Oshi no Ko S2 teve que navegar por águas complicadas para poder animar uma peça de teatro com o tipo de autenticidade que o material original não alcançava. Isto reforçou a mensagem a favor da especificidade do meio e partilhou a sua paixão contagiante por diferentes formas de arte, ao mesmo tempo que deu mais poder aos momentos de intensidade emocional abstraídos em animação inventiva.
A segunda temporada de Oshi no Ko começa com um único golpe perfeitamente estático que dura 3 minutos. O corte médio de um anime dura cerca de 3 segundos e, embora essa seja uma característica muito situacional, você dificilmente o verá atingir uma fração dessa duração. Diferentes abordagens de direção, conteúdo que se beneficia de cortes específicos e até mesmo escolhas tecnológicas podem influenciar, mas isso é tudo uma estimativa que esta cena inicial passa sem cerimônia. Dentro do paradigma tradicional da anime, um corte extraordinariamente longo e com movimento constante pode tornar-se uma proposta de pesadelo para a equipa de produção; e se você segurar uma cena para uma sequência imóvel e silenciosa, também correrá o risco de desviar o envolvimento do público. O que quer dizer: se você escolher essa abordagem, é porque você realmente pretende fazer uma declaração com ela.
Acontece que esse é exatamente o tipo de conteúdo prolixo que Oshi no Ko S2 se abre, bem como a intenção por trás disso. O público que retorna não é recebido com um gancho imediatamente emocionante, nem com uma sequência cronológica de eventos. Em vez disso, o espetáculo força seus espectadores a se sentarem entre o público em um teatro, desenrolando lentamente a peça teatral 2.5D que o elenco está ensaiando como se você estivesse lá. Para uma adaptação animada que começou com um episódio gigante excepcional de 90 minutos para maximizar seu impacto emocional, investir em uma introdução tão seca e original à sequência parece ousado a partir de um vetor totalmente diferente. E, no entanto, é igualmente fácil de compreender: para reforçar os temas desta temporada, a equipa achou por bem conhecer mais profundamente o público e, se possível, investir no meio artístico que irá desafiar o seu elenco.
Em sua essência, Oshi no Ko é uma novela suculenta que se cruza com uma história sobre a complicada dinâmica da produção de arte comercial vista de dentro, e este arco em particular apresenta o último lado em sua forma mais nítida. Não contente com uma representação direta do já sólido material de origem, porém, esta adaptação tenta incorporar a mensagem que prega através da sua arte. Ele faz isso de uma forma complexa e cheia de nuances que evita os dogmatismos da indústria e vai além de apenas aproveitar os pontos fortes da animação e do som-o que também acontece, espetacularmente em explosões. Tudo o que o mangá original pode evocar e deixar você curioso, o anime quer que você experimente mais diretamente.
Lembre-se, o comentário no material original de Oshi no Ko já é sustentado por uma mistura saudável de pesquisa e experiência pessoal, o que lhe rendeu uma reputação positiva entre profissionais envolvidos em círculos semelhantes. No entanto, ser apoiado pelo conhecimento sobre uma forma de arte não significa necessariamente que você transmitirá seu apelo de uma forma emocionalmente convincente e contagiante; ao ouvir os personagens falarem sobre essas performances no mangá, você pode entender logicamente por que eles gostariam delas, mas é o anime que dá o próximo passo para fazer você sentir que também pode amá-los. A série sempre fez um bom trabalho ao incorporar informações sobre as indústrias do entretenimento em uma história maior que explora trabalhos como atuação de uma perspectiva mais conceitual, e o giro interessante desta adaptação de um ângulo mais material torna-se o tecido conjuntivo perfeito entre esses lados.
Este aspecto da série não é necessariamente ditado por prioridades ou habilidades; assim como predica Oshi no Ko, as características de cada formato também são um fator importante. Por simplesmente ter mais espaço à sua disposição do que os capítulos mais curtos do mangá, bem como um conjunto de ferramentas mais compatível com o teatro, uma adaptação animada – pelo menos uma que esteja tão comprometida com os temas da obra – tem mais facilidade em ajudar o público. compreenda o apelo desta peça de teatro 2.5D. Da mesma forma que Akane arrastou Aqua para uma performance que incorporava o potencial dessas produções, a equipe de Oshi no Ko imediatamente força os espectadores a se sentarem no próprio teatro para aclimatá-los, e então passa a retratar tanto as complexidades do meio quanto a peça. com muito mais detalhes.
