The Summer Hikaru Died/HikaNatsu’s anime werd geconceptualiseerd rond de avontuurlijke richting van Ryohei Takeshita, maar zonder de kernideeën van de auteur uit het oog te verliezen. Met een vervolg in het verschiet is het tijd om meer te leren over een fascinerende productie.
Er is een reeks termen die je misschien bent tegengekomen als je luistert naar de inzichten van anime-makers, vooral als ze spreken voor gespecialiseerde verkooppunten met een zeer geïnvesteerd publiek. Dit is niet omdat het de meest technische uitdrukkingen zijn. Ze zijn in ieder geval enigszins onzinnig als ze worden ontleed door de letterlijke realiteit van de productie, maar kunstenaars die bij het proces betrokken zijn, waarderen ze als nuttige, suggestieve terminologie. Zeker, sakugaSakuga (作画): Technisch tekenen van afbeeldingen, maar meer specifiek animatie. Westerse fans hebben zich het woord al lang geleden toegeëigend om te verwijzen naar voorbeelden van bijzonder goede animatie, op dezelfde manier als een deel van de Japanse fans dat doet. Vrij integraal onderdeel van het merk van onze site. anime zou technisch gezien van toepassing zijn op elk werk met 2D-animatiecomponenten, en dat interpreteert het woord al met een smallere betekenis dan het potentieel kan bevatten. Als je echter ziet dat mensen binnen de industrie of die er nauw omheen werken die uitdrukking gebruiken, schetst het een specifiek beeld: dat van anime, waarbij de bekwaamheid en intentie van de beweging, evenals de pure kwaliteit van het artwork, de kernpunten van de ervaring zijn.
Hoewel dat de meest voorkomende versie van de term is, zul je soms ook specifiekere versies tegenkomen, evenals broers en zussen die verschillende accenten benadrukken. Het is redelijk om layout-anime te beschouwen als een subset van sakugaSakuga (作画): technisch tekenen van afbeeldingen, maar meer specifiek animatie. Westerse fans hebben zich het woord al lang geleden toegeëigend om te verwijzen naar voorbeelden van bijzonder goede animatie, op dezelfde manier als een deel van de Japanse fans dat doet. Vrij integraal onderdeel van het merk van onze site. anime, in dit geval verwijzend naar werken waarin de fysieke representatie van de ruimte een grote aantrekkingskracht heeft; Of het nu komt omdat dat aansluit bij de psychologie van het personage of door pure technische uitmuntendheid, dergelijke werken schitteren door de framing op een manier die hun storyboards overstijgt. In gevallen waarin de achtergrondschilderijen niet alleen mooi zijn, maar ook een opvallende prominentie krijgen, is het niet ongebruikelijk om over bijutsu/art anime te praten. Je kunt zelfs voorbeelden vinden van het bewerken van anime, zoals Takayuki Hirao’s zeer vermakelijke Pompo The Cinephile. Het is een film die letterlijk de handeling van het monteren van film weergeeft, maar ook is opgebouwd rond de eigenzinnige en plezierige flow van Hirao. Het is geen verrassing dat dit de kadrering was die de regisseur zelf omarmde.
Nogmaals, deze termen verwijzen niet naar taken die uniek zijn voor dergelijke werken, aangezien het aspecten zijn die aanwezig zijn in elke productie. Ze mogen ook niet worden geïnterpreteerd als de enige belangrijke stappen in het proces; Terugkijkend op het Pompo-voorbeeld is het duidelijk dat een groot deel van de diepgewortelde voldoening van Hirao’s overgangen begint met zijn eigen storyboards, veel eerder dan de montagefase plaatsvindt. Wat deze uitdrukkingen alleen maar doen, is het aspect benadrukken dat voor de kijker centraal zal staan in de ervaring, wat ze ook heel nuttig maakt voor regisseurs die met hun teams moeten communiceren tijdens de vroege stadia van een project.
