In addition to all the articles we’ve published, and before properly moving onto Spring titles, enjoy this lengthy compilation of comments and short essays about other works that have impressed us early in 2025. There are some notes about big hits of course, but also a look at specific moments that elevated shows, smaller works that nonetheless deserve attention, and a space for the indie and avant-garde as well.
You may have noticed that we Compartilhou alguns artigos hoje. Se o motivo não foi claro o suficiente, é porque inicialmente pretendemos publicar um único resumo sobre obras de animação que nos impressionaram nos primeiros meses de 2025; Principalmente os lançados neste mesmo ano, embora você verá mais adiante, também independentes que estão menos vinculados pela temporalidade. Depois de dividir alguns artigo em postagens independentes, ficamos com uma coleção de últimas notas, mas definitivamente não menos importante. Não espere que esses trabalhos sejam menores, nem os artigos necessariamente menos profundos. Esses são simplesmente destaques em escala menor, seja porque são obras mais curtas ou porque diretores de episódios específicos levantaram a fasquia muito acima das normas do programa. Isso é paralelo à situação do estudantes de Himeyuri Durante a Segunda Guerra Mundial. Sua qualidade de sonho, de acordo com o posfácio do autor, tem muito a ver com a maneira como ela pessoalmente imaginou: como o tipo de pesadelo nebuloso que uma criança poderia ter ao ler livros de história sobre guerras do passado. Talvez ainda mais importante, também está ligado ao motivo central deste trabalho e à visão de mundo por trás disso. Submerso em tragédias de um calibre que nenhuma criança deve testemunhar, as meninas-especialmente seu protagonista imaginativo em homenagem ao sol-se destacam da realidade com sua companhia e fantasias, que giram um casulo doce para protegê-los. Mas isso será suficiente para manter algum deles seguro em uma situação tão implacável? Ou, como Kyou, sucintamente, pode: o aço de ferrugem com açúcar pode? Suas representações gráficas de morte, desmembramento, fome, perto de agressão sexual e apodrecendo viva das crianças não são gratuitas no sentido de que contrasta-as com as fantasias doces é o que é a série, mas ainda há imagens assombradas. Dado que a animação sofre padrões mais rígidos quando se trata de retratos extremos, uma das maiores perguntas que tive quando foi anunciada originalmente foi como essa história poderia ser transmitida. O fato de que O projeto seria voltado para orientação de animadores para serem animadores de serem apropriados (o contrário, o que se projetaria muito, mas o contrário, o que se projetaria para o que se projetaria para as crianças? A resposta que sua equipe chegou é, de certa forma, para filmar-a de dentro do proverbial Cocoon. Situações semelhantes são reimaginadas sempre que são consideradas particularmente importantes, como a introdução da idéia do casulo no início. Ao ouvir a comparação entre a atmosfera de um dia de neve e ser envolvido por um casulo, os storyboards fazem com que os personagens se sobreponham com uma nuvem que reflete essa idéia; O tipo oposto de clima ao que eles estão descrevendo e, no entanto, uma aparência impressionante do motivo central nesta história. Vivemos em um mundo obcecado em encontrar seu sucessor, onde artistas com experiência de Ghibli contribuem para todos os tipos de projetos-incluindo os feitos em ramificações diretas do estúdio, como Ponoc. Cocoon pode se gabar de um pedigree semelhante; Diretor do Diretor de Arte (美術監督 美術監督, Bijutsu Kantoku): A pessoa responsável pela arte de fundo da série. Eles desenham muitas pranchas de arte que antes aprovadas pelo diretor da série servem como referência para os antecedentes ao longo da série. A coordenação dentro do departamento de arte é obrigatória-os designers de cenário e cores devem trabalhar juntos para criar um mundo coerente. e designer de design de cores (色彩設定/色彩設計, shikisai settei/shikisai sekkei): a pessoa que estabelece a paleta geral do programa. Os episódios têm seu próprio coordenador de cores (色指定 色指定, Iroshitei) encarregado de supervisionar e fornecer aos pintores as folhas de modelos que o passeio em particular exige, o que eles podem até se fazer se forem tons que ainda não foram definidos pelo designer de cores. (Yoichi Watanabe and Nobuko Mizuta, respectively) with Ghibli films in their resume, ace animators like Shinji Otsuka and Akihiko Yamashita that are inseparable from their works, and most importantly, the fact that it was produced at Sasayuri.