Ao mesmo tempo, porém, esse aumento no foco em um dos aspectos desse arco exigia ser tratado com cuidado. Em entrevista para a edição 2407 da revista anan, diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como um tomador de decisões criativo e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Daisuke Hiramaki aludiu às qualidades inerentes ao anime que os convidaram a explorar a peça Tokyo Blade (e, portanto, o teatro como um todo) de uma forma muito mais profunda do que o material de origem, mas também alertou sobre os perigos de ir também longe disso; concentre-se demais nisso e, em algum momento, ela simplesmente se tornará uma peça de teatro animada que pode perder os outros pontos de apelo da série.
Oshi no Ko tem sucesso como uma rápida virada de página devido aos seus vários tópicos. – suspense, comédia romântica, comentários da indústria, declarações temáticas – não atrapalhem muito uns aos outros. Na melhor das hipóteses, eles se alimentam lindamente; basta olhar para a capacidade deste arco de derivar sua posição sobre diferentes formas de arte a partir de suas observações sobre a dinâmica da indústria da vida real, ou como as batidas de seu personagem andam de mãos dadas com a história fundamentada sobre atuação. Para evitar desestabilizar a fórmula que funcionou originalmente, a solução apresentou-se tão clara quanto difícil de implementar: promover aquele tipo de sinergia que já existe neste arco. O que significa que eles tentariam combinar os sentimentos dos atores e dos personagens que eles interpretam em maior medida do que o material original, pois isso justificaria imediatamente focar mais na peça. Se o seu retrato intrincado de um tipo específico de teatro reforça seus temas e pode se transformar em uma muleta para a escrita do personagem, gastar energia ali não diluirá nenhum outro apelo da série. Essa é a mentalidade que motivou a abordagem desta equipe e uma grande razão por trás de seu sucesso.
Embora esta peça se concentre principalmente nos episódios que cobrem a peça em si, muitas escolhas criativas feitas ali são melhor compreendidas no contexto da peça. a produção como um todo. E a esse respeito, uma ideia importante a ser entendida de antemão é que Oshi no Ko foi projetado para ser um megahit, mas não foi concedido as circunstâncias que levariam a isso de maneira um tanto suave. Claro, ele atingiu seu objetivo elevado imediatamente após a chegada, mas tudo isso graças ao impacto do material de origem, ao planejamento inteligente especificamente do lado do criador e a uma coleção de indivíduos que permitiram que ele superasse seu peso. Desde então, Oshi no Ko continuou a crescer e a situação no estúdio, por outro lado, ficou ainda mais apertada. Por mais que haja amor em muitas pessoas que trabalham no estúdio Dogakobo, como empresa, elas sistematicamente falharam em capitalizar sua marca estabelecida e a enorme popularidade de alguns de seus trabalhos; se tivessem conseguido isso corretamente, poderiam não ter sido adquiridos pela Kadokawa recentemente e, mais importante, não teriam se tornado uma linha de montagem de ritmo implacável.
Embora seus 3-5 grandes projetos por ano não o façam. Apesar de parecer uma carga de trabalho tão assustadora quanto as fábricas exploradoras mais infames da indústria de anime, Dogakobo é relativamente pequena em comparação com elas. Especialmente nos últimos anos, as suas linhas de produção também se concentraram, o que significa que certas equipas ficam presas num ciclo interminável de prazos apertados. Isso é verdade para a equipe por trás de Oshi no Ko, que não está apenas reservada para esta série popular no futuro próximo, mas também se sobrepõe fortemente a outros títulos. O exemplo mais evidente nesta mesma temporada é Alya às vezes esconde seus sentimentos em russo, também conhecido como Roshidere. Essa adaptação, também liderada pelo produtor de Oshi no Ko, Ryo Kobayashi, compartilha uma parte considerável de sua equipe com os projetos vizinhos; grande parte de sua equipe de direção vem da primeira temporada de Oshi no Ko e, em alguns casos, as pessoas nessas funções tiveram que conciliar os dois projetos para a sequência. Indivíduos-chave em funções criativas e de gerenciamento foram colocados em situações semelhantes, e todo o estúdio ficou tenso.
