Olá pessoal, e bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Vocês estão bem esta semana? Quanto a mim, a água foi desligada no meu apartamento devido à construção, um fato que está se misturando com a onda de calor em curso com um efeito surpreendentemente negativo. Mas, tirando isso, ainda estou me sentindo muito empolgado para fazer minha própria campanha de D&D e criei um nó de missão introdutório para meus amados jogadores. Meu maior problema atual é descobrir como efetivamente aproveitar os vários módulos estabelecidos – não quero simplesmente abraçar as aventuras padrão da WotC, mas a escala de invenção necessária para um grande arco de D&D parece intimidante, para dizer o mínimo. E, claro, a casa ainda foi palco de todos os tipos de exibições de filmes, enquanto continuamos a extrair alimento vital da videira fértil da história cinematográfica. Posso sentir que estou ficando estranhamente floreado com essas descrições, então não vamos perder mais tempo e ver o que uma nova semana de filmes tem a oferecer!
A primeira exibição desta semana foi Viy, um filme de terror soviético de 1967 centrado em um estudante do seminário chamado Khomas. A caminho de casa de férias, Khomas se refugia no celeiro de uma velha, que logo se revela uma bruxa. Depois de enfeitiçar Khomas e montá-lo como um cavalo durante a noite, Khomas se recupera e a ataca selvagemente, apenas para descobrir que a velha se transformou em uma bela jovem. Khomas foge rapidamente do local e retorna ao seu seminário, onde descobre que foi solicitado a realizar uma vigília de três noites pela filha morta de um senhor local, e também que essa filha é na verdade a bruxa que ele matou.
A narrativa desconexa de Viy é mantida firmemente pela performance convincente de Leonid Kuravlyov como Khomas. No início, seu retrato de um estudante delinquente parece universal o suficiente para dissipar qualquer distância entre o público e o material; mais tarde, sua lenta dissolução diante de repetidas ameaças sobrenaturais parece quase tão exaustiva para nós quanto para ele. A cinematografia do filme também compartilha muito crédito por seu sucesso. A sequência de Khomas sendo montado pelo campo ainda mantém uma estranha sensação de irrealidade, e o retrato da embriaguez de Khomas e sua deterioração mental abrange uma variedade vívida de truques visuais, que vão desde transições de tela desorientadoras a ângulos que desafiam nossa compreensão da gravidade..
Viy serviu como uma introdução vívida ao filme russo da era soviética, mas além de sua novidade de produção, o filme também é apenas uma excelente entrada no cânone de terror folclórico. Performances fortes, narrativa eficiente, cinematografia dinâmica, efeitos práticos memoráveis e aquele gancho emocionante de “sobreviver a três noites na cripta” – os pontos fortes de Viy são abundantes e eu o recomendo para qualquer pessoa que goste de terror folclórico.
O próximo foi True Romance, um filme de Tony Scott de 1993 desenvolvido a partir de um roteiro de Quentin Tarantino. Apresentando um romance relâmpago ornamentado com tiroteios sangrentos, o filme é talvez o roteiro de Tarantino mais indulgente de Tarantino, centrado em um Tarantino parecido que não consegue conter seu entusiasmo pelos filmes de Sonny Chiba, e salpicado com o maior número de insultos que acredito já ter ouvido em um filme.
O enredo de True Romance é principalmente apenas um tipo de negócio de Bonnie e Clyde centrado nos jovens amantes Clarence e Alabama (Christian Slater e Patricia Arquette). O diálogo é tão rápido e idiossincrático quanto você esperaria de um baseado em Tarantino, e a direção de Scott se entrega a cores borradas e céus branqueados da Califórnia, reduzindo a ameaça silenciosa que a direção de acompanhamento de Tarantino provavelmente teria promovido. E além de suas principais vozes autorais, True Romance é ainda definido por seu elenco absurdamente bem-sucedido de pequenos personagens, com o filme também estrelado por Gary Oldman, Christopher Walken, Dennis Hopper, Val Kilmer, James Gandolfini e outras estrelas de primeira linha em papéis minúsculos.
Walken aparece para exatamente uma cena e arrasa, Samuel L. Jackson interpreta “homem que admite que come buceta”, e Brad Pitt passa a segunda metade do filme chapado em um sofá ao fundo. É uma lista ridiculamente generosa, e todo mundo parece estar se divertindo muito inclinando-se para as excentricidades dos vários esquisitões de Tarantino. Mais do que qualquer entrada em sua filmografia real, True Romance tipifica o tipo de coisas que as pessoas tendem a não gostar de Tarantino, enquanto ainda afirma que seu ouvido para o diálogo é um presente único para sua era cinematográfica. Não tenho certeza para quem eu recomendaria este filme, mas certamente é uma bagunça interessante.
