Kumusta mga kababayan, at maligayang pagbabalik sa Wrong Every Time. Kayong lahat ay nagdadala nitong walang katotohanan na heatwave okay? Kasalukuyan kong ginugugol ang aking oras sa paglipat sa pagitan ng isang pares ng mga silid na kinokontrol ng temperatura, na tinatrato ang bawat pamamalagi sa labas ng mundo bilang isang bagay na katulad ng isang moonwalk sa isang malalim na pagalit na alien landscape. Alin, sa totoo lang, ay isang regimen na naging pamilyar na ako dahil sa COVID-kaya sa palagay ko, ito lang ang hinaharap mula ngayon? Isinuko na natin ang panlabas na mundo sa walang humpay na pagbabago ng klima at mga pandemya na alon, at dapat lang na tanggapin ito bilang bagong normal. Nakakatuwa! Ngunit kahit na ang sangkatauhan ay hindi maaaring magkaisa sa pagkakaisa upang iligtas ang sarili, maaari tayong magsama-sama upang magreklamo tungkol sa ilang mga pelikula. Ipagpatuloy natin iyan, habang naniningil tayo sa pinakabagong Week in Review!
Ang una naming feature ng linggo ay Iron Monkey, isang’93 martial arts film. Ang titular na Iron Monkey ay isang katutubong bayani, isang uri ng mala-Robin Hood na pigura na nagnanakaw mula sa tiwaling lokal na pamahalaan upang suportahan ang mga karaniwang tao. Kapag huminto sa bayan ang isang gumagala-gala na martial artist (Donnie Yen) at ang kanyang anak na lalaki, una silang na-conscript para pabagsakin ang Iron Monkey. Ngunit sa lalong madaling panahon, napagtanto nina Donnie at Monkey na ang kanilang mga kaluluwa ay nag-aalab na may pantay na pagnanasa para sa hustisya, at nagsama-sama upang pabagsakin ang kanilang mga kasuklam-suklam na tagapangasiwa.
Ang Iron Monkey ay isang klasikong kuwento na isinagawa nang may hindi maarok na pagkabukas-palad, na nag-aalok ng mga eksena pagkatapos ng eksena ng nakasisilaw na martial arts choreography. Pinagsasama ang matitibay na mga batayan ng atletiko na may gayak na disenyo ng set at isang dash lang ng wire-fu, ang mga laban ni Iron Monkey ay malikhain, pisikal na nakamamanghang, at kadalasan ay medyo nakakatawa. Ang walang katotohanan na footwork at bakal na titig ni Donnie Yen ay madalas na magnanakaw ng eksena, ngunit ang pelikula ay higit pa sa kanyang showcase-sa katunayan, ang kanyang anak at ang kapatid na babae ni Iron Monkey ay nakakakuha ng mga nangungunang pagkakasunud-sunod ng kanilang sarili, na ginagamit nang husto ang mga multileveled set ng pelikula. upang lumikha ng mga roaming na labanan na may malinaw na pakiramdam ng momentum. Pinagsasama ng pelikula ang mabagsik na pagiging simple at katatawanan ng isang produksyon ng Shaw Brothers na may na-update na sukat at deft wirework, na nagtatapos sa isang pole-top na labanan sa isang nagngangalit na impyerno. Nakakita na ako ng ilang martial arts na pelikula, at sa mga tuntunin ng densidad at kalidad ng mga laban, ang Iron Monkey ay tumatayo sa alinman sa mga ito. Isang dapat makita para sa mga tagahanga ng genre.
Sumunod ay ang Velvet Buzzsaw, isang tampok na isinulat at idinirek ni Dan Gilroy, ang manunulat/direktor ng Nightcrawler. Ang Nightcrawler ay isang napakasakit na paglalakbay patungo sa isa sa mga pinakamabuting posibleng propesyon, habang sinisiyasat ni Jake Gyllenhaal ang mga kalye ng LA para sa karahasan upang linawin ang 6 AM na balita. Ang pelikulang iyon ay nagsilbing isang masakit na akusasyon sa kalaliman ng kalikasan ng tao-ngunit nang makita ang Velvet Buzzsaw, hindi ko talaga akalain na may malaking pag-asa si Gilroy para sa anumang bahagi ng sangkatauhan.
Nakatuon ang pelikula sa magandang eksena sa sining ng LA , kasunod ng isang kritiko ng sining, tagapamahala ng studio, at ahente nang matuklasan nila ang buong koleksyon ng isang master na namatay sa dilim. Bagama’t sa simula ay kalugud-lugod sa pinansiyal at malikhaing windfall na ito, ang mga kakaibang pangyayari ay nagsimulang mag-stack up tungkol sa koleksyong ito, na sinusundan ng isang nakakatakot na bakas ng mga katawan.