Embora eles não fossem destinados a se sobrepor em sua transmissão, Roshidere encontrou um obstáculo nada surpreendente no caminho, dado que esse planejamento imprudente e, portanto, foi adiado por 3 meses-o que significa que acontece que vai ao ar consecutivamente com Oshi no Ko agora. Isso é, por si só, uma mera trivialidade; na verdade, as pessoas da equipe se divertem com o fato de serem transmitidos na mesma estação de TV, um após o outro, apelidando-o de Super Dogakobo Time. A transmissão sequencial dos terceiros episódios de ambos os programas compartilhando o mesmo storyboarder e diretor (ajudada por pessoas semelhantes também em tarefas importantes de animação ) é tecnicamente uma coincidência, mas o fato é que os dois projetos foram programados de forma imprudente, com muito pouco tempo entre eles. À medida que alguém começou a tropeçar, seus dois cronogramas se alinharam cada vez mais, colocando Oshi no Ko também em perigo.
O a capacidade de certos assistentes de produção de fazer malabarismos com episódios de ambos os programas ao mesmo tempo é realmente digna de elogios, mas isso não significa que eles devam ser testados de forma tão estressante; francamente, a produção do sexto episódio de sua série de alto nível nunca deve se sobrepor fortemente ao oitavo de uma série que já deveria ter sido totalmente transmitida até então. O que é isso que você diz, um atraso no episódio de Oshi no Ko também? Quem poderia esperar isso?
A abertura de Roshidere tem a maior concentração de funcionários de Oshi no Ko e é reconhecidamente excelente.
Dadas essas circunstâncias nada ideais e o desejo da adaptação de ser transformadora de qualquer maneira, a equipe por trás do anime teve que confiar em seus velhos truques. O primeiro deles, e sem dúvida o mais importante, pode muito bem ser um código de trapaça – um que você pode conhecer como kappe, que significa designer de personagens e líder de animação Kanna Hirayama. Ao relembrar seu trabalho na primeira temporada para a já citada edição de anan, kappe admitiu que não estava fazendo o que se espera de seu papel; afinal, um designer de animação tem como objetivo simplificar os conceitos para que toda a equipe tenha mais facilidade, fornecendo formulários mais adequados para movimentação para começar. Embora a consciência de kappe como animadora a tenha ajudado a realizar essa última parte, ela também se recusou terminantemente a diminuir o nível de detalhe visto no trabalho original. Na verdade, seu trabalho artístico contém mais calorias do que o trabalho de Mengo Yokoyari, que ela tanto admira.
Por que fazer isso, então? Se você perguntar a ela – e eu digo isso porque as pessoas fizeram isso – ela dirá com um sorriso que é porque ela é uma nerd, então ela quer preservar o apelo do material original como está. Em termos menos cômicos, isso significa que seu trabalho artístico pretende imbuir os personagens com o carisma visual que artistas talentosos devem ter. Como os fãs bem sabem, Oshi no Ko possui mecanismos para indicar essa presença única, mais notoriamente os olhos de estrela que indivíduos particularmente especiais recebem. Embora devam ser cuidadosamente implantados, a abordagem de Kappe fornece uma base de impacto visual para todo o elenco. E, sempre que necessário, ela pode elevar esse padrão a níveis de detalhes surpreendentes e francamente esmagadores; ecoando diretamente a ideia da série de que algumas estrelas brilham demais para serem encaradas.
