Pięć lat temu wyróżniliśmy kobietę, która jeszcze nie wyreżyserowała ani jednego odcinka anime, jako jednego z najbardziej obiecujących młodych twórców w całej branży. Dziś jest mózgiem najsłynniejszych momentów telewizyjnego anime — to Megumi Ishitani, która może być naprawdę zbyt dobra do swojej pracy.
Uruchomiliśmy kolumnę Anime’s Future tutaj, w SakugaSakuga (作画): Technicznie rysowanie obrazów, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to podzbiór japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Blog, aby zrównoważyć pesymizm, który staje się nieunikniony podczas omawiania tej branży. Przymykanie oka na problemy strukturalne anime nikomu nie pomaga, ale w czasach, gdy więcej ludzi niż kiedykolwiek pogodziło się z tym, jak głęboko zakorzenione są te problemy, ważne było, aby pamiętać, że zawsze istnieją nowe źródła nadziei. Nawet gdy ludzie z branży lamentują nad alarmującym brakiem wykwalifikowanej siły roboczej, pomimo okropnych warunków pracy i ograniczeń twórczych, które pozwalają odpędzić wszelkiego rodzaju utalentowanych ludzi, tak wielu ludzi zakochuje się w animacji, że potężne nowe głosy wciąż pojawiają się na scenie z regularnością – niezależnie od tego, czy kończą na owocnej karierze lub nie.
Aby rozpocząć tę serię z hukiem, postanowiliśmy wyróżnić dwóch różnych artystów w pierwszym poście. Pierwszym był przedwcześnie rozwinięty geniusz, który działa pod nazwą Chiny. Po zburzeniu wielu kamieni milowych w branży, jego brak doświadczenia w obowiązkach reżyserskich w tamtym czasie nie stanowił przeszkody w zapowiadaniu doskonałej kariery reżyserskiej, zwłaszcza biorąc pod uwagę jego talent do przechwytywanie informacji sensorycznych bardzo konkretnych momentów nawet za pomocą samych ilustracji. Czas udowodnił, że te przeczucia są słuszne, ponieważ jego dzisiejsze występy są synonimem epizodów kalibru roku, takich jak Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 i teledysk do Ból Ai do Yobudake.
Poza Chinami nazwa była bardziej skromna. Chociaż zbudował już silną reputację wśród oddanych fanów animacji i oczywiście w swoim pokoleniu bardzo utalentowanych niezależnych animatorów, niewiele osób znało Megumi Ishitani. W momencie pisania o niej, nie wyreżyserowała jeszcze jednego odcinka anime, wykonując jedynie niewielką pracę dla Toei Animation po ukończeniu uniwersytetu. Jednak dla tych, którzy naprawdę zwracali uwagę, potencjał był jasny: te niewielkie wkłady wykazały wybuch kreatywności i były bardzo atrakcyjne. wrażliwości – nawet wtedy, gdy tematem był antropomorficzny tyłek. I, co może ważniejsze, jej uczeń prace już odróżniają ją od normy.
Wielokrotnie wspominaliśmy, że program GEIDAI ANIMATION prowadzony przez Tokyo University of the Arts jest najbardziej prestiżowym kierunkiem w kraju. Jego reputacja opiera się nie tylko na pamięci instruktorów i umiejętnościach technicznych, które są w stanie przekazać, ale na ich nacisku na wychowywanie artystów z własnym światopoglądem, głosem i przesłaniem. Ich absolwenci często stają się niezależnymi artystami, ponieważ ten sposób myślenia jest sprzeczny z dominującymi postawami w środowiskach komercyjnych, zwłaszcza tych, które stały się tak twórczo duszące jak telewizyjne anime; kiedy większość zasobów jest kierowana na adaptacje, a ich definicję zawęża się do dokładnego odtworzenia materiału źródłowego, sztuka umiera na rzecz produktów. W tej chwili jedynymi dość stabilnymi centrami ludzi z Geidai są oddział studia WIT Ibaraki, z dala od typowej presji głównego studia, oraz załoga Pop Team Epic, która równie dobrze może być pozaziemska, jak sugeruje nazwa Space Neko Company.