Sa pangkalahatan ay walang tuwirang kaibig-ibig na mga character sa Velvet Buzzsaw, bagama’t mayroong maraming mga taong kinasusuklaman. Malinaw na pinaninindigan ni Gilroy ang walang kabuluhang networking at performative spectacles ng fine art, na nakikita ang medium bilang isang partikular na bonggang bersyon ng stock manipulation. Inilalaan niya ang pinakapanghamak para sa kritiko ng sining ni Gyllenhaal, na patuloy na kino-frame ng pelikula bilang mahalagang pang-aapi ng mga artista sa pamamagitan ng pagbibigay sa kanila ng masasamang pagsusuri. Ang mga damdamin ni Gilroy sa mga kritiko ay napakatindi at napakaliit kung kaya’t si Gyllenhaal ay talagang tumaas sa isang uri ng nakakalokong alindog-sa kabila ng kanyang maasim na dila, malinaw na siya at ang iba pang napapahamak na mga bituin ng pelikula ay tunay na nagmahal ng sining minsan, bago siya isama sa mataas culture hitmaker market.
Sa totoo lang mahirap ipahiwatig ang buong nararamdaman ko sa Velvet Buzzsaw. Mayroong maraming mga eksena kung saan ang paghamak ng pelikula sa sangkatauhan ay tila napakatindi upang maiwasan ang anumang makabuluhang takeaway, na parang si Gilroy mismo ay nagbabahagi ng kabuuang pagwawalang-bahala ni Nightwalker-Gyllenhaal sa ating maliliit na buhay. At may iba pa, tulad noong ang isang dating kinikilalang John Malkovich ay magiliw na hinimok ng kanyang matagal nang ahente na hanapin ang kanyang sarili, kung saan tila si Gilroy ay may napakalaking simpatiya para sa proseso na nag-dehumanize sa mga bituin ni Buzzsaw. Ang iminungkahing duality ng pelikula ng tunay na sining sa kalye laban sa mataas na produkto ng sining ay masyadong simplistic upang isaalang-alang bilang isang seryosong argumento, lalo na dahil ang pag-unawa ni Gilroy sa mataas na sining ay tila hindi lumalawak kaysa sa”ginawa nila ang isang friggin’toilet sa isang art exhibit.”Ngunit ang mga sandaling ito ay balanse sa pamamagitan ng mga pagkakasunud-sunod ng simple, masiglang pagpapahalaga para sa tunay na mahusay na sining, sa lahat ng pagbabago at kahit na kahila-hilakbot na kapangyarihan nito. Ang pelikula ay isang gulo, ngunit ang pagsundot sa mga nasira nito ay mas kawili-wili kaysa sa pagpuri sa isang simpleng gumaganang larawan. Ang pelikula ay pinagbibidahan nina Kate Beckinsale at Luke Wilson bilang mag-asawang nasa bingit ng diborsyo, ang kanilang kasal ay nalason ng aksidenteng pagkamatay ng kanilang anak. Habang pauwi mula sa kanilang huling pagtitipon ng pinalawak na pamilya, ang dalawa ay pinilit ng mga problema sa kotse na kumuha ng isang silid sa isang katakut-takot na motel sa tabing daan. Doon, nadiskubre nila ang mga video ng mga naunang nakatira na inaatake ng hindi kilalang mga salarin, at sa lalong madaling panahon ay nakita nila ang kanilang mga sarili ang mga bida sa pinakabagong home movie ng motel.
Alam ng bakante kung ano ang tungkol dito at napupunta para dito. Isang mahigpit na labinlimang minuto upang i-set up ang pangunahing relasyon at premise, isang nagbabagang kalahating oras ng pagtuklas kung ano ang eksaktong mali, at pagkatapos ay tense na standoff pagkatapos ng tense na standoff, habang ang dalawa ay nag-aagawan sa paligid ng mga pasilidad sa pagtatangkang makatakas o talunin ang kanilang mga nagpapahirap. Ang pinakamalaking lakas ng pelikula ay ang matalinong paggamit nito sa setting nito; Ang maingat na atensyon ay binabayaran sa mga aktibong sightline ng mga kalaban, ang banta ng mga naka-unlock na bintana o pinto ay lumilikha ng isang palaging pakiramdam ng isang orasan ay bumababa, at ang pagpapakilala ng isang tunnel system sa kalaunan ay nagiging isang kasiya-siyang maze ng mga kakaibang koneksyon at blind corner.. Walang masyadong magarbong, ngunit lubos na tiwala sa kung ano ito-Ang bakante ay isang magandang maliit na horror-thriller upang pasiglahin ang isang nakakatamad na hapon.