En vanaf het begin van de anime van The Summer Hikaru Died /HikaNatsu, seriedirecteurSeries Director: (監督, kantoku): De persoon die verantwoordelijk is voor de hele productie, zowel als een creatieve beslisser en eindbegeleider. Zij overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Er bestaan echter series met verschillende niveaus van regisseurs: hoofdregisseur, assistent-regisseur, afleveringsregisseur van de serie, allerlei soorten niet-standaardrollen. De hiërarchie in die gevallen is een scenario van geval tot geval. Ryohei Takeshita had iets duidelijk: het zou een enshutsu-anime worden. Dat wil zeggen: een show die de nadruk legt op de onmiddellijke ervaring door middel van lastige mise-en-scène en unieke hulpmiddelen. Eén waarin het zintuiglijke aspect het onmiskenbare middelpunt wordt. Dat idee was zo fundamenteel dat hij het niet alleen aan het team en uiteindelijk aan de kijkers overbracht via de uitvoeringskeuzes, maar zelfs aan de producenten als het project slechts een pitch was. In feite was het ook een van de allereerste dingen die Takeshita communiceerde met de oorspronkelijke auteur, die het een geweldige manier vond om een aanpassing te verrijken die je keer op keer kon bekijken.
In een interview voor Anime Corner dateert CyberAgent-producent Manami Kabashima de eerste gesprekken over een anime-aanpassing al in mei 2022, waarbij hij ook opmerkte dat de productie pas veel later echt zou beginnen, toen de regisseur van de serie Series Director: (監督, kantoku): De persoon die verantwoordelijk is voor de gehele productie, zowel als creatieve beslisser als eindsupervisor. Zij overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Er bestaan echter series met verschillende niveaus van regisseurs: hoofdregisseur, assistent-regisseur, afleveringsregisseur van de serie, allerlei soorten niet-standaardrollen. De hiërarchie in die gevallen is een scenario van geval tot geval. maakte hun planning rond oktober 2023 klaar. In een groter gesprek voor het septembernummer van PASH!, waarbij niet alleen Kabashima maar ook Kadokawa-producenten Chiaki Kurakane en Toshinori Fujiwara betrokken waren, bevestigt laatstgenoemde dat hij contact had opgenomen met verschillende studio’s rond de release van de eerste twee delen van de manga (maart 2022 tot oktober 2022) voordat hij zich bij dit team bij Cygames vestigde. Foto’s onder leiding van Takeshita.
Toen het erop aankwam die keuze te maken, gaf de helderheid van Takeshita’s visie de producenten vertrouwen. In plaats van op zoek te gaan naar een zachtmoedige regisseur die voor hun keuzes zou buigen, lijken ze te hebben begrepen dat het vastleggen van de aantrekkingskracht van HikaNatsu afhankelijk is van immateriële zaken die het beste kunnen worden overgelaten aan briljante makers met specifieke ideeën. Daarom vonden ze het geruststellend dat Takeshita zeer uitgesproken en eigenwijs was over het personeelsproces, en het preventief richtte op het idee van een enshutsu-anime. De positieve kant van de toen gemaakte keuzes zal een van de aandachtspunten zijn als we ons verdiepen in de afleveringen zelf, maar voordat we dat punt bereiken, moeten we een verleidelijke mythe ontkrachten: het idee dat Takeshita deze aanpak heeft gevolgd om de beperkingen van de productie te omzeilen.
Het is belangrijk om duidelijk te zijn over het feit dat CyPic-producties niet altijd zo glamoureus zijn als velen zouden verwachten, en dat een regisseur als Takeshita geen externe motivatie nodig heeft om experimenteel te worden. Hoewel de opkomst van een studio, ondersteund door een enorm bedrijf en de releases van oogverblindende juweeltjes zoals het Beginning of a New Era-project, een aura van dure, spraakmakende producties uitstralen, zijn niet alle CyPic-projecten hetzelfde. En om precies te zijn, de grote toename van hun productie de laatste tijd heeft ertoe geleid dat velen van hen merkbare bezuinigingen hebben moeten doen.
Deze beperkingen manifesteren zich op verschillende manieren; vroeg beginnen met projecten, maar ook deadlines stellen die de mogelijkheden van het personeel beperken, weigeren mee te doen aan de huidige biedingsoorlogen om eersteklas animators veilig te stellen, enigszins beknibbelen op ondersteunende studio’s, en over het algemeen een lagere lat leggen als het gaat om polijsten dan projecten met een hoger profiel zouden willen. Let wel, dit is iets waar ze mee weg zijn gekomen – niet altijd, sorry voor het soort overweldigende aanpassing van Assepoester Grijs – omdat ze met veel slimme, vindingrijke teams hebben gewerkt. En dus zou de eer meer naar hen moeten gaan dan naar het milieu.