Para aqueles que desconhecem, a empresa foi fundada pelo renomado veterano de Ghibli Douga Hitomi Tateno . Depois de um longo mandato no estúdio, ela deixou para trás o estresse da produção em favor de algo que amava tanto quanto criar animação: orientando outros artistas. Ela fez isso pela primeira vez no ambiente inerentemente descontraído de um café e, embora isso tenha fechado tristemente quando a pandemia atingiu, ela conseguiu segui-lo com o estabelecimento de um departamento de produção de animação. Com isso, ela pode conceder experiência no mundo real aos alunos que passam pelo curso de treinamento de Sasayuri, que ganhou uma quantidade razoável de notoriedade por causa de suas credenciais. Jovens promissores estão se juntando a eles e imediatamente se destacam em ambientes exigentes, e o escopo de seus próprios projetos tem sido crescente. Em 2019, eles foram nomeados adequadamente para lidar com a animação de Natsuzora -uma história inspirada em outra mulher historicamente importante em animação, Reiko Okuyama. Nos últimos anos, eles aumentaram as coisas e decidiram produzir seu primeiro filme: Cocoon. Nenhum dos candidatos a herdeiros acima mencionado nunca (não eles tinham nenhuma obrigação de, embora certamente tenham tentado) gerenciados para mimicia e modulações e modulações da animação de todos os mestiados e modulações e modulações <19060290642777101010"> para mimicia e modulações e modulações da animação e a atuação
Por que trazer isso agora? Bem, 2025 começou com uma adaptação de mel de refrigerante de limão liderado por Nishikiori, que é… novamente, exatamente bem. Embora eu não pedisse às pessoas que façam o possível para assistir ao anime se ainda não estão interessadas, é uma série suficiente sobre o amor como um vetor de auto-aperfeiçoamento e conexão. Seus próprios episódios se destacam um pouco por causa do espaçoso trabalho de câmera; Embora muitas vezes exija o tipo de desenho complicado com o qual uma produção modesta como essa luta, também permite que a série desenhe uma ponte clara entre a distância física e emocional. Mesmo sem o diretor de diretorias da série: (監督, Kantoku): a pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisão criativa quanto supervisor final. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário de caso a caso. Swinging para as cercas como ele fez, esses fundamentos podem sustentar o tipo de projeto que poderia ter desmoronado nas costuras. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um caso de caso. #05 mostra o máximo, como abordado por outro veterano da equipe da JC do mesmo círculo em yoshiki yamakawa ; Seu maior grau de abstração torna a vida cotidiana mais evocativa e até conduz a animação mais divertida. No entanto, se há alguém que leva seus episódios a um nível em que merece uma recomendação ampla (especialmente para pessoas com gosto pelo anime dos anos 90), ou seja, sem dúvida Kiyotaka Ohata . Na melhor das hipóteses, ele era o maior aliado de Nishikiori-tanto em quantidade quanto na qualidade de seu trabalho juntos. Dos maiores episódios de Azumanga e outros destaques como sua abertura icônica A aqueles mais idiossincráticos e pessoais como Tenshi Ni Narumon; Ohata estava sempre lá, e ele sempre entregava. A vantagem dessa afirmação, porém, é que dois deles estavam precisamente em refrigerante de limão de mel. Sua primeira cena no episódio #06 é uma declaração de todas as qualidades que resumimos. Há o storyboard evocativo, com a transição de uma janela estreita que prende o protagonista para um avião pilotando o céu aberto; A primeira, uma representação de sua vida tímida até agora, a segunda, de seu desejo de alcançar novos destinos agora que ela é revigorada por seu amor. As silhuetas de cores sólidas são diretamente de suas introduções, e a repetição rítmica (cortes de salto, painéis constantemente sobrepostos) é de alguma forma ainda mais representativa do estilo de Ohata. Sua percussão pode desacelerar apenas o suficiente para estabelecer um ritmo descontraído, mas ainda animado, onde posar e agir dubronizar para adicionar à musicalidade. Os motivos (como sinais de trânsito relacionados a esse crescimento pessoal) e