Isso é tudo é mais fácil falar do que fazer, é claro. Se “apenas desenhar obras de arte mais detalhadas” fosse realmente uma solução viável, as produções modernas de anime não se estrangulariam regularmente por ambições equivocadas que não conseguem suportar. Mesmo que a atenção do kappe às suas partes móveis signifique que os personagens de Oshi no Ko podem realmente se mover, o que você não pode considerar garantido com designs excessivamente detalhados, ainda há o grande problema de ter que desenhá-los. Felizmente, é aqui que as habilidades verdadeiramente excepcionais de Kappe podem ser exibidas, como indiscutivelmente o supervisor mais rápido entre o escalão superior do anime de TV.
No que diz respeito a ela, é seu dever participar de cada cena para ela. shows, algo que ela continua a realizar apesar de sua agenda lotada. No caso de Oshi no Ko, isso significa que sempre que ela não estiver atuando como diretora de animação ou como chefe, ela passa para um papel de supervisão de personagem acima deles-algo que ainda envolve redesenhos completos. E, na hora de comandar a animação, seu meticulosidade também não termina aí. Um aspecto central na produção da adaptação de Look Back de Kiyotaka Oshiyama foi sua insatisfação com o tratamento das linhas traçadas pelos principais animadores dentro dos fluxos atuais do anime. Em vez de formular uma forma alternativa de criar anime, artistas igualmente descontentes como kappe optam por enfrentar os problemas; se a nuance de suas falas se perder durante o processo de traçado e intermediário, então ela mesma fará isso, como de fato faz em momentos importantes desta série. Dada a sua total falta de contenção, eu não ficaria muito surpreso se ela começasse a pintá-los também.
Embora a presença extraordinária de kappe não tenha diminuído nem um pouco desde a primeira temporada, o cronograma de produção cada vez mais conturbado exigiu alguns ajustes. Desta vez, eles optaram por uma formação mais focada de diretores-chefes de animação para acompanhá-la; embora outros tenham contribuído para o papel aqui e ali, foram Satomi Watanabe e Honoka Yokoyama que cuidaram da maior parte do show ao lado de kappe, especialmente sempre que algo importante acontecia. Apesar do risco óbvio de concentrar a carga de trabalho em menos mãos, confiá-la a indivíduos que provaram ser especialmente compatíveis com o estilo complexo do kappe valeu a pena.
Isso é um sucesso não apenas na execução, mas na identificação deles para iniciantes. Watanabe é a mais veterana entre eles, uma designer de personagens com um estilo distinto que qualquer fã de Aikatsu seria capaz de captar de olhos fechados. Embora ela seja um talento em ascensão, Yokoyama já se destacou como talvez a artista mais interessante no final da produção de Kaguya-sama; um toque particularmente suave e uma destreza que a leva a ser encarregada de todo o tipo de tarefas diversas de animação, sempre que os projetos em que está envolvida exigem um estilo artístico alternativo. E, no entanto, apesar de esses dois terem vozes distintas que não se pareciam muito com as de Kappe, eles se transformaram em seus melhores aliados.
Nesse sentido, também ajudou o fato de ela ter tido um impacto francamente chocante na vida de Dogakobo. juventude. O estúdio tem uma história notável quando se trata de animações animadas e divertidas de personagens, que perdurou mesmo quando os indivíduos mais reconhecidos que incorporavam essa abordagem deixaram a empresa. O estilo permeou os ossos do estúdio e perdura mesmo em lugares que você não esperaria – a animação de Roshidere coloca um cosplay de anime MTK regularmente por um motivo – graças a mecanismos como sua equipe de treinamento de animação de projeto cruzado. No entanto, é um freelancer como Kappe que seus animadores emergentes mais admiram no momento, o artista que eles moldam seu estilo de maneiras óbvias. Embora haja risco em admirar um indivíduo cujo estilo só é alcançável graças à sua velocidade incomparável, certamente ajuda ter um exército crescente de seguidores se desenvolvendo entre as temporadas de Oshi no Ko.
Obrigado a todos. isso, a adaptação é capaz de manter uma aparência consistentemente impressionante, apesar da necessidade de ser econômica no que diz respeito à animação em si. Este impacto visual inerente é ainda reforçado pela utilização da cor, também destacada pelos responsáveis desta produção como um aspecto fundamental. As ilustrações originais de Oshi no Ko misturam cuidadosamente cores que você não necessariamente veria juntas de uma forma que força você a olhar na direção delas, com nomes como Ai e Ruby sendo sinais de neon exigindo a atenção do mundo. Embora a necessidade do anime de retratar um mundo maior exija mais coesão, eles não queriam perder esse aspecto-por mais que a sabedoria convencional lhes dissesse.