Dat geldt ook voor HikaNatsu. Er zijn tal van uitzonderlijke individuen binnen de door Takeshita gekozen kernstaf, maar als het ging om het invullen van de rest van het team, deed hij het met een bescheidener opstelling. Door zo’n duidelijke visie te hebben, kon hij echter perfect passende, nog steeds over het hoofd geziene kennissen in de richting van de aflevering sturen. Regie van de aflevering (演出, enshutsu): een creatieve maar ook coördinerende taak, omdat het toezicht houdt op de vele afdelingen en artiesten die betrokken zijn bij de productie van een aflevering – het goedkeuren van animatie-indelingen samen met de animatiedirecteur, het toezicht houden op het werk van het fotografieteam, de kunstafdeling, CG-personeel… De rol bestaat ook in films, verwijzend naar de individuen die op dezelfde manier verantwoordelijk zijn voor delen van de film. plichten. Alleen al de première is het bewijs van zowel hun succes als hun beperkingen. De wat ruwe karakterkunst kan op gespannen voet staan met de bekendheid van het project, vooral met de weinige geweldige animatiegasten die hun opwachting maken. De regisseur heeft nooit verborgen gehouden hoe het schema nogal problematisch werd toen ze het einde naderden, maar het is de moeite waard om op te merken dat ze ondanks die omstandigheden een gevoel van stabiliteit bereikten. Zeker, de HikaNatsu-anime kan niet tippen aan de glans van de tv-anime met het hoogste profiel – laat staan de illustratieve kwaliteit van de manga – maar hij slaagt erin om gedurende de hele uitzending rond hetzelfde acceptabele niveau te blijven. Als ze in die eerdere afleveringen te ambitieus waren geweest met hun normen, zou de show in de achterste helft zijn ingestort.
De flexibiliteit die hen in staat stelde zich aan te passen aan de omstandigheden van de productie is een positieve kwaliteit, die we kunnen koppelen aan zowel het Takeshita-team als het praktijkgerichte managementpersoneel van CyPic. Zoals we echter eerder vermeldden, mogen we geen oorzakelijk verband toeschrijven waar dat niet het geval is. Dit wil zeggen dat Takeshita altijd al een sfeervolle, experimentele horror-anime wilde creëren – een genre waarin hij zijn interesse toonde toen hij met ANN sprak. Eerlijk gezegd was een dergelijke bevestiging niet eens nodig, omdat het iets was dat altijd in zijn werk voelbaar was; Natuurlijk was de excentrieke regisseur die ervan houdt handcamera’s te emuleren dol op meeslepende horror. Er is een reden waarom hij er zo zeker van was dat hij een enshutsu-anime wilde maken lang voordat hij ook maar een voorproefje kreeg van de productieomstandigheden: dit is waar de interesses van Takeshita lagen, en de aard van deze serie was het perfecte excuus om daar gebruik van te maken.
Het is niet de beperking die de schittering van HikaNatsu heeft voortgebracht; veel is inherent aan de mensen die het hebben gemaakt. De middelmatige productieomstandigheden (verre van de ergste als het gaat om de huidige tv-anime, voor de goede orde) zijn niet iets om te vieren, aangezien de show misschien nog beter was geweest met ruimere schema’s en meer middelen. Die zouden hun scherpte niet afstompen, maar eerder deuren openen voor het soort genuanceerde acteerwerk dat ze niet konden uitvoeren, voor onmiddellijk impactvolle tekeningen die in dat opzicht zouden kunnen concurreren met het bronmateriaal. Het had zelfs nog experimenteler kunnen zijn, omdat het langer duurt voordat de ongebruikelijke methoden waarin Takeshita geïnteresseerd is, tot wasdom komen. Hoewel ik het niet als vanzelfsprekend zou beschouwen, gezien hoe dit een trend aan het worden is binnen de studio, kunnen we hopen dat het succes ervan producenten motiveert om het reeds aangekondigde vervolg zoveel mogelijk te steunen als het verdient.