layoutsLayouts recorrentes (レイアウト): os desenhos onde a animação realmente nasce; Eles expandem as idéias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando o trabalho do animador-chave e os artistas de fundo. Dê uma estrutura de rima semelhante no nível macro, que destaca como seu grupo de amigos está se expandindo de maneira natural. E sempre que ele pode se safar, a animação cômica o arrasta fisicamente algumas décadas atrás. Multiplicidade divertida, uma dança entre diferentes níveis de artifício e o brilhante reaproveitamento dos motivos que ele próprio introduziu. Depois de um episódio em que o protagonista se delicia pela luz pela primeira vez, o momento em que ela é derrubada a leva a lugares mais escuros que apenas seu interesse amoroso pode parecer iluminar. De todas as coisas, é o avião que representou sua determinação que cobre o sol e depois voa para longe… com o momento perfeito para fazê-la parecer a deslumbrante. Levando o último ainda mais desta vez, pois ele encontra maneiras de inserir a tipografia e o VFX com toda a gama de diegéticas a orgulhosamente artificiais. Algumas rugas novas o tornam ainda mais especial, começando com o fato de que um dos maiores animadores de todos os tempos faz várias aparições de convidados. Takeshi Honda pegou o mundo de surpresa, mostrando seu rosto (mal visto no anime da TV hoje em dia) na abertura, mas mesmo assim ninguém esperava uma das figuras mais renomadas em animação teatral para descer sobre o próprio show. A vibração natural do tecido sozinha em meros fotos de prática é suficiente para dizer que ele é uma raça completamente diferente. O refrigerante de limão de mel estava gesticulando na direção de um vínculo mais uniforme e recíproco entre seus dois leads, mas não é até o episódio #11 que-através do açúcar enlouquecedor de Ohata-você vê que se materializando de maneiras um pouco surreais e muito fofas. Isso culmina em outra reunião entre a forma incomparável da Honda e a direção saborosa de Ohata; E também, uma reunião entre dois colegas de ensino médio que demonstraram que ambos podem ser confiados. Embora o contexto torne momentos como isso muito melhor, o trabalho de Ohata no programa é bom o suficiente para que eu implore alguém para sintonizar pelo menos esses dois episódios. Se você estava em qualquer um dos trabalhos que mencionamos anteriormente, ou o anime dos anos 90 e 2000, será como conhecer um querido velho amigo. O artista estava ganhando uma reputação positiva. Não é como se eu nunca tivesse visto o trabalho de Tokio Igarashi antes-principalmente, ele havia participado da segunda temporada de Saga de Vinland , que eu achei ainda mais poderosa que seu antecessor. Apesar de ter cruzado os caminhos antes, porém, nunca havia sido significativo o suficiente para que sua contribuição se registrasse em minha mente; Vale a pena notar que ele só recentemente começou a desenhar seus próprios storyboards, apesar de ter créditos para limpar as outras pessoas desde 2022. Suas contribuições para Zenshuu chegaram durante o final do programa, mas mais tarde definitivamente não significa menor neste caso. O episódio #07, que ele dirigiu e storyboard, aborda as principais áreas onde a série havia falta antes. Mais importante, o faz de uma maneira convincente o suficiente para que você não se deixa sentir que eles colocam uma banda apressada em uma ferida aberta. Para colocá-lo em termos mais específicos: a entrega de Igarashi consegue humanizar o protagonista de Zenshuu, Natsuko Hirose, representando uma série de vinhetas das interseções entre sua vida e aqueles que fomos tocados por isso. Há diretor de diretorias da série: (監督, Kantoku): a pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisão criativa quanto supervisor final. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário de caso a caso. mitsue yamazaki e seu assistente recorrente sumie noro , escritora kimiko ueno e, claro, designer favorito de todos kayoko ishikawa . Se você pensou que não teríamos a chance de compartilhar seus finais icônicos Aikatsu , você está muito errado. A alternativa teria sido chorar sobre um de seus projetos enterrados com sua amiga Sayo Yamamoto em vez.
