Zbyt wiele przegranych bohaterek!/Bezczelne wybryki komedii romantycznej Makeine kryją w sobie dramatyzm, mieszankę, którą obiecujący początkujący reżyser nazywa pogodną, pogodną nostalgią. Aby przekazać to uczucie, które przekazał już oryginalny autor, jego zespół fizycznie i emocjonalnie zakorzenił serię w jej prawdziwym otoczeniu w stopniu rzadko spotykanym w przypadku podobnych dzieł.
Co byś sobie wyobrażał Makeine
Budowanie narracji wokół dziewcząt który został odrzucony w bardziej standardowym układzie dla gatunku, nie jest ćwiczeniem mającym na celu dekonstrukcję jego norm, ale raczej sposobem na opowiedzenie historii w tych ramach z punktu widzenia, który normalnie nie byłby badany. Często pozwala to na naśmiewanie się z konwencji gatunkowych i nadaje absurdalny ton komedii, ale także nasyca serial wewnętrznym bólem; w końcu raz już przegrali. Nonszalancja i romantyzm, dobro i zło, szczupły i gruby: romcom Makeine zawiera te dwoistości.
Jaka jest zatem dokładna odpowiedź na pytanie? Jeśli chodzi o wyobrażenie sobie całości Makeine, termin, który Kitamura wybrał na etapie przedprodukcji, brzmiał: wesoła nostalgia. Tyle wyjawił w wywiadzie dla nowego wydania Newtype z września 2024 r., w którym opowiedział, jak podszedł do swojego pierwszego projektu ; ponieważ ten czarujący przekaz mógł sugerować błędne wyobrażenie, nigdy nie jest za wcześnie, aby przypomnieć ludziom, że to jego debiut jako reżysera serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno pod względem decyzji twórczej-twórca i ostateczny opiekun. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach zależy od przypadku. W centrum jego wizji znajduje się słowo nostalgia, które wywołuje mieszankę sprzecznych uczuć, zarówno przyjemnych, jak i bolesnych. Poza tym istnieje nieodłączne spojrzenie na przeszłość z sentymentem, co ma sens, gdy mamy do czynienia z grupą dziewcząt, które odchodzą od cennych romantycznych uczuć, które nie zostały odwzajemnione. Dodając wesoły jako modyfikator, przechylisz tę równowagę w stronę zabawnego chaosu, który jest powszechny w serii, ale nie unieważnisz jej bardziej zamyślonej strony. Dodajmy do siebie te dwa słowa, a otrzymamy całkiem dobre podsumowanie pomysłów Makeine’a.
Teraz, gdy znamy cel, do jakiego dążył Kitamura za pomocą tego szerokiego, nieco niejasnego terminu, następnym krokiem jest zrozumienie, w jaki sposób próbował wywołać te uczucia. W tym celu warto zastanowić się, skąd pochodzi reżyser – coś, co sam niedawno zrobił w pierwszej części wywiadu dla Febri. Zapytany o swoje pochodzenie i mentorów, jako powód, dla którego zaczął zajmować się animacją, wskazał takie prace jak Utena i własne zainteresowanie wywiadami z pracownikami, a studio OLM jako bramę do branży. Pamięta, że pracując nad skromnymi kreskówkami dla dzieci, wiele się nauczył od Norihiko Sudo(reżyser serialu Reżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent i końcowy nadzorca przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo w serialach z różnymi szczeblami reżyserskimi – główny reżyser, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, różne niestandardowe role instancje to indywidualny scenariusz Zoids Wild, projektu, który pozwolił Kitamurze zająć się obowiązkami kreatywnymi) i jednego Naohito Takahashiego. Jeśli znasz to drugie, wiele elementów stylu Makeine mogło od razu Ci się spodobać.
Kariera Takahashiego to kariera wzorowego, niedocenianego bohatera. Jest typem artysty, którego dziedzictwo jest o rząd wielkości ważniejsze, niż się ludziom wydaje; coś, co niestety raczej nie ulegnie zmianie, teraz, gdy odszedł na emeryturę równie cicho, jak pracował. Jego staż w Studio Giants w latach 80. i 90. mówi sam za siebie: atrakcyjny, wyrafinowany reżyser animacji, który wypracował sobie naturalistyczny styl reżyserii, który nie ugasiłby zabawy przy bardziej ekscentrycznych projektach. Poza tym był już wtedy znakomitym, choć ostatecznie pomijanym mentorem. Choć większość osób (słusznie) wskazuje na Kazuyę Tsurumakiegojako jednego z największych protegowanych Hideaki Anno, niewielu zwraca uwagę na fakt, że animacji uczył się on przez wiele lat bezpośrednio pod okiem Takahashiego lat – coś, co miało również wpływ na styl reżyserski, który później rozwinął, z innym członkiem Giants Masayuki jako pomostem pomiędzy tymi połączonymi szkołami reżyserskimi.
Chociaż związek ten był stosunkowo lepiej znany , łatwo argumentować, że Takahashiemu nie przypisuje się wystarczającego uznania za wspieranie kariery ukochanej projektantki postaci i reżyserki animacji Yuriko Chiba. Po nauce pod jego okiem stworzyli zabójczy duet, który zachwyci każdego, kto zwróci uwagę na ich projekty, czy to w pojedynczych odcinkach, czy w produkcjach, które wspólnie prowadzili. W szczególności dotyczy to tych, którzy zaprosiliby ich na założenie studia OLM oraz wieloletni reżyserzy postrzegają swoją twórczość jako wyzwanie. Jednak pomimo tego ogromnego szacunku za zamkniętymi drzwiami można śmiało powiedzieć, że Takahashi nigdy nie zyskał uznania szerokiej publiczności.