Gezien de expliciet aangegeven invalshoek van de regisseur, moesten we eenvoudigweg beginnen deze aanpassing te kaderen via de optiek van enshutsu anime. Het is de manier waarop hij de aanpassing vanaf het begin voor ogen had, en een uitstekende manier om horror te benaderen. We hebben het tenslotte over een genre waarin de meeslepende ervaring van moment tot moment centraal staat. Maar hoe succesvol het ook kan zijn in handen als die van Takeshita, de obsessie voor de micro ten koste van de macro had uiteindelijk voor een holle ervaring kunnen zorgen. Eén waarin je in elke scène wordt meegezogen, maar waar je wegloopt zonder een blijvende, resonerende indruk. Als ze ook niet hadden nagedacht over de overkoepelende thema’s en de verleidelijke ideeën gepresenteerd door de oorspronkelijke auteur Mokumokuren, dan had dat het geval kunnen zijn, zelfs met het niveau van geïnspireerde storyboards dat we hebben gekregen.
Takeshita was niet de enige die de kernideeën achter de serie wilde behouden. Naast hem zat bijvoorbeeld de auteur die ze bedacht had. Mokumokuren heeft meerdere keren gezegd dat ze, ook al hebben ze geen eerdere ervaring met aanpassingsprojecten, zich voorstellen dat ze er veel meer bij betrokken zijn dan auteurs doorgaans zijn. Dit staat vermeld in Newtype van oktober 2025 met Mokumokuren, Takeshita en Murayama, maar het meest amusant geïllustreerd in Comic Natalie‘s rondetafelgesprek tussen genoemde auteur en openingsartiestVaundy. Daar legde laatstgenoemde uit dat ze nog nooit een ontmoeting met de auteur hadden bijgewoond voordat hij een lied voor hen had gemaakt. Hoewel het productieproces in wezen gewoon was, zelfs als het om de aanwezigheid van de oorspronkelijke maker ging, leidde de proactiviteit van Mokumokuren tijdens de reguliere bijeenkomsten (en aanvullende taken zoals het kleurenscript voor de openingsscène) tot een situatie waarin de gekoesterde ideeën van de auteur sterk weerklank vonden in de bewerking.
Let wel, er is een reden waarom we het hebben over de concepten waar de auteur om geeft in plaats van over de specifieke kenmerken van het bronmateriaal. De anime van HikaNatsu aarzelde nooit om het originele verhaal te veranderen, laat staan om de uitvoering aan te passen om te profiteren van de aard van het nieuwe canvas. In het eerder genoemde Newtype-gesprek herinnert Mokumokuren zich hun eerste ontmoeting met Takeshita, waarbij de regisseur vroeg of ze de zaken meteen konden veranderen – “doe daar niet open over!”, dacht de geamuseerde auteur. In werkelijkheid waren ze het beiden eens over de noodzaak om bepaalde aspecten te wijzigen. Veel van de voorgestelde veranderingen (ook grootschalige) kwamen voort uit de suggesties van Mokumokuren, of op zijn minst uit hun nauwe samenwerking met Takeshita. Ik heb er vertrouwen in dat sommige van deze aanpassingen het tv-programma naar een hoger niveau hebben getild. En wat betreft degenen waarvan ik geloof dat ze meer gemengde resultaten opleveren, kan ik nog steeds de heldere, gerichte bedoeling bewonderen die ze tentoonspreiden. Nogmaals, de les is dat auteurs de inherente behoefte aan verandering in aanpassingen beter begrijpen dan vocale fanbases.
Waar gaat HikaNatsu dan eigenlijk over? Het uitgangspunt is even eenvoudig als overtuigend. We worden naar een nogal geïsoleerde landelijke omgeving getransporteerd, in navolging van de introverte middelbare scholier Yoshiki Tsujinaka. Waar we geleidelijk achter komen, was het geheime ritueel van hun dorp: zijn beste vriend Hikaru werd vermist vóór het begin van de serie. Een potentieel tragisch verhaal dat een happy end leek te hebben toen hij weer opdook, verward maar gezond genoeg. Maar dat is inderdaad slechts de oppervlakte. Wat het ook is dat nu in zijn huid zit, het is niet langer de persoon die Yoshiki kende. In feite is het helemaal geen persoon; ‘Hikaru’ is een bovennatuurlijk wezen dat op deze wereld kwam zonder zelfgevoel, laat staan menselijke moraliteit. De twee raken intrinsiek met elkaar verbonden in deze directe heropvoering van het Swampman-gedachte-experiment, dat de lezer (en de arme kinderen die in deze situatie terechtkomen) dwingt na te denken over wat iemand werkelijk maakt.