Claro, não é como se as histórias tivessem o dever de apresentar leads universalmente agradáveis. Também não estamos lidando com um caso de protagonista sem um conflito fundamentalmente convincente; O bloco criativo e as expectativas que ela deixa para trás no primeiro episódio são um sólido ponto de partida… no entanto, ela realmente os deixa para trás, com o programa apenas ocasionalmente sendo capaz de sublinhar como sua atual vida isekai soletrou uma resposta. Sem muita química entre ela e o novo elenco, você está preso a um protagonista que é apresentado como nem tão agradável para sair nem apontado em ela distanciar dos outros. Ou seja, até o episódio 07 chegar, mostrando que ela tinha uma personalidade carismática do criador em seu núcleo-que explica por que as pessoas se reuniram ao seu redor para criar animação (e agora, para salvar o mundo) melhor do que sua habilidade técnica e fama. Claro, ela permanece auto-absorvida de uma maneira que faz seu eu atual ainda reconhecivelmente o mesmo, mas vemos por que Natsuko também era um indivíduo magnético. Novamente, não é porque ela é boa em desenhar-o show já tentou transmitir isso antes-mas, em vez disso, através de sua paixão genuína e focada que toca os outros. O primeiro enquadramento do amor de seus contos contribui para a comédia inerente a maioria deles, mas não se confunda com um excesso de ironia; De qualquer forma, o episódio brilha na maneira como a direção de Igarashi abraça descaradamente o ponto de vista romantizado que ela compartilha com os que foram atraídos para sua vida. O segundo em particular se destaca, operando efetivamente como o tipo de curta-metragem romântico honesto e descomplicado que ressoa da mesma forma. Há algo a ser dito sobre o storyboard que prova ser imaginativo e seu enquadramento e ambicioso na técnica que exige, mas tão franco em seu apelo emocional. Eles têm uma capacidade extraordinária de atrair talentos capazes de gerar trabalho chamativo e cresceram para um tamanho que os torna capazes de terminar o trabalho sob quaisquer circunstâncias (não que Zenshuu estivesse em tal coação), mas o polonês não pode ser tomado como garantido quando a direção da animação regular e a direção da direção da animação e da consistência do animado. Eles podem corrigir cortes que se desviam dos desenhos demais se o considerarem se encaixar, mas o trabalho deles é principalmente para garantir que o movimento esteja parecido, sem parecer muito áspero. Existem muitas funções especializadas de direção de animação-mecha, efeitos, criaturas, todas focadas em um elemento recorrente em particular. é espalhado por empresas de apoio ao mar desonesto. Não há dúvida de que muito disso se resume aos principais supervisores e seus assistentes- Masahiko Komino e Shuji Takahara em cima do Kazuko Hayakawa e Ishikawa-que certamente sentem cherry-picked por um episódio, o episódio foi importante. Além disso, essa qualidade mais sutil às vezes cai até o intermediário; Supervisionado por um dos indivíduos mais confiáveis da equipe e com créditos estruturados de uma maneira que me faz pensar se eles optaram por um papel mais confiável Douga em pontos delicados. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número de corte de animação, notas para a equipe e as linhas de diálogo correspondentes. Para o episódio #09, desta vez sob a direção de Sumie Noro. Sua primeira metade parece o epílogo para #07; Outra vinheta de alguém cruzando caminhos com Natsuko e testemunhando a humanidade escondida atrás de muito cabelo e rabugento, o que é suficiente para deixar uma marca em forma de coração em sua vida. No final, no entanto, não parece uma ocasião especial como a oferta anterior de Igarashi-não foi projetada para ser em primeiro lugar, como um trabalho apenas para ele e uma batida mais rudimentar. Foi ousado para o programa colocar um episódio tão tarde como o fez, e não tenho certeza de que foi a melhor decisão. O que eu sei, porém, é que, por si só, era uma maneira adorável de