Giải thưởng Hoạt hình Sakugabooru 2023

Đã đến lúc nhìn lại năm 2023 với Giải thưởng Hoạt hình Sakugabooru. Chúng tôi đã tập hợp các đạo diễn, nhà làm phim hoạt hình, nhà thiết kế, nhà sản xuất và những người hâm mộ cuồng nhiệt để chia sẻ những tác phẩm hoạt hình yêu thích, gây tiếng vang nhất của họ trong năm qua-và những năm khác, thành thật mà nói! Tóm lại: Sakugabowl time!

Entries: — Franziska van Wulfen
— ちな
— jamal
— Kerorira
— Relux
— Blou
— Fede
— Akihiko Sudo/Kasen
— Geth
— Ken 🍁 Yamamoto
— Maki
— Natasha
— Kevin

Franziska van Wulfen

Nhà thiết kế nhân vật, Nhà hoạt hình, Vtuber, Astarion Liker [Twitter] [Sakugabooru Tag]

Tập hay nhất: Scott Pilgrim Takes Off #03

Điểm mạnh và sự độc đáo của Scott Pilgrim luôn nằm ở sự tương tác thú vị giữa cuộc sống trần tục của một thị trấn nhỏ đầu những năm 2000 và chuyến bay của nó vào logic trò chơi điện tử kỳ ