Cinco anos atrás, destacamos uma mulher que ainda não dirigiu um único episódio de anime como uma das jovens criadoras mais promissoras de toda a indústria. Hoje, ela é a mente por trás dos momentos mais célebres do anime de TV-esta é Megumi Ishitani, que pode realmente ser boa demais para seu trabalho.
Lançamos a coluna Anime’s Future aqui no SakugaSakuga (作画): Desenho tecnicamente, mas mais especificamente animação. Os fãs ocidentais há muito se apropriaram da palavra para se referir a instâncias de animação particularmente boa, da mesma forma que um subconjunto de fãs japoneses. Bastante integral para a marca dos nossos sites. Blog para contrabalançar o pessimismo que se torna incontornável ao cobrir esta indústria. Fechar os olhos para os problemas estruturais do anime não ajuda ninguém, mas em um momento em que mais pessoas do que nunca estavam aceitando o quão profundamente enraizados são esses problemas, parecia importante notar que sempre há novas fontes de esperança. Mesmo com o pessoal da indústria lamentando a alarmante falta de mão de obra qualificada, apesar das péssimas condições de trabalho e limitações criativas conseguindo afastar todo tipo de gente talentosa, tantas pessoas se apaixonam pela animação que novas vozes poderosas ainda irrompem em cena com regularidade-seja eles acabam tendo uma carreira frutífera ou não.
Para começar essa série com tudo, optamos por destacar dois artistas diferentes no primeiro post. O primeiro foi um gênio precoce que trabalha sob o nome de China. Tendo demolido todos os tipos de marcos juvenis na indústria, sua falta de experiência em funções de direção na época não parecia obstáculo para prever uma excelente carreira como diretor, especialmente devido ao seu talento para capturar informações sensoriais de momentos muito específicos até mesmo através de ilustrações. O tempo provou que esses palpites estão certos, já que suas aparições hoje em dia são sinônimos de episódios do ano como Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 e o videoclipe de Mafumafu Sore wo Ai to Yobudake.
Ao lado da China havia um nome mais despretensioso. Embora ele já tivesse construído uma forte reputação entre os fãs de animação dedicados e, claro, dentro de sua geração de animadores freelance muito talentosos, poucas pessoas conheciam Megumi Ishitani. No momento em que escrevi sobre ela, ela ainda não dirigiu um único episódio de anime, tendo feito apenas pequenos trabalhos para a Toei Animation depois de se formar na universidade. Para aqueles que realmente prestaram atenção, porém, o potencial era claro: essas pequenas contribuições mostraram explosões de criatividade e muito atraentes sensibilidades, mesmo quando o assunto era uma bunda antropomorfizada. E, talvez mais importante, seu aluno trabalhos já a diferenciam da norma.
Mencionamos muitas vezes que o programa GEIDAI ANIMATION da Tokyo University of the Arts é o curso de maior prestígio do país. Sua reputação não depende apenas do cache dos instrutores e das habilidades técnicas que eles são capazes de transmitir, mas de sua ênfase em criar artistas com visão de mundo, voz e mensagem próprias. Seus ex-alunos geralmente se tornam artistas independentes, já que essa mentalidade se opõe às atitudes predominantes em ambientes comerciais, especialmente aqueles que se tornaram tão criativamente asfixiantes quanto os animes de TV; quando a maioria dos recursos é canalizada para adaptações, e quando a definição desses recursos é reduzida a recriações exatas do material original, a arte morre por causa dos produtos. No momento, os únicos hubs estáveis do pessoal da Geidai são a filial de Ibaraki do estúdio WIT, longe da pressão habitual do estúdio principal, e a equipe Pop Team Epic que pode ser tão extraterrestre quanto o nome Space Neko Company sugere.
Ishitani desafiou essas convenções juntando-se precisamente ao mais corporativo dos estúdios de anime; não é uma escolha surpreendente, já que o império Toei Animation oferece o tipo de segurança no emprego que a maioria dos estúdios de anime não pode esperar, mas aparentemente em desacordo com a filosofia da universidade de onde ela partiu. E, no entanto, é precisamente a mentalidade cultivada em Geidai que permitiu a Ishitani se adaptar a um ambiente como este. O objetivo para o qual ela estava de olho era criar uma animação que todos pudessem desfrutar, independentemente do contexto ou mesmo da capacidade de analisá-la na íntegra. Ela comparou isso à experiência de uma criança que não consegue entender todos os meandros de uma peça de ficção, e ainda pode se lembrar com carinho do impacto que teve sobre eles anos depois. Para uma artista tão inventiva como ela, com a intenção de criar experiências memoráveis independentes, ter que trabalhar em franquias semanais não seria suficiente para sufocar sua criatividade.
Essa suposição foi rapidamente colocada em prática. teste, em um cenário muito complicado. O treinamento de Ishitani como diretor foi paralelo à produção de Dragon Ball Super, um título que até os maiores fãs da franquia reconhecerão como um passeio irregular. Depois de atuar como assistente de direção por alguns anos, onde algumas sequências finais eram as maiores responsabilidades que ela tinha, Ishitani terminou seu estágio de treinamento durante o último arco do show. Seu papel não creditado como diretora de episódios e co-storyboarder no episódio #107 foi a primeira vez que ela estava no comando, mas o mais importante, diretora da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativo e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores – diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padronizados. A hierarquia nessas instâncias é um cenário caso a caso. Tatsuya Nagamine e co-diretor da série Ryota Nakamura—a figura mais próxima de um mentor que ela teve na época, que até supervisionou sua estreia não oficial—confiaram a ela a direção e o storyboard do final sozinha. Nem é preciso dizer, mas colocar um novato no comando do clímax da franquia de anime mais importante de todos os tempos é uma ideia ridícula e a melhor coisa que eles poderiam ter feito. A essa altura, ele já havia percebido todas as qualidades que destacamos antes, e a aposta de sua equipe valeu a pena.
Embora #107 já fosse um episódio bastante forte, apesar da animação limitada, #131 em particular, elevou o nível muito mais alto do que o Super já havia alcançado antes. Seus storyboards eram tremendamente evocativos para os padrões do programa, e essa adaptabilidade que ela precisaria para sobreviver em um ambiente estrangeiro já estava lá, pois ela montou um conjunto de ação mais satisfatório do que a maioria dos veteranos de Dragon Ball. Ambos os episódios pintaram uma imagem clara de seu estilo ainda em desenvolvimento. Por um lado, sua tendência para composições simétricas com centralização do assunto, especialmente enquadrado de o voltar ; técnicas padrão no papel, mas sempre executadas de maneira memorável por sua mão, com o benefício adicional de fazer desvios-jogando fora esse equilíbrio para significar dinâmica de poder ou transmitir agitação—sinta ainda mais impactante. Embora nesta fase ela ainda tivesse que aprimorar habilidades específicas para animação comercial, seu senso inato para composição de cenas por si só já a fez se destacar aos olhos de muitos.
Após breves passagens em um projeto sem cerimônia e fazendo um trabalho de design para a Precure, Ishitani passou para seu próximo grande projeto: seguir Nagamine enquanto ele zarpava para o Grand Linha. Tendo recuperado Dragon Ball Super da melhor forma possível, e provando que ele não perdeu o contato com o muito agradável filme Broly, Nagamine foi encarregado de revitalizar One Piece assumindo o cargo de diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): a pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisões criativas quanto como supervisora final. Eles superam o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores – diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padronizados. A hierarquia nessas instâncias é um cenário caso a caso. para o arco Wano. Dizer que ele atingiu a meta seria um eufemismo não apenas de sua liderança, mas também da maneira como toda a equipe aumentou dez vezes a qualidade de seu trabalho, começando com a melhoria da gestão. Wano de Nagamine foi um sucesso desde o início no episódio #892, mas eles salvaram sua arma secreta por mais de um ano—mais precisamente, até o episódio #957, o primeiro da série dirigido e roteirizado por Ishitani.
Os fãs de One Piece conheceram um Ishitani visivelmente mais refinado do que os espectadores de Dragon Ball se separaram. Suas naturais tendências no storyboard não tinha—e não mudou-mudou um pouco, mas sua consideração já estava em um nível diferente, assim como sua capacidade técnica de colocar isso em termos mais concretos. O episódio fez excelente uso de sombras para um, aprimorando suas composições já atraentes, mas também regulando a entrega de informações ao espectador, dando-lhe um excelente controle do ritmo. Trabalhar ao lado dos os melhores animadores a que o estúdio tem acesso em um ambiente muito mais saudável do que o de Super maximizou seus intangíveis, e ela ainda encontrou uma maneira de sinergizar o conteúdo do episódio com seu próprio espírito de animação. Incumbido de uma revelação genuinamente que muda o mundo, Ishitani enfatizou as crianças quando as notícias caíram; eles estão confusos com as reações extremas de todos sobre uma decisão política que eles não estão preparados para entender, alguns inteiramente inconscientes de tudo o que está acontecendo acontecendo, e ainda assim a importância da direção faz com que pareça um dia que eles vão se lembrar quando crescerem. Ou seja, uma analogia direta para os objetivos de animação de Ishitani.
Ao entregar um episódio memorável, Ishitani se tornou um herói para toda uma base de fãs da noite para o dia. Uma base de fãs que então teve que esperar 6 meses inteiros – significando vários ciclos de rotação da equipe – para que ela aparecesse novamente. E quando ela o fez, ela ressurgiu com ainda mais truques em sua bolsa, como suas tentativas de casar as transições elegantes que ela estava usando antes com composições multiplanares semelhantes às da superestrela anterior da Toei, Rie Matsumoto, que dão profundidade extra às fotos de uma maneira muito maneira divertida. A criatividade de Ishitani não precisava melhorar, mas ao acumular experiência, ela está gradualmente se tornando capaz de criar conceitos ridículos como luzes de neon diegéticas e tonalmente apropriadas que transformam uma bebida derramada em intenção sangrenta.
O espetacular cena anterior, essencialmente um videoclipe de alta qualidade inserido no episódio, resumiu a grandeza independente de Ishitani e a incompatibilidade entre ambição de nível teatral e anime de TV, muito menos um título de longa duração. One Piece é um programa de TV mais estável do que nunca, e Ishitani recebeu mais tempo do que qualquer outra pessoa também, mas o atrito entre ambição e viabilidade ainda a fez lutar com a produção deste episódio. Não é exagero dizer que, a essa altura, ela ficou boa demais para seu trabalho.
Depois de uma espera ainda maior, o último trabalho de Ishitani no episódio 1015 não mostra sinais de diminuir a ambição. O episódio representa talvez o maior salto técnico entre suas obras, com a composição em particular sendo muito mais refinada. Por mais ambiciosa que tenha sido a iluminação em seus episódios anteriores de One Piece, detalhes como a profundidade de campo excessiva juntamente com cromático aberração causou mais dano aos tiros do que ajudou. Avançando para seu último episódio, porém, a iluminação atraente é muito mais harmoniosa, acertando efeitos muito complicados, como translucidez. Juntamente com uma melhor orientação do olho por meio de técnicas como foco, transições mais suaves e uma incrível capacidade de ganhar tempo artisticamente, sua habilidade técnica agora está no nível em que pode corresponder à sua inventividade.
Embora, é claro, tenha sido essa criatividade que atraiu outras pessoas para seu trabalho em primeiro lugar. Embora o desejo dela de fazer animação que você possa desfrutar, independentemente da sua compreensão do contexto e do conteúdo, possa ser mal interpretado, pois ela não se importa com um trabalho específico como One Piece, nada poderia estar mais longe da verdade. O episódio #1015 está cheio de sequências que cristalizam o espírito do mangá tão bem, senão melhor do que qualquer outro diretor; mais uma vez, sua execução é tão memorável que é perfeitamente agradável com contexto mínimo, mas não entenda que isso significa que ela não se envolve com cada trabalho específico. Ishitani enfatiza constantemente que a animação é algo que não pode ter sucesso sem uma equipe na mesma página e, ao trabalhar em uma adaptação, essa mentalidade parece incluir o autor e seu trabalho original também.
