Cidade: A animação terminou com mais uma explosão de animação, design e música exuberantes para capturar as sensibilidades de Keiichi Arawi e seus temas alegres. Vamos dar uma última olhada nessa produção de todos os períodos… e o que vem a seguir para Kyoani também, enquanto estamos nisso. Na maior parte da corrida do programa. Isso foi muita informação para processar, mas agora que está feito, podemos sentar e relaxar enquanto observamos os dois últimos episódios-uma atitude mais adequada à vibração de City, francamente. Ele permaneceu uma das presenças mais ativas do programa, apesar de também fazer malabarismos com o filme no filme 2024; Novamente, se você quiser uma visão precisa da linha do tempo de produção do estúdio, é recomendável que você confira nossa redação anterior da cidade. Lá, destacamos algo que se torna aparente mais uma vez: Kitanohara é muito compatível com uma série como essa. Como animador ativo desde a virada dos anos 90, com um amplo conjunto de habilidades, mas também uma propensão a cortes 2D agressivos, ele é um ótimo ajuste para o desejo de City de enfatizar o papel do animador como uma figura abrangente e ideólogo de divertido bombardeio.
, como não, como não. Sequências com as mais altas calorias para si mesmo. Desde que ele ocupe essa posição em um projeto-o que sempre é praticamente-ele nem se preocupa em se creditar pela animação Key AnimationKey (原画 原画, Genga): esses artistas desenham os momentos fundamentais da animação, basicamente definindo o movimento sem realmente concluir o corte. A indústria de anime é conhecida por permitir que esses artistas individuais seja muito espaço para expressar seu próprio estilo., E é por isso que uma olhada em sua carreira nos bancos de dados pode fazer parecer que ele não se desencadeou muito nas duas últimas décadas… apesar de escrever muitas seqüências impressionantes na história de Kyoani. Em sua mais recente aparição pública para um evento de Maidragon, ele provocou seu amigo veterano Tatsuya Ishihara por gostar tanto de anime que ele costuma ser storyboardstoryboard (絵コンテ, Ekonte): os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número de corte de animação, notas para a equipe e as linhas de diálogo correspondentes. Mais explosões e outros tipos de conteúdo chamativo e ostensivo. A ironia em sua declaração é, é claro, que isso é ainda mais verdadeiro para um Kitanohara que gosta de animar pessoalmente essas coisas. Embora ele não tenha sido tão nuclear quanto fez em episódios anteriores com o #12, o trabalho de linha em momentos como a série de reações ridículas e explosivas de Niikura e Nagumo parece que está mais uma vez atraindo esses momentos. Os velhos hábitos morrem com força. Ou seja, ainda é ridículo pelos padrões de anime da TV, mas na cidade, parece subserviente a outros interesses. O primeiro deve se destacar rapidamente: o episódio #12 tem a maior musicalidade em sua direção até agora, então os visuais acompanham esse áudio de mãos dadas em vez de correr por conta própria. A esquete inicial que faz com que esse óbvio se concentre em Niikura reencontrar o pingente que ela está perseguindo há muito tempo-a que contém uma foto de Nagumo, sempre ameaçando expor sua paixão inspiradora a todos os outros cidadãos. O final bizarro de sua busca foi originalmente contado em um capítulo sem essencialmente sem diálogo, confiando em sua narração interna. E como é a cidade, isso significa ser exposto a ela de alguma forma pensamentos profundos, enquanto ela enfrenta uma criatura tão incompreensível que todos os seres mitológicos reunidos na cidade estejam confusos com ela. Sua mera presença inviabiliza Niikura durante uma das missões mais importantes de sua vida, levando a uma batalha pelos tempos. Temos efeitos 2D que incorporam a atitude da supremacia de desenho do programa, enquanto a atuação fofa e desenhada mantém o apelo original de Arawi. Cortes explosivos e conceitos visuais evocativos trabalhando juntos, assim como ele consegue combinar múltiplos de desenhos animados e formas de corrida impossíveis com fotos que enfatizam o equilíbrio corporal. E por que não, alguns bons socos também.