Como um meio de escapar das cores excêntricas necessárias para retratam suas estrelas e também para reforçar a direção, a equipe construiu sua narrativa em torno do papel pouco ortodoxo (embora cada vez menos) dos roteiros coloridos. Ao confiar estas primeiras representações de momentos cruciais em cada episódio aos seus diretores mais evocativos, eles foram capazes de preservar o impacto visual do material de origem sem destruir a ilusão do seu mundo. Superficialmente, Oshi no Ko é um sucesso comercial de anime perfeitamente comum, mas diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Hiramaki sempre fala sobre como evitar as armadilhas do bom senso. A paleta da série às vezes pode parecer bizarra e excessivamente complicada no vácuo, mas eles fizeram as peças se encaixarem perfeitamente. Projetos tão densos quanto os de kappe fariam a maioria das produções falhar e custariam menos movimento, mas eles têm as ferramentas para fazer isso funcionar aqui, e isso atende diretamente à necessidade de fazer as estrelas brilharem. É tudo uma questão de encontrar a solução que se adapta aos temas do seu trabalho e leva em conta as suas limitações específicas, e foi isso que esta equipe fez.
Essa interessante luta com as limitações do projeto pode ser apreciada desde o primeiro episódio de temporada 2. Oshi no Ko # 12 não exibe o mesmo tipo de animação extravagante que foi espalhada por todo o colossal primeiro episódio da série. Também não apresenta o tipo de cena comovente que permitiria uma tentativa de combinar as tomadas emotivas daquele primeiro clímax. No entanto, ainda parece impressionantemente organizado por ser inteiramente supervisionado por kappe-tecnicamente o primeiro episódio completo em que isso aconteceu, embora seja mais uma coincidência divertida para um workaholic. Dito isso, sua verdadeira estrela é o diretor, storyboarder e parte do roteirista Kuniyasu Nishina, que também foi promovido ao papel de assistente de direção da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável de toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. para esta temporada.
A ascensão de Nishina foi fortemente prenunciada, como essencialmente o único diretor de episódio na primeira temporada que teve permissão para se intrometer nessas tarefas de cores tão importantes; um trabalho que de outra forma estava sob o controle do diretor da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso, e especialmente de outra figura sobre a qual devemos falar mais tarde. Esse foi um papel que Nishina fez malabarismos com a direção regular, mais notoriamente por deixando uma forte impressão com o espinhoso sexto episódio. Esse olho apurado para cores foi complementado com qualidades que ele aprimorou sob um Toshimasa Ishii em 86, um de seus primeiros trabalhos como diretor e o primeiro em que lhe foram confiados vários episódios. Uma das maiores habilidades de Ishii é casar a mecânica de contar histórias com temas, narrativas e batidas emocionais, mais claramente por meio de suas transições magistrais. Isso é algo que ele imbuiu nos episódios de Nishina, e é justo dizer que até agora isso ficou com ele. Embora seja cedo para dizer se ele conseguirá igualar a habilidade de Ishii de construir histórias inteiras em torno dessas técnicas, a maneira como Nishina pode usar cortes de jogo eletrizantes para abalar o público mostra que ele domina isso em um nível micro.
E sabe qual seria um excelente cenário para aplicar aquele jogo de transição e senso de cor apurado? Por exemplo, ao retratar atores ensaiando para uma peça, o diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. quer mostrar de forma mais complexa, ao mesmo tempo que sublinha a ligação entre artistas e personagens mais do que o original. Poderíamos até usar a adição de cor para exteriorizar seus sentimentos em relação à atuação, se você estivesse encarregado de uma adaptação que também se esforça para mostrar uma paixão contagiante por outras formas de arte. Isso tudo para dizer que, por melhor que seja, a cena de destaque no primeiro episódio de Oshi no Ko S2 é deliciosamente previsível.
