneen.
Samoin kuin pari esimiehiä ja ohjaajaa, jotka ovat suorittaneet tehtävänsä liukastuivat auttamaan, samoin kaksi ylimääräistä avainanimaattoria-nostaen heidän kokonaismäärän tämän suuren finaalin 7: een (+1). Erittäin lupaava ayumu yoshida , joka kuuluu kaupungin neljänteen Genga-yksikköön, joka olisi hoitanut seuraavan jakson, jos se olisi olemassa, valittiin auttamaan hänen tunnetuimpia ikäisensä. Mutta iso nimi on epäilemättä Tatsuya Sato, sekä studion Osaka-divisioonan että tämän tuotannon viidennen yksikön johtaja. Kun selitimme, kuinka täysin absurdi jakso #05 oli jopa mahdollista, huomasimme, että Satolle oli annettu lupa keskittyä siihen pidempään kuin missään edellisessä työssä, jolloin hän voi vetää noin puolet yhdestä tiheimmistä animejaksoista, jotka koskaan tehtiin. Huolimatta siitä, että se ilmestyi muun joukkueen rinnalla, Saton suhteellisen arka rooli-vain muutama minuutti erottui hänen anappy-animaatiostaan -koristeli vielä uutta erityistä esiintymistä. Näin on todellakin ollut finaalissa, joka näyttää olevan lähettänyt hänet erityisesti koko musiikilliselle segmentille. Vaikka työmäärä ei ole samalla tasolla kuin viidennessä jaksossa, hänen hyppyisempi ajoitus on eri esitysten eri osissa. Kaiken kaikkiaan yksi suurimmista aiheuttajista ilosta, jonka tämä jakso säteilee.
juuri ennen päättymistä tulee vihjeemme muistamaan yksi ensimmäisistä asioista, jotka kirjoitimme kaupungin ohjaajasta, melkein 3 kuukautta sitten. Se oli silloin totta, ja se pysyy totta nyt: ishidate tykkää animoida asioita itse . Hän puhuu myrskyn siitä, kuinka suunta (varsinkin kun hän johtaa koko projektia) ei anna sinulle aikaa vetää henkilökohtaisesti kokonaisia leikkauksia, ja sitten jatka hiljaa monimutkaisten sekvenssien varastamista itselleen. Kaupunki: Animaatio alkaa käytännössä hämmästyttävällä leikkauksella, joka näyttää tulevan hänen kädestään. Ja nyt, kun tämän äkillisen musikaalin apoteoosi, joka kääri kaiken, päähenkilö on jälleen hänen kynänsä. Tunnettuja lepattavia liikkeitä ja taipumusta kohti lyhyiden linjojen käyttöä, pienten roskien bittien käyttö visuaalisen tiheyden lisäämiseksi ja itse ajoitus huutaa Ishidaten nimeä. Aivan kuten hän varmasti varmistaa tämän show’n temaattisella tasolla, hän teki saman tyylisesti, omalla häikäisevällä animaatiollaan.
ja niin, mitkä ovat kaupungin lopulliset takeet? Vaikka kieltäydytkin sitoutumasta siihen millä tahansa tasolla, mutta pinnalla, sinulla on silti viehättävä, erittäin söpö, omituinen sarjakuva tyypistä, jota et koskaan koskaan kohtaa kaupallisessa animaatiossa. Sillä on näennäisesti ilmeinen edeltäjä Nichijoussa, mutta mikä tahansa vertailu näiden kahden välillä korostaa niiden kontrastia. Yksi, jopa sen sopeutumisen muuttuvan tarinan ollessa, on onnellinen, että hänet kulutetaan löysästi kytkettyinä, ei-sekventuureina räjähtävän, surrealistisen animaation puremana. Vaikka toiset pakkaamalla niin paljon rei’ittämistä sen toimitukseen, toiset valitsee paljon rentoutumisen typerästä ilmakehästä ja syntyvästä dynamiikasta toisiinsa kytkettyyn asetukseen. Huomaat usein, että kaupungissa on yhtä paljon tekemistä Yokohama Kaidashi Kikou kaltaisten kanssa kuin Nichijou: n kanssa, koska sarja, joka on vähemmän huolissaan siitä, että herätti jatkuvaa naurua-jos kaikki, ajatus, joka oli halveksittu-ja enemmän ajatukseen, joka rohkaisee mielikuvitustasi vaeltaakseen luovan ytimen ympärillä. välttämättä lähetetyistä gagista, joista tulee palkitsevia vasta, kun lyönti on laskettu. Tämä muistuttaa toistuvia komedia-ja kauhukeskusteluja kahta vierekkäistä tyylilajia; Todistettavissa oleva idea, jota hyödyntävät loistavat ohjaajat, kuten Jordan Peele , ja silti ajatus, jota monet viihdyttävät, kun he viihdyttävät kauhujen huvittavia hetkiä joko vahingossa tai suorana epäonnistumisina. Kaupunki vie eri alueen komediamaassa, mutta Ishidate uskoo sen alueen laajuuteen. Kuten olemme aiemmin keskustelleet, se oli sen sijaan elokuvantekijöitä, kuten Charlie Chaplin , hän huomautti Arawin vetoomuksen esimerkillisestä. Toisin sanoen koomikot, jotka laukaisevat mielikuvituksensa hijinkillään, sen sijaan, että pysäyttäisivät sinut raiteillasi mielenpuhtauksella naurua. Tämä visio resonoi kirjailijan kanssa, mikä johtaa hänen ja studion väliseen erittäin tiiviin yhteistyöhön, jonka olemme myös kattaneet pitkään. Tuloksena on tavallaan, jonka yhteenveto Arawin yksinkertaisesta toiveesta: ”Haluan katsojien ihmettelevän, mitä helvettiä tekijät jopa tekivät”.
suuri osa yllätystekijästä, joka tarvitaan esityksessä. Kaupungin visuaalinen kieli ja sen takana oleva dementoitu logiikka ovat runsaita, mutta myös niin helppoja silmälle, aikakaudella, jolloin jokainen muu otsikko on innokas todistamaan sen korkeat tuotantoarvot intensiivisillä digitaalisilla vaikutuksilla. Vaikka se voidaan toteuttaa tehokkaasti, se on lähestymistapa, josta on tullut niin laajalle levinnyt (ja usein raa’asti käytetty), että se on imenyt ilman pois huoneesta. Ja täältä tulee kaupunki, joka on tervetullut raikasta ilmaa. Jokainen komponentti on orgaanisesti sijoitettu yhteen saumattomaan kokonaisuuteen, joka hämärtää CEL-animaation määräykset, jotka ovat hallinneet kaiken kaupallisen työn ikuisuuden; Ei ole erillistä luonnetta ja taustakerroksia, yksi kaupunki on. Tarkemmin sanottuna on yksi kaupunki, jossa on niin paljon naurettavan monimutkainen animaatio, että se voisi tehdä minkä tahansa TV-projektin punastumisesta häpeässä.
Yksi mielenkiintoisimmista kysymyksistä, joihin Ishidate vastasi sosiaalisen median kampanjassa, oli , within a project where both young and veteran staff members have gone all out. His first instinct was to shout out Arawi himself yet again, as he’s been involved in so many iconic choices (like the mansion diorama!) that he might as well have been a director. Among KyoAni’s members, though, he shouted out the young director we’ve been most enthusiastic about as well: his pupil Ryo Miyagi. The storyboarding prowess he showed in moments like the end of episode #04 and the interconnected climax of the race is truly special.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