Acima de tudo, porém, há uma sinergia hilária entre a cadência dos eventos e o uso da música ao longo dos mais de 6 minutos dessa mordaça. Nesta aventura sem diálogo, o anime deu o próximo passo e removeu os pensamentos de Niikura também, deixando o espectador se perguntar o que diabos está acontecendo como Os eventos alguns linear href=”https://x.com/yuyucow/status/1969823285371195593″> com as opções da música clássica . Desde que a cidade: a animação está comprometida com a parte de fazer Araki escrever todos os créditos de produção manualmente, isso também significa que o autor original teve que escrever cuidadosamente os longos títulos para as peças de Bach e Franz Liszt usadas aqui. Agora, isso pode fazê-lo parecer divertidamente lamentável, mas considere o seguinte: sabemos que, enquanto dormimos na mesma sala que o diretor de diretorias da série: (監督, Kantoku): a pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisão criativo quanto supervisor final. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário de caso a caso. Taichi ishidate Durante os estágios de planejamento, ele compartilhou alguns campos musicais que os fizeram bater à noite. E assim, há uma chance realista de que Arawi tenha trazido essa tarefa de escrever sobre si mesmo. Vale a pena! A montanha-russa emocional de toda a cidade enquanto segue uma corrida de cavalos tumultuados é um momento divertido por si só, especialmente com sua entrega rítmica. Dito isto, é a conexão com os principais objetivos da cidade que o torna tão destacado. Um dos trens recorrentes de pensamento de Ishidate tem sido sobre o trabalho de Arawi se destacar em sua capacidade de fazer você imaginar os Hows and Whys por trás de seu humor surreal e, por toda essa mordaça, o programa se concentra exatamente nisso. Assim como no mangá, nunca vemos um vislumbre da corrida que essa aventura é tudo. Em vez disso, somos forçados a imaginar uma série ridícula de eventos, com jóqueis e cavalos desaparecendo que são na verdade animais diferentes, à medida que as reações dos jogadores balançam descontroladamente. Se você deseja testar sua compatibilidade com o trabalho de Arawi, verificando este capítulo pode ser um bom começo. Tendo chegado tão perto do episódio final, e especialmente com o foco em uma trama que ameaça separar os dois personagens mais próximos da série, há um toque de melancolia que a cidade realmente não teve antes. O espectro da separação de Matsuri e Ecchan pairou em todo o show-faz parte do que faz suas aventuras fofas juntos, já que você sabe que o tempo que eles compartilham é finito. Mas é só agora que você pode sentir que se apossar das opções de enquadramento e cores em todo o episódio, mesmo antes de Ecchan passar por seu ritual peculiar de separação. Para descobrir se esse é realmente o fim do relacionamento deles, você terá que sintonizar a cidade: a animação nº 13.
Antes de mergulharmos no último episódio na íntegra, vamos dar uma olhada nos dias que precederam sua transmissão. Para ser preciso, devemos conversar sobre a equipe principal deste final, que já foi divulgado-como sempre é-ao lado de uma prévia que pode ter surpreendido algumas pessoas. O retorno do diretor de diretorias da série: (監督 監督, Kantoku): a pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisão criativa quanto supervisor final. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário de caso a caso. E o designer de personagens para liderar o último episódio foi um dado; É uma prática comum nos programas de TV, e um que a ishidate confirmou os próprios projetos, sempre pessoalmente contratados. E, no entanto, existem mais criadores ao seu lado. A totalidade da corrida de City, por mais assustadora que a carga de trabalho fosse liderada por um diretor e storyboarder de episódios singulares, acompanhado por um diretor de animação. Isto é, até o final. Kyoani significa um aprendizado de novato sob a ala de um veterano antes de sua estréia em uma posição. That mandatory step is one we’ve recently seen for Kouhei Okamura (assistant episode director on Eupho S3 #13 before he handled CITY #10 on his own), Ryo Miyagi (assistant to Ishidate on the fifth episode of that show, before gradually becoming a solo leader between that project and CITY), and Tamami Tokuyama herself; Assistente de Ikeda também em Tsurune S2 #04, tornando-se um supervisor solo no oitavo episódio… e não muito mais tarde, o designer e diretor de animação que estamos admirando agora. Em suma, é uma prática de estúdio, não algo relacionado à produção desse episódio específico.