Jego najbardziej znane dzieło — Berserk (1997), z Chiba jako główny reżyser animacji – rzadko jest w ogóle łączony z jego nazwiskiem i pozostaje dziwnie niedoceniany w przypadku tak popularnego serialu; może dlatego, że jego grzeczny, czasem poetycki naturalizm mylony jest z niechlujstwem, utożsamianym z konserwatywną produkcją. Arcydzieła, w których elegancja duetu błyszczy najlepiej, jak na przykład To Heart z 1999 roku, są uwielbiane przez superfanów, mają ogromny wpływ na historię w branży, a mimo to pozostają nieznane większości ludzi. W pewnym sensie podsumowanie samego Takahashiego.
Pod koniec swojej kariery Takahashi jeszcze bardziej odszedł w zapomnienie. Zanim Kitamura zaczął uczyć się podstaw reżyserii, skutecznie odsunął się od zgiełku telewizyjnego anime, pracując głównie nad filmami kierowanymi przez innych ludzi z OLM. Od czasu do czasu podnosił głowę w telewizji, pokazując jakieś scenorysy; na przykład pojedynczy odcinek Zoids Wild, do którego wszedł na pokład tuż przed tym, jak Kitamura dostał podobne możliwości. A jednak ten prawie emerytowany weteran jest mentorem, którego wschodząca gwiazda wykrzykuje jako główny powód, dla którego jest w stanie osiągnąć to, co robi z Makeine. Spektakl, który, nawiasem mówiąc, zachowuje zwariowaną zabawę materiału źródłowego, a jednocześnie nasyca go eleganckimi, poetyckimi dramatyzacjami tego, co przyziemne – brzmi teraz znajomo, prawda?
Chociaż nie wykrzyczał go jako mentora, bo spotkał go na jakimś na późniejszym etapie swojej kariery jasne jest, że Kitamura również czerpie wiele ze stylu Mamoru Hatakeyamy po występie w Kaguya-sama. W wywiadach, takich jak ten niedawny dla Mantan Web, wskazał na niezwykle zróżnicowaną gamę poziomów cieniowania jako sposób na modulowanie realizmu i umożliwienie działania dwoistości tonów Makeine’a; coś wspólnego z pracami Hatakeyamy w zakresie kagenashi/zenkage, które stosują płaskie cieniowanie, ale bardzo ostrożnie kontrolują jego krycie w celu określenia tonu. I spójrzcie na to, Kaguya-sama to kolejna bezczelna komedia romantyczna z zaskakującym akcentem dramatycznym!
Oprócz tych podobieństw stylistycznych zrozumienie pochodzenia Kitamury może pomóc w zrozumieniu, dlaczego ta adaptacja podeszła do Makeine’a z bardzo szczególnego punktu widzenia. W procesie twórczym rzadko istnieje pojedyncza, właściwa droga. Dla reżysera serialu anime Reżyser serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach zależy od konkretnego przypadku. Oznacza to, że możesz najpierw przyjrzeć się historii w konkretnych kategoriach, a następnie dowiedzieć się, które kreatywne wybory najlepiej ją wyrażają… ale możesz też zacząć od abstrakcyjnego klimatu, atmosfery i techniki, które w naturalny sposób to przekazują, a następnie ukształtuj opowiadanie historii tak, aby utrzymać to nieuchwytne uczucie, którego szukasz. Biorąc pod uwagę, że Kitamura szukał tego typu abstrakcyjnego pojęcia zamiast jakiegokolwiek konkretnego terminu związanego z fabułą jako punktu wyjścia, można łatwo odgadnąć, dokąd zmierza jego instynkt. I znowu ma to sens, biorąc pod uwagę wszystkie te wpływy: od dzieł Kunihiko Ikuhary, które podziwiał w młodości, po klimatycznego mistrza, od którego się uczył, Kitamura skłania się w stronę wyrażania wartości nieuchwytnych, w stronę gawędziarzy którego wybory materialne prawdopodobnie są najważniejsze.
Pamiętaj, nie oznacza to, że nie przejmuje się oryginalną historią. Oczywiste jest, że Kitamura podszedł do materiału źródłowego z szacunkiem i początkowo zastanawiał się, dlaczego akurat jemu zaproponowano komedię romantyczną z pięknymi dziewczynami. W rozmowie z Newtype ujawnił, że początkowa propozycja — złożona przez kogoś z A-1 Pictures zaledwie 2 lata temu…trochę go to zaskoczyło, biorąc pod uwagę jego skłonności i znaną chęć wykorzystania ich do opowiadania dramatycznych historii. Jednak kiedy faktycznie przeczytał książki, od razu dostrzegł zgodność między swoim stylem a mniej oczywistymi cechami ukrytymi pod uroczą powierzchnią Makeine, więc z radością przyjął tę pracę. Choć nie byłoby to łatwe do sformułowania w konkretnych kategoriach, ponieważ był to jego pierwszy projekt, związek pomiędzy scenariuszem Takibi Amamori a fizycznym otoczeniem historii przemówił do reżysera z wyczuciem dla określonej atmosfery.
Nie jest tajemnicą, że Amamori dorastał w Toyohashi, w prefekturze Aichi. Nie oznacza to po prostu, że mówi o tym otwarcie w wywiadach, w których wyznaje miłość do miejsca, które uważa za wyjątkowe, ale także tego, że samo Makeine pęka z miłości do miasta i okolic. Żadne wydarzenie nie dzieje się w jakimś niewyraźnym miejscu, a raczej w konkretnych miejscach, które stopniowo budują wizerunek tego romantycznego Toyohashiego. W serialu zmuszonym do przedstawiania różnorodnych potraw przez żarłoczną wydrę Makeine robi wszystko, co w jego mocy, aby trzymać się produktów znalezionych w jego ustawienie; nawet japońscy widzowie dali się nabrać na tę dokładność, gdy nagle dowiedzieli się, że Black Thunder obsługuje zarówno Yanami, jak i Asagumo uwielbiam jeść jako przekąskę zawsze była przełomową historią dla firmy Toyohashi.