expressar a mensagem de que o amor é obrigatório para o processo criativo. Estou feliz por ter assistido a um episódio tão doce por um diretor que agora conheço para manter os olhos. Embora a facilidade de compartilhar vídeos on-line tenha tornado muito mais provável que outros tropeçam em videoclipes, projetos de graduação em estudantes e todos os tipos de curtas-metragens, esses são apenas uma fração do rico espectro de animação não comercial e independente. Muitos trabalhos impressionantes e profundamente ressonantes são exibidos em festivais internacionais de cinema, mas nunca compartilhados em plataformas às quais todos têm acesso. Não há como entender por que os espectadores gravitam tão fortemente em direção a trabalhos comerciais sem aceitar esse fato. Simplificando, tendemos a nos envolver com a arte que buscamos proativamente de uma maneira mais envolvida do que aqueles trabalhos que são tão fortemente promovidos e entrincheirados em cultura que os consomemos quase passivamente; Esse é o momento em que as criações se tornam a temida palavra, conteúdo. Embora eu possa entender esse ponto de vista do ponto de vista filosófico, no entanto, não posso assiná-lo como alguém que gosta de compartilhar trabalhos interessantes-e como alguém que gosta de poder vê-los, nesse caso.
Vamos colocar alguns nomes nisso. Koji Yamamura é uma das figuras mais importantes da história independente da animação, e ainda não encontrei a chance de assistir a sua mistura de prosa e animação com o nome de extremamente curto ainda. Devido a conflitos de agendamento, em festivais de cinema recentes, consegui perder o lado de Primeira linha ; Tecnicamente parte de uma iniciativa Toho, mas seguindo o circuito alternativo de animação, este curta-metragem do amigo do site China examina o ato de criar animação em si. O mesmo aconteceu com a vida comum de Yoriko Mizushiri , vencedora de um prêmio de urso de prata na Berlinale 2025. Mesmo se você prestar atenção à animação abaixo de sua superfície comercial, nem sempre é fácil capturar as ofertas alternativas mais renomadas. src=”https://www.youtube.com/embed/vohpczh-qcw?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=en-us&autohide=2&sode=THMode=THMode=1&fs=1&hl=en-us&autohide=2&sode=tra
Lembre-se, isso não deve ser uma história desanimadora sobre o incrível esforço necessário para assistir à animação indie-é o contrário. Não há como negar que a distribuição irregular pode tornar esses títulos mais problemáticos para acessar. Devido aos seus padrões irregulares de liberação, eles também são retirados pela janela de relevância pública concedida ao anime comercial. E, no entanto, sua natureza também os torna mais propensos a descobertas que parecem pessoais. Por tudo o que destacamos sua disponibilidade limitada, eles geralmente compartilham cantos mais silenciosos que geralmente são apenas uma pesquisa. seu trailer chamou minha atenção, e um pouco de pesquisa indicou que eu não estava sozinho; Ela conseguiu compartilhar paisagens transformadoras que parecem uma divindade espiando a humanidade não apenas através de animação simples, mas também em exposições, instalações e livros. Enquanto lamentou que eu perdi a chance de assistir ao trabalho dela, procurei mais uma vez e notei duas coisas: uma, que ela foi indicada para o prêmio Digital da Asia Fukuoka e dois, que o site para o site para shows/winners/winners/winners2024.html”> Tropeçando em um canal que recebe apenas uma dúzia de visualizações Ao compartilhar gemas que têm uma experiência limitada é o tipo de experiência que você pode obter uma animação alternativa, se você tem uma experiência limitada, é que você pode obter uma experiência de gratidão que você pode obter uma animação alterada, se você tem uma experiência de gratidão, se você tem uma experiência que você tem uma experiência de gratidão, se você pode ser um pouco para obter uma experiência de recompensa, se você pode obter uma experiência de recompensa. Don’t be scared to give it a try!