O que há com o final da cidade, então? Embora dificilmente lotado, especialmente pelos padrões embaraçosos do anime atual de TV, ele possui dois diretores e três supervisores de animação em um programa que valorizou a coesão perfeita que você pode sair dos esforços liderados individualmente. Uma coisa a ter em mente à medida que a indústria muda gradualmente para a equipe contratada é que, depois que você paga às pessoas por trabalhar ao lado de você, e não apenas pelo que elas entregam, você deve usá-las bem. Em um estúdio em que todos são funcionários em tempo integral e onde quase nenhum trabalho para outras empresas é feito, isso exige ser inteligente com a alocação de trabalho; Caso contrário, você tem pessoas sentadas sem nada para fazer por um mês de cada vez.
Enquanto as produções normalmente estão em andamento, isso provavelmente não acontecerá. A rotação da equipe do City é extraordinariamente regular, com 5 unidades de animadores-chave aparecendo um após o outro em perfeita ordem. Os três grupos intermediários mais ou menos fizeram o mesmo, assim como os diretores e supervisores que frequentemente estavam ligados ao mesmo grupo de animadores-chave. Mas o que acontece quando 5 grupos tentam girar dentro de um show de 13 episódios? No final da corrida, dois deles ficariam sem nada para fazer. Se olharmos para os diretores de animação e considerarmos Tokuyama deslizar preferencialmente para o final, percebemos que os próximos supervisores que seriam devidos a receber um episódio seriam Kayo Hikiyama e Nobuaki Maruki -que dizia dizer que os dois que se dedicaram a #13. Embora haja um pouco mais de flutuação entre os diretores, o primeiro a encerrar seus episódios alocados e sem uma tarefa seguinte para se mudar foi Takuya Yamamura . Eis que ele é o que acompanha ishidate para o final. Quase como o gerenciamento de pessoal é importante!
Essa é a história completa? Não exatamente. Claro, o City foi o foco do estúdio por um longo tempo, mas dificilmente é o único projeto em andamento em Kyoani. Se eles realmente quisessem, poderiam ter encontrado algum papel em outros lugares para esses funcionários de repente disponíveis. Francamente, se tivesse sido um último episódio regular, eles podem estar inclinados a deslizá-los para um certo conjunto de filmes que já estavam em andamento. Mas quando o City fez alguma coisa normalmente? Antes mesmo de sua transmissão começar, a equipe e o elenco da Prescreenings alertaram os espectadores que certos episódios estavam simplesmente fora deste mundo, muitas vezes apontando para o quinto… e o último episódio. Sabendo que a série tem padrões loucos e, tendo visto os outros episódios que eles mencionaram como especiais, eram verdadeiramente geracionais, deve ser fácil entender que o final empregaria alegremente aqueles veteranos confiáveis e repentinamente disponíveis. Isso dificilmente é uma falha, mas uma consequência das idéias e tom que eles queriam colocar na vanguarda. A última cena do trabalho original é de fato a que abre este final; Um momento não de bombardeio e fanfarra, mas de uma realização mais silenciosa para Nagumo. Acontece que essa garota travessa, porém sincera, está obcecada em perseguir a vida mais divertida possível… antes de perceber o óbvio, que a vida agitada nesta cidade já era bastante divertida. As mudanças no ponto de partida para a série, que Arawi considerou brilhante, foram feitas para que o primeiro episódio já sinalizasse o início desse arco de personagem simples e encantador. Sempre mais fácil vender momentos como esse quando sua estética é tão casualmente bonita , você sabe. e sua temida separação. Vale a pena notar que toda a trama é a que é um pouco mais desconectada do resto, além do fato de ambos fazer parte do hilário ecossistema da cidade. Claro, você pode apertar os olhos o suficiente para conectar sua maneira de enfrentar o futuro à busca de Nagumo e a esse tema dos sonhos, mas a verdade é que ela não teve um grande papel no anime por sua coesão temática. Isso aconteceu porque essas duas crianças são os seres mais preciosos do mundo, e isso é bom o suficiente. Não é como se não houvesse cuidado nos últimos momentos, mas há um nível de ênfase no anime que torna essa resolução a terra ainda mais eficaz. Muito disso é devido ao puro tempo de execução (leva pouco menos de 10 minutos no final) e a requinte na representação