Chociaż sam w sobie wartościowy, proces konstruowania wiarygodnej scenerii — ponieważ jest prawdziwa z punktu widzenia autora który bardzo to kocha – to tylko pierwszy krok w planie Amamori. Jak widać w tekście i posłowiach, autor ma tendencję do budowania bezpośrednich powiązań pomiędzy określonymi rytmami postaci, filarami atmosfery i materialnymi wyznacznikami scenerii. pierwsza miłosna lemoniada dla dorosłych, która pojawia się w programie (i to personel również dostał próbki) został wprowadzony przez Amamori w scenie, która opisuje postrzeganą dojrzałość kogoś, kto się zakochał. Spośród wszystkich bibliotek w mieście Nukumizu i Komari szczególnie odwiedzają tę centralną; w końcu ten jest najstarszy i najbardziej nostalgiczny, co autor również starał się podkreślić, jeszcze zanim Kitamura zidentyfikował go jako duszę Makeine. Podobny tok myślenia doprowadził do uwzględnienia innych przypadkowych szczegółów miasta, takich jak nocne targi, które po południu wywołują specyficzny moment ekscytacji, gdy patrzysz, jak się je rozstawia. W serialu miasto jest po prostu kolejnym elementem jego języka, więc adaptacja musiała po prostu to uwzględnić.
Podczas gdy w anime bardziej wyraźne odniesienia są czasami zamazane, w programie telewizyjnym Kitamury nagromadzenie rzeczywistości występuje tak samo. Jak po raz pierwszy zauważył w wywiadzie dla lokalnej gazety i od tamtej pory wielokrotnie nawiązywał, jego zespół odbył aż 10 wypraw rozpoznawczych, aby dogłębnie zapoznać się z scenerią. Dzięki tej dokładności udało im się połączyć proces przedprodukcyjny z tworzeniem samego przedstawienia; wiele ujęć w Makeine wykorzystuje zdjęcia z rzeczywistych lokalizacji, na których członkowie ekipy udają bohaterów, ponieważ ciągłe podróże po projekcie pozwoliły im skadrować ich zgodnie z zamierzeniami reżysera w scenorysach.
Warto zauważyć, że obiektywne odtworzenie Toyohashiego nie było celem. Zasoby takie jak Mapy Google ułatwiły włączenie materiałów fotograficznych jako tła, ale nawet jeśli unikniesz najbardziej prymitywnych pułapek – takich jak przypadkowe dołączenie znaków wodnych i podobnych błędów – bezmyślne włączenie nie będzie w znaczący sposób ugruntowywać wydarzeń. To, co udaje się (w większości) wyjątkowym wysiłkom takim jak Makeine, to wybieranie elementów tak charakterystycznych, że można je odczytać jedynie jako autentyczną lokalizację, a jednocześnie znajdowanie sposobów na przywołanie znajomości tej bardzo specyficznej scenerii. To oczywiście sprawia, że efekty wizualne nadal przyjemnie się ze sobą łączą.
Kitamura sam zauważył, że nawet wcześniej nie był w Toyohashi, ale jako mieszkaniec stosunkowo małego miasta od razu poczuł się jak u siebie dom. Dużą część przedprodukcji poświęcono na przybicie elementów, które najsilniej przywołują letni nastrój; nie tylko dlatego, że akurat jest to pora roku, w której rozgrywają się pierwsze dwa wątki, ale także dlatego, że wielu widzom kojarzy się z pomysłem przebywania w czasie wakacji w skromnym mieście. Być może nie robią tego świadomie, ale wciąż mgliście pamiętają czas spędzony w podobnych miejscach lub po prostu nawiązują do powszechnego – choć tak precyzyjnie uchwyconego – uczucia letniego upału, który od niechcenia napromieniowuje Makeine. Właśnie taki rodzaj nostalgii chcieli uchwycić, sprawiając przyjemność autorowi, który również tak uważa, uchwycąc atmosferę miejsca w taki sposób finezja, ukazana jest ulotna, błyskotliwa młodość zamieszkujących ją bohaterów.
W procesie udoskonalania koncepcji wesołej nostalgii w kierunku lata w Toyohashi Kitamura polegał na duecie, który nazywa ich tajne broń. Aoi Otani i Keigo Arihara to dwaj artyści koncepcyjni, którzy dołączyli do projektu tak wcześnie, że tożsamość programu nie została jeszcze ustalona. Szczególnie łatwo to docenić w przypadku odrzuconych próbki Otani deski, które są piękne same w sobie, ale mają zupełnie inne kolory niż charakterystyczny wygląd serialu. Nie tylko ciągłe dyskusje z reżyserem i wyjazdy do Toyohashi zawęziły zakres prac: interakcja między dwoma artystami koncepcyjnymi również pomogła im osiągnąć idealną równowagę. Komentując inny stary obszar roboczy, Arihara zauważyła, że Otani malował dla Makeine mroczniejszy świat, podczas gdy dla niego był on odwrotny. W końcu spotkali się pośrodku, aby uzyskać niepowtarzalną estetykę Makeine.
