Reżyser serialuReżyser serialu: (監督, kantoku): osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórczy decydent, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak seriale z reżyserią na różnych poziomach – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinków serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie. Midori Yoshizawazapoczątkowała nową erę kreatywności wizualnej w serii Monogatari, która współdziała z motywami czasu, tożsamości i twórczości. A jednak mimo świeżego podejścia do serii, jej zespół i narracja są zgodni co do tego, że niezbędny rozwój w kierunku przyszłości nie powinien przymykać oczu na przeszłość.
Siedem lat temu opublikował artykuł o różnych epokach w serii Monogatari, odpowiadający reżyserom serialu, którzy kierowali projektem wraz z liderem studia — Akiyuki Shinbo. Samo studio SHAFT ma już rozpoznawalny styl, który został jeszcze bardziej zawężony, aby sformułować podejście wizualne do tej serii, którego nie można pomylić z żadnym innym. Nawet osoby, które nie oglądają Monogatari, z łatwością rozpoznają wyrwany z kontekstu zrzut ekranu z serialu, ponieważ jego wypełniony tekstem, hiperstylizowany, często opuszczony świat jest nie do pomylenia. Choć może to brzmieć nieco restrykcyjnie, największe dzieła studia pokazują, że ich tożsamość pozwala zespołom łatwo ustalić ramy kreatywności, zamiast działać według zasad, które bezmyślnie dyktują ich artystyczne wybory. Litery mogą być znajome w całym katalogu, podobnie jak słowa Monogatari na bardziej szczegółowym poziomie, ale zdania ułożone przez każdego reżysera są odrębne, a zatem mają swój własny urok.
Aby umieścić te różnice w bardziej namacalny sposób, można po prostu porównać każdą z tych epok reżyserskich z audiowizualnego punktu widzenia. Porównując prace Tatsuyi Oishi z twórczością Tomoyuki Itamury, szybko będziesz w stanie określić ich skłonności stylistyczne – nie tylko jako osobiste dziwactwa, ale także jako sposób na dostosowanie się taki kłopotliwy serial. Od różnych zastosowań materiałów filmowych z udziałem Oishiego po ujęcia z reakcjami popkultury Itamury — dostępnych było wiele opcji, które – choć nie dotyczyły wyłącznie danych epok, to były o rząd wielkości bardziej rozpowszechnione w przypadku tych konkretnych liderów kreatywnych. A jednak te okresy też nie były idealnie monolityczne. Było to szczególnie prawdziwe w przypadku Itamury, który został wepchnięty do serii jako nowicjusz, a następnie miał najdłuższy staż w historii Monogatari, rozwijając po drodze własny leksykon wizualny; późniejsze wpisy, takie jak Owarimonogatari, pokazały, że jest to najlepsze, dzięki wyborom takim jak tekstury papieru do śródmiąższowych tekstów lub specjalnie zaprojektowanych znaczników rozdziałów, w przeciwieństwie do spójnej typografii, która ją poprzedzała.
Nawet dla mistrzowski weteran, taki jak Oishi, który nie musiał dorastać w ten sam sposób między Bakemonogatari i Kizumonogatari, nadal istniał wyraźny kontrast pomiędzy powszechnym wykorzystaniem fotorealizmu między nimi. W pierwszym przypadku objawiało się to seriami materiałów filmowych z udziałem aktorów, które albo nadawały poważnym momentom wytrącający z równowagi nastrój, albo zaskakiwały cię zdecydowanym, szybkim kneblem. Już w pierwszej części serii delikatna historia Senjougahary opierała się na tych stylizacjach, aby tematy takie jak molestowanie sprawiały wrażenie bardziej niewygodnych – taki jest nieodłączny efekt odmienności, jaki wywołuje prawdziwy materiał filmowy po wstawieniu do skądinąd bardzo stylizowanej animacji. Jednocześnie te ujęcia posłużyły jako sposób na wyabstrahowanie najbardziej jednoznacznych szczegółów jej traumatycznej przeszłości i oszczędzenie jej intymności. Wychodząc z zupełnie innego wektora, Kizu zbudował całą swoją estetykę wokół fotorealistycznego środowiska CG, które silnie kontrastowało z celami animacji. W ten sposób wizualnie ucieleśniało poczucie nieprzynależności głównego bohatera, który nie jest tylko nastolatkiem – specjalistą od poczucia bycia niezrozumianym i pozbawionym swojego miejsca – ale tak się składa, że stał się wampirem, co oznacza, że dosłownie nie należy do niego. pod słońcem. Choć obaj czerpali z tych samych tendencji, objawiały się one w bardzo różny sposób.