de batidas emocionais e ternas que esperamos dos diretores de Kyoani. Mas também, esta é a cidade: a animação, um projeto liderado por um animador lunático e um autor ainda mais demente sussurrando em seu ouvido. É claro que há mais do que isso. Um cavalo que na verdade é pessoas com um disfarce de má qualidade, sem explicação explícita. Se você tem uma boa memória, lembrará-se de que um dos eventos narrado na corrida do episódio #12 foi um participante sendo desqualificado sobre Bata outro cavalo-que é uma gazela, não pergunte-em que o pepino. E Esse é realmente o seu corcel , o que significa que o culpado por trás de ações brutais era de fato alguns seres humanos em terno de animais… e que havia várias razões para desqualificá-las de uma raça de cavalos. Uma adição deliciosamente arawiesque que promove a conexão constante entre os eventos e também uma ótima desculpa para infundir os cortes ao longo do caminho com um dinamismo mais rítmico e divertido. Nenhuma das escolhas que a adaptação fez em um nível de narrativa concreta mudou realmente os eventos que são contados; Tocar na história um pouco mais tarde não mudou o local de trabalho de Nagumo estabelecido nos primeiros capítulos, assim como resumir o sono de Riko não impediu que ele ocorresse. Podemos não ter visto um capítulo inteiro dedicado à vovó espancando alguns cidadãos, mas dentro das vinhetas laterais de episódios como a mansão e a corrida, continuamos a vê-los disputando. Apesar de todas as pequenas alterações nos pontos focais, eles se certificaram de que ajustaram todos os elementos posteriores que se desenvolveram-uma razão óbvia pela qual Arawi estava encarregado do processo ao lado de ishidate.
O mesmo se aplica ao culminar da série. No episódio #12, você já poderia detectar pôsteres referindo-se à eleição que originalmente acabaram com os eventos da cidade. Isso também é referido brevemente no final, por isso é justo supor que isso também aconteceu na continuidade do anime. Como eventos anteriores em larga escala, esse mini-arco serve simplesmente como uma desculpa para reunir toneladas de cidadãos em uma aventura interconectada; E, sendo o último, lhes permite encerrar várias histórias secundárias. Dada a sua confiança nas relações entre os personagens que permaneceram à margem do anime, no entanto, uma adaptação direta não teria muito peso. E assim, com 15 minutos do final restante, retornamos a um desejo: o sentimento compartilhado de Arawi e Ishidate de que o anime deve escalar as coisas ainda mais, explorando o fato de que agora é uma obra de animação no processo. Pela primeira vez, e apesar do autor ainda permanecer tão envolvido como sempre, isso significa que a cidade: a animação escolhe concluir sobre uma nota totalmente original. A rápida mudança de grande surpresa para a conformidade divertida não é porque o episódio anterior enfatizou a musicalidade da entrega, como se estivesse preparado para o público. Não se trata de uma mordaça mais engraçada do primeiro episódio, tendo adicionado uma música de um determinado trabalho da Broadway , que ishate foi inflexível sobre Apesar dos produtores temem o processo de licenciamento . A razão é mais simples: terminando em um musical enorme e extravagante, onde todo cidadão estranho está tramando algo e colide com os outros é apenas a coisa mais imaginável da cidade. A premissa do restaurante Makabe que ganhou uma estrela Michelin (ou eles?) Deixe um frenesi coletivo por inúmeros cidadãos, todos eles trazendo uma música e um estilo visual para a tela. O elenco desfila as ruas, redesenhadas para levar inúmeras referências ao seu objeto de celebração, enquanto usava um pastiche de roupas que podemos ver em uma peça de teatro. Essa mesma sequência de alegria culmina com um ukiyo-e Como a tela, levando-nos a uma época totalmente diferente de uma só vez; e adornando-o com texturas modernas de repente, com camadas e camadas de idéias visuais. Com tanta rapidez, tudo isso pode sair pela janela em favor da ilha de desgosto mais colorida ou a mistura entre uma história de detetive pixel art até o fim. Você deve se lembrar de ishidar proibir o uso de destaques padrão na arte do personagem; Um afastamento radical de seu trabalho anterior Violet Evergarden , que na verdade adicionou mais tons aos 3 estados habituais do anime (sombra/regular/destaque). Mas e se tivermos uma boba ilusória