Was Kawabata’s work worth the excitement, though? The answer is clear. The Point of Permanence challenges itself to simultaneously tell the story of the cells that compose a living being, of one individual, and of humanity as a whole. The lines between them are blurred; or rather, weren’t they hazy in the first place? At all levels, we organize ourselves in a similarly orderly fashion, requiring coordinated repetitive action for our collective growth. It’s no surprise, then, that the smallest units inside our bodies seem to have human silhouettes of their own—stylized into universally recognizable stickman figures. They pulsate endlessly, as they navigate systems that are reminiscent of both tiny snapshots of biology and history at large. The awe of life is delivered by instinctively satisfying visuals as clearly as its preoccupations about it become sound, growing more uncomfortable as everything expands and overlaps.
This short film’s triumphs are many and not particularly subtle. Above all else, Kawabata’s work impresses in the way it can stretch the exact same concept for slightly over 10 minutes. The enchanting morphing animation that had already caught my eye in trailers is what kept me glued to the screen for its entire runtime, constantly finding ways to iterate on that seemingly endless cycle. In that progression, you notice its ability to evoke scale and expansion; despite having no objective point of reference, and with drawings that already begin with a high degree of density, it still feels like it takes us from the microscopic to the infinite.
In the end, Kawabata doesn’t seem to interpret this eternal growth that we’ve historically sought (a biological tendency, given the parallels she draws?) as liberating, however. After so much advancement, development, and increases in complexity, the cell of humanity that felt so massive slowly fades into the distance. From this still point of view, it’s actually becoming smaller, trapped into an increasingly tiny dot that it can’t escape from—the point of permanence.
Just by checking out a few more offerings from those recent awards, one can find a few more interesting works; amusingly, that includes one with very similar traits to The Point of Permanence. HuaXu Yang’s Skinny World too draws parallels between the human body and society, specifically to cities, as two meticulously arranged systems of functions. Despite the complex imagery that gives form to those ideas, he’s able to evoke by subtraction and implication as well. This process results in a surprisingly aKarenble, surreal landscape that might leave you wondering if our society is merely replicating animalistic, fleshy behaviors. And if you’re not into this type of arthouse efforts that speak to the senses above all else, you can swing the other way around to Li Shuqin’s To the Moon and Back: an uncomplicated, honest story about processing grief at a point where you don’t quite know that feeling; only its pain, fresh and new.
It’s no surprise that many stories about loss are framed from the eyes of a child. It’s not simply due to those experiences being the ones that stick with us in the long run, but also because the lack of preconceptions about death allow us to explore it without the baggage that we inevitably accumulate later in life. It’s a vision of loss that doesn’t get diluted in thoughts about repercussions that we may not understand. And yet, it’s also materially tied to elements of that small world that surrounds us when we’re young, like a tadpole that we may have raised. What stood out the most about this short film was the creative choice to retain visible remnants of the previous frame when moving to the next one—an attempt to capture a feeling akin to paint-on-glass animation, which is also reminiscent of the marks left by the lives that have left us. Although not strictly autobiographical, it’s a very personal short film in a way that gets across clearly to the viewer.
If we started this corner by acknowledging the barriers of entry to independent animation on a material level, I want to let To the Moon and Back serve as an example that the idea that they’re inaccessible as art is silly. Inscrutable arthouse pieces do exist, and they can be an excellent way to free yourself from dogmatic beliefs about what storytelling should be like; and whether it’s even necessary to tell a story for art to be poignant, for that matter. But at the same time, many of these independent short films are simple, personal tales that resonate through honesty, that become memorable by choosing uniquely fitting styles and techniques that commercial animation would be afraid of. So leave those fears behind yourself and follow artists, keep an eye on festivals and specialized sites, or I don’t know, follow vtubers with a good eye for indie folks. That helps too.