Zamiast oceniać te epoki ściśle według panujących technik, może zatem lepiej będzie cofnąć się o krok i zastanowić się nad filozofie adaptacji, z których się one wywodzą. Na tym poziomie koncepcyjnym dwóch pierwszych reżyserów serialu, którzy zajmowali się serialem, utrzymywało spójne perspektywy, które wyjaśniają, w jaki sposób podeszli do tego dzieła. Podczas pierwszej adaptacji serii Oishi zauważył podjazd pod górę i zdecydował się uczynić go bardziej stromym; co oznacza, że jego podejście do charakterystycznego, rozwlekłego pisarstwa NisioisiN polegało na próbie wydestylowania jego efektu poprzez elementy nieuchwytne jego reżyserii. Pamiętaj, że nie oznacza to unikania pisarstwa oryginalnego autora – jeśli już, rzeczywiste słowa autora były wszędzie, jak
Do czasu Magia Record, dzięki szerokiemu podziałowi obowiązków za ciekawy, ale i chaotyczny proces produkcyjny powierzono jej obowiązki związane z reżyserią poszczególnych odcinków. Wytrzymała w studiu w bardzo trudnych chwilach, udowadniając, że jest nie tylko wielką fanką ich twórczości, ale także osobą, która głęboko rozumie zawiłości ich stylu; coś, czego nie mogą przyjąć za pewnik od żadnego reżysera, co omówimy później. Zdobyła zaufanie rówieśników i podziw wszystkich zagorzałych fanów SHAFT, co sprawia, że szansa poprowadzenia jednego z ich największych dzieł wydaje się w pełni zasłużona.
Ale co zapewniło jej tak pozytywną reputację? Wewnętrznie praca z nią jest spokojniejsza niż ich chaotyczna norma, ponieważ wymaga niewielkiego nadzoru, aby stworzyć przekonujący pakiet, który zachowa niejasną tożsamość SHAFT. Jednak przedstawianie jej jako osoby, z którą po prostu łatwo się współpracuje, byłoby ogromnym błędnym określeniem. Zacznijmy od tego, że Yoshizawa jest ambitną reżyserką, której korzenie w animacji sprawiają, że wyobraża sobie kłopotliwe układy. Układy (レイアウト): rysunki, w których właściwie rodzi się animacja; rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne ze scenorysu do rzeczywistego szkieletu animacji, szczegółowo opisując zarówno pracę głównego animatora, jak i artystów drugoplanowych. Prace SHAFT opierają się na bardzo symbolicznym kadrowaniu, z niemożliwymi przekrojami budynków i mieszkaniami, a mimo to zapadającymi w pamięć inscenizacja. Jako autorka scenorysów nadaje swoim kadrom znaczenie w podobny sposób, ale często stosując bardziej przestrzenne podejście, co z natury sprawia, że praca animatorów jest bardziej skomplikowana. Bardziej realistyczne podstawy (które uwielbia wyolbrzymiać poprzez zniekształcenia obiektywu rybiego) świetnie współdziałają ze zdolnością Yoshizawy do komponowania atrakcyjnych ujęć, w których nie tylko animacja jest ułożona z głębią i wyrazistością, ale także tła, grafika komputerowa, a nawet elementy akcji na żywo w połączeniu, aby wspólnie kierować okiem. Całkiem ważna umiejętność w specyficznym systemie SHAFT!
To prowadzi nas do kolejnej charakterystycznej cechy Yoshizawy: czystej kreatywności wyrażającej się nie tylko w formie, ale także w materiale. Najbardziej radykalne wizualnie dni SHAFT, reprezentowanego przez takie postacie jak sam Oishi, są już za nimi… ale Yoshizawa nigdy nie dostała tej notatki, ponieważ im większą swobodę jej dano, tym bardziej kładł nacisk na nagrania akcji na żywo i niekonwencjonalne materiały analogowe. Po pierwsze, Yoshizawa często opiera się na nieodłącznym związku między czasem a elementami materialnymi. Jako coś, co istnieje fizycznie, te prawdziwe materiały przywołują upływ czasu w bardziej bezpośredni sposób, niż mogłaby to zrobić animacja nieuchwytna – stąd jej użycie poklatkowych i sezonowo kodowanych szpul z akcją na żywo, rysunków analogowych, wycinanek z papieru i tak dalej.