fantasiando sobre seu próprio conto de fadas? Isso incentiva uma reformulação completa da direção da arte, alterando o plano de fundo para algo mais parecido com o que href=”https://i.imgur.com/r0arpwl.jpg”> em um desses livros , e usando a idealização de seu ente querido como uma desculpa para quebrar a regra inicial Novamente, vale a pena notar como todos esses pivôs divertidos nunca conseguem sacudir a identidade Arawi- apenas olhe para os animais fofos e incompreensíveis que cercam a princesa . O grau em que eles conseguiram igualar suas sensibilidades, enquanto experimentar tantas idéias é francamente surpreendente. Difícil acreditar que o mundo quase moebius para o qual é transportado brevemente não veio de seu mangá original, considerando o quão do robô Niikura e os mecanismos se sentem. href=”https://i.imgu.com/zvljxjr.jpg”> individual cortes . Um episódio como esse requer uma quantidade absurda de trabalho de design e também, de tiros para esse assunto. Você deve ter ouvido falar que os trabalhos de Kyoani tendem a apresentar um número maior de cortes que a norma-uma conseqüência natural da obsessão por minúcias na vida das pessoas-, mas até mesmo seus padrões empalidecem em comparação com a loucura durante a parte musical, o que por si só consegue fazer com que esse final tenha duas vezes o mesmo número de um episódio regular, um episódio de densidade. Uma escolha que aumenta a carga de trabalho uma quantidade tremenda, mas também uma que lhes dá imóveis extras para esgueirar-se para o mangá durante esta celebração original. Shia, um dos personagens que não apareceu muito na adaptação e teria desempenhado um papel na eleição, recebe seu momento em meio a todo esse canto. E, como mencionado anteriormente, Mesmo a própria eleição levanta sua cabeça Na aventura que a substituiu. Muitas seqüências, sejam as trilhas de cruzamento da câmera com muitos personagens ou a dança sem fim são excelentes por si só, muito menos como parte desse todo maior. Conceitualmente, muitas sequências brilham através de sua capacidade de manter os personagens conectados-seja por inércia ou mesmo narrativamente, com o ato musical enfatizando repetidamente que Ecchan ainda é uma parte ativa da gangue. E esse nível de atenção aos detalhes é comparado na entrega técnica de cada corte, ainda com o senso de humor de Arawi incorporado a eles. É um episódio que o encoraja muito a assisti-lo, para que você possa capturar o maior número possível de jóias. Você precisará prestar atenção extra para perceber as formas nebulosas de dois animais piscando brevemente dentro dos efeitos; Formas muito semelhantes a um cavalo e um cervo , correspondendo aos kanji de 馬鹿 como ela diz a palavra em voz alta.
Da mesma maneira que alguns supervisores e diretores que concluíram suas tarefas deslizaram para ajudar, assim como dois animadores importantes adicionais-criando o número total deles para esta grande final para 7 (+1). O muito promissor Ayumu Yoshida , pertencente à quarta unidade de Genga da cidade que teria lidado com o próximo episódio se existisse, foi escolhido para ajudar seus colegas mais renomados. Mas o grande nome é, sem dúvida, Tatsuya Sato, líder da divisão Osaka do estúdio e da quinta unidade desta produção. Quando explicamos como o episódio #05 completamente absurdo era possível, observamos que Sato recebeu permissão para se concentrar nele por mais tempo do que em qualquer emprego anterior, permitindo que ele desenhasse cerca de metade de um dos episódios de anime mais densos já feitos. Apesar de aparecer ao lado do resto desse time, o papel relativamente tímido de Sato-“apenas”alguns minutos se destacou como sua animação rápida-teve mais uma aparição especial. De fato, esse tem sido o caso do final, que parece ter enviado-o especificamente em todo o segmento musical. Embora a carga de trabalho não esteja no mesmo nível que no quinto episódio, seu tempo mais macio está em diferentes partes das várias performances. Por todos os meios, um dos maiores colaboradores da alegria que este episódio irradia. Era verdade então, e permanece verdade agora: ishidate gosta de se animar com as coisas . Ele falará uma tempestade sobre como a direção (especialmente quando ele lidera um projeto inteiro) não dá tempo para desenhar pessoalmente cortes inteiros, e continua silenciosamente a reservar sequências complexas para si