For fem år siden fremhevet vi en kvinne som ennå ikke hadde regissert en eneste episode av anime som en av de mest lovende unge skaperne i hele bransjen. I dag er hun hjernen bak de mest berømte øyeblikkene av TV-anime – dette er Megumi Ishitani, som kanskje virkelig er for god for jobben sin.
Vi lanserte Anime’s Future-spalten her på SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Blogg for å motvirke pessimismen som blir uunngåelig når du dekker denne bransjen. Å vende det blinde øyet til animes strukturelle problemer hjelper ingen, men i en tid da flere mennesker enn noen gang kom til å forsone seg med hvor dypt forankret disse problemene er, føltes det viktig å merke seg at det alltid er nye kilder til håp. Selv mens bransjefolk beklager den alarmerende mangelen på kvalifisert arbeidskraft, til tross for forferdelige arbeidsforhold og kreative begrensninger som klarer å drive vekk alle slags talentfulle folk, blir så mange mennesker forelsket i animasjon at kraftige nye stemmer fortsatt bryter inn i scenen med regelmessighet – enten de ender opp med å få en fruktbar karriere eller ikke.
For å starte den serien med et smell, valgte vi å trekke frem to forskjellige artister i det første innlegget. Den første var et ungt geni som jobber under navnet Kina. Etter å ha ødelagt alle slags ungdomsmilepæler i bransjen, føltes hans mangel på erfaring i regissøroppgaver på den tiden ikke som noen hindring for å forutsi en utmerket karriere som regissør, spesielt gitt hans evne til fange sensoriell informasjon av svært spesifikke øyeblikk selv gjennom illustrasjoner alene. Tiden har bevist disse anelsene riktig, ettersom hans opptredener i dag er synonymt med episode av årets kaliber-utflukter som Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 og musikkvideoen til Mafumafus Sore wo Ai to Yobudake.
Ved siden av Kina var et mer upretensiøst navn. Selv om han allerede hadde bygget et sterkt rykte blant dedikerte animasjonsfans og selvfølgelig innenfor sin generasjon av svært talentfulle frilansanimatorer, var det ikke så mange som kjente til Megumi Ishitani. Da hun skrev om henne, hadde hun ennå ikke regissert en eneste episode av anime, etter å ha gjort mindre arbeid for Toei Animation etter at hun ble uteksaminert fra universitetet. For de som virkelig la merke til, var imidlertid potensialet klart: disse små bidragene viste utbrudd av kreativitet og var veldig tiltalende sensibilities – selv når temaet var en menneskeskapt bakdel. Og, kanskje enda viktigere, hennes student verk skiller henne allerede fra normen.
Vi har nevnt mange ganger at Tokyo University of the Arts sitt GEIDAI ANIMATION-program er det mest prestisjefylte kurset i landet. Dens rykte går ikke bare på cachen til instruktørene og de tekniske ferdighetene de er i stand til å gi fra seg, men på deres vekt på å oppdra artister med et eget verdensbilde, stemme og eget budskap. Alumniene deres blir ofte uavhengige artister, ettersom den tankegangen er i motsetning til de rådende holdningene i kommersielle miljøer, spesielt de som har vokst til å være like kreativt kvelende som TV-anime; når de fleste ressursene kanaliseres til tilpasninger, og når definisjonen av disse begrenses til eksakte gjenskapinger av kildematerialet, dør kunsten for produktenes skyld. Akkurat nå er de eneste noe stabile knutepunktene til Geidai-folket studio WITs Ibaraki-gren, borte fra hovedstudioets vanlige press, og Pop Team Epic-mannskapet som like gjerne kan være så utenomjordisk som navnet Space Neko Company antyder.
Ishitani trosset disse konvensjonene ved å slutte seg til nettopp de mest bedriftsorienterte anime-studioene; ikke så overraskende av et valg gitt at Toei Animation-imperiet tilbyr den typen jobbsikkerhet som de fleste anime-studioer aldri kan håpe på, men tilsynelatende i strid med filosofien til universitetet hun seilte fra. Og likevel er det nettopp mentaliteten som ble pleiet ved Geidai som gjorde at Ishitani kunne tilpasse seg et miljø som dette. Målet hun hadde satt øynene på var å lage animasjon som alle kunne glede seg over, uavhengig av kontekst eller til og med deres evne til å analysere den i sin helhet. Hun sidestilte det med opplevelsen av et barn som ikke kan forstå alle forviklingene ved et stykke fiksjon, og som likevel med glede husker innvirkningen det hadde på dem år nedover. For en artist så oppfinnsom som henne, med den hensikt å lage selvstendige minneverdige opplevelser, ville det ikke være nok å måtte jobbe med ukentlige franchiser til å kvele hennes kreativitet.