Niezwykły przykład tego można znaleźć w jednym z odcinków Magia Record z udziałem Yoshizawy, w którym wybiła prawdziwą klepsydrę w celu uzyskania nacięć wskazujących upływ czasu. Docierając do teraźniejszości, przygotowała podobne płótno z piasku, na którym sama namalowała przekonująco dziecinny obraz przedstawiający związek, który rozkwitł w tamtym okresie. Dzięki temu posunięciu forma ekspresji przywołująca czas staje się czasem spędzonym razem, elementem diegetycznym, który reprezentuje także więź między dwojgiem ludzi. W pewnym sensie to podsumowuje aspekt, który najbardziej odróżnia ją od rówieśników w studiu. Choć jej technika jest fascynująca, to właśnie nacisk na osobiste, emocjonalne opowiadanie historii odróżnia ją od bardziej logicznie zorientowanych weteranów, takich jak Yukihiro Miyamoto (lub jej poprzednik Monogatari Itamura), a także szalonych geniuszy, takich jak Oishi, który zawsze mam wrażenie, że operują na wyższych poziomach abstrakcji. Dziwaczne efekty wizualne w pracach Yoshizawy mogą sugerować, że można spodziewać się oderwanej historii, ale jej naturalną tendencją jest używanie tych niekonwencjonalnych narzędzi do humanizowania bohaterów na drobne, bardzo osobiste sposoby.
nieco diegetycznego zwężenia lub wszystkiego pomiędzy. Chociaż prawdopodobnie zauważyłeś to w bieżącym sezonie of Monogatari, robi to od lat.
Jak wspomniano w dyskusjach personelu na fanbookach MagiReco, Yoshizawa rzeczywiście ma reputację osoby doskonałej w uchwyceniu wewnętrznych serc bohaterów – zwłaszcza kobiet – poprzez swoją ekscentrycznie przedstawioną przyziemność. Można to prawdopodobnie prześledzić od jej pracy w Sangatsu, gdzie szczególnie zapadający w pamięć odcinek skupiał się wokół incydentu znęcania się. Ten wybuch negatywnych, ale słusznych, stłumionych uczuć ukazał wpływ, jaki wywierała na nią bardzo realnych emocji, zwracając w jej stronę oczy w studiu i poza nim.
Nawet poza tym wydarzeniem urzekająca wrażliwość młodej Yoshizawy zaczęli podnosić głowę w trakcie przedstawienia. W jej odcinkach występuje interesująca ekonomia kolorów, która może przypominać upodobanie Oishi do monochromatycznych krajobrazów z akcentami, ale w jej przypadku jest ona bardziej bezpośrednio wykorzystywana do pokazania różnicy w intensywności emocjonalnej między postaciami lub dokładnie tego, co w danej chwili jest naprawdę znaczące do nich; znowu bardziej osobisty punkt widzenia z jej strony. Być może nie jest zaskoczeniem, że słuchanie, jak jej rówieśnicy mówią o tym, co podziwiają w jej twórczości, rzuca światło na jej prawdziwe mocne strony.
Teraz, gdy mamy solidne pojęcie o ewolucji stylistycznej Monogatari jako serii anime, a także rozumiemy jej nowej reżyserki i priorytetów, jakie przedstawia, możemy w końcu przyjrzeć się pierwszym wątkom z sezonu Off & Monster. Czy przybycie Yoshizawy zmieniło w jakiś znaczący sposób serial?
Zaufanie to przymiotnik, który wcześniej przypisaliśmy pisarstwu Nisioisina i to także uczucie emanuje ze wstępu do OMS #01 — scenorysu sporządzonego przez samą Yoshizawę, jako powinno tak być. Tsukihi Undo to zabawny krótki serial, w którym tytułowy nieśmiertelny ptak, równie impulsywny i niebezpieczny jak zawsze, dowiaduje się prawdy o swojej lalce naturalnej wielkości. A raczej jest karmiona kłamstwami na temat sytuacji przez wspomnianą lalkę Yotsugi, istotę o podobnie wątpliwym związku ze śmiertelnością i katastrofalnie złymi umiejętnościami kontroli szkód. Chociaż ich interakcje same w sobie są bardzo zabawne, to wypowiedzi Yoshizawy od razu sprawiają, że ta historia wydaje się wyjątkowa. Prawdę kryjącą się za tym bezczelnym ptakiem odkrywa się, rozbijając prawdziwe jajko, a następnie przesyłając lawinę natchnionych, trafnych obrazowość; ptaki i klatki, ponieważ technicznie rzecz biorąc jest pod obserwacją, a także lalek z cieniami dłoni, który podkreśla, że stworzenie takie jak Tsukihi nie jest tym, czym się wydaje.
