Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje estou olhando para talvez o primeiro dia claro do ano novo, uma visão que talvez me inspirasse a levantar a cabeça e ir curtir um pouco da natureza, se não estivesse também vinte malditos graus lá fora. Em vez disso, provavelmente ficarei em segurança em casa e tocarei um monte de Metaphor: Refantazio, que conseguiu herdar a capacidade de seus irmãos Persona de assumir totalmente o controle da minha vida. Sério, temos cronômetros funcionando para garantir que todos recebam uma parcela igual de Metáfora, é uma bagunça absoluta aqui. De qualquer forma, com cronômetros de duas horas separando as sessões de jogo do Metaphor, também encontrei tempo para muitos filmes. Vamos decompô-los!
Esta semana tivemos duas produções recentes de filmagens encontradas, enquanto eu exibia Horror no Alto Deserto e sua sequência Minerva em rápida sucessão. Escritos, dirigidos e produzidos por Dutch Marich, os filmes combinam imagens falsas de documentários significativos com uma dose do estilo tradicional de “câmeras tropeçando no escuro”, mapeando o desaparecimento de várias pessoas no deserto alto e ameaçador de Nevada, e suas famílias e esforços subsequentes das comunidades para recuperá-los.
Leva um pouco de tempo para que os filmes de Marich lancem seu encanto. Embora incorporem uma variedade de supostas fontes primárias, há pouco do terror cósmico que mantém a tensão em um filme como Noroi; a maioria desses filmes é composta por entrevistas com familiares ou testemunhas, e essas entrevistas podem ser um pouco repetitivas, enquanto o primeiro filme em particular pode ser um pouco desajeitado em suas implicações de ameaças potenciais (“quem sabe o que alguém pode fazer com ele?” seguido por um corte violento em uma arma voltada para a câmera, etc.). E as sequências reais de imagens encontradas que servem como clímax de cada filme implicam muito mais do que mostram; fantasmas no escuro, figuras estranhas à distância e talvez um breve vislumbre de um rosto distorcido e ameaçador.
Claro, o horror através da implicação, o horror que existe um pouco além da fronteira da nossa compreensão, todas essas coisas são absolutamente catnip para mim. Depois que me acostumei com o estilo de Marich, fiquei encantado com o que parecia ser o equivalente mais próximo de um filme como Picnic at Hanging Rock, ou uma história como The Willows. Minhas histórias de terror favoritas baseiam-se em um medo que não pode ser tornado tangível, uma garantia primordial de que existem forças neste mundo além da nossa compreensão ou controle, e que tais forças se tornam aparentes apenas através de encontros inexplicáveis e fragmentários que a maioria dos indivíduos de mente sensata faria. rir como o trabalho de imaginações hiperativas.
Repetidamente, os filmes de Marich se estendem em direção a esse ideal obscuro, oferecendo conjecturas e ambiguidade visual suficientes para sugerir que existe um mundo além das dunas e que não somos bem-vindos nele. Desde The Blair Witch Project até Savagelands, os melhores projetos de filmagem encontrados tendem a se encaixar perfeitamente nas tradições da Weird Fiction, oferecendo graves implicações e poucas respostas. Filmes como esses deixam o espectador sem outro recurso a não ser trancar as portas e observar o horizonte, rezando apenas para que o mundo guarde seus segredos obscuros.
Depois verificamos Um Milhão de Anos. BC, uma produção Hammer de 66 dirigida por Don Chaffey, que também liderou Jasão e os Argonautas e muitos outros filmes de fantasia. John Richardson estrela como Tumak, um homem das cavernas da Tribo Rock de cabelos escuros, que é banido por seu pai Ahkoba após uma briga por causa de um pouco de carne de javali. Viajando pelos desertos implacáveis, Tumak é eventualmente descoberto e salvo por Loana (Raquel Welch), ela da tribo Babe de cabelos louros (ok, na verdade é a tribo Shell). Os dois se unem em uma série de aventuras discordantes envolvendo ataques de dinossauros, erupções vulcânicas e disputas de liderança em ambas as tribos.