O ambiente competitivo que estimula os atores a darem o seu melhor é mencionado textualmente no mangá, mas é transmitido de maneira muito mais convincente por meio do tipo exato de truque que você esperaria de Nishina; salpicos de tinta que não só provocam a retaliação dos outros, mas também gradualmente pintam o quadro da ficção que querem dar vida, à medida que atores e personagens assumem as mesmas posturas. À sua maneira, é também um resumo da abordagem que esta temporada descobriu ser a resposta às suas limitações: obras de arte deslumbrantes que fazem você não se preocupar com as fotos, especialmente com um estilo de direção baseado em edição e cores que não exigem tanta animação.
Nos 3 episódios seguintes, Oshi no Ko S2 mostra seu lado mais econômico. Embora haja destaques ocasionais, como o belo resultado de uma luta amistosa entre mangakás, é aquela forte supervisão básica e preceitos de direção eficazes que mantêm o piso respeitável sobre o qual este trecho se baseia. Nessa etapa de preservação de energia, esses episódios expõem com cuidado a filosofia da série no que diz respeito às adaptações. Desde o início, Oshi no Ko aponta claramente a falta de comunicação como a culpada pela maioria das falhas em tais projetos. Embora a primeira temporada tenha mostrado um exemplo de esforço cínico, a verdade é que as indústrias criativas estão-pelo menos nas suas trincheiras-cheias de profissionais cujos erros geralmente não são causados por malícia ou mesmo por falta de habilidade, mas sim por mais tipos insidiosos e sistêmicos de negligência. Mesmo nos piores casos imagináveis, é a falta de comunicação verdadeira e olho no olho que tem provocaram tragédias.
Diante de projetos tão ruins e prejudiciais, e também do efeito combinado da toxicidade da mídia social e de produtores covardes, o clima mudou para a exigência de fidelidade impensada nas adaptações. Oshi no Ko argumenta o contrário, convencido de que diferentes abordagens do mesmo material deveriam se apoiar nos pontos fortes inerentes à sua tela e naqueles adicionados por suas respectivas equipes criativas. A mera ideia de fidelidade é questionada: para autores como o mangaká Abiko Samejima, a verdadeira essência de seu trabalho pode ter pouco a ver com os eventos que retrata, mas sim com a natureza de seus personagens-portanto, ao tentar replicar o história da maneira mais exata possível ao raspar a textura do personagem, você estaria traindo o que o autor mais valoriza. Ao dar a Samejima uma amostra de como é esta forma de teatro (tal como o anime tem feito ao seu público) e depois reconstruir as pontes de conversa que o projecto não conseguiu manter, nasce finalmente uma adaptação adequada.
O ponto de virada da série é o episódio 16, que é uma exceção às regras de Oshi no Ko S2 até agora. Existem duas razões principais por trás dessa mudança, começando pela pessoa responsável pelo storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. Yasuhiro Irie é um renomado diretor Yasuhiro Irie é um renomado diretor
Apesar de ser um episódio terceirizado, o número 16 também é um alerta para os talentos internos. Os estágios finais dos ensaios são introduzidos por meio de uma sequência impressionante que visualiza os instintos de atuação competitiva da equipe de um ângulo diferente do que a direção de Nishina tinha feito isso antes. Essa sequência teve sua animação minuciosamente corrigida pelo supervisor de animação de ação amoji, que é o responsável por tais cenas em todo o show. Você pode ter encontrado sua animação antes sob os nomes Shun Takeda, Shun Tachibana, Troublesome ou An Oblique Reference To A Poor Translation Em um filme da Marvel que virou meme; e, mais importante, você definitivamente viu sua poderosa abstração de sentimentos desde o primeiro episódio de Oshi no Ko. Sua chegada aqui também sinaliza que é hora da 2ª temporada começar para valer.