Hoe belangrijk die kant van het verhaal ook is, deze ideeën zijn onlosmakelijk verbonden met iets anders: de gruwel van conformiteit en, omgekeerd, de aantrekkingskracht van het enge anders-zijn. Als bodysnatching een horrorklassieker is, dan is het koppelen van de beklemmende sfeer van een landelijke omgeving aan het bovennatuurlijke dat ook. Voor Yoshiki begon het verstikkende leven van alledag niet toen ‘Hikaru’ verscheen. Dat gebeurde vele jaren daarvoor ook, omdat hij het beu was dat alle volwassenen hem vertelden de pony te knippen waar hij zich prettiger bij voelt. Dat gebeurde toen hij besefte dat hij niet kon ontsnappen aan het gefluister over zijn familie; zijn moeder van buitenaf, zijn zus die niet naar school gaat, hijzelf. En dat gebeurde vooral toen hij zich eigen maakte dat zijn eigen seksualiteit ongebruikelijk is en behandeld wordt als een grove afwijking van de norm. Hikaru was niet alleen zijn vriend, maar iemand tot wie hij zich romantisch en seksueel aangetrokken voelde. Nu hij er niet meer is en is vervangen door een eldritch-wezen, staan de zaken op het punt een stuk ingewikkelder te worden.
In dit opzicht is Mokumokuren steeds explicieter geworden over wat HikaNatsu is, en ook wat het niet is. Als je teruggaat om de eerste one-shot te lezen, zul je zeker merken dat veel pagina’s precies hetzelfde zijn als het begin van de serialisatie. Wat je echter ook zult opvallen, is dat de twee hoofdpersonages snel overgaan tot het delen van een kus en een normale romcom beginnen die je onder dergelijke omstandigheden kunt hebben. Dat is echter niet de weg die het volledige verhaal heeft gevolgd. Zoals Mokumokuren vaak heeft moeten zeggen vanwege de druk van fans vanuit meerdere hoeken: HikaNatsu is een niet-romantisch queer-verhaal. Er zijn meerdere redenen die hen in deze richting hebben geduwd: de overtuiging dat het belangrijk is om queerheid te scheiden van romantiek, de wens om breed allerlei mensen te bereiken die zich afgewezen voelen door maatschappelijke normen, en het allerbelangrijkste: Mokumokuren’s liefde voor de ander.
Dit laatste punt wordt nogal expliciet gemaakt in het verhaal van HikaNatsu, maar ik denk dat het vorige gesprek met Vaundy de grappigste samenvatting ervan is. In wezen ongevraagd gaat de auteur tekeer tegen Belle en het Beest en alle verhalen die soortgelijke patronen volgen. Als iemand die zich aangetrokken voelt tot afwijkingen – en hun aantrekkingskracht en weerzinwekkendheid als een bedwelmende cocktail ervaart – is het idee dat een gelukkig einde inhoudt dat je ze in een gewoon mens verandert, beledigend voor Mokumokuren. Want net zo belangrijk als het was om Yoshiki’s gevoelens op een precieze manier te definiëren, zo belangrijk was het beschermen van de abnormale, onbegrijpelijke aard van ‘Hikaru’. Een rechtlijnige romance zoals begrepen door de menselijke samenleving zou onvermijdelijk het ontmonsteren van “Hikaru” met zich meebrengen, iets waar de auteur een hekel aan heeft. Hoewel de serie heel erg over liefde gaat, en iedereen met waardering voor kruidigheid dit scenario alleen maar als nog smakelijker BL zal zien, is het belangrijk om te begrijpen waarom de oorspronkelijke auteur niet gecharmeerd is van labels. Als je die agressief onder druk zet, wordt immers ook die op de mens gerichte visie waar ze een hekel aan hebben, afgedwongen.
Je zou met zo’n interessante, intern samenhangende visie kunnen komen en er toch in slagen de uitvoering ervan te verprutsen. Maar dit is HikaNatsu, de serie die ieders aandacht trok omdat de levering ervan zo geïnspireerd is. Zelfs nu zijn eigen interesses in die richting neigen, was Takeshita misschien niet gedwongen om all-in te gaan op de enshutsu-anime-invalshoek als Mokumokuren niet briljant was in het synthetiseren van die thema’s tot beelden die bij je blijven. Van de vele tools die de auteur in dat proces gebruikt, is er één in het bijzonder genoemd in elk interview dat we tot nu toe hebben genoemd. En realistisch gezien, in de meeste dingen die we nog niet ter sprake hebben gebracht, zoals het gesprek van PASH met art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): De persoon die verantwoordelijk is voor de achtergrondkunst voor de serie. Ze tekenen veel tekengebieden die, zodra ze zijn goedgekeurd door de regisseur van de serie, als referentie dienen voor de achtergronden in de serie. Coördinatie binnen de kunstafdeling is een must; decor-en kleurontwerpers moeten samenwerken om een samenhangende wereld te creëren. Kouhei Honda. Als je ooit HikaNatsu hebt gelezen, weet je waarschijnlijk dat we het hebben over het gebruik van SFX, onomatopee en de algemene evocatie van geluid.
Het vastleggen van de volledige breedte van dat aspect in anime zou meer vergen dan een geweldige geluidsrichting, maar laten we onszelf niet voor de gek houden, daar moet het mee beginnen. Takeshita dacht er net zo over toen hij de naam Kouji Kasamatsu bedacht om vorm te geven aan het alomtegenwoordige, bijna voelbare geluid; en net als bij eerdere keuzes, ook omdat hij persoonlijk op zoek was naar een excuus om met hem samen te werken. Je hebt misschien gemerkt dat Takeshita ook rechtstreeks bij dit aspect betrokken is, waardoor hij de rol van geluidsregisseur (ongaku kantoku) verdient. Ondertussen wordt Kasamatsu vermeld onder de niet-standaard rol van ongaku enshutsu. Echt het sleutelwoord voor de hele productie, zo blijkt.
In een interview met JINS PARK onthult Kasamatsu hoe hij het pad van anime kruiste, en ook waarom hij de voorkeur geeft aan dat specifieke krediet. Zijn professionele carrière begon als geluidseffecttechnicus bij televisieprogramma’s, hoewel zijn echte passie film was. En omdat hij gepassioneerd was, was hij ook kritisch. Daarom vond hij het geluid in Japanse films nogal teleurstellend. Terwijl hij sleutelde aan een toen hypermodern Digital Audio Workstation dat zijn baas had aangeschaft, deed hij experimenten zoals het bewerken van zijn eigen trailer van Patlabor: The Movie, terwijl hij de audio verving door iets dat aan zijn normen voldeed. Daarbij trok hij de aandacht van de fabrikanten van de machine, en uiteindelijk van de audiostaf van Patlabor zelf.
Door dat leuke incident gingen de deuren naar animatie en film open voor Kasamatsu. Omdat hij zo bijzonder is, houdt hij ervan om vanaf het begin (als een proactieve partij bij het plannen van de soundtrack) tot het einde betrokken te zijn, waarbij hij de dialoog en de timing van de laatste delen aanpast. Hij is zich ervan bewust dat een dergelijke positie vaak wordt bestempeld als een bijzonder invloedrijke ongaku kantoku, maar aangezien hij geen grote fan is van de imposante uitstraling die deze woorden hebben, kiest hij liever voor de bescheidener klinkende ongaku enshutsu. Zo wordt hij genoemd in meerdere Ghibli-projecten, waaronder de keer dat Miyazaki hem vroeg om alle geluidseffecten in The Wind Rises te conceptualiseren als door mensen gemaakte geluiden. Hij is de exclusieve persoon geworden voor de iconen van de Japanse theatrale animatie. En met HikaNatsu staat hij voor het eerst in meer dan tien jaar in de voorhoede van een tv-anime. Je kunt het aantal keren dat dit is gebeurd met één hand tellen, en je hebt nog steeds vingers over. Zelfs het personage in de serie, dat een beetje te dol is op het opofferen van delen van zijn lichaam, zou dit voor elkaar kunnen krijgen.