Rezultatem tego procesu jest styl artystyczny — i co najważniejsze, związany z nim nastrój — dzięki któremu możesz zamknąć oczy i natychmiast zdjęcie. Dzięki obszarom roboczym Otani i Arihary spektakl jest w stanie namalować wewnętrznie spójny świat; taki z rozpoznawalną gamą z zielonych oraz blues umieranie bohaterów, co bez odczuwania piekielnego gorąca, nasuwa myśl o wilgotnym lecie. Bursztynowe kolory sali klubowej, którą bohaterowie zwykle odwiedzają później w ciągu dnia, wyróżniają się kontrast. Dotyczy to również scen specjalnych, a także całej trzeciej serii: po przejściu na sezon jesienny paleta staje się więcej ziemny, podczas gdy popołudnia świecą głęboko czerwień, której wcześniej nie widzieliśmy – coś, co również pasuje do emocjonalnej intensywności łuku. Nawet bez uwzględnienia ich otoczenia proste spojrzenie na porę lunchu Yanami i Nukumizu może od razu powiedzieć, kiedy to się dzieje i jakie to uczucie.
Chociaż mówiliśmy, że serial fantastycznie radzi sobie z ucieleśnieniem uczucie, do którego dążył zarówno autor, jak i reżyser, jest jedna część, która robi to jeszcze lepiej: sekwencje otwierające i końcowe. Obydwa uzupełniają się, tworząc dwoistość podobną do całej serii. Na początek mamy żywe wprowadzenie wyreżyserowane i opracowane przez Takayuki Kikuchi, którego Już wcześniej podkreślałem, że jest to jeden z najbardziej bezczelnych artystów na linii produkcyjnej A-1, prowadzonej przez jego kolegę Yuichiro Kikuchi. Pomimo tego, że podobnie jak sam serial jest zakorzeniony w scenerii fizycznej, radosna pop-artowa estetyka otwarcia, dynamiczna animacja i nieco diegetyczny typografia wywołuje zabawny, farsowy charakter, który natychmiast go wyróżnia. Od samego początku – a raczej po drugim odcinku, w którym zadebiutował – ukazuje pierwszą połowę radosnej nostalgii Kitamury.
A co w takim razie z drugą połową? Jak zmaterializowałbyś to uczucie romantycznej nostalgii w animacji? Doskonałym sposobem byłoby na przykład przywrócenie metody produkcji, która definiowała wygląd anime przez dziesięciolecia i która przenieśliśmy się z tak dawnych czasów, że obecnie nie da się tego odtworzyć. Nostalgia za animacją celowniczą i prawdziwym filmem jest obecnie tak powszechna, że twórcy z lewej i prawej strony próbują odtworzyć ich wygląd, ale z powodu braku fizycznych narzędzi do stworzenia tego pierwszego, jest to zwykle mimikra cyfrowa; coś, co może przynieść interesujące wyniki w prawo ręce, pamiętaj.
Twórcy tacy jak Junchukan Bonta należą jednak do ruchu oporu, który nie pozwala rzeczywista metodologia zostaje zatracona – nawet jeśli trzeba ją wymyślić na nowo, łącząc własne narzędzia. Tylko w zeszłym roku naszą uwagę przykuł ich gościnny występ w pewnym filmie krótkometrażowym na vtuberze; robienie wszystkiego, co w ich mocy, aby używać prawdziwego kliszy do ujęć, które obecnie wszyscy podrabiają cyfrowo, jest oznaką interesującego twórcy, szaleńca lub jednego i drugiego. Asystent produkcji Asystent produkcji (制作進行, Seisaku Shinkou): W rzeczywistości najniższa rola „producenta”, a jednocześnie niezbędny trybik w systemie. Sprawdzają i noszą materiały oraz kontaktują się z dziesiątkami artystów potrzebnych do ukończenia odcinka. Zwykle zajmuje się wieloma odcinkami programów, w które jest zaangażowany. za tym Chronoir wyjątkowym był Yuutarou Ito, kolejny członek ekipy zarządzającej Kaguya-sama który po raz pierwszy zajmował stanowisko producenta w programie telewizyjnym razem z Makeine.
Nic dziwnego, że to Ito zwrócił się do Bonty w sprawie sekwencji końcowej i dostał dokładnie to, czego potrzebował zespół: wspaniałego , wyidealizowana wersja miłości z serialu komediowego widzianej przez prawdziwe różowe okulary. Zgodnie z duchem serii, aktorskim elementem sekwencji poklatkowej jest prawdziwa szkoła, która służy jako sceneria, a za animacją stoi wspomniany duet grafików koncepcyjnych; chociaż tym razem to Otani rysował i malował cele, Arihara również pomagał im w tym procesie. Nawet piosenka oddaje nostalgiczny charakter tej sekwencji, ponieważ tak się składa, że wszystkie zakończenia serii to covery starszych piosenek o miłości (i złamanych sercach) autorstwa głównego przegranego.
Ale kim są ci ukochani nieudacznicy? Pierwszy wątek w Makeine ma wystarczająco dużo czasu, aby przedstawić i zatopić wszystkie ich relacje. Po raz pierwszy zostajemy wprowadzeni do serialu poprzez piękną sekwencję, która z innego wektora niż zakończenie idealizuje młodzieńczą miłość do komedii romantycznych. W końcu jest to świat, na który uwielbia patrzeć bohater powieści lekkiej, Nukumizu – świat, który oddziela od swojego własnego. Zamiast tego rzeczywistość głównego bohatera każe mu siedzieć w restauracji i przez przypadek być świadkiem dramatycznej historii miłosnej innej osoby… i jej popadnięcia w żałosną komedię. Dynamika, która tam się natychmiast ustanawia, podsumowuje serial: Anna Yanami bezczelnie wchodzi, aby porzucić traumę i ujawnić swoje radykalne poglądy, a Nukumizu równie dobrze mógłby narzekać w zagubionym, obcym języku, ponieważ na jego niegrzeczne żarty nie ma miejsca w jej świętym umyśle pałac.