Nawet poza tym genialnym wstępem, pierwszy odcinek OMS wydaje się mają wszystkie zalety, na które liczyli wyznawcy Yoshizawy. Ta umiejętność łączenia symbolicznej kompozycji ujęć charakterystycznej dla anime SHAFT z jej bardziej przestronnymi układami. Układy (レイアウト): Rysunki, w których faktycznie rodzi się animacja; rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne ze scenorysu do rzeczywistego szkieletu animacji, szczegółowo opisując zarówno pracę głównego animatora, jak i artystów drugoplanowych. jest od razu w pełnym widoku; służy na przykład do pokazania niedopasowania między Tsukihi i Yotsugi, co czyni tę historię tak zabawną, a także do niepokoju postaci, do której wkrótce powróci serial. Dumne odzyskanie przez Monogatari szerokiego zakresu ekspresji wielu widzom przywodziło na myśl Oishi i nie mogę ich za to winić; zwłaszcza, gdy istnieją sekwencje z pomysłami tak podobnymi do tych, które kiedyś były tak powszechne w jego serialu. To powiedziawszy, uważam, że patrzenie na jej twórczość jak na drugie przyjście Oishimonogatari wyrządza wszystkim krzywdę – reżyserce mającej własny styl i serialowi, który przeszedł coś bardziej dopracowanego niż całkowity restart.
Ważnym powodem, dla którego konieczne było omówienie stylu i preferencji Yoshizawy przed wyruszeniem do OMS, była nie tylko możliwość zidentyfikowania wielu sposobów, w jaki wpłynął on na ten sezon Monogatari, ale także docenienie, gdy tak nie jest, zamiast odwoływać się do historii serii. Różnorodność pomysłów wizualnych może w pewnym stopniu przypominać początek tej serii, ale reaktywny sposób ich wdrażania przynosi jest bliższy filozofii Monogatari Itamury – takiej, która dzięki samej masie i bliższemu sąsiedztwie stała się bardziej reprezentacją serii niż alegoryczny Oishi. Yoshizawa bezpośrednio pracuje również nad dodatkami Itamury, rozwijając swoje niestandardowe ekrany rozdziałów, aby przekształcić je w migawki równoległego opowiadania historii; a także aby wygłosić ostatnią puentę w tym odcinku, wskazując, że Yotsugi na zawsze utknął w pętli lodów i biedny wybory. Z pomysłowością bliższą jednemu reżyserowi, filozofią adaptacji bliższą innemu i dziwactwami strony trzeciej, przechodzimy do Nademonogatari.
Imponujące animacje Monogatari, które kiedyś należały do takich asów jak Ryo Imamura, a później ludzie tacy jak Hironori Tanaka, zostali teraz przekazani swoim obecnym gwiazdom, takim jak Hiroto Nagata. Również pod tym względem w OMS można odczuć zmiany pokoleniowe.
Ze względu na strukturę serii i jej nieplanowany charakter, wątki postaci Monogatari są bardzo fragmentaryczne. Przez lata byliśmy świadkami, jak Araragi i jego gang rozwijali się jako ludzie (i jako istoty mitologiczne), chociaż w przypadku większości z nich nie było to szczególnie liniowe. Biorąc pod uwagę dużą obsadę i to, że łuki zwykle skupiają się na osobniku lub dwóch-w ramach serii, która w przeciwnym razie abstrahuje całą populację Ziemi-brakuje nam dużej części tkanki łącznej pomiędzy ich kluczowymi momentami wzrostu. Powrót do postaci, którą omawiał już wcześniej serial, przypomina spotkanie z przyjacielem, którego nie widziałeś od jakiegoś czasu, z dodatkową świadomością, że wkrótce doświadczy on nowej formy katharsis, która, miejmy nadzieję, poprawi ich jako osobę.