Een ander centraal aspect van de aanpassing deelt protagonisme met geluid voor een even harde scène, vooral voor kijkers die zich niet bewust zijn van het uitgangspunt van de serie. Het is wat vorm geeft aan de ware aard van ‘Hikaru’ – een duidelijk kleverige, betoverende vorm. Vanaf het moment dat de bewerking werd aangekondigd, begreep elke fan meteen waarom Takeshita Masanobu Hiraoka persoonlijk scoutte als de kunstenaar die deze specifieke rol toevertrouwde. Zijn beheersing van morphing motion in onafhankelijke werken heeft hem af en toe een positie opgeleverd in spraakmakende commerciële projecten, hoewel het ook die unieke stijl is die hem onverenigbaar maakt met de meeste anime.
De meeste anime, maar niet HikaNatsu, waar hij past met perfecte (on)natuurlijkheid. De vloeiende vormen van Hiraoka zijn fascinerend, net als de huidige ‘Hikaru’, tot wie Yoshiki zich ondanks het duidelijke gevaar steeds weer aangetrokken voelt. De veranderende vormen doen denken aan de biologische structuren die je in cellen aantreft; en toch zijn ze fundamenteel verschillend, passend bij het effect dat de fractale verschrikkingen van Mokumokuren bereiken. De anime schakelt over naar deze speciale delen wanneer het de horror wil versnellen, maar ze zijn misschien het meest effectief wanneer ze naast de gewone gebeurtenissen bestaan. In dat opzicht zijn weinig scènes zo memorabel als de aanpassing van de scène die HikaNatsu in eerste instantie hielp op gang te komen: “Hikaru” smelt terwijl Yoshiki vraagt wie hij werkelijk is.
Ik denk dat het belangrijk is om deze tentstokken van HikaNatsu’s horror niet als afzonderlijke elementen te zien, maar als onderdeel van het onderling verbonden net dat ze vormen. Ondanks de enorme diversiteit aan technieken die elke afleveringsregisseur gebruikt, komen ze allemaal samen in één verenigende textuur die nauw verwant is aan de thema’s die we eerder bespraken. HikaNatsu is plakkerig en stroperig. Een vloeistof die overal sijpelt. Net als de hitte van de zomer, zo nauwkeurig vastgelegd door Honda’s art direction, het kleurontwerp van Naomi Nakano en de compositie van Tomohiro Maeda. Het verpletteren van zwart in de schaduw en het ongemakkelijk aanpassen van het contrast zijn misschien ongewenste keuzes in andere series, maar passen bij het stille allesomvattende onbehagen van HikaNatsu. Zelfs de rol van Hiraoka krijgt de naam dorodoro-animatie, naar de onomatopee in de manga. Nogmaals, dit brengt de sijpelende horror nauw in verband met een vorm van geluid. Beide aspecten delen die textuur, zoals de maatschappelijke druk die rondom Yoshiki heerst, waar hij ook is. Het is allemaal onaangenaam, maar je kunt niet wegkijken. Dat is de complexe relatie met het onbekende die Mokumokuren wil oproepen.
Zelfs als Takeshita zo bovenop alles zit, zou de HikaNatsu-anime niet half zo meeslepend zijn als elke aflevering tussen de afleveringen die hij op het storyboard maakte op zichzelf geen meeslepende ervaring was. Gelukkig bleek het personeelsproces dat producenten vertrouwen had gegeven zo scherp te zijn als ze hadden gehoopt. De volgende afleveringen laten zien hoe de komst van andere regisseurs de productie er niet van weerhoudt om op inventieve wijze om haar beperkingen heen te dansen en daarbij haar ideeën te versterken. Let wel, de tweede appel viel niet ver van de boom; Aflevering #02 werd geregisseerd en geregisseerd door de veelbelovende Mitsuhiro Oosako, een Dogakobo-animator die veel eigenschappen heeft overgenomen van de regisseurs die momenteel actief zijn in de studio. Omdat Takeshita zelf een van de meest opvallende hoofdrolspelers in die groep is, is het geen verrassing dat Oosako zo goed klikte binnen deze serie.