Denne antagelsen ble raskt satt til test, i et veldig vanskelig scenario. Ishitanis trening som regissør hadde gått parallelt med produksjonen av Dragon Ball Super, en tittel som selv de største fansen av franchisen vil anerkjenne som en ujevn tur. Etter å ha fungert som regissørassistent i et par år, hvor et par avslutningssekvenser var det største ansvaret hun hadde, fullførte Ishitani treningsstadiet under den siste buen av showet. Hennes ukrediterte rolle som episoderegissør og co-storyboarder i episode #107 var første gang hun hadde litt ansvar, men viktigst av alt, serieregissør. Serieregissør: (監督, kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av staben og har til slutt det siste ordet. Det finnes imidlertid serier med forskjellige nivåer av regissører – sjefdirektør, assisterende regissør, serieavsnittsdirektør, alle slags ikke-standard roller. Hierarkiet i disse tilfellene er fra sak til sak. Tatsuya Nagamine og medserieregissør Ryota Nakamura –den nærmeste figuren til en mentor hun hadde på den tiden, som til og med ledet hennes uoffisielle debut – betrodde henne regi og storyboarding av finale helt på egen hånd. Det sier seg selv, men å sette en nybegynner ansvarlig for klimakset for uten tvil den viktigste anime-serien gjennom tidene er både en latterlig idé og det beste de kunne ha gjort. På det tidspunktet hadde han allerede tatt opp alle egenskapene vi hadde fremhevet før, og lagets innsats betalte seg.
Mens #107 allerede var en ganske sterk episode til tross for den begrensede animasjonen, #131 spesielt hevet listen mye høyere enn Super noen gang hadde nådd før. Storyboardene hennes var enormt stemningsfulle for showets standarder, og den tilpasningsevnen hun ville trenge for å overleve i et fremmed miljø viste seg å være der allerede, da hun satt sammen et mer tilfredsstillende actionsettstykke enn de fleste Dragon Ball-veteraner. Begge episodene malte et klart bilde av stilen hennes som fortsatt er under utvikling. For det første, hennes tendens til symmetriske komposisjoner med emnesentrering, spesielt innrammet fra baksiden ; standardteknikker på papir, men alltid utført på en minneverdig måte av hennes hånd, med den ekstra fordelen av å gjøre avvik – å fjerne balansen til betegn kraftdynamikk eller formidle uro – føl deg desto mer virkningsfull. Mens hun på dette stadiet fortsatt måtte finpusse ferdighetssett som er spesifikke for kommersiell animasjon, har hennes medfødte sans for komposisjon alene fått henne til å skille seg ut i øynene til mange.
Etter korte opphold i et uhøytidelig avviklet prosjekt og utførte designarbeid for Precure, gikk Ishitani videre til sitt neste store prosjekt: å følge Nagamine mens han satte seil mot Grand Linje. Etter å ha reddet Dragon Ball Super så godt som menneskelig mulig, og deretter bevist at han ikke har mistet kontakten med den veldig hyggelige Broly-filmen, ble Nagamine betrodd å revitalisere One Piece ved å ta over som serieregissør. Serieregissør: (監督, kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som kreativ beslutningstaker og sluttveileder. De overgår resten av staben og har til slutt det siste ordet. Det finnes imidlertid serier med forskjellige nivåer av regissører – sjefdirektør, assisterende regissør, serieavsnittsdirektør, alle slags ikke-standard roller. Hierarkiet i disse tilfellene er fra sak til sak. for Wano-buen. Å si at han oppnådde målet ville være en underdrivelse, ikke bare av lederskapet hans, men også måten hele teamet har ti ganger forbedret kvaliteten på arbeidet sitt, og startet med den forbedrede ledelsen. Nagamine’s Wano var en hit helt siden starten i episode #892, men de lagret det hemmelige våpenet deres i over et år – nærmere bestemt frem til episode #957, den første i serien regissert og storyboardet av Ishitani.