Os episódios 17-19 são efetivamente um filme dentro de Oshi no Ko S2; um revezamento com nada além dos diretores da série responsáveis, os supervisores mais confiáveis e certos animadores principais sendo atribuídos a todos eles como se fossem um episódio único e muito longo. Ao tratar a peça como algo que vale a pena retratar por si só, ela quase se torna uma produção distinta dentro do projeto geral – uma produção para a qual eles estavam economizando energia. Agora no presente, o show retorna àquela longa introdução de palco que abriu a temporada. Vamos ver então do que se trata Tokyo Blade.
O primeiro diretor a assumir o controle é o último membro do trio kantoku, e de forma alguma um menor entre eles. Na verdade, Chao Nekotomi é o indivíduo no escalão de direção da série que mais celebramos, já que sua imaginação sem limites e sensibilidades estéticas refinadas estão por trás dos momentos mais memoráveis desta série. Sempre que falamos sobre Nekotomi, um aspecto continua aparecendo: ela surge com tantos conceitos visuais interessantes para seus trabalhos que, na verdade, ela é forçada a separá-los e sempre deixar pequenas pepitas fascinantes na área de corte. Embora a aclamação que ela recebe possa parecer desproporcional, dados os poucos episódios pelos quais ela esteve responsável, isso também é uma consequência do brilhantismo de Nekotomi; sua ambição pouco ortodoxa a leva a buscar formas de expressão que são mais complicadas, demoradas e caras do que o normal, mas o estúdio a valoriza contribuíram tanto que a deixaram escapar. Por mais importante que seja ter diretores eficientes em um setor tão acirrado, você também quer ter pessoas que fazem a diferença e que possuem esses bens intangíveis que você não pode ensinar.
Na tentativa de canalizar essa energia especial mais regularmente, Oshi no Ko confiou a Nekotomi os roteiros coloridos para a maioria dos episódios e, em seguida, permitiu que ela se concentrasse nos storyboards e na direção de alguns selecionados. E assim, apesar de ser assistente de direção da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. dentro de uma produção onde eles são muito ativos, são necessários 6 episódios inteiros da sequência para que ela assuma totalmente o controle novamente. Felizmente, assim que ela faz isso, o show atinge um novo nível.
Sob sua direção, Oshi no Ko — ou melhor, Tokyo Blade — prova que a animação pode evocar a realidade do teatro de uma forma muito dinâmica através do seu trabalho de câmera. Esse movimento torna os cenários emocionantes, mas ainda é pontuado por tomadas da perspectiva do público, iluminadas com luz diegética e mantendo os fios e microfones visíveis que destacam a natureza ridícula da performance. Muitos efeitos visuais e sonoros se apoiam nessa natureza autêntica, que não apenas exala aquele amor pela forma de arte que a equipe procurou somar nesta temporada, mas também prepara você para uma bela traição de expectativas. Ao acostumar o público a essa abordagem um tanto realista, uma virada mais abstrata deveria atingir com mais força. E é exatamente isso que acontece quando Nekotomi tem que explorar os sentimentos dos personagens e atores.
Melt é talvez o personagem recorrente mais surpreendente neste arco. Outrora um ator medíocre e indiferente, seus olhos foram abertos com força pelo soco de atuação combinado de Kana e Aqua na primeira temporada. Acontece que, desde então, ele tem tentado se tornar um artista genuíno, embora agora se encontre amplamente superado por um grupo de profissionais que sempre deram tudo de si nesta carreira. Colocar-se imediatamente ao nível deles está absolutamente fora de questão. Mas ao canalizar sua frustração e audácia que combinam com o personagem que interpreta, e combiná-las com os conselhos ousados de Aqua, ele também pode ter uma atuação memorável. A mão que representa sua impotência nos leva ao sucesso do personagem que ele interpreta na ficção de Tokyo Blade, mostrando todas as esforço que ele fez para superar seu estado agora esfarrapado.
