Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Atualmente é um dia abafado, nublado e totalmente inóspito, mas me recuso a deixar que o comportamento francamente infantil da natureza estrague minha tarde. Esta foi uma semana marcada por uma variedade de marcos pessoais gratificantes: lancei meu último artigo sobre o excelente Simoun, atualizei meus artigos Witch Hat Atelier e Chainsaw Man (atualmente em meus rascunhos) e terminei o fascinante Dennou Coil de Mitsuo Iso , enquanto também planejava muito do restante da campanha de D&D da minha casa. Suponho que não seja nenhum grande segredo que realizar coisas faz você se sentir realizado, mas mesmo assim tem sido uma grande fonte de orgulho e energia ver minha pilha de “Projetos pendentes atuais” diminuir tão significativamente no último semestre. Tenho mais coisas divertidas chegando, mas, por enquanto, vamos explorar alguns filmes novos e a aclamada produção de Mitsuo Iso enquanto queimamos a Semana em Revisão!
O primeiro desta semana foi Black Sunday, o longa de estreia do lendário Mario Bava. O filme conta a história de uma bruxa que é condenada e morta por seu irmão, mas retorna como um espírito dois séculos depois, com a intenção de se vingar e retornar ao mundo dos vivos. A narrativa de Black Sunday é vagamente baseada no conto “Viy”, mas também lembra elementos de Drácula, particularmente em seu choque da medicina moderna contra o mal antigo. Mas em termos de direção e cenografia, Black Sunday é Bava no seu melhor: rodado em suntuoso preto e branco, o filme é um desfile de uma composição deslumbrante após a outra, elevando o familiar ao icônico.
Se eu tivesse que descrever o Domingo Negro em uma frase, seria “e se Alfred Hitchcock dirigisse um filme de terror da Hammer”. As composições e bloqueios de Bava sempre parecem propositais, mas Black Sunday é impressionante mesmo para seus padrões gerais, explorando as oportunidades únicas de iluminação oferecidas pela fotografia em preto e branco para construir uma estética gótica abrangente. O filme ainda mantém algum horror genuíno, com seu conceito central de uma “máscara do demônio” cheia de unhas, garantindo seu lugar entre os raros empreendimentos de terror anteriores aos anos 70 que podem realmente me fazer estremecer. Um filme essencial no desenvolvimento do terror europeu e também apenas um relógio gratificante e consistentemente bonito.
O próximo foi Over the Moon, uma animação recente sobre Fei Fei, uma jovem que está deslumbrado com a lenda da deusa da lua Chang’e e seu amor perdido Houyi. A história foi contada a ela pela primeira vez por sua mãe, um ponto-chave de conexão entre eles que se torna seu consolo e luz guia após a morte de sua mãe. Fei Fei encontra conforto óbvio nesta história de espera pelo retorno de seu amor perdido-e, portanto, quando seu pai anuncia que vai se casar novamente, ela parte para a lua, com a intenção de provar que a lenda é verdadeira, interrompendo o noivado de seu pai e mantendo-se firme. à memória do amor de sua mãe.
Então, sim, Over the Moon é obviamente uma história sobre luto, com a jornada de Fei Fei ecoando o longo processo de luto prolongado de Chang’e. As batidas principais provavelmente parecerão um pouco familiares, mas o roteiro é generoso com seus personagens, tanto na forma como explora suas emoções quanto na confiança em deixá-los tornar-se angulosos ou mesmo desagradáveis nas profundezas de seus sentimentos. O elenco também é forte em todos os aspectos, com Cathy Ang mantendo-se unido como Fei Fei convincentemente ferido, mas apaixonado, e Ken Jeong trazendo sua compreensão especializada de timing e anticlímax para o papel de alívio cômico necessário.
I também gostou bastante de como o filme não se desculpa com sua base cultural e mítica específica-não há rampas de acesso ou concessões ao retratar a vida de Fei Fei, o que, sem surpresa, torna suas tentativas de proteger essa vida ainda mais autênticas. Minha única reclamação real com este filme geralmente eficaz são as escolhas das músicas-as sequências musicais do filme são mais erradas do que acertadas e parecem preocupadas em perseguir as tendências pop a ponto de o filme provavelmente parecer datado em cinco anos. Felizmente, os grandes números sobre luto e seguir em frente são ótimos, então as indiscrições musicais do filme realmente não atingem nenhum momento dramático de peso. Em suma, uma história cuidadosa sobre luto com ênfase na reflexão emocional genuína e um filme familiar facilmente recomendável.
Depois, verificamos Razorback, um filme australiano de 84 sobre uma pequena cidade do interior aterrorizada por um javali enormemente grande. Por todos os direitos, esse recurso de criatura claramente derivado de Jaws deveria ser um execrável clunker de um dinheiro, e ainda assim me vi fisgado desde o início. Embora o filme careça de atores de alta qualidade ou mesmo de um javali particularmente assustador, ele é elevado além da razão pela suntuosa cinematografia de Dean Semler.
