Drawn & Quarterly tem feito um ótimo serviço aos leitores de mangá que procuram algo fora do caminho comercial comum. Eles lançaram consistentemente volumes de criadores que, embora nem sempre exatamente avant-garde, sempre oferecem algo que você provavelmente não encontrará nas páginas de revistas como Shonen Jump ou Nakayoshi, ou mesmo nos irmãos leitores mais velhos dessas revistas. Embora a maioria de seus títulos venha do reino de Garo, o trabalho de Saito Nazuna nunca enfeitou as páginas dessa revista; na verdade, ela começou sua carreira como ilustradora de jornal na década de 1970 antes de começar a criar mangá na década de 1980. Razões de saúde exigiram uma pausa no início dos anos 1990 antes de ela ser retomada nos anos 2010, mas há uma qualidade verdadeiramente atemporal no trabalho coletado aqui. Eles foram todos publicados entre 1991-1992 e 2012-2015, mas não estão vinculados a nenhum lugar ou época.
Uma razão muito específica para isso é o fato de Saito lidar com uma marca melancólica de nostalgia, que por sua própria natureza não está ligada a nenhum período da história humana. Embora existam alguns marcadores de quando as histórias foram escritas em termos de tecnologia, as emoções e experiências exploradas não dependem de telefones celulares versus telefones de parede ou o tipo de trem que está circulando. São tudo o que consideramos experiências “silenciosas” quando as olhamos de fora, o tipo de coisa que só é importante quando acontece com você. O melhor exemplo disso é a história Upskirt, de 1992. A peça é contada a partir da perspectiva de um homem de meia-idade deitado de costas no chão enquanto sua esposa pendura a roupa. Ao olhar para as coxas dela sob a saia, ele se lembra de um incidente de sua infância na era Showa, quando ele e outro menino estavam obcecados em ganhar uma rifa de loja para um kit barato de coleta de insetos. Enquanto o usavam depois de descobrirem uma maneira de garantir a vitória (inteligente como todas as crianças desonestas), eles observam uma mulher subindo a saia na grama alta. Os meninos ficam fascinados com a primeira visão da parte inferior do corpo de uma mulher adulta e, embora não se torne precisamente um momento formativo, fica com o narrador. Mais do que o fato de o outro menino ter morrido jovem, mais do que ganhar o sorteio furtivamente, esse vislumbre surge em sua cabeça, contrastando com a imagem de sua esposa passando por cima dele e dando-lhe uma visão completa por cima da saia a caminho de o telefone. O que era extraordinário para ele quando criança tornou-se mundano na meia-idade, um dos milhares de momentos que todos nós provavelmente já experimentamos.
A ideia de que a passagem do tempo traz mudanças inevitáveis é uma persistente tema em toda a coleção. Muitas das peças lidam com a ideia de envelhecimento e morte, embora não necessariamente deprimente ou sombria. É mais uma questão de aceitação, de que a vida acaba naturalmente em morte. As duas histórias de 2012 e 2015 contrastam isso muito bem. Em In Captivity, uma mãe com demência está morrendo em um hospital, e sua família foi tão longe no carro que eles não conseguem voltar quando ela passa. A história alterna entre a raiva da mãe e as coisas estranhas que ela disse e a família tentando lidar com o conhecimento de que ela está morrendo rindo. Mas há uma amargura, uma sensação de que, mesmo quando ela não estava doente, a mãe não era uma boa pessoa e que seus filhos podem amá-la, mas não gostam dela. A história trata de como a morte pode simplesmente fazer você se sentir vazio, como se não conseguisse descobrir como se sentir.
Por outro lado, House of Solitary Death de 2015 segue os residentes de um prédio de apartamentos ocupado principalmente por idosos enquanto membros da comunidade morrem. Cada morte é saudada com uma espécie de fascínio filosófico; as pessoas vêm e as pessoas vão, e os vivos não hesitam em fofocar e especular sobre cada morador. Um dos personagens do ponto de vista é um criador de mangá lutando para encontrar uma história, e suas interações com um morador que ela faz amizade por causa de seu amor por gatos a leva a aprender sobre o velho que todos chamam de “Sr. Planet Purple” por causa de sua propensão para usar a cor e seu comportamento estranho. A obra explora a ideia de que todo mundo tem uma história, só que a maioria delas é mundana e nem sempre as pessoas se preocupam em aprendê-las. Mas talvez essas histórias nos ajudem a nos preocupar com as pessoas ao nosso redor, mesmo que nunca saibamos realmente quem são.
O volume, como você deve ter adivinhado, é agridoce no geral. Cada história contada descreve um momento pequeno e comum na vida de alguém, e muitos deles lidam com a morte, embora não necessariamente de luto. Vários são influenciados por Tsuge Yoshiharu (principalmente Deus Periquito), mas todos eles ainda parecem o próprio trabalho de Saito, mesmo que sua inspiração seja óbvia. A arte é simples, mas tocante, e os lábios pintados com cores vivas são um elemento particularmente marcante dentro deles. O fato de podermos ver o vermelho mesmo que o volume seja em preto e branco é impressionante. Como é a norma para os lançamentos desta natureza da Drawn & Quarterly, há um ensaio incluído no verso discutindo Saito como criador e fornecendo algumas dicas sobre algumas das histórias; também tem trechos de uma entrevista com o criador do BL Metamorphosis, Tsurutani Kaori e Saito – Tsurutani é um fã do trabalho de Saito.
Offshore Lightning é um daqueles livros que você pensa muito depois de terminar lendo isso. Sua nostalgia discretamente melancólica é impressionante e, ao explorar a vida cotidiana das pessoas comuns, nos lembra que há valor no que as pessoas podem condenar como mundano.