mesmo. Cidade: A animação praticamente começa com um corte incrível que parece vir de sua mão. E agora, como a apoteose desse musical repentino que encerra tudo, o protagonista é sua caneta novamente. Movimentos familiares de vibração e uma propensão a usar linhas curtas, o uso de pequenos pedaços de detritos para aumentar a densidade visual e o tempo em si grita o nome de Ishidate. Assim como ele se certificou de reservar esse programa em um nível temático, ele fez o mesmo estilisticamente, com sua própria animação deslumbrante. Mesmo se você se recusar a se envolver com ele em qualquer nível, exceto na superfície, ainda ficará com um desenho animado encantador, super fofo e peculiar de um tipo que você raramente encontra em animação comercial. Ele tem um antecessor aparentemente óbvio quando em Nichijou, mas qualquer comparação entre os dois destaca seu contraste. Primeiro, mesmo com a visão transformadora de sua adaptação, fica feliz em ser consumida como picadas vagamente conectadas e não sequituras de animação explosiva e surreal. Enquanto empacota tanto o seu soco na sua entrega, o outro opta por uma apreciação muito mais descontraída da atmosfera boba e da dinâmica emergente dentro da configuração interconectada. You’ll often find that CITY has as much to do with the likes of Yokohama Kaidashi Kikou as it does with Nichijou, as a series less preoccupied about eliciting constant laughter—if anything, an idea that was discouraged—and more into the idea of encouraging your imagination to wander around its streets.
Within the show and in interviews, its creative core have pushed against the idea of Comédia sendo necessariamente sobre piadas telegrafadas que só se recompensam quando a linha de soco pousa. Isso lembra as conversas recorrentes sobre comédia e horror como dois gêneros adjacentes; Uma idéia demonstrável explorada por diretores brilhantes como Jordan Peele e, no entanto, um pensamento que muitos divertem ao apontar em momentos divertidos nas obras de terror como falhas acidentais ou definitivas. City ocupa uma região diferente na terra da comédia, mas ishidate acredita na amplitude desse território da mesma forma. Como discutimos antes, foram cineastas como Charlie Chaplin que ele apontou como exemplar do apelo de Arawi. Ou seja, os comediantes que desencadearão sua imaginação com os hijinks deles, em vez de impedi-lo em suas trilhas com um rugido de riso. Essa visão ressoou com o autor, levando à colaboração extremamente estreita entre ele e o estúdio que também abordamos longamente. O resultado é, de certa forma, resumido pelo simples desejo de Arawi:”Quero que os espectadores se perguntem o que diabos os criadores estavam fazendo”.
Uma grande parte do fator surpresa exigido para isso está na apresentação. A linguagem visual do City e a lógica demente por trás dela são exuberantes, mas também tão fáceis para os olhos, em uma época em que todos os outros títulos estão ansiosos para provar seus altos valores de produção por meio de efeitos digitais intensivos. Embora isso possa ser executado de maneira eficaz, é uma abordagem que se tornou tão difundida (e frequentemente implantada) que chupou o ar para fora da sala. E aqui vem o City, um sopro de ar fresco bem-vindo. Todo componente é colocado organicamente em um todo contínuo que obscurece os preceitos da animação CEL que governaram todo o trabalho comercial por uma eternidade; Não há caráter distinto e camadas de fundo, há uma cidade. To be precise, there is one city that houses so much ridiculously intricate animation that it could make any TV project blush in shame.
One of the most interesting questions that Ishidate replied to in a social media campaign was about which episode director had surprised him the most, within a project where both young and veteran staff members have gone all out. His first instinct was to shout out Arawi himself yet again, as he’s been involved in so many iconic choices (like the mansion diorama!) that he might as well have been a director. Among KyoAni’s members, though, he shouted out the young director we’ve been most enthusiastic about as well: his pupil Ryo Miyagi. The storyboarding prowess he showed in moments like the end of episode #04 and the interconnected climax of the race is truly special.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
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