Nas mãos de Semler, o outback australiano é transformado em um deserto gótico, árvores estéreis e carros abandonados se estendendo como esqueletos e lápides de terra branqueada. A inerente inospitalidade do sertão é elevada por suas mãos a algo odioso e majestoso, uma paisagem tão intolerante à invasão quanto o oceano frio. Dentro deste mundo sombrio, o elenco é persistentemente reduzido, rastejando e desesperado, seja na luz do sol dominante ou na escuridão ameaçadora. Às vezes, nossa busca por gêneros desconhecidos colhe diamantes escondidos; Razorback pode não ganhar nenhum prêmio por seu roteiro ou atuação, mas a fotografia de Semler faz com que valha a pena assistir.
Além de nossas várias aventuras cinematográficas, também passei os últimos meses mastigando lentamente meu caminho Dennou Coil de Mitsuo Iso. Até o recente Orbital Children, Dennou Coil era a única produção dirigida por este lendário animador, famoso por realizar sequências seminais como a batalha de Asuka com as Unidades de Produção em Massa de End of Evangelion. E, de fato, Dennou Coil é em si um parque de diversões para animadores, apresentando tanta animação de personagem distinta quanto qualquer longa-metragem.
Lançado em 2007, o show postula um futuro próximo em que a maioria das crianças está equipada com óculos “dennou”, telas de realidade aumentada que lhes permitem interagir com hologramas digitais no mundo ao seu redor. Embora a maioria das crianças simplesmente use esses óculos para brincar com animais de estimação digitais e outros enfeites, alguns se interessam em dominar essa tecnologia e usam seus óculos para investigar lendas urbanas relacionadas a espaços dennou. Ao se mudar para a cidade de Daikoku, nossa heroína Yuko é imediatamente lançada em um conflito entre esses investigadores dennou, que ameaça arrastá-la para fora do mundo físico.
Honestamente, achei a narrativa abrangente de Dennou Coil terrivelmente arrastado em relação à sua simplicidade, e meus olhos vidrados sempre que os personagens começaram a falar sobre como algum patch digital se relaciona com alguma outra atualização de produto ou outros enfeites. Como em Orbital Children, Mitsuo Iso parece determinado a dirigir dramas animados sobre tópicos que simplesmente não se adequam a dramas animados; hackear é visualmente enfadonho e dramaticamente infundado, e Dennou Coil falha consistentemente em superar essa desvantagem central. Uma porcentagem frustrante desta série é dedicada a personagens correndo em círculos para dar conta de restrições digitais recém-introduzidas e vagamente definidas, todas as quais pareciam um conflito arbitrário.
Dito isso, enquanto o centro de Dennou Coil O fio narrativo é francamente um fracasso, no entanto, fiquei fascinado tanto por sua filosofia abrangente quanto por muitos de seus episódios individuais, que se afastam do mistério central e nada assombroso para ilustrar várias maneiras pelas quais as lendas urbanas podem ser reimaginadas na era digital. A série possui um otimismo encantador que parece nostalgicamente reminiscente de sua época, quando a internet ainda era uma plataforma relativamente aberta, e AR realmente parecia a próxima grande novidade.
Através dos óculos dennou, Iso esperançosamente prevê que a internet seria um veículo para o envolvimento facilitado pela realidade aumentada com o mundo físico real, em vez de simplesmente facilitar o afastamento da cultura da realidade. E em sua preocupação com segredos digitais como mitos urbanos, Iso faz uma suposição tristemente ingênua de que a internet permaneceria um Velho Oeste cheio de segredos, em vez de um punhado consolidado de sites abrangentes. Inferno, até mesmo o conhecimento tecnológico dos protagonistas reflete um otimismo retrospectivamente trágico, Iso falhando em imaginar que a facilidade de uso acabaria por antecipar qualquer necessidade ou desejo de fluência técnica entre a próxima geração.
Em seus melhores momentos, Dennou A perspectiva simultaneamente nostálgica e visionária de Coil se funde em uma espécie de elogio às comunidades locais à medida que elas se rendem à urbanização, pavimentando os tipos de espaços caminháveis e bairros unidos nos quais as lendas locais tendem a florescer. À medida que criaturas solitárias denunciáveis designadas como “ilegais” ou falhas são perdidas em uma sequência de atualizações impessoais do sistema, podemos sentir tangivelmente a morte de uma infância coletiva – embora na capacidade dessas lendas de migrar de espaços físicos para espaços digitais, permaneça um espero que a maravilha da infância possa ser preservada, independentemente da época.
Através de seu interrogatório melancólico dessas lendas urbanas fugazes, Dennou Coil evoca uma sensação palpável de perda, seu manto de nostalgia parecendo fundamentado e genuinamente triste. Embora tenha ficado desapontado com a narrativa abrangente de Dennou Coil, seus melhores momentos evocam o mesmo senso de desamarração coletiva de obras-primas como Pom Poko ou Patlabor, fundamentando sua crítica geracional nas provações e tribulações específicas de uma pequena comunidade. Uma produção bagunçada, bonita e com movimento intermitente.