Depois, verificamos Pontypool, um filme de terror canadense sobre uma estranha infecção zumbi se espalhando no título Cidade. Stephen McHattie estrela como Grant Mazzie, um DJ de choque cujas travessuras aparentemente o colocaram na lista negra de todas as principais estações, resultando em sua nomeação atual como disc jockey residente de Pontypool. Com um elenco pequeno e orçamento presumivelmente menor, basicamente a totalidade de Pontypool ocorre dentro dos limites da estação de transmissão da cidade – mas o filme realmente faz esse trabalho, aumentando a tensão em uma série cada vez mais perturbadora de fragmentos de notícias de última hora.
Os dois maiores trunfos de Pontypool são Stephen McHattie e a natureza distinta de seu antagonista. A câmera é apontada diretamente para o rosto de McHattie na maioria das vezes, e ele efetivamente vende cada reviravolta, passando de uma camaradagem calorosa com seus amigos e ouvintes a um pânico total à medida que a situação se desenvolve. Ele tem uma voz que foi feita para o rádio e um rosto que foi feito para o cinema, e ele emprega ambos para um efeito fascinante quando a confusão se transforma em terror e para um desejo desesperado de sobreviver a esta crise.
Junto com McHattie’s excelente desempenho, Pontypool também oferece uma reviravolta nas infecções de zumbis que se adapta perfeitamente ao seu formato de reprodução de rádio. Em vez de ser transmitida através do toque ou mordidas, a ameaça de Pontypool é transmitida através da linguagem – palavras carregadas específicas que carregam a semente da infecção. Aqueles que estão infectados vagueiam em busca de conversa, agarrando-se a frases perdidas e repetindo-as sem compreensão. O processo de quebrar a natureza da infecção dá ao filme uma forte dose de energia de suspense, e os esforços dos protagonistas para evitar a infecção são ainda mais emocionantes. É um filme totalmente tenso e eficaz, demonstrando que mesmo as restrições de produção mais rígidas podem ser superadas com performances fortes e escrita inteligente.
Nossa casa continuou sua jornada pelo Pandaverse cinematográfico, passando por Kung Fu Panda 2 e 3 em rápida sucessão. O segundo Kung Fu Panda foi realmente o melhor de todos os três, saltando da configuração do original para oferecer um generoso buffet de ação de artes marciais. Sem a necessidade de gastar algum tempo construindo o personagem de Jack Black em um guerreiro real, a sequência deslumbra com sequências de ação impressionantemente dimensionadas e floreios estéticos que evocam a tapeçaria, com o pavão vilão de Gary Oldman servindo como o vilão mais visual e coreograficamente inspirado da franquia.
Parece que a franquia meio que perdeu força lá, já que o terceiro filme recauchutou grande parte do material temático de seu antecessor, enquanto também decepciona em termos de coreografia de artes marciais. Kung Fu Pandas 1 e 2 servem como filmes infantis encantadores e introduções convincentes ao cinema de artes marciais; o terceiro não é exatamente um filme ruim, mas é totalmente normal.
Nosso último filme da semana foi outro filme de aventura clássico de Hollywood, The African Queen. Situado à beira da Primeira Guerra Mundial, o filme é estrelado por Humphrey Bogart como Charlie, o capitão do barco a vapor que transporta pacotes na África Oriental Alemã. Quando o conflito irrompe, um missionário local é morto durante o avanço alemão, deixando sua irmã Rose (Katharine Hepburn) com apenas Charlie a quem recorrer. Embora Charlie ficaria feliz em ficar de fora da guerra em um bangalô local, Rose o convence a embarcar em uma jornada ousada rio abaixo, onde eles enfrentarão corredeiras, atiradores alemães e todos os tipos de outros obstáculos em sua rota para destruir uma canhoneira alemã..
Assim como The Treasure of the Sierra Madre, The African Queen é uma refeição completa de espetáculo de aventura, oferecendo uma variedade de cenários que vão desde escapar das balas de uma fortaleza alemã até enfrentar corredeiras e cachoeiras que anão a pequena rainha. E, em vez de sobrecarregar seu público com calamidades rápidas, cada destaque é espaçado com sequências lânguidas de simplesmente flutuar no rio, apreciando a paisagem e deixando os dois protagonistas se apaixonarem lentamente. Bogart ganhou seu único Oscar por sua atuação como Charlie, um papel que exemplifica a majestade pré-Brando de grandes protagonistas. Mas por tudo isso, é Hepburn quem comanda tanto a narrativa quanto a tela, atacando seus contratempos infinitos com eficiência e charme irreprimível. The African Queen é romântica, bombástica e infinitamente generosa, um exemplo perfeito do blockbuster pré-blockbuster em toda a sua glória.