Biorąc pod uwagę, że wątki takie jak Nadeko Draw opierają się na ewolucji tych postaci, można by pomyśleć, że odrzuciłyby tę fragmentaryczną naturę. Bardziej konwencjonalny pisarz, być może rozsądniejszy, rzeczywiście by tak zrobił – ale mówimy o NisioisiN i Monogatari. Zamiast wypełniać luki, serial podkreśla odrębność Nadeko za każdym razem, gdy stanowi ona główny punkt historii. Są oddzielane jako niezależne postacie, otrzymują humorystyczne imiona i są kodowane za pomocą odrębnych stylizacji autorstwa Yoshizawy i firmy; najbardziej znane jest to, że mają palety z ich własne, które są rozpoznawalne na pierwszy rzut oka. Ostatecznym przesłaniem samoakceptacji jest oczekiwany punkt końcowy takiego łuku, ale droga do niego jest formalnie fascynująca i akurat doskonale odzwierciedla stan całej serii w tym momencie.
Synergia pomiędzy produkcją a fabułą zaczyna się od tematów. Obecna Nadeko realizuje swoje marzenie o pracy jako mangaka, co jest dobrym pretekstem dla Yoshizawy do sięgania po najróżniejsze stylizacje wokół sztuki ; kolejne oszałamiające wprowadzenie przedstawia wiele sposobów na włączenie komiksów z różnych perspektyw, już wiążąc kluczową koncepcję tożsamości Nadeko z boazerią w tamtych. Dalsze odcinki opierają się na sztuczkach nakładania warstw pozwalających zwizualizować te pomysły oraz na papierze, zarówno w formie symulowanej, jak i prawdziwy materiał. Szczególnie w przypadku obecnej osoby Nademonogatari staje się zabawnym pokazem sztuki i rzemiosła towarzyszącym jej marzeniom.
dokładnie to samo robi Nademonogatari. Wiąże się to z pragnieniem Nadeko stworzenia czegoś własnymi rękami, budując język wizualny, który wydaje się bardzo spójny. Świeży styl, a jednocześnie nie całkiem nowy, co również wzmacnia zakończenie.
W ten sam sposób, w jaki ten zespół zdecydował się zachować znaczną część tożsamości Monogatari pomimo powiewu świeżego powietrza Yoshizawy Sama Nadeko buduje swój rozwój na akceptacji i włączeniu dobra i zła swojej przeszłości. W Nademonogatari nie chodzi o zastąpienie przeszłości bardziej wyrafinowaną teraźniejszością, ale o dotarcie do przyszłości ze zrozumieniem, że twoje obecne ja nigdy nie istniałoby bez swoich poprzedników, błędów i tak dalej. Monogatari odwoływał się do nostalgii fanów wieloma wpisami, ale wywołania zwrotne nigdy nie były tak przejmujące, jak w tej wersji, która prezentuje odrębną stylistycznie teraźniejszość i przyszłość, a jednocześnie przyjmuje interesującą narrację, jak ta retrospektywna opowieść o jak bardzo urosło ciche dziecko.
Jeśli Yoshizawa kiedykolwiek będzie miała okazję poprowadzić serię od zera, byłbym zachwycony, gdybym zobaczył, jak formułuje w pełni własny język wizualny. Jeszcze zanim przyznano jej stanowisko współprowadzącej całą serię, było jasne, że ma wszystko, czego potrzeba, aby to osiągnąć, opierając się wyłącznie na liczbie interesujących koncepcji, którymi może nasycić prace innych osób. Oznacza to, że rozumiem każdego, kto życzyłby sobie jeszcze bardziej radykalnego odświeżenia tej serii, ale także jestem bardzo zadowolony z równowagi, jaką udało jej się osiągnąć i jak dobrze pasuje to do przesłania samej serii. Dotarwszy do tej bardzo specyficznej, późnej ery Monogatari, nie mogę oprzeć się wrażeniu, że należy ewoluować w bardziej iteracyjny sposób, iść do przodu, włączając elementy z przeszłości. To była lekcja dla takich postaci jak Nadeko, skrystalizowana w pięknym zakończeniu, w którym konfrontuje się ze swoją pierwotną, pokorną naturą.
Wyjście z do poprzednich wersji Monogatari, żadne nie było tak mocne jak powrót do początku wszystkiego, miejsce, w którym kiedyś spodziewała się ujrzeć swoją sympatię. Jej tęsknota za pierwszą miłością naśladuje maniery jej pierwszej sekwencji początkowej, choć teraz, gdy wiemy, że te urocze ruchy wydają się tragiczne nieodwzajemnione, niemożliwe marzenie. Obecna Nadeko namawia ją, aby poszła dalej, ale nie odrzucała tego, kim jest. Zamiast tego obiecuje jej, że w ich przyszłości miłość będzie równie silna i spełniona, jak ta, którą czuła w przeszłości. Wzruszająca scena, która czerpie korzyści z emocjonalnego opowiadania historii Yoshizawy, animowana przez jedną z przyszłych nadziei studia, ale akceptująca wszystko, co do tego doprowadziło. Krótko mówiąc, wydaje mi się, że ludzie teraz nazywają to kino.
Chociaż jest to bardzo pozytywny opis serialu, nie sposób nie wspomnieć o tym, że niestabilność SHAFT również ma znaczenie; Jeśli mówimy o nowości wniesionej przez nowego reżysera, powinniśmy również wspomnieć o kwestiach, które niestety pozostają niezmienione. Ich niepowodzenia zarządzania były ogromnym problemem dłużej niż większość widzów anime poświęciła to hobby, stając się rodzajem żartu, który grozi rozcieńczeniem nasilenia sytuacji. Jak zwykle, tylko ułamek płaczu o pomoc i wyrażanie niezadowolenia z powodu tego, jak ich praca okazała się bańki do-choć zawsze mówi, że twoi animatorzy asów są do tego zmuszeni.
, gdy kierujemy W Wazamonogatari być może zauważyłeś, że podejrzana 東冨 耶子 jest pierwszą osobą przypisaną jako scenariusz na oficjalnej stronie internetowej. Chwyć konkretne onyomi dla każdego kanji, odwróć ich porządek, a dostaniesz Shiyafuto-co oznacza, że Shaft, ponieważ to ich przywódca Shinbo. Będę szczery i powiem, że cieszę się, że był wyraźnie (choć żartobliwie) przypisany za to w sposób publiczny, ponieważ oznacza to, że możemy zająć się tym bardziej bezpośrednio. Shinbo nie było zaplanowane na storyBoardStoryboard (絵 コンテ, Ekonte): The Blueprints of Animation. Seria zwykle prostych rysunków służących jako scenariusz wizualny anime, narysowany na specjalnych arkuszach z pólem dla numeru animacji, notatek dla personelu i pasujących wierszy dialogu. Ten odcinek, ale ostatecznie przerwał go prawie całkowicie. Mówiąc to, możesz sobie wyobrazić, że w jakiś sposób naprawił wiele istniejących paneli, ale bardziej przypomina pozbycie się całych sekcji w całym odcinku i rysowanie zupełnie nowych, które nie odpowiadają bezpośrednio niczego, co było Pierwotnie opracowane. Nie bez powodu przypisuje się na czele.
Ważne jest, aby zauważyć, że reżyserzy serii sprawdzający scenariusze są regularną częścią procesu produkcyjnego, a w szczególności w przypadku wału, które przechodzą przez nich szeroko, jest zwykłym zadaniem. Tak więc, a nie fakt, że to zrobił, to stopień, w jakim wymagał on działania (i przyczyny tego), stały się przeszkodą dla produkcji. Jedną z cech Yoshizawy, które podkreśliliśmy wcześniej, było to, że wymaga niewielkiego nadzoru, ponieważ zinternalizowała przykazania anime wału, jak jej wyjątkowa kadencja w sposób, którego nie ma wielu utalentowanych reżyserów. Młodszy personel i osoby z zewnątrz mają tendencję do dostarczenia tego, czego oczekuje się od reżysera w Shaft, pomimo studia dostarczenia faktycznych wytycznych, które im pomogą.
Mówiąc o osoby z zewnątrz dla studia, sekwencja otwierająca Shunsuko Okubo jest kolejnym świetnym przykładem iteracji iteracji Wstępne obrazy franczyzy, jednocześnie tworząc coś, co wydaje się świeże.
Jest to teraz szczególnie niepokojący problem, ponieważ odejście wielu weteranów w poprzednich latach zmusiło studio do pracy wraz z osobami, które brakuje tego doświadczenia w studio. Po raz pierwszy usłyszałem o produkcji OMS latem ubiegłego roku, kiedy już utknął w tym długim procesie naprawy scenariuszy. Przeciągając się podczas przedprodukcji, nawet projekt, który obejmuje spory ilość czasu, takiej jak ten, kończy się uduszeniem terminów, gdy zbliża się transmisja. I oczywiście ma to konsekwencje nie tylko dla indywidualnego projektu, ale także dla innych tytułów w tworzeniu. Jeśli Twój system wymaga weteranów członków wewnętrznych i bierzesz się na nich stosunkowo, pozostałe osoby będą musiały pomóc więcej niż pierwotnie zaplanowano, co oznacza zaniedbanie innych prac, które mogą mieć. Chociaż sytuacja nie jest tak prosta, jak narysować prostą korelację, fakt, że Monogatari domaga się dodatkowej pomocy, powinien pomóc ci zrozumieć, dlaczego pewien magiczny film został wyrzucony na cały rok.
Krytyczne, ponieważ jestem ich zarządzaniem, myślę, że ważne jest, aby zrozumieć problemy, które uciekają od ich umiejętności-nie mogą po prostu sklonować pozostałych weteranów-a także nie być melodramatycznym na ich wpływ na jakość programu. Samo, że Shinbo przejęło kontrolę nad odcinkami z Gothic Horror Vampire Gothic Horror, jest tak dobre, jak wieści mogą pochodzić ze studia. To jest dokładnie przestrzeń gatunku, w której zmusił niezliczone ludzi, w końcu zakochali się w swoim stylu, więc oczywiście byłby szczególnie zainteresowany tym kolejnym łukiem. Sama Yoshizawa również wyraźnie zapewniła obszerny wkład w Nademonogatari; Jej stylistyczne dziwactwa pojawiają się nawet w rzadkim przypadku, w którym nie jest wymieniona jako storyboarder, a kredyty odcinkowe nie pasują do informacji o autorstwie na oficjalnej stronie dla starterów. Nikt nie powinien lamentować, że utalentowani reżyserzy są bardzo aktywnie zaangażowani.
Dopiero jeśli weźmie się pod uwagę, że te dodatkowe zadania tworzą wąskie gardła, to staje się niepokojące, szczególnie w studio, w którym proces produkcyjny nigdy nie jest gładki. I rzeczywiście, odbiło się to na animacji, zarówno pod względem ambicji, jak i poziomu polskiego, choć argumentowałbym, że w pewnym stopniu zaciemnia, jak genialne jest to inaczej. Stopień frustracji z powodu, który nie osiągnął wysokości, który mógłby, jest uzasadniony, podobnie jak gniew, że nawet powszechnie udana seria, która nie powinna być w pośpiechu, może sprawić, że praca jest tak miażdżąca dla personelu. Najtrudniejszym krokiem może być pogodzenie się, że OMS jest doskonałym programem… choć biorąc pod uwagę historię produkcji serii, wieloletni fani mogą być już do tego przyzwyczajeni. Wiem, że z radością przyjąłem monogatari, zachowując stare cechy, nawet gdy Yoshizawa wprowadza je w nową erę, ale szczerze mówiąc, te nieszczęścia produkcyjne to jeden aspekt, który chciałbym zostawić.
wspieraj nas na Patreon Aby pomóc nam osiągnąć nasz nowy cel, aby utrzymać archiwum animacji w Sakugabooru, Sakugasakuga (作画 作画): Techniczne rysowanie zdjęć, ale bardziej konkretnie zdjęcia, ale konkretnie obrazy, ale konkretnie zdjęcia, ale konkretnie zdjęcia, ale szczególne rysowanie zdjęć, ale szczególne rysowanie zdjęć, ale technicznie rysować zdjęcia ożywienie. Zachodni fani już dawno zawłaszczyli to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robią to podzbiór fanów japońskich. Dość integralna z marką naszych witryn. Wideo na YouTube, a także Sakugasakuga (作画): techniczne rysowanie zdjęć, ale dokładniej animacji. Zachodni fani już dawno zawłaszczyli to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robią to podzbiór fanów japońskich. Dość integralna z marką naszych witryn. Bloga. Dziękuję wszystkim, którzy do tej pory pomogli!
Zostań patronem!