Entre muitos destaques, a representação de Soty do flashback de Yamato com Ace pode ser o resumo mais elegante da compreensão de Ishitani sobre o material. Além de ser uma bela versão de uma de suas composições favoritas, Yamato segurando o Vivre Paper enquanto Ace navega por uma ravina muito estreita é um lembrete pungente da liberdade de um e da falta do outro, ainda mais enfatizada ao desviar o olhar para as algemas. As palavras de despedida de Ace desencadeiam uma mudança na mentalidade de Yamato, que corre para lhe dar uma despedida mais adequada; repetindo a mesma composição com a mão segurando o Papel Vivre, só que desta vez Yamato está olhando para um mar aberto, agora realmente capaz de ver a liberdade no futuro. E então, um fósforo corta o papel queimando, significando a morte de um amigo de Yamato. Uma montanha-russa de emoções em cerca de um minuto de filmagem, resumindo lindamente a visão de mundo dos personagens com uma cena que alguém que tratou isso apenas como lição de casa nunca poderia imaginar.
Quando se trata de incorporar One Piece como como um todo, e também a própria criatividade de Ishitani, a cena mais memorável está mais uma vez nas memórias de Yamato e Ace; e mais uma vez na animação de Soty, porque ele não descansará a menos que seja o principal responsável pelos melhores episódios da Toei todos os anos. Somos transportados para um mundo de cores pastel e formas mais soltas, condizentes com as lembranças de infância de Ace dos três irmãos expondo seus sonhos. De repente, as memórias de Yamato mudam para outro trecho do passado, com uma paleta mais quente, mas com um estilo semelhantemente infantil, apresentando a proclamação de seu próprio sonho por Gol D. Roger. As duas cores se fundem antes de explodir em pássaros: a personificação final da liberdade, que para Roger e Luffy é o verdadeiro significado de ser o rei dos piratas. Para um personagem que não deseja nada além de Yamato, este é um evento que muda a vida e, como um espectador que deseja mais explosões de criatividade como essa, Ishitani também muda o jogo.
Tão positivo como esta parte foi, eu não poderia terminar sem dizer aos fãs de One Piece para curtir Ishitani o máximo que puderem, porque cada episódio deixou mais claro que o anterior que ela simplesmente não pertence aqui. Isso não pretende ser uma crítica à série de forma alguma, nem mesmo às franquias comerciais infindáveis do estúdio. Se alguma coisa, o papel que eles tiveram nas carreiras dos diretores mais brilhantes que o estúdio levantou é algo que acho estranhamente esquecido.
Salve exceções como o trabalho de Kunihiko Ikuhara em Sailor Moon e seu discípulo Takuya Igarashi com Doremi, parece haver uma tendência a subestimar o passado de seus diretores mais aclamados pela crítica, o que inevitavelmente remonta a títulos como esses. O estilo atmosférico impessoal de Shigeyasu Yamauchi foi aperfeiçoado em obras como Casshern Sins, mas é difícil de entender completamente se você não estiver ciente de suas contribuições para nomes como Dragon Ball e Saint Seiya. Rie Matsumoto é frequentemente tratada como se ela tivesse se materializado do nada com Kyousougiga, mas formalmente e tematicamente, seu crescimento está em todo Precure. Mesmo Mamoru Hosoda, cujo trabalho em Digimon ainda é reconhecido, tem a maior parte de seu trabalho na Toei varrido para debaixo do tapete – incluindo seus trabalhos mais significativos pessoalmente. Mesmo que você não leve em consideração seu significado histórico, todas essas obras são excelentes por si só, merecendo respeito, independentemente de seu contexto.
Quando se trata de Ishitani, a questão não é que ela possa’t faz um ótimo anime em qualquer franquia em que ela foi implantada, mas sim que ela é muito ambiciosa para episódios individuais de anime de TV. Embora eu deseje que ela eventualmente consiga um grande trabalho original próprio – sem dúvida incluindo dinossauros – eu sinto que a mudança mais importante em sua carreira seria mudar para liderar projetos inteiros, de preferência teatrais. Na última década, a Toei deixou cair a bola quando se trata de garantir saídas alternativas para criadores únicos como ela, o que tem sido um fator contribuinte para vários artistas do calibre de Ishitani renunciando sua coroa mais rápido do que você normalmente esperaria. A bola está na quadra da Toei agora, porque Ishitani já provou que ela é o verdadeiro negócio.
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