Terwijl Yoshiki alles probeert te verwerken wat er is gebeurd, van de bodysnatch tot een moord die absoluut niets te maken heeft met “Hikaru”, benadrukt Oosako zijn subjectiviteit door terugkerend opnamen door zijn pony. Dat is het soort framekeuze dat zo voor de hand liggend is dat niemand de betekenis ervan kan missen, en toch zijn de meest effectieve illustraties van Yoshiki’s hoofdruimte in de aflevering opnieuw de illustraties die de verstikkende druk die hij voelt in geluid vertalen. De meest briljante keuze in de aflevering is een letterlijke vertaling van Yoshiki’s grappen over eldritch-ingewanden die aanvoelen als kip, door het gebruik van live-action shots van vlees. Wat in eerste instantie amusant is, verandert in angstaanjagende beelden als hij bezwijkt onder de druk. Uitstrekkende handen worden realistische klontjes getekend kippenvlees, met meer reële fotografie. Fotografie (撮影, Satsuei): Het combineren van elementen geproduceerd door verschillende afdelingen tot een voltooid beeld, waarbij filtering wordt toegepast om het harmonieuzer te maken. Een naam uit het verleden, toen er daadwerkelijk camera’s werden gebruikt tijdens dit proces. interstitials die het gewone in iets weerzinwekkends veranderen. De weerzinwekkende tekeningen belichamen het griezelige vallei-effect dat Mokumokuren vaak bewapent, maar door zijn subjectieve perceptie kunnen we nog steeds een bedwelmende aantrekkingskracht voelen. Er gebeuren slechte dingen, en onze jongen is er tragisch aan verslaafd.
De derde aflevering is daarentegen een wat riskantere personeelskeuze. Het is vermeldenswaard dat Asaka Yokoyama een grote fan van de serie is, dus het is geen grote verrassing dat ze de aard ervan zo goed begreep. Het team moet het ermee eens zijn geweest, aangezien zij samen met Hiraoka al de grote wending in de première had geanimeerd. En toch was de manier waarop ze daar terechtkwam niet zo veilig als de regisseur van de serie. Seriedirecteur: (監督, kantoku): De persoon die verantwoordelijk is voor de hele productie, zowel als creatieve beslisser als eindsupervisor. Zij overtreffen de rest van het personeel en hebben uiteindelijk het laatste woord. Er bestaan echter series met verschillende niveaus van regisseurs: hoofdregisseur, assistent-regisseur, afleveringsregisseur van de serie, allerlei soorten niet-standaardrollen. De hiërarchie in die gevallen is een scenario van geval tot geval. een episode aan een leerling van hem toevertrouwen. Toen de anime voor het eerst werd aangekondigd (een paar maanden na het productieproces) vierde ze het en smeekte het team onmiddellijk om haar in de serie te laten werken. Dit was niet eens iets nieuws voor haar, aangezien ze publiekelijk hoopte dat ze storyboards kon tekenen voor een hypothetische HikaNatsu-bewerking sinds 2022, toen er nog maar een paar hoofdstukken waren gepubliceerd. Ondanks dat ze op dat moment weinig tot geen regie-ervaring had, komt Asaka over als een artiest met ideeën, dus het team verwelkomde haar al snel (via animatieproducent Kenta Ueuchi) in hun gelederen.
Die weddenschap loonde, misschien omdat ze zich echt jarenlang had voorgesteld wat ze zou doen met HikaNatsu als het geanimeerd zou worden. Op een manier die lijkt op de geleidelijke escalaties van angst in de manga, haar aflevering zorgt voor een duidelijk ritme door herhaling. Terugkerende beelden en herinneringen worden meer beschadigd naarmate we ze vaker zien, in een cadans die op zichzelf ongemakkelijk aanvoelt. Dit leidt tot de explosie van menselijke gevoelens en onmenselijke instincten; overgebracht via reimaginaties van gedenkwaardige panelen, die terugkerende tools zoals geluid en Hiraoka’s slijk, evenals haar eigen toevoegingen zoals het lijnwerk dat onmenselijkheid oproept. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