Did you think those were all the animated works that stood out to us? Of course not
Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries is fundamentally great in ways that should surprise no one now that we’re halfway through its second season. The source material lures you in with a charming cast, whose antics and episodic mysteries are later used to assemble overarching puzzles. Although the scriptwriting ought to be a bit more confident in spots—the dialogue sometimes goes out of its way to reiterate clues—the actual plotting is bold and always very satisfying in retrospect. Our coverage of the first season highlighted those qualities, as well as the understated system of success they built for all directors to shine. Although that remains true, reckless scheduling has caught up to it; a less extreme case than the issues My Happy Marriage has gone through, though similar in nature. Their attempts to smooth over the troublesome schedule by dragging in a capable studio like C-Station to produce one in three episodes past a certain point led to notable results at first, yet gradually less consistent as they too got stuck in a cycle of crunch. Please give them props though, they’ve done more for the series than the credits convey! Great show, solid team, somewhat held back by inexcusable planning. As many other people, Hunter x Hunter 2011 was the TV series that helped me discover Yoshihiro Kanno’s animation. Ever since then, I’ve been following his career on and off, even in the types of shows that you wouldn’t expect from his reputation. For as much as I encourage everyone to broaden their understanding of artists, though, there’s no denying that Kanno shines best in action anime. His timing is forceful, but especially when he’s storyboarding as well, his setpieces have palpable flow. He has a tendency to overwhelm the screen through 2DFX and debris overload akin to the work Nozomu Abe, despite their stylizations being nothing alike. For starters, rather than aiming for Abe’s more picturesque sense of awe, Kanno uses those effects to indicate aspects like directionality; both in an objective way (where do the blows come from?) and subjective ones (how can we use elements like the direction of the rain to indicate a power imbalance?). This is all to say that I’m glad Solo Leveling fans seem to have realized how lucky they are to have him as an action director, because he deserves all the flowers. Although I was reluctant to get around to the third season of Re:Zero when it originally began its broadcast for reasons that now go without saying, I finally binged it in time to watch the final episodes as they aired. The series is in no position to compete with the seamless, immersive quality of the first season’s production, and having replaced series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário de caso a caso. Masaharu Watanabe also makes it struggle to reach the same heights of catharsis for its character beats—he operated on a different level of ambition. Although this results in a bit of a lesser season, I wouldn’t point at the new team (especially not with Haruka Sagawa as the new designer) so much as the arc itself being inherently less resonating; rather obviously so when its grand speech echoes one that carried more weight. It is, however, consistently entertaining to see every volcanic character in its world locked inside the same city after an exposition-heavy season. While Vincent Chansard’s transcendental draftsmanship understandably got the most applause, I’d point to Hamil’s constant appearances and the Archbishop of Lust’s morphing animation as the MVPs. The sequences where she unnaturally regenerates her body are not only technically impressive, but as unpleasant as she ought to be. While I didn’t get around to finishing the show, shout out to Shin Itagaki for his work on Okitsura. I’m not exactly surprised that his reputation among people who aren’t really in the know (or at least aware of his full resume) doesn’t match his ability, and a strangely crafted piece of Okinawa propaganda certainly won’t change that. All that said, I’m always happy to appreciate his work; the circumstances that surround him, though, not so much. His Teekyuu tenure proved that he could take the snappy timing that characterized his animation to the extreme, using posing alone to create an economical masterpiece. However, his eccentric artist blood has constantly pushed him in other directions. Even without citing the most controversial project he was tied to, shows like Kumo desu ga, Nani ka? showcased the type of volumetric ambition that a team like theirs simply couldn’t aspire to without crumbling… which is exactly what happened. Okitsura feels almost like an answer to that: occasionally built upon intricate character arc and bold framing, but willing to abbreviate the movement in classically Itagaki ways. In multiple ways, a romcom not quite like anything else. SK8 Extra Part was