Ang aming susunod na tampok ay isang tampok na samurai, ang 1990 na bersyon ng Ronin Gai. Ang pelikulang ito ay tila isa lamang sa maraming adaptasyon ng orihinal na tahimik na pelikula, ngunit napunta kami dito lalo na sa isang dahilan lamang: pinagbibidahan ito ni Yoshio Harada (ang visual na inspirasyon para sa Admiral Aramaki ng One Piece), Kunie Tanaka (ganito para kay Admiral Borsalino) , at Shintaro Katsu (gayundin para kay Admiral Issho). Si Harada lang ang naririto sa papel na direktang nagbigay inspirasyon sa kanyang One Piece persona, ngunit isang karanasan pa rin ang makitang buhay at nasa laman ang gayong malinaw na visual na inspirasyon.
Ang pelikula mismo ay isang brutal na kuwento, na gumaganap parang mas mapang-uyam na bersyon ng Seven Samurai. Habang pinapatay ng isang lokal na maharlika ang mga batang babae ng isang mahirap na bahay-aliwan para sa kanyang sariling libangan, ang residenteng si ronin hem and haw, na nananaghoy sa kanilang bumagsak na katayuan ngunit tinatanggihan ang tawag sa huling pagkakataong ito na isama ang mga birtud ng samurai. May pakiramdam ng mahusay na kinita na pagkapagod na tumatagos sa pelikula, at ang mga lead ay gumagawa ng isang napakahusay na trabaho ng paglalarawan ng iba’t ibang post-glory dead ends, mula sa magulong galit ni Harada hanggang sa desperadong pakikipagtawaran ni Tanaka. Nadama ko na ang gitnang kahabaan ay medyo paulit-ulit sa serye ng mga katulad na pagpatay, ngunit ang nakakagulat na pagtatapos ng tatlong samurai na nakaharap sa isang daang lalaki na higit pa kaysa sa ginawa para sa naturang mga quibbles. Isang ganap na epektibong samurai film na may bonus para sa sinumang tagahanga ng One Piece.
Ang aming huling tampok ng linggo ay isang karanasan na hindi katulad ng iba, ang nakamamanghang MAD GOD. Ang pelikula ay isang paggawa ng pag-ibig ng stop-motion maestro na si Phil Tippett, at nagtatanghal ng nakakapangilabot na pangitain ng isang mundong binabalik sa pamamagitan ng kalupitan at digmaan. Ang isang walang pangalan na explorer ay ibinaba, pababa, pababa sa kailaliman ng brutal na kaharian ng diyos, ang kanyang misyon ay hindi tiyak, ang kanyang mapa ay gumuho sa kanyang mga kamay. Walang kaaliwan o vindication na matatagpuan sa mga kalaliman; isa lamang nakakatakot na nilalang o nasalanta ng buhangin na pagkawasak pagkatapos ng isa pa, na lumilipad sa malayo tulad ng kumukupas na mga testamento sa kahangalan ng sangkatauhan.
Sa halos walang lantad na pagsasalaysay sa mga bagay na nakakagulo, ang MAD GOD ay nagpapatuloy tulad ng isang paglalakbay sa pamamagitan ng siyam na bilog ng impiyerno, habang ang isa o isa pang manlalakbay ay sumasaksi sa isang prusisyon ng kagila-gilalas na kababalaghan. Ang pelikula ay isang pagdiriwang ng walang kaparis na tactility ng stop-motion form, na nakasisilaw kapwa sa malawak nitong hanay ng mga halimaw at sa hindi mailarawang disenyo ng set. Salit-salit na claustrophobic at napakalaking saklaw nito, ang MAD GOD ay nagbibigay ng sapat na nakakatakot na mga konsepto at disenyo sa anumang limang minutong kahabaan upang ganap na mapuno ang iyong karaniwang horror na pelikula, bago ibinaling ang tingin nito sa ilang bagong hanay ng mga kababalaghan. Patuloy na nag-uudyok ng isang pakiramdam ng parehong fatalism at pagkamangha, ito ay nagdudulot ng isang pakiramdam ng simpleng pagpapatotoo sa isang bumagsak na mundo na walang iba na nakita ko, na nangangailangan ng paglipat sa mga gawa ni Dante o Cormac McCarthy para sa anumang makatwirang punto ng paghahambing. Isang ganap na mahalagang gawain para sa sinumang mahilig sa animation.
