Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje escrevo para vocês no meio de mais um dia frio e sombrio de dezembro, enquanto me pergunto por que exatamente escolhemos terminar o ano no final de um mês tão miserável. Como devemos nos sentir otimistas em relação ao ano novo no final da porra de dezembro, quando o frio já penetrou fundo em nossos ossos e a promessa da primavera ainda está a vários meses brutais de distância? Francamente, eu preferiria que percorrêssemos continuamente um circuito de abril a setembro, sem nenhuma ameaça de clima frio pairando sobre nós e com a promessa de um verão fresco a apenas alguns meses de distância. É claro que eu sentiria falta do Halloween, mas talvez pudéssemos adiar isso um mês e fazer com que ele servisse como o final de setembro – quero dizer, não é como se setembro tivesse mais alguma coisa a ver com seu tempo.
De qualquer forma, onde estávamos? Ah, sim, a Semana em Revista. Vamos analisar alguns filmes!
O primeiro desta semana foi Broken Arrow, um longa-metragem de John Woo dos anos 90, estrelado por Christian Slater e John Travolta como pilotos da Força Aérea encarregados de pilotar duas armas nucleares em um exercício furtivo no meio-oeste. No entanto, depois de atacar seu copiloto durante o vôo, logo se torna óbvio que Travolta planeja usar as armas nucleares como alavanca para extrair um resgate do governo. Com apenas um guarda-florestal local para apoiá-lo, Slater precisará caçar o grupo de Travolta e recuperar as armas nucleares, ou correrá o risco de inundar a região com radiação nuclear.
Lançou três anos após sua descoberta americana Hard Target, e apenas um ano antes do incomparável Face/Off, Broken Arrow vê Woo no comando confiante de um estilo de ação de Hollywood eminentemente dos anos 90, o tipo de thrillers de ação tangencialmente políticos tipificados por filmes como Força Aérea Um ou Perigo claro e presente. É também sua primeira colaboração com John Travolta, cuja abordagem maximalista e alegremente caricatural da vilania se mostraria um ajuste perfeito para o estilo teatral de Woo. Não é de admirar que Face/Off tenha se tornado um favorito tão duradouro – Woo é um dos únicos diretores cujo estilo combina com Travolta e Cage em sua forma mais livre, ecoando através de movimentos de câmera e coreografias de luta exuberantes, os músculos tensos e os olhos esbugalhados dos atores mais talentosos de Hollywood. protagonistas apreciativos do kabuki.
Travolta é claramente a estrela aqui, com o carisma morno de Slater e a química duvidosa com a heroína Samantha Mathis se mostra incapaz de comandar a tela da mesma forma. Felizmente, embora as vistas intercambiáveis do deserto e a falta de propulsão cena a cena sugem um pouco de energia, ainda existem cenários de ação construídos dinamicamente suficientes (batalha de helicóptero! Perseguição de Humvee! Assalto de trem!) Para manter as coisas envolventes, e Travolta mantém aquele entusiasmo deliciosamente maníaco do início ao fim. Um Woo não essencial (tente Hard Boiled ou A Better Tomorrow se quiser vê-lo no seu melhor), mas não indesejável.
O próximo dia de Ação de Graças, Eli Roth completo Expansão de longa duração do slasher com tema natalino que ele provocou durante os falsos trailers que acompanham Tarantino e Rodriguez’s Grindhouse. Depois de uma liquidação pré-Black Friday no dia de Ação de Graças resultar em uma debandada de compradores e várias mortes, o filme nos coloca um ano depois, com as crianças que acidentalmente instigaram o motim agora na mira de algum vingador violento. Como os vários culpados são assassinados de diversas maneiras horríveis, os sobreviventes restantes terão que se unir e caçar o assassino, ou correrão o risco de se tornarem os últimos itens do cardápio.
Honestamente, estou principalmente surpreso que este filme não tenha sido produzido antes. Não, quer saber, entendi-os slashers tradicionais estavam bem fora de moda na época em que Grindhouse foi lançado, com até mesmo riffs de slasher autoconscientes como Scream começando a perder força. Esta foi a era de Saw and Hostel, filmes que dispensavam as configurações suburbanas e o campo inerente de slashers para fornecer violência crua e feia, sem filtro ou espaço para respirar. Para ser honesto, foi uma época sombria para o gênero.