O o destaque do episódio vem na colaboração de Nekotomi com amoji; dois artistas radicais com uma abundância de ideias brilhantes e meios para misturar estilos diferentes e até materiais analógicos em seu trabalho eclético. A busca inicialmente superficial de Melt por uma carreira no showbiz é transmitida por meio da adoração dos desenhos animados pelos fãs e de seu próprio pastiche de fantasia ao estilo de Hollywood. Tudo isso desmorona quando ele é exposto ao verdadeiro talento de atuação; representado por estrelas, como as dos olhos dos protagonistas da série. Ele persegue desesperadamente, mas nunca consegue alcançá-lo, por mais que pratique e construa um novo eu ao longo do caminho. Mas, no final das contas, essa frustração e saudade, paixão genuína no final, permitem que ele renasça no personagem que está interpretando agora. Esta é a razão pela qual alguém como Nekotomi não pode produzir episódios constantemente, mas também porque o estúdio não está nem aí. Talentos especiais devem ser valorizados.
Depois de uma flexibilização tão escandalosa, muitos diretores podem optar por evitar um desafio frontal, mas Nishina admitiu que os dois assistentes tentaram superar um ao outro. Seu episódio faz ótimo uso de todas as qualidades que ele exibiu antes, mais uma vez com aqueles instantâneos impactantes (e momentos em que
O episódio 19 é uma celebração de todos os aspectos que elogiamos até agora. Começa com uma visão do estrelato que se entrelaça com a intrincada arte de Kappe; mais detalhado do que nunca uma vez que Kana é forçada a abraçar seu destino sob os holofotes, ecoando os sentimentos de Aqua de que ela é deslumbrante demais para sequer olhar. Como o primeiro diretor em um episódio em que o trio principal participou, o storyboard evocativo de Nishina repousa-se em seus próprios motivos visuais. Isso o ajuda a expor a relação de Aqua com a atuação, bem como a situação que está prestes a levá-lo ao extremo. Mas antes que sua hora chegue, Nekotomi assume o controle para trazer um encerramento impressionante ao arco de Kana-novamente, com a ajuda de amoji, já que não há ninguém melhor na equipe para dar vida à sua visão materialmente diversificada. E, nos últimos 6 minutos, é o diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Hiramaki, a quem Aqua confia, aproveitando suas memórias mais sombrias para extrair uma atuação emotiva da maneira mais autolesiva. Um tour de force de um episódio que não teria sido possível sem as artimanhas econômicas nos estágios iniciais desta temporada.
Depois disso, tudo se resume no episódio #20… após o final impactante do peça, dirigida novamente por Hiramaki. A violência raivosa de Aqua no palco é alimentada pelo arrependimento e pela fúria pela morte de Ai que estão profundamente enraizados em seu ser; mais um exemplo em que retratar a peça em maior medida compensa, pois é mais fácil avaliar o quanto seus sentimentos se sobrepõem aos do personagem. A arma secreta de Dogakobo, Danny Cho, foi a que retratou o assassinato de Ai no primeiro episódio de Oshi no Ko, o que significa que não há ninguém melhor para animar a virada do deus ex machina para trazer a pessoa mais querida de Aqua de volta. vida-embora tragicamente para ele, isso só acontece dentro do Tokyo Blade. Ao construir pontes entre sua situação e a dos personagens, Aqua é capaz de evocar uma atuação verdadeiramente emotiva para encerrar esta peça. De certa forma, é como se a equipe do anime usasse essas semelhanças para embalar esta temporada com respeito pela forma de arte que retrataram, sem negligenciar a narrativa emocional no processo.
Ao retratar com amor esse tipo específico de palco dentro da ficção, Oshi no Ko S2 incorpora a mensagem da obra original em favor da especificidade do meio; afinal, essa postura deve nascer do respeito pelas complexidades, virtudes e até deficiências de todos os tipos de formas de arte. Ao abstrair os sentimentos dos personagens que estão naquele palco de maneiras muito calculadas, mas também tremendamente imaginativas, que aproveitam os pontos fortes de sua tela animada, a adaptação também está agindo metatextualmente sobre essas crenças. Oshi no Ko pode não ser capaz de disparar constantemente em todos os cilindros como alguns outros projetos de alto nível fazem, mas esta temporada encontrou maneiras de se manter unido ao preservar energia, explorando o carisma inato dos líderes da equipe de produção. Quando chegou a hora de dar uma guinada, nem essas limitações nem o bom senso da indústria conseguiram atrapalhar. E você sabe o que? Isso é muito legal.
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