Już pierwszy odcinek pokazuje, że Nukumizu to typ, który unika bliskiego kontaktu z ludźmi w szkole, gdy tylko jest to możliwe, i że Yanami jest typem, który w ogóle się tym nie przejmuje. Czy zatem ten związek mógłby zmierzać w kierunku romantycznym? Gdybyście zapytali samą Makeine, bezczelnie zaprzeczyłaby takiej możliwości… jednocześnie kończąc pierwszy odcinek pełnym miłości przedstawieniem Yanami na dachu; jej piękno w oczach Nukimizu podkreślone przez kilka animowanych cięć na 1 i atmosferę bezpośrednio przypominającą romans, który idealizował na początku odcinka. Potem zauważalnie zbliżają się do siebie w całej serii – i to nie tylko po tym, jak formalnie przypieczętowali swoją przyjaźń odrzuceniem (?), aby zakończyć pierwszą historię. Tę kurczącą się relację dobrze widać wizualnie po tym, jak blisko siebie siedzą, ponieważ nieostrożne podejście Yanami (szczególnie podczas wspólnej przerwy na lunch) jest czymś, z czym Nukumizu ostatecznie rezygnuje i walczy.
To dokuczanie, które zwyciężyło. „t-oni, pośród szaleństwa i dramatu, to coś, co dzieje się z innymi bohaterkami przedstawionymi w pierwszym odcinku. Lemon to słodka dziewczyna, która zamieniła cały swój potencjał umysłowy na zdolności sportowe, beznadziejnie zakochana w tępym facecie, który niedawno miał dziewczynę, która zdecydowanie nie jest kryminalistką. Komari natomiast jest tragicznie nieśmiałą istotą, którą zarówno uratowało, jak i wypatroszyło rozwijające się małżeństwo prowadzące klub literacki; w końcu jest zakochana w wiceprezydentu Shintarou, a jednocześnie jest głęboko wdzięczna jego przyszłej dziewczynie i prezydentowi Koto. Po zaledwie jednym odcinku naprawdę jest już zbyt wiele przegranych bohaterek.
Ta nieprawdopodobna mieszanka towarzyskich ludzi, kujonów, zwycięzców i przegranych zebranych wokół klubu literackiego ma swój pierwszy wspólny występ w odcinku #03— taki, który jest szczególnie interesujący również z produkcyjnego punktu widzenia. Dział produkcyjny Ito osobiście poprosił Shinichiro Ushijimę o stworzenie scenorysuStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. To; spotkali się, gdy Ito był nowicjuszem przy produkcji I Want to Eat Your Pancreas, a on wierzył, że pokazał zakres niezbędny w serialu takim jak Makeine. Odcinek naprawdę wyróżnia się jednak z punktu widzenia animacji.
Sekwencje Yanami na końcu pierwszego odcinka, które właśnie podkreśliliśmy, zostały animowane przez Hiroaki Gouda, jeden z najbardziej znanych członków tego zespołu. Oglądanie takich oszałamiających grafik postaci w ruchu podsumowuje, dlaczego cieszy się tak dobrą reputacją jako projektant postaci i ilustrator, a także jego umiejętności w zakresie animacji. Nie mogło to jednak przekazać tego, że naprawdę wyzwolony Gouda ma tendencję do zapewniania zabawnej elastyczności w animacji. Makeine trzyma się przyjemnej, standardowej reinterpretacji projektów imigimuru autorstwa Tetsuyi Kawakami, ale w wyjątkowych przypadkach zespół jest skłonny pozwolić komuś innemu przejąć kontrolę. Jednym z dwóch odcinków bez nadzoru Kawakamiego jest właśnie ten trzeci, w którym uświadamiamy sobie, że pomysł poprawiania Goudy to nonsens i że zespołowi najlepiej byłoby uczyć się na jego doskonałości. W rezultacie animacja odcinka jest znacznie bardziej zabawna, luźniejsza w formie, ale także utrzymana przez wygodniejsze pozowanie. Sekwencja najważniejszych momentów w Lemon, autorstwa Yasuyuki Kai i Yuichiro Idy, udowadnia, że to podejście jest również zgodne z bardziej romantyczną stroną Makeine.
Następuje pierwszy wątek. koniec z kolejnym niezwykłym scenorysemStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. autorstwa Kitamury, który specjalizuje się w przedstawianiu gagi w tle o tym, jak niemożliwie pomyślnie odnoszą się uczniowie, co po prostu sprawia, że zabawne jest to, że śledzę życie tych rzadkich nieudaczników.
Znany jako dziwaczny reżyser, Masakazu Ohara przenosi to na wyższy poziom za pomocą być może najzabawniejszego scenorysuStoryboard (絵コンテ, ekonte ): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatki dla pięciolinii i pasujące linie dialogowe. w całej serii. Niedorzeczny pomysł, jakoby tata Yanami otrzymywał całą pensję w postaci makaronu, przez co ona teraz uwięziona w makaronowym piekle została przedstawiona na stronie początek i nigdy nie zajmując się tym właściwie, prowadzi do zabawnej sceny w klubie; Pole pełne tych resztek są w całym klubie, ale ohara znajduje sposoby to cała konwersacja Utrzymując widoczne wyrażenia wszystkich, ale przezabawnie nie zajmując się tym, co się wokół nich dzieje. Ten obłąkany duch jest utrzymywany do końca, z niesławnym żartem NTR. Zespół postanowił zakończyć każdy odcinek końcowym punline lub klifem, a ponieważ ten miał się zakończyć nieporozumieniem o niewierności, Na samym etapie pisania scenariuszy Szukali już słowa, które zawierało te trzy litery , aby storyboarder mógł opierać się na modzie komediowej .