Bem, agora ressurgimos na gloriosa luz do sol dos revivals de slasher, que se encaixam confortavelmente ao lado dos chamados recursos de “horror de prestígio” desta época para fornecer um ecossistema de filmes de terror totalmente saudável. Como tal, há novamente uma demanda de mercado por um retrocesso alegre como o Dia de Ação de Graças, que oferece um assassino mascarado distinto, uma variedade de pistas falsas e uma coleção de cenas de morte inventivamente desagradáveis. Grande uso de serras e fornos industriais neste filme, e posso presumir que sua reação ao filme em geral dependerá inteiramente de isso parecer excitante ou revoltante para você.
Em seguida, viajamos para Ong-Bak. 3, que conclui o drama histórico de fantasia iniciado por seu antecessor. Embora esta sequência dispense as divagações narrativas emaranhadas que drenaram o ímpeto dramático de seu antecessor, infelizmente não é mais eficaz como filme. Despojado das traições e contratraições de Ong-Bak 2, fica ainda mais claro que a estrutura fundamental do filme não é realmente funcional. Não há tecido conjuntivo aqui; simplesmente uma procissão de “por que não tentamos essa ideia” desvia, reforçada com floreios de coreografias de luta deslumbrantes.
Depois de passar o filme seguinte tentando se vingar de Lord Rajasena, o assassino de ambos os seus originais e famílias adotivas, Tony Jaa abre este filme acorrentado, olhando furioso para seu odiado opressor. Seus ossos estão quebrados e seu corpo aleijado, forçando-o a passar a primeira metade do filme se recuperando e aprendendo a incorporar fluidez em seu estilo de combate. Por fim, ele ganha a força necessária para derrotar seu inimigo-apenas para descobrir que Rajasena já foi derrotado em outro lugar, por um lutador místico que Jaa conheceu apenas brevemente. Ong-Bak 3, portanto, corta sua própria cabeça antes do clímax, roubando de Jaa e do público a óbvia conclusão pretendida desta trilogia e substituindo-a por uma batalha que provavelmente deve ter soado mais legal durante as revisões do roteiro. O resultado final é tão desajeitado quanto parece, deixando esta trilogia como um grande filme seguido por duas aventuras inchadas e sem foco com cenas de luta inegavelmente ótimas.
Concluí a semana acompanhando minha exibição do Trigun original série com Trigun: Badlands Rumble, uma produção Madhouse de 2010 dirigida pelo diretor da série original Satoshi Nishimura. O filme oferece uma aventura independente com todos os personagens principais originais, enquanto Vash é forçado a enfrentar o rancor de vinte anos do fora-da-lei Gasback. Cidades serão ameaçadas, armas serão disparadas e Vash inevitavelmente ensinará a todos uma lição valiosa sobre violência, amizade ou algo assim.
Trigun é uma escolha natural para esse tipo de arco suplementar de filme, já que até o drama da série original era principalmente uma série de fábulas episódicas do oeste selvagem com conclusões morais melancólicas. E também é muito bom ver esses personagens realizados em uma animação tão fluida, embora, para ser totalmente honesto, eu na verdade preferisse a sujeira tátil da animação cel da série original, onde até mesmo as limitações da animação pareciam uma contribuição significativa para o show. estética desgastada pela batalha. Mas a principal limitação de Badlands Rumble é, infelizmente, o seu enredo; o fora-da-lei Gasback é um personagem totalmente monótono e totalmente antipático, o que significa que a história deste filme é na verdade menos realizada ou emocionalmente ressonante do que muitas das escapadas de vinte minutos do original.
Isso não quer dizer que o Trigun original foi um repositório de questões morais perspicazes, mas foi pelo menos uma tentativa, construindo dinâmicas ambíguas e dramas familiares que forçaram Vash a questionar quem estava realmente certo. Infelizmente, toda a motivação de Gasback é “minha equipe me traiu porque queria realmente ganhar dinheiro com assaltos, em vez de roubar apenas por amor ao jogo”, e essa é a motivação que deveria gerar o ressentimento de um filme inteiro, vingança e reconciliação final com a filha que ele abandonou. O tempero especial de Trigun é sua capacidade de evocar melancolia genuína em relação à inevitabilidade do conflito e da tragédia de nossa natureza violenta – na ausência de um antagonista que de alguma forma apoie tal leitura, Badlands Rumble não passa de uma trilha rotativa de gritos e tiros.
