Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje eu tenho um ânimo distinto em meu passo, já que meu grupo de D&D se reuniu para nossa primeira aventura desde maldito novembro, e aventuras emocionantes foram vividas em meu riff fantástico em um centro de contenção SCP. Embora as coisas tenham se resolvido mais ou menos desde o incêndio no apartamento, ter nosso grupo dividido em três apartamentos em vez de um certamente complicou a logística do D&D, então esse retorno à relativa normalidade foi muito apreciado. Acontece que a vida chega até você rapidamente e, embora meu plano para um “último mês” de sessões já tenha se expandido para a maior parte de um ano, parece que, afinal, poderemos concluir minha campanha em Dalelands. Isso, por sua vez, me fez pensar em voltar à ficção por conta própria e, talvez, tirar a poeira dos músculos de escrever contos e tentar publicar algo. Tentarei instituir algum tempo semanal dedicado à escrita e voltarei a todos vocês sobre isso, mas por enquanto, vamos recapitular a semana no filme!
Nossa primeira exibição da semana foi The Omen, que obra famosa e duvidosamente canônica do proto-horror dos anos 70. O filme é estrelado por Gregory Peck como Robert Thorn, um diplomata americano que conhecemos sendo instado a assumir como filho uma criança desconhecida, pois seu próprio filho acabou de morrer durante o parto. Cinco anos depois, Thorn serve agora como embaixador na Inglaterra, vivendo feliz com sua esposa Kathy e seu filho Damien. No entanto, ocorrências estranhas e horríveis sempre parecem seguir o rastro de seu filho, e Thorn logo suspeita que Damien carrega um destino violento e terrível.
O Presságio continua sendo um dos arquetípicos “merda, meu filho é o anticristo” obras de terror cinematográfico e contém uma variedade de cenas que foram parodiadas ou referenciadas em muitas obras posteriores, mas seu lugar na história e sua qualidade como filme são, infelizmente, bastante distintos. O filme é desajeitado em seu roteiro e carente de sustos, aproximando-se das raízes do cinema de terror como um caminho divergente dos thrillers de mistério, mas falhando em oferecer um mistério convincente na barganha. A natureza demoníaca de Damien é sempre óbvia e, em sua dependência de sustos requentados e pistas musicais exageradas, o filme geralmente tropeça na ameaça e avança para um acampamento não intencional.
Quando executada com habilidade, a atmosfera malévola e a contenção visual do terror dos anos 70 podem resultar em obras verdadeiramente majestosas e genuinamente assustadoras: Messias do Mal, Não olhe agora, O Exorcista, etc. Infelizmente, The Omen parece preso a meio caminho entre um thriller morno e um espetáculo de terror desajeitado, incapaz de se comprometer com qualquer um dos tópicos, e com apenas o desempenho comprometido de Gregory Peck apontando para a sensação de seriedade que claramente deseja. Talvez valha a pena assistir, pelo menos devido ao seu prestígio cultural duradouro, mas não é um filme que eu recomendaria por seus próprios méritos.
O próximo foi O Filho Pródigo, um filme de 1981. Comédia de artes marciais Sammo Hung estrelada por Yuen Biao como um jovem nobre que acredita ser um grande artista marcial, sem saber que seu pai tem garantido que suas lutas sejam resolvidas. Quando o personagem de Biao descobre a verdade, ele fica determinado a estudar com um verdadeiro mestre, escolhendo o artista de palco Leung Yee-tai (Lam Ching-ying) como seu suposto sensei. Yee-tai não tem interesse em contratar um aluno, mas Biao o persegue de qualquer maneira, levando a uma série de aventuras desconexas, traições e sequências de treinamento arduamente conquistadas.
O Filho Pródigo é único nisso. realmente não tem um antagonista. De fato, existe um grande mestre das artes marciais para nossos heróis lutarem, mas esse mestre só está realmente interessado em uma luta justa para provar sua força, e a maior parte do drama do filme está mais preocupada com a busca de Biao pelo verdadeiro treinamento. Esta missão em si apresenta uma variedade de curvas estranhas; depois que a tropa de atuação de Yee-tai é morta em um misterioso ataque ninja, ele e Biao acabam escapando para a casa do irmão de Yee-tai (interpretado pelo próprio Sammo), e o filme de repente muda para um bando de brigas de casais estranhos, como Yee-tai e Sammo discutem sobre quem treinará Biao.
A falta de direção do filme pareceu um pouco estranha no início, mas no final das contas senti que serviu ao seu propósito de manter o foco nos relacionamentos dos personagens, e também enfatizando como as artes marciais pretendem mais ser uma prática de autodisciplina do que uma arma de guerra. Os colaboradores regulares de Jackie Chan, Biao e Sammo, são excelentes como comediantes e artistas marciais, mas foi o desempenho de Lam Ching-ying que mais me impressionou. Eu estava preocupado que o fato de seu personagem interpretar personagens femininas de ópera fosse usado para rir, mas Ching-ying na verdade passou sua infância desempenhando esses papéis na Ópera de Pequim, e combina esse domínio com habilidades ainda mais espetaculares de Wing Chun. Ele é um mesquinho afiado, mas adorável, e sua eventual passagem da tocha, combinada com a ênfase geral deste filme na falta de sentido da violência, resultou em um ato final inesperadamente comovente. Terei que conferir mais papéis dele!