Ishitani przeciwstawiła się tym konwencjom, dołączając właśnie do najbardziej korporacyjnych studiów anime; nie jest to zaskakujące wybór, biorąc pod uwagę, że imperium Toei Animation oferuje rodzaj bezpieczeństwa pracy, na które większość studiów anime nigdy nie może mieć nadziei, ale pozornie jest sprzeczny z filozofią uniwersytetu, z którego wypłynęła. A jednak to właśnie mentalność pielęgnowana w Geidai pozwoliła Ishitani przystosować się do takiego środowiska. Jej celem było stworzenie animacji, którą każdy może cieszyć się, bez względu na kontekst, czy nawet zdolność do jej pełnego przeanalizowania. Porównała to z doświadczeniem dziecka, które nie potrafi zrozumieć wszystkich zawiłości powieści, a mimo to może czule pamiętać wpływ, jaki wywarła na nie przez lata. Dla artystki tak pomysłowej jak ona, z zamiarem stworzenia samowystarczalnych, niezapomnianych doświadczeń, praca nad cotygodniowymi franczyzami nie wystarczyła, by stłumić jej kreatywność.
To założenie szybko zostało wprowadzone w życie. test, w bardzo trudnym scenariuszu. Szkolenie Ishitani jako reżysera przebiegało równolegle z produkcją Dragon Ball Super, tytułu, który nawet najwięksi fani serii uznają za nierówną jazdę. Po kilku latach pełnienia funkcji asystentki reżysera, gdzie kilka scen kończących było jej największym obowiązkiem, Ishitani zakończyła swój etap treningowy podczas ostatniego odcinka serialu. Jej niewymieniona w czołówce rola reżysera odcinka i współscenarzysty w odcinku 107, była pierwszym razem, kiedy była w pewnym stopniu odpowiedzialna, ale co najważniejsze, reżyserem serialuReżyser serialu: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako kreatywny decydent i ostateczny przełożony. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak serie z różnymi poziomami reżyserów – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinka serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie dla każdego przypadku. Tatsuya Nagamine i reżyser koserialu Ryota Nakamura — najbliższa jej wówczas mentorka, który nawet nadzorował jej nieoficjalny debiut — powierzyli jej reżyserię i tworzenie storyboardów finał wszystko na własną rękę. To oczywiste, ale postawienie nowicjusza na czele punktu kulminacyjnego prawdopodobnie najważniejszej serii anime wszech czasów jest zarówno absurdalnym pomysłem, jak i najlepszą rzeczą, jaką mogli zrobić. W tym momencie zdążył już wychwycić wszystkie cechy, które podkreśliliśmy wcześniej, a zakład jego drużyny się opłacił.
Podczas gdy #107 był już dość mocnym odcinkiem pomimo ograniczonej animacji, #131 w szczególności podniósł poprzeczkę znacznie wyżej niż kiedykolwiek wcześniej Super. Jej storyboardy były niezwykle sugestywne dla standardów serialu, a ta zdolność adaptacyjna, której potrzebowała, aby przetrwać w obcym środowisku, okazała się już tam, ponieważ połączyła bardziej satysfakcjonujący zestaw akcji niż większość weteranów Dragon Ball. Oba odcinki nakreśliły wyraźny obraz jej wciąż rozwijającego się stylu. Po pierwsze, jej skłonność do symetrycznych kompozycji z centralnym tematem, szczególnie oprawionych w z wstecz ; standardowe techniki na papierze, ale zawsze wykonywane w niezapomniany sposób ręką, z dodatkową korzyścią w postaci odchyleń – zrzucenia tej równowagi do oznacz dynamikę władzy lub przekazuj niepokoje – poczuj się jeszcze bardziej wpływowy. Podczas gdy na tym etapie wciąż musiała doskonalić umiejętności związane z animacją komercyjną, jej wrodzony zmysł do komponowania ujęć już wyróżniał ją w oczach wielu.