finally released a while back, living up to the promise of fun vignettes for the cast. Separated from the first season’s overarching narrative (though hinting at the direction that the sequel’s plot will likely take), those daily life moments range from worthy of a chuckle to very cute. While the ridiculous energy of the original show was its greatest asset, this OVA proves that some relationships have charming enough chemistry to still work in a more low-key situation. Here’s hoping that season 2 lives up to its predecessors, and that Hiroko Utsumi’s friends can show up like they did here. If you’ve been enjoying the combination of Gosho Aoyama‘s work with irreverent, Kanada-leaning animation in YAIBA, I’d strongly recommend watching episode #1155 of Detective Conan. Don’t let that large number scare you: it’s an original, ridiculous gag episode built entirely around the style of Hiroaki Takagi. Neither he nor the ex-Wanpack artists he surrounds himself with are newcomers to the series, but they rarely can go on a rampage with all limiters off in the way they did. The likes of Toshiyuki Sato appeared in the same way they’re doing for YAIBA; unsurprisingly, given that they both offer the possibility to have fun with pose-centric, loose animation. Convergent evolution within Aoyama series, I suppose. A good kind! Otona Precure—a series of spinoffs for the franchise both aimed and featuring adults—has been a mixed experiment. For its undeniable issues, ranging from certain Precure tropes feeling extraneous in this context to a subpar production, the 2023 series Kibou no Chikara was ambitious as well as angry in amusing ways. While I can’t say the same thing about Mirai Days, as it was a more straightforward sequel to Mahoutsukai Precure without much to state, it allowed Yuu Yoshiyama to go more ballistic than ever in the franchise. As the lead animator with a hand in every single highlight, be it from intervening in every step of the process to becoming a link with very interesting guest animators, Yoshiyama elevated Mirai Days’ experience way above what you’d expect from it on paper. What would happen if the Precure grew older? Kibou no Chikara’s answer was about time, the changes in our planet, and adult preoccupations. Yoshiyama delivers a more straightforward answer: they would punch damn hard, because magical girls are cool as hell sometimes. Since we published a lengthy piece about Kenji Nakamura’s entire career not long ago, I didn’t feel the need to talk about the Mononoke movies again; especially not given that they’re meant to be a trilogy which is yet to be completed. That said, the second film led by Nakamura and his right-hand man Kiyotaka Suzuki was recently released in theaters, so I simply want to issue the periodic reminder that you should check out the series. As unique as commercial anime gets, and by comparing each instance of it, a fascinating illustration of Nakamura’s constant evolution.
This has been quite the multi-part marathon about animation we published today, so we’ll be wrapping up here. And remember, if a work that resonated with you strongly wasn’t mentioned here, that must be considered a personal attack that invalidates you and the personality you wrote around a piece of fiction. Or perhaps that’s not how it works and fandom spaces are poisonous, who can tell! For as many things we try to keep track of with a rather omnivorous diet, it’s impossible to watch everything—and it would simply be disingenuous to fake interest in works that haven’t piqued our curiosity.
As always though, feel free to ask about anything else… unless it’s about a certain famous fighter who recently became a kid (again) or a group of dramatic girls who confused bands for therapists, since there are already drafts written for those. I didn’t go insane watching Ave Mujica just to bottle up those feelings, even if that would be very in-character for the series.
I know I said I would leave the raving about Ave Mujica for another day, but can you believe that one of the outstanding music videos they released during its broadcast was produced by Saho Nanjo’s usual team? Featuring the likes of Setsuka Kawahara in charge of the watercolor and sand animation, Haruka Teramoto in charge of the CG and photogrammetry, Kana Shmizu for its photomontages of nightmarish longing hands. Just a few months ago, I pointed at them as one of my coolest creator discoveries in recent times, and here they are in the (so far) series I’ve enjoyed the most in 2025. Nanjo & co have the radical edge (and unconventional choices of technique) you’d associate with avant-garde animation, but also the ability to adapt and capture specific moots that makes them a viable option for commercial, narrative works. They sublimated the band’s gothic aesthetic and the fact that these girls are often more emotion than person into an incredible expressionistic work of animation.
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