aspektem, który niestety staje się również istotny w tym piątym odcinku, jest słaby harmonogram produkcji Makeine. Nie oznacza to, że odcinek jest szczególnie tandetny-jeśli cokolwiek, jest to kolejny przykład zespołu, który nazywamy zaradnym od lat, zmuszony zrekompensować kolejny przykład złego planowania. Szczerze mówiąc, bardziej przypomina, że inna drużyna została stworzona, aby nadeszła pomóc; Dosłownie i w przenośni, fałszywy zespół w tym momencie. Spojrzenie na kredyty może powiedzieć, że w tym odcinku pojawiło się sporo twórców i menedżerów z ekipy Los/Strange Fake . Bardziej uprzejmy, zwłaszcza jeśli weźmiesz pod uwagę wszystkich, którzy poszli niezaprzeczalnie od superwizorów do samych reżyserów, ujawni, że ten odcinek był animowany przez tę linię produkcyjną. Dzięki własnemu projektowi w strasznej otchłani i tym innym popularnym tytule w studio w Dire Ission of Bed of Hed, to nagły żonglowanie musiało uratować ten dzień. Wyniki są dobre, ale jak zwykle, okoliczności, które do tego doprowadziły, nie były.
W jaśniejszej nucie przełącznik na łuk Lemon oznacza również debiut Kolejne fantastyczne zakończenie . Jej jest nieodwzajemnioną miłością, która stopniowo rosła, podobnie jak imienniki w sekwencji. Jak tu wykonała wspaniale, próbowała powstrzymać swoją tęsknotę-ale co, jeśli wypuści i ścigała osobę, którą kocha? Te uczucia prześladują ją przez ten łuk, ale na tym zakończeniu widzimy piękną zaletę tych snów. Sama Lemon jest wyidealizowana w znacznie bardziej dorosłej formie , jako reżyser akihito „kasen” sudou szukał Specjalista w strojeniu realizmu, takim jak Souta Yamazaki , aby zinterpretować swój wygląd. proces projektowy gęsto zapakowany ze znaczeniem oraz inteligentny wybór Wykonaj większość z nich w tej samej płaszczyźnie animacji Sprawia, że cała ta sekwencja jest nostalgiczna z innego kąta niż poprzednie zakończenie i nie jest mniejsze niż to.
dla dla Sama Lemon, zakończenie również pięknie podsumowuje swoje wzloty i upadki. Jasne, motyw wody, który tak uwalniał w dążeniu do jej miłości, ostatecznie prowadzi do niej konieczność obudzenia . Ale dzieje się tak po doświadczeniu jej idealna forma romansu , tak aktywna i radosna jak wesoła sportowca. Wszystko to kąpane na gwiaździstym niebie, coś, co pochodzi z tekstu piosenki, ale także z jej własnego łuku; To była wizyta w planetarium, która doprowadziła do jej przypadkowego ujawnienia jej sympatii, a Mówiąc o gwiazdach , że zaczyna zaczyna Przejdź od tego związku.
Możemy też trochę się poruszać, ponieważ w tym momencie serial dociera do łuku Komari. Jak każda inna przegrana bohaterka, ma własną wspaniałą sekwencję końcową. Tym razem Makeine’s Settei Manager Kazuki Kawagishi , którego powierzono jej los, a kiedy myślał o rdzeniu postaci-po ściślejszej powierzchni dziewczynki, która z trudem wyartykułowa słowa poza śmiercią-On-On-On mógł tylko myśleć o akwarelach Kiiro Aose ; Podobnie jak postać, które są miłe, kruche, ale dzielne. Jak widać podczas wykonywania , oszałamiająca sekwencja składa się z absurdalnej liczby stopniowo zmieniających się obrazów, czasami z pomocą tradycyjnej animacji przez megumi maeda .
Jak wspomniano wcześniej, Przejście na ostateczny łuk jest również zauważalny na samym świecie. kitamura zauważył że choć późno trudno było odczuwać kontrast między wrzesień i poprzednim letnim ciepłem ze względu na inaczej z powodu ciepła letniego z powodu innej osoby Ekstremalna pogoda, chciał podkreślić chłodniejszą stronę sezonu, aby poczuć się tak wyjątkowa, jak dla niego w ciągu dnia. Podczas gdy Arihara była nieco skruszona w jego artystyczne sztuki W przypadku upadku wciąż zawierających elementy z wersji letniej były one ostatecznie bardzo przydatne dla tych, które były bardzo przydatne dla Dyrektor dyrektorów serii: (監督, Kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny przełożony. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seria z różnymi poziomami dyrektorów-główny dyrektor, asystent reżysera, dyrektor odcinka serii, wszelkiego rodzaju role niestandardowe. Hierarchia w tych przypadkach jest przypadkiem scenariusza sprawy; Pozornie sprzeczna mieszanka temperatury, oświetlenia i nastroju uchwyciła wizję zmian, która jest synonimem jesieni dla reżysera. To jest również prawdą również dla Komari, ponieważ środowisko, w którym czuła się nieco komfortowo, ma zamiar stracić studentów trzeciego roku, którzy ją powitali.
, aby pożegnać się z tym, jak na to zasługują, Komari planuje Wyjdź z przygotowaniem do nadchodzącego festiwalu szkolnego; Klubowa wystawa, że Yanami ostatecznie nazwali list miłosny do swojej starej sympatii i że Nukumizu zdecyduje się interpretować w bardziej pozytywnej, szerszej wizycie wdzięczności wobec swoich seniorów. Kiedy Komari nie jest zaskoczeniem, że jednak przekracza swoje granice, nadszedł czas, aby domniemany bohater zaczął zbierać ekscentryczne studentów, których natknął innym. Nic dziwnego, że Komari jest wkurzony, że nie dajesz jej dobrego powodu, by cię chwalić, Midwater.