Po krótkich okresach w bezceremonialnie zakończony projekt i wykonując prace projektowe dla Precure, Ishitani przeszła do swojego kolejnego dużego projektu: podążając za Nagamine, gdy wypłynął na Grand Linia. Po uratowaniu Dragon Ball Super najlepiej, jak to tylko możliwe, a następnie udowodnieniu, że nie stracił kontaktu z bardzo przyjemnym filmem Broly, Nagamine powierzono rewitalizację One Piece poprzez przejęcie roli reżysera serialuReżyser serii: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako decydent kreatywny, jak i ostateczny nadzorca. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak serie z różnymi poziomami reżyserów – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinka serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w takich przypadkach jest ustalana indywidualnie dla każdego przypadku. dla łuku Wano. Stwierdzenie, że osiągnął cel, byłoby niedopowiedzeniem nie tylko jego przywództwa, ale także sposobu, w jaki cały zespół podniósł jakość swojej pracy dziesięciokrotnie, zaczynając od lepszego zarządzania. Wano Nagamine było hitem od samego początku w odcinku nr 892, ale zachowali swoją tajną broń przez ponad rok – a dokładniej, aż do odcinka nr 957, pierwszego w serii wyreżyserowanego i opracowanego przez Ishitani.
Fani One Piece spotkali zauważalnie bardziej wyrafinowaną Ishitani niż widzowie Dragon Ball, z którymi się rozstali. Jej naturalne tendencje w storyboardingu nie — i nie — zmieniła się trochę, ale jej zamyślenie było już na innym poziomie, podobnie jak jej techniczne zdolności do ujęcia tego w bardziej konkretny sposób. W odcinku doskonale wykorzystano cienie, poprawiając jej i tak już przyciągające wzrok kompozycje, ale także regulując dostarczanie informacji do widza, dając jej doskonałą kontrolę nad tempem. Pracując z najlepszymi animatorami, do których studio ma dostęp, w znacznie zdrowszym środowisku niż Super, maksymalizowała swoje wartości niematerialne, a nawet znalazła sposób na synergię treści odcinka z własnym etosem animacji. Powierzony prawdziwie zmieniającym świat ujawnieniem, Ishitani kładł nacisk na dzieci, gdy wiadomości opadały; są zdezorientowani skrajnymi reakcjami wszystkich na decyzję polityczną, której nie są w stanie zrozumieć, niektórzy zupełnie nieświadomi wszystkiego, co jest trwają, a jednak doniosłość tego kierunku sprawia, że czują się jak dzień, który zapamiętają, gdy dorosną. Oznacza to, że jest to bezpośrednia analogia do celów animacji Ishitani.
Przekazując odcinek, który zapada w pamięć, Ishitani z dnia na dzień stała się bohaterem dla całej grupy fanów. Fandom, który następnie musiał czekać przez całe 6 miesięcy – co oznacza wielokrotne cykle rotacji personelu – na jej ponowne pojawienie się. A kiedy to zrobiła, wynurzyła się z jeszcze większą liczbą sztuczek w swojej torbie, takich jak próby poślubienia eleganckich przejść, których używała wcześniej, z wielopłaszczyznowymi kompozycjami podobnymi do tej z poprzedniej supergwiazdy Toei, Rie Matsumoto, które dają dodatkową głębię ujęciom w bardzo zabawny sposób. Kreatywność Ishitani nie wymagała poprawy, ale dzięki nagromadzeniu doświadczenia, stopniowo staje się zdolna do realizacji absurdalnych koncepcji, takich jak dietetyczne i odpowiednie tonalnie neony, które zamieniają rozlany napój w krwawą intencję.
Spektakularny spektakl poprzednia scena, zasadniczo wysokiej jakości teledysk umieszczony w odcinku, podsumowała samodzielną wielkość Ishitani i niezgodność między ambicjami na poziomie kinowym a telewizyjnym anime, nie mówiąc już o długotrwałym tytule. One Piece jest bardziej stabilnym programem telewizyjnym niż kiedykolwiek, a Ishitani otrzymała więcej czasu niż ktokolwiek inny, ale tarcia między ambicją a wykonalnością nadal sprawiły, że zmagała się z produkcją tego odcinka. Nie będzie przesadą stwierdzenie, że w tym momencie stała się zbyt dobra do swojej pracy.
Po jeszcze dłuższym oczekiwaniu najnowsza praca Ishitani na odcinku 1015 nie wykazuje oznak osłabienia ambicji. Odcinek ten stanowi być może największy skok techniczny między jej pracami, a zwłaszcza komponowanie jest znacznie bardziej wyrafinowane. Dla tak ambitnych, jak oświetlenie w jej poprzednich odcinkach One Piece, szczegóły, takie jak nadmierna głębia ostrości w połączeniu z chromatycznym aberracja zadała więcej obrażeń strzałom niż pomogła. Przewiń jednak do jej ostatniego odcinka, a przyciągające wzrok oświetlenie jest znacznie bardziej harmonijne, przynosząc bardzo skomplikowane efekty, takie jak przezroczystość. W połączeniu z lepszym prowadzeniem oka przez techniki, takie jak skupienie się na szarpanie, płynniejsze przejścia i niesamowita umiejętność umiejętnego zatrzymywania czasu, jej umiejętności techniczne są teraz na poziomie, na którym mogą sprostać jej pomysłowości.
Choć oczywiście to właśnie ta kreatywność przyciągnęła innych do jej pracy. Chociaż jej chęć tworzenia animacji, którą można się cieszyć, niezależnie od zrozumienia kontekstu i treści, może być błędnie odczytana, ponieważ nie dba o konkretną pracę, taką jak One Piece, nic nie może być dalsze od prawdy. Odcinek #1015 jest pełen sekwencji, które krystalizują ducha mangi, jeśli nie lepiej niż jakikolwiek inny reżyser; znowu, jej wykonanie jest tak niezapomniane, że są doskonale przyjemne przy minimalnym kontekście, ale nie bierz tego, aby oznaczać, że nie angażuje się w każdą konkretną pracę. Ishitani stale podkreśla, że animacja to coś, co nie może odnieść sukcesu bez zespołu na tej samej stronie, a podczas pracy nad adaptacją wydaje się, że ten sposób myślenia obejmuje autora i jego oryginalną pracę.
Spośród wielu podkreśla, przedstawienie przez Soty retrospekcji Yamato z Ace’em może być najbardziej eleganckim podsumowaniem zrozumienia materiału przez Ishitani. Oprócz tego, że jest pięknym wykonaniem jednej z jej ulubionych kompozycji, Yamato trzymająca Vivre Paper, gdy Ace płynie przez bardzo wąski wąwóz, jest przejmującym przypomnieniem o wolności jednej osoby i jej braku, dodatkowo podkreślonym przez przeniesienie oka na kajdany. Pożegnalne słowa Ace’a wywołują zmianę w mentalności Yamato, który pośpiesznie pożegnał się z nim; powtarzając tę samą kompozycję z ręką trzymającą Vivre Paper, tyle że tym razem Yamato patrzy na otwarte morze, teraz faktycznie zdolne do zobaczenia wolności w przyszłości. A potem zapałka przycięta do spalenia papieru, oznaczająca śmierć jedynego przyjaciela Yamato. Kolejka górska emocji w około minucie materiału filmowego, pięknie podsumowująca światopogląd bohaterów ze sceną, której nigdy nie wymyśliłby ktoś, kto potraktował to tylko jako pracę domową.
Jeśli chodzi o ucieleśnienie One Piece jako całość, a także własna twórczość Ishitani, najbardziej pamiętna scena jest ponownie we wspomnieniach Yamato i Ace’a; i po raz kolejny w animacji Soty, ponieważ nie spocznie, chyba że jest w dużej mierze odpowiedzialny za największe odcinki Toei każdego roku. Przenosimy się do świata pastelowych kolorów i luźniejszych form, pasujących do dziecięcych wspomnień Ace’a o trzech braciach ujawniających swoje marzenia. Nagle wspomnienia Yamato zmieniają się w inny fragment przeszłości, o cieplejszej palecie, ale w podobnym dziecinnym stylu, z proklamacją własnego marzenia Gol D. Rogera. Dwa kolory łączą się, zanim eksplodują w ptaki: ostateczne ucieleśnienie wolności, która dla Rogera i Luffy’ego jest prawdziwym znaczeniem bycia królem piratów. Dla postaci, która nie pragnie niczego poza tym, jak Yamato, jest to wydarzenie zmieniające życie, a jako widz, który pragnie więcej takich wybuchów kreatywności, Ishitani również zmienia zasady gry.
Tak samo pozytywne skoro ten kawałek był, nie mogłem się zmusić do zakończenia go bez powiedzenia fanom One Piece, aby cieszyli się Ishitani tak długo, jak to możliwe, ponieważ każdy odcinek jasno pokazuje, że po prostu nie pasuje tutaj. Nie ma to być w żaden sposób krytyka serii, nawet niekończących się komercyjnych franczyz studia. Jeśli już, to rola, jaką odegrali w karierze najbardziej błyskotliwych reżyserów wykreowanych przez studio, jest czymś, co wydaje mi się dziwnie pomijane.
Z wyjątkiem wyjątków, takich jak prace Kunihiko Ikuhary. na Sailor Moon i jego uczniu Takuya Igarashi z Doremi, wydaje się, że istnieje tendencja do bagatelizowania przeszłości ich najbardziej cenionych przez krytyków reżyserów, co nieuchronnie wywodzi się z takich tytułów. Bezosobowy, atmosferyczny styl Shigeyasu Yamauchiego został udoskonalony w utworach takich jak Casshern Sins, ale trudno go w pełni pojąć, jeśli nie jesteś świadomy jego wkładu w Dragon Ball i Saint Seiya. Rie Matsumoto jest często traktowana tak, jakby zmaterializowała się znikąd z Kyousougiga, ale formalnie i tematycznie jej rozwój jest w całym Precure. Nawet Mamoru Hosoda, którego praca w Digimon jest nadal rozpoznawana, większość jego prac w Toei zamiatała pod dywan – w tym jego najbardziej osobiste prace. Nawet jeśli nie weźmiesz pod uwagę ich historycznego znaczenia, to wszystkie same w sobie są doskonałe dzieła, zasługujące na szacunek niezależnie od kontekstu.
Jeśli chodzi o Ishitani, problem nie polega na tym, że potrafi”. t zrobić świetne anime w dowolnej franczyzie, w której jest wdrożona, ale raczej jest zbyt ambitna na pojedyncze odcinki anime telewizyjnego. Chociaż żałuję, że w końcu dostała własne ważne dzieło – bez wątpienia w tym dinozaury – czuję, że najważniejszą zmianą w jej karierze byłoby przejście na kierowanie całymi projektami, najlepiej teatralnymi. W ciągu ostatniej dekady Toei straciła piłkę, jeśli chodzi o zabezpieczanie alternatywnych rynków zbytu dla wyjątkowych twórców takich jak ona, co przyczyniło się do tego, że wielu artystów kalibru Ishitani rezygnuje z korony szybciej, niż można by się tego spodziewać. Piłka jest teraz na boisku Toei, ponieważ Ishitani już udowodniła, że to prawdziwa gratka.
Wspieraj nas Patreon, aby pomóc nam osiągnąć nasz nowy cel, jakim jest utrzymanie archiwum animacji w Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technicznie rysuje obrazy, ale konkretniej animację. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to podzbiór japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Wideo na Youtube, a także SakugaSakuga (作画): Technicznie rysuję zdjęcia, ale dokładniej animację. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to podzbiór japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Blog. Dziękujemy wszystkim, którzy do tej pory pomogli!