One Piece-fans møtte en merkbart mer raffinert Ishitani enn Dragon Ball-seerne hadde skilt lag med. Hennes naturlige tendenser i storyboarding hadde ikke—og har ikke—endret seg en bit, men omtanken hennes var allerede på et annet nivå, og det samme var hennes tekniske evne til å sette det i mer konkrete termer. Episoden brukte skygger utmerket for én, og forbedret hennes allerede iøynefallende komposisjoner, men regulerte også leveringen av informasjon til seer, noe som gir henne utmerket kontroll over tempoet. Å jobbe sammen med de beste animatørene studioet har tilgang til i et mye sunnere miljø enn det til Super, maksimerte det immaterielle, og hun til og med fant en måte å synergi innholdet i episoden med hennes egen animasjonsetos. Betrodd en avsløring som virkelig forandrer verden, la Ishitani vekt på barna etter hvert som nyhetene falt; de er forvirret over alles ekstreme reaksjoner på en politisk beslutning de ikke er rustet til å forstå, noen helt uvitende om alt som er pågår, og likevel gjør retningens betydningsfulle at det føles som en dag de vil huske når de vokser opp. Det vil si en direkte analogi til Ishitanis animasjonsmål.
Ved å levere en episode som er minneverdig, ble Ishitani en helt for en hel fanbase over natten. En fanbase som deretter måtte vente i hele 6 måneder – noe som betyr flere sykluser av personalrotasjonen – for at hun skulle dukke opp igjen. Og da hun gjorde det, dukket hun opp igjen med enda flere triks i vesken, som hennes forsøk på å kombinere de slanke overgangene hun hadde brukt før med multiplanar-komposisjoner som ligner på den tidligere Toei-superstjernen Rie Matsumoto, som gir ekstra dybde til skudd i en veldig underholdende måte. Ishitanis kreativitet trengte ikke å forbedres, men ved å samle erfaring, blir hun gradvis i stand til å trekke frem latterlige konsepter som diegetiske og tonalt passende neonlys som gjør en sølt drink til blodig hensikt.
Det spektakulære. forrige scene, i hovedsak en musikkvideo av høy kvalitet innlemmet i episoden, oppsummerte både Ishitanis selvstendige storhet og inkompatibiliteten mellom ambisjon på teaternivå og TV-anime, enn si en langvarig tittel. One Piece er et mer stabilt TV-program enn noen gang, og Ishitani fikk også mer tid enn noen andre, men friksjonen mellom ambisjon og gjennomførbarhet gjorde at hun fortsatt slet med produksjonen av denne episoden. Det er ingen overdrivelse å si at hun på dette tidspunktet hadde blitt for god for jobben sin.
Etter en enda lengre ventetid viser Ishitanis siste arbeid med episode #1015 ingen tegn til å redusere ambisjonen. Episoden representerer kanskje det største tekniske spranget mellom verkene hennes, med spesielt komposisjonen som er mye mer raffinert. For like ambisiøs som lyssettingen i hennes tidligere One Piece-episoder var, detaljer som overdreven dybdeskarphet kombinert med kromatisk aberrasjon gjorde mer skade på skudd enn de hjalp. Men spol frem til den siste episoden hennes, og den iøynefallende belysningen er mye mer harmonisk, og gir svært kompliserte effekter som gjennomskinnelighet. Sammen med bedre veiledning av øyet gjennom teknikker som økende fokus, jevnere overganger og en uhyggelig evne til kunstig å stoppe over tid, er hennes tekniske ferdigheter nå på et nivå der de kan leve opp til oppfinnsomheten hennes.
Selv om det selvfølgelig er den kreativiteten som trakk andre til arbeidet hennes i utgangspunktet. Mens hennes ønske om å lage animasjoner du kan glede deg over uavhengig av hvordan du forstår konteksten og innholdet kan misleses fordi hun ikke bryr seg om et spesifikt verk som One Piece, kan ingenting være lenger unna sannheten. Episode #1015 er full av sekvenser som krystalliserer ånden i mangaen også om ikke bedre enn noen annen regissør; igjen, utførelsen hennes er så minneverdig at de er helt underholdende med minimal kontekst, men ikke ta noe av dette som at hun ikke engasjerer seg i hvert enkelt verk. Ishitani understreker hele tiden at animasjon er noe som ikke kan lykkes uten et team på samme side, og når man jobber med en tilpasning, ser det ut til at den tankegangen inkluderer forfatteren og deres originale verk også.
Ut av de mange høydepunkter, kan Sotys skildring av Yamatos tilbakeblikk med Ace være den mest elegante oppsummeringen av Ishitanis grep om materialet. I tillegg til å være en vakker gjengivelse av en av favorittkomposisjonene hennes, er Yamato som holder Vivre-papiret mens Ace seiler gjennom en veldig trang kløft en gripende påminnelse om ens frihet og den andres mangel på denne, ytterligere understreket ved å flytte øyet til lenkene. Aces avskjedsord utløser en endring i Yamatos mentalitet, som skynder seg å ta et mer ordentlig farvel til ham; gjenta den samme komposisjonen med hånden som holder Vivre-papiret, bortsett fra at denne gangen ser Yamato på et åpent hav, nå faktisk i stand til å se frihet i fremtiden. Og så, en fyrstikk klippet til papiret som brenner, som indikerer døden til Yamatos ene venn. En berg-og-dal-bane av følelser på omtrent ett minutt med opptak, som vakkert oppsummerer karakterenes verdensbilde med en scene som noen som bare behandlet dette som lekser aldri kunne komme på.
Når det gjelder å legemliggjøre One Piece som en helhet, og Ishitanis egen kreativitet også, er den mest minneverdige scenen igjen i Yamato og Aces minner; og nok en gang i Sotys animasjon, fordi han ikke vil hvile med mindre han er hovedansvarlig for Toeis største episoder hvert eneste år. Vi blir transportert til en verden av pastellfarger og løsere former, som passer Aces barndomserindringer av de tre brødrene som avslører drømmene sine. Plutselig skifter Yamatos minner til et annet utdrag fra fortiden, med en varmere palett, men på samme måte barnslig stil, med Gol D. Rogers forkynnelse av sin egen drøm. De to fargene smelter sammen før de eksploderer til fugler: den ultimate legemliggjørelsen av frihet, som for Roger og Luffy er den virkelige betydningen av å være sjørøvernes konge. For en karakter som ikke ønsker annet enn det som Yamato, er dette en livsendrende begivenhet, og som en seer som ønsker seg flere utbrudd av kreativitet som dette, forandrer Ishitani også spillet.
Like positivt som dette stykket har vært, kunne jeg ikke få meg selv til å avslutte det uten å fortelle One Piece-fansen om å glede seg over Ishitani så lenge de kan, fordi hver episode har gjort det tydeligere enn den forrige at hun rett og slett ikke hører hjemme her. Dette er ikke ment å være kritikk av serien på noen måte, ikke engang av studioets uendelige kommersielle franchiser. Om noe er rollen de har hatt i karrieren til de mest geniale regissørene studioet har oppdratt, noe jeg synes er merkelig oversett.
Med unntak av unntak som Kunihiko Ikuharas arbeid på Sailor Moon og hans disippel Takuya Igarashi med Doremi, ser det ut til å være en tendens til å underspille fortiden til deres mest kritikerroste regissører, noe som uunngåelig går tilbake til titler som disse. Den upersonlige atmosfæriske stilen til Shigeyasu Yamauchi ble perfeksjonert i verk som Casshern Sins, men det er vanskelig å forstå fullt ut hvis du ikke er klar over hans bidrag til slike som Dragon Ball og Saint Seiya. Rie Matsumoto blir ofte behandlet som om hun materialiserte seg fra ingensteds med Kyousougiga, men formelt og tematisk er veksten hennes over hele Precure. Til og med Mamoru Hosoda, hvis arbeid i Digimon fortsatt er anerkjent, har det meste av arbeidet hans på Toei feid under teppet – inkludert hans mest personlig betydningsfulle verk. Selv om du ikke tar hensyn til deres historiske betydning, er disse alle utmerkede verk i seg selv, som fortjener respekt uavhengig av konteksten.
Når det kommer til Ishitani, er ikke problemet at hun kan ikke lage flott anime uansett hvilken franchise hun har distribuert til, men heller at hun er for ambisiøs for individuelle episoder av TV-anime. Selv om jeg skulle ønske at hun til slutt får et stort originalt verk – uten tvil inkludert dinosaurer – føler jeg at den viktigste endringen i karrieren hennes ville være å bytte til å lede hele prosjekter, fortrinnsvis teatralske. I løpet av det siste tiåret har Toei droppet ballen når det gjelder å sikre alternative utsalgssteder for unike skapere som henne, noe som har vært en medvirkende årsak til at flere artister av Ishitanis kaliber har sagt opp sin krone raskere enn du normalt forventer. Ballen er på Toeis bane nå, fordi Ishitani allerede har bevist at hun er den virkelige avtalen.
Støtt oss på Patreon for å hjelpe oss med å nå vårt nye mål om å opprettholde animasjonsarkivet i Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Video på Youtube, samt denne SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Blogg. Takk til alle som har hjulpet til så langt!