To nie przypadek, że ta mało prawdopodobna grupa łączy się w odcinku nr 09, scenorysłu przez Kei Oikawa . Jeśli podążyłeś za tą linią produkcyjną, będziesz wiedział, że jest kolejnym gościem z doświadczeniem Kaguya-sama, a jeśli wiesz o jego karierze jako jednostki, zdasz sobie sprawę, że ten materiał jest bardzo na jego drodze. Oikawa jest znany ze swojej zdolności do wspierania poczucia znalezionej rodziny w gangach komediowych, a ten festiwal ma jedynie szansę odniesienia sukcesu naszych głównych bohaterów właśnie ze względu na relacje, które zostały zbudowane do tej pory. Jako Yinga do tego zdrowego Yang, odcinek nr 09 zawiera także Action Star Takashi Torii , wykorzystując swoje doświadczenie z innymi rodzajami działań z samozwańczą rolą koordynatora popiersia Karen Himemiya. Nawiasem mówiąc, takie wyspecjalizowane zadania istnieją, nawet jeśli nie otrzymają publicznie zabawnej nazwy, choć są o wiele zabawniejsze, kiedy tak się dzieje-możesz podziękować asystentowi asystenta produkcji (制作進行, Seisaku Shinkou): skutecznie producenta najniższego rankingu rankingu producenta „Rola, a jednak niezbędny trybik w systemie. Sprawdzają i noszą materiały i kontaktują się z dziesiątkami dziesiątek artystów wymaganych do zakończenia odcinka. Zwykle obsługuje wiele odcinków programów, z którymi są zaangażowani. Tetsuya Tamura za to.
Kolejnym aspektem tego łuku, który wyróżnia się podczas festiwalu, a jego przygotowania jest uczucie przeżywanej szkoły, pełnej uczniów i ich indywidualnych przygód. Podczas gdy serial nie ma prawie psychotycznej uwagi na postacie w tle w produkcji Kyoani, w której pomysł tłumu jest zasadniczo zakazany, animatorzy zachęcano do adlib z nienazwanymi uczniami, aby dać więcej życia. Na tym festiwalu było to podniesione do poziomu reżysera, dzięki czemu te swobodnie zaludnione i przestronne układy (レイアウト): rysunki, w których faktycznie rodzą się animacja; Rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne z scenorysu na rzeczywisty szkielet animacji, opisując zarówno dzieło kluczowego animatora, jak i artystów tła. priorytet. W tym względzie dziesiąty odcinek był scenorystyczny przez animatora związanego z powiązaniem Tatsuya Murakami , który również modele 3D 3D modele 3D festiwalu Aby znaleźć proste kąty, aby oprawić swoją pierwszą storyboardstory (絵コンテ, Ekonte): The Blueprints of Animation. Seria zwykle prostych rysunków służących jako skrypt wizualny anime, narysowany na specjalnych arkuszach z pólem dla numeru animacji, notatki dla personelu i pasujących linii dialogu. To podejście odgrywa mocne strony tego łuku, ale także Murakami się; Podczas gdy jest debiutantem, Murakami pracuje nad projektami, w których tego rodzaju obramowanie 3D przez samych reżyserów jest kluczem do produkcji, takich jak SPY X Family .
Chociaż w szczególności ten łuk to podkreśla, Makeine jako całość polegała również na układach 3D (レイアウト): rysunkach, w których faktycznie rodzą się animacja; Rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne z scenorysu na rzeczywisty szkielet animacji, opisując zarówno dzieło kluczowego animatora, jak i artystów tła. W ramach tego wysiłku realistycznego zrootowania jego wydarzeń. Prawda jest taka, że od #04 wszystkie odcinki przypisały jednego konkretnego artysty układu za dostarczenie wytycznych 3D w celu wzmocnienia tego aspektu. Osobą stojącą za nim jest tajemnicza Tomoko Torii , która pojawia się jako weteran gwiazdy ukrywający się pod oczywistym imieniem. Ich pierwszy pojawił się pojawienie się, gdy samodzielnie kluczowe animowane moim nowym szefem jest Goofy #02, nie z dodatkowym sprzątaniem, ani interwencją jakiegokolwiek dyrektora animacji. W Makeine utrzymywali tę nadrzędną rolę, jednocześnie przyczyniając się do animacji od samego początku. Torii jest w rzeczywistości pierwszym animatorem przypisanym w serii, więc mogli przyczynić się do jego imponującego wprowadzenia; W końcu faktyczny młodzieniec A-1 Mirai Harashima jest tuż za nimi i wiemy na pewno, że przyczyniła się do sceny w kawiarni między Nukumizu i Yanami według wywiadu Kitamury w Newtype.
Pozostawiając podejrzanych pracowników, łuk Komari kończy się pod ekspercznymi rękami Kitamury. Komari z powodzeniem licytuje swoich życzliwych seniorów, ale co teraz? Domyślnie dziedziczy stanowisko prezydenta, ale jest to coś, na co nie jest przygotowana ani cel, którego naprawdę chce osiągnąć. Pomimo tego, że prawdopodobnie jest najlepszym pisarzem, nie dba jej szczególnie o klub literatury; To było miejsce, które ceniła, ponieważ czuła się komfortowo z poprzednimi członkami, i chociaż lubi jej obecną grupę, jej niepewność obawia się, że taki ragtag gang może rozpaść się w każdej sekundzie.
The Writing’s Odpowiedź na tę sytuację jest wprawdzie nieco niechlujna. Nukumizu jest upomniany za samolubne przejęcie kontroli prezydencji i nie bez powodu. Komari niewątpliwie próbowała poprawić się jako osoba, szkoląc swoje umiejętności społeczne. A jednak ruch Nukumizu jest ostatecznie poprawny, co prowadzi do wspólnej niezręczności w tym gatunku, jeśli chodzi o agencję dziewcząt. To powiedziawszy, nastoletnie uczucia są cholernym bałaganem, a Makeine to seria dobrze intensywna z fantastycznym reżyserem, więc nie jest zaskoczeniem, że ten łuk ma, jeśli cokolwiek uderzyło mocniej niż wszystkie poprzednie.