Um remake de um filme de 1940, Um milhão de anos a.C. realmente não oferece muito em termos de drama narrativo, já que seus personagens são incapazes de usar qualquer palavra além de seus próprios nomes. O que ele oferece, e em abundância, são precisamente duas quantidades: dinossauros vívidos em stop-motion, cortesia de Ray Harryhausen, e Raquel Welch em um biquíni justo de homem das cavernas. Dos dois, na verdade acho que Welch fornece o legado mais duradouro; seu cabelo totalmente impróprio para a época (mas obviamente fabuloso) aparentemente estabeleceu o padrão para futuras interpretações do arquétipo do bebê das cavernas, sua influência é clara em propriedades que vão de Futurama a Chrono Trigger. Caramba, mesmo aquela batida inevitável de “os pterodáctilos roubaram uma donzela para alimentar seus filhotes” parece ter sua gênese aqui, com tanto os pterodáctilos quanto a donzela atuando no topo de seu jogo. Dinossauros de Harryhausen em combate com uma das mulheres mais bonitas da história – posso entender por que gerações de nerds gravaram este filme em seus subconscientes.
Nossa próxima exibição foi Lobisomens, um recente filme de ação e terror que, muito parecido com Moonfall de Roland Emmerich, tem a coragem de perguntar “e se a lua nos odiasse e nos quisesse mortos?” Neste caso, esse ódio é expresso através de uma onda de licantropia inspirada na superlua, em que qualquer pessoa que seja diretamente exposta aos nocivos raios lunares da lua é transformada em um lobisomem. Um ano após o primeiro caso desse fenômeno peludo, a humanidade está atualmente se preparando para a segunda noite de caprichos dos lobisomens, empregando novas defesas como o “protetor solar lunar” e um gigantesco bloqueio da lua celestial.
Apesar da minha aparente incapacidade de levar essa premissa a sério, na verdade gostei bastante da abordagem do filme sobre a licantropia sendo contraída pelo contato com a lua, em vez de por mordidas, o que facilitou uma variedade de cenários mecânicos tensos. Com todos trancados dentro de casa e lobisomens vagando pelas ruas, o filme é exatamente como “Dog Soldiers x The Purge”, até mesmo com a estrela de Purge 2/3, Frank Grillo, desempenhando exatamente o mesmo papel de herói de fala dura aqui. Entre esses papéis e Boss Level, fica claro que Grillo entende sua casa do leme: servir como avatar do jogador em filmes concebidos como videogames, completos com muitos tiroteios, ênfase na superação de riscos ambientais e uma superabundância de machismo piegas. Levarei meus lobisomens práticos, cuidadosamente projetados, onde puder encontrá-los; o jogo começou, Grillo.
O último da semana foi Top Hat, uma comédia musical de 35 estrelada por Fred Astaire como Jerry Travers, um sapateador americano que viaja a Londres para se apresentar no show de seu amigo Horace. Hardwick (Edward Everett Horton). Lá, ele conhece e fica imediatamente deslumbrado com Dale Tremont (Ginger Rogers), uma jovem que viaja na companhia e elegância do designer italiano Alberto Beddini (Erik Rhodes). Os dois rapidamente se deram bem, mas o namoro deles chega a um obstáculo quando Dale é erroneamente convencido de que Jerry é na verdade seu amigo Horace e, portanto, um traiçoeiro traidor com sua esposa Madge (Helen Broderick).
Cartola é tão efervescente quanto a melhor das comédias malucas, seus personagens trocando farpas espirituosas e passando por mal-entendidos antes de se acomodarem graciosamente em números de dança charmosos e icônicos, como o frequentemente referenciado “Bochecha com bochecha.” Astaire e Rogers possuem uma química fácil dentro e fora da pista de dança que Hollywood conseguiu transformar em dez filmes de romance de sapateado, e o próprio Astaire é um mestre tanto no virtuosismo do sapateado quanto na comédia física. Fiquei particularmente impressionado com o quão bem ele aguenta um tapa; há uma arte em ser espancado comicamente e, com Astaire, você pode praticamente ouvir o efeito sonoro “boi-oi-oing” quando sua bochecha estala e sua mandíbula dá um passeio.
Deixando de lado a propensão de Astaire para a violência cômica , Cartola está absolutamente repleto de personagens cativantes, piadas memoráveis e números de dança impressionantes. Helen Broderick regularmente rouba a cena como a esposa sofredora de Hardwick, que recebe a notícia de que seu marido está jogando em campo com fatigada indiferença, e que em um momento memorável aparece (pelo menos da perspectiva de Dale) para cafetinar Astaire alegremente para o apreciação de todos na companhia. O filme leva um momento para colocar suas engrenagens em movimento, mas logo está correndo junto com o mesmo ímpeto cômico de Bringing Up Baby ou It Happened One Night, enquanto Astaire dança em uma tempestade confusamente graciosa. Um filme obviamente imperdível.