Nossa próxima exibição foi Ginger Snaps, um filme de lobisomem da virada do milênio sobre Ginger e Brigitte, duas irmãs descansando no sombrio cruzamento do grunge dos anos 90. e emo dos anos 2000. A dupla odeia a mundanidade de sua cidade suburbana, jurou sair ou morrer tentando aos dezesseis anos e passa a maior parte do tempo encenando fotos falsas de suicídio ou olhando maliciosamente para os normies. Mas quando Ginger é mordida pelo misterioso assassino de cães da vizinhança, ela começa a se afastar de sua irmã, desenvolvendo algumas novas características estranhas e um gosto problemático pela carne.
Ginger Snaps é basicamente “Um lobisomem americano em Londres encontra Heathers”, embora falte o humor irônico de qualquer um desses filmes. Em vez disso, Ginger Snaps se compromete totalmente com a mentalidade de suas heroínas, oferecendo um instantâneo convincente de adolescentes solitários encarando o barril da puberdade no final do século. Da linguagem única compartilhada pelas irmãs ao gosto por roupas e à antipatia geral do fim da história pelo mundo ao seu redor, cada elemento deste filme evoca aquela era específica de tédio, a insatisfação no centro de coisas como Daria ou Ghost World..
Para ser honesto, Ginger Snaps evoca tão bem aquela época que é realmente difícil gostar de Ginger ou Brigitte, já que as duas não têm problemas reais, uma família que o apoia e toda a vida pela frente, mas ainda assim passam o tempo todo deprimidos por nada. Mas deixando de lado minha paciência com adolescentes tristes, Ginger Snaps também tem sucesso como recurso de lobisomem, oferecendo muitos efeitos práticos pegajosos e um aumento eficaz de intensidade por toda parte. O claro tópico “licantropia como metáfora para a puberdade” não compensa totalmente, mas empresta algum subtexto identificável às sequências de Brigitte perdendo contato com sua irmã e de Ginger não se reconhecendo mais. Se você é nostálgico por Dariaworld, é imperdível, e também está entre as escolhas reconhecidamente escassas de filmes de lobisomem superiores.
O último da semana foi Crimson Peak, a ode indulgente de Guillermo del Toro ao gótico. romance. O filme é estrelado por Karen Wasikowska como Edith Cushing, filha de um rico empresário de Buffalo que é seduzida pelo baronete inglês Thomas Sharpe (Tom Hiddleston) e levada para sua propriedade familiar ao lado da irmã de Sharpe, Lucille (Jessica Chastain). Lá, ela descobre que a casa deles é uma ruína assombrada por correntes de ar e fantasmas – e essa é a boa notícia. Pois à medida que o ardor se transforma em avareza, Edith logo percebe que seu novo marido e sua adorada irmã estão escondendo um segredo terrível e violento.
É uma coisa muito boa que Guillermo del Toro continue conquistando Oscars, como eu não consigo imaginar nenhuma outra razão pela qual os produtores continuariam a oferecer-lhe milhões de dólares para filmar projetos vaidosos em gêneros mortos. O mesmo vale para Crimson Peak, que abraça os arquétipos grandiosos e os fantasmas trágicos do drama gótico tão completamente que o público moderno deve ser perdoado por vê-lo nem como romance nem como terror. Em vez disso, é um estudo de atmosfera, e meu Deus, sua atmosfera é exuberante. A propriedade em ruínas de Sharpe é, sem dúvida, o personagem mais cativante do filme – cheio de aposentos privativos ricamente decorados e construídos em torno de um pilar de folhas que caem perpetuamente, a panóplia de detalhes e segredos da mansão garante que, mesmo no seu aspecto mais previsível, o Pico Carmesim nunca seja entediante.
O resto dos personagens de Crimson Peak têm um pouco mais de dificuldade para superar seus arquétipos condenados, embora Hiddleston, pelo menos, seja perfeitamente escalado como o herdeiro problemático de uma linhagem legitimamente decadente. E os fantasmas do filme são certamente atraentes em sua atrofia angular distinta, mesmo que o aparente desinteresse de del Toro pelos sustos modernos os impeça de se sentirem genuinamente assustadores. Mas entre a narrativa simplista do filme e os personagens em grande parte de uma só nota, é difícil escapar da sensação de que Crimson Peak é mais pastiche do que narrativa vital, mais homenagem do que reinvenção viva. Bonito de se ver, mas improvável que faça você sentir muita coisa.