Wcześniej zwróciliśmy uwagę, że trzeci odcinek Goudy był wyjątkiem, w jaki sposób pozwolono na ominięcie zwykłego stylu animacji serialu. Odcinek 10, z Yumiko „Nozumi” Yamamoto jako dyrektor animacji animacji animacji (総作画監督, Sou Sauga Kantoku): często ogólny kredyt, który jest zwykle w rękach projektanta postaci, chociaż od późnych nieuporządkowanych projektów z wieloma głównymi reklamami wzrosły; Moreso niż zwykli reżyserzy animacji, ich zadaniem jest upewnienie się, że postacie wyglądają, jakby powinni. Spójność jest ich celem, który będą egzekwować tyle, ile chcą (i mogą), jest jedynym innym odcinkiem, w którym rysunki nie zostały ostatecznie przefiltrowane przez styl Kawakami. Jest to zauważalnie bardziej szczegółowe, w sposób, który przypomina ukochany styl jej dobrego przyjaciela Kappe . Oprócz oczywistych rzęs i pasm do włosów, oczy są rysowane większymi uczniami niż norma serialu. Z oczywistych powodów jest to dość podobne do Lycoris Recoil , kolejnej serii z projektami imigimuru, w której kierowała wysiłkami animacji. Całkiem jasne Kiedy patrzysz na to urocze duchy Yanami !
Podczas gdy przygody Komari były ostatnim łukiem, Makeine wciąż znalazła energię do spiepienia w ostatnim odcinku, który pod wieloma względami działa jak zawór ucieczki. Ta oryginalna przygoda napisana przez oryginalnego autora-która bezczelnie nadała mu ten sam tytuł, jaki serial przed został właściwie opublikowany-nigdy nie odchodzi od nadrzędnych zasad Makeine, ale jasne jest, że dla animatorów dał więcej swobody. Oprócz zawsze obecnej Kitamury jest jeden reżyser, którego chciałbyś mieć przy takiej okazji: wspomniany Kasen, który scenorował i współredycjonował go, aby kontynuować zakończenie cytryny.
, biorąc pod uwagę jego trening w szkoleniu w Studio Trigger i upodobanie jego przyjaciół z animacji, zakłada się, że jest kolejną krzykliwą gwiazdą akcji. Wielokrotnie udowadniał, że jest to rola, z którą poradzi sobie dobrze, ale także, że jest to tylko jedna jego strona. Do tego momentu jego najbardziej znanym pracą była kończąca sekwencja dla atak na tytana -Jeden z największych hitów akcji w ostatnim czasie, ale także sekwencja o namacalnej delikatności i pięknej stylizacji. Jak oglądamy modne zdjęcia Yanami przekształcone w Urocze drgawo śmieszna scena horroru, która wygląda na tytuł TRIGGER zamienia się w jeszcze zabawniejszy zwrot niż zwykle.
Ale znowu Kasen jest artystą wielu talentów. Poprzednie jego scenariusze wyróżniały się jego zdolnością do uchwycenia momentów intymności za pomocą bardzo uprzejmego kamery; Kadrowanie, które przesłania części bohaterów, gdy są najbardziej wrażliwe, aby nie wydawało się, że wchodzą do nich mocno. Pomiędzy luźniejszymi chwilami szaleństwa ten odcinek również od niechcenia does więc , nawet Budowanie bezczelnego finałowego kneble wokół tego pomysłu o ograniczonej widoczności . Dzięki tak eleganckiemu, zabawnemu rezultatowi nigdy nie byłoby w stanie powiedzieć, że skończył się dzień przed transmisją.
Zamiast tego zwykła seria mogła zakończyć się kulminacyjnym łukiem Komari, ale owijał się Dzięki tej głupkowatej, ale dziwnie romantycznej wycieczce końcowej wydaje się właściwą drogą dla Makeine. Jest to również odpowiedni koniec z punktu widzenia personelu, z ciekawym gromadzeniem inspiracji. Jako oryginalny autor Amamori wyznał swoją miłość do Kaguya-sama, seria, która została ożywiona przez tę załogę, oraz dla Konobi -manga przez projektanta Makeine, która również była adaptacyjna prowadzona przez jedną z jednego z Dyrektorzy, o których właśnie rozmawialiśmy. Innym znanym źródłem inspiracji był Bokuyaba , świetny romcom, który pokazał W szóstym odcinku pierwszego sezonu. Osoba odpowiedzialna za to? Kasen, tak jak ten finał. Wiodąca dziewczyna? Łaskak, którego nazwisko to Anna, podobnie jak Yanami. Myślę, że wierzę w Boga po wpisaniu tego wszystkiego. Przypuszczam, że modlę się o kontynuację.
wspieraj nas na Patreon , aby nam pomóc Osiągnij nasz nowy cel, aby utrzymać archiwum animacji w Saugaboora, Saugasakuga (作画 作画): techniczne rysowanie zdjęć, ale bardziej animacji. Zachodni fani już dawno zawłaszczyli to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robią to podzbiór fanów japońskich. Dość integralna z marką naszych witryn. Wideo na YouTube, a także Sakugasakuga (作画): technicznie rysowanie zdjęć, ale dokładniej animacji. Zachodni fani już dawno zawłaszczyli to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robią to podzbiór fanów japońskich. Dość integralna z marką naszych witryn. Bloga. Dzięki wszystkim, którzy do tej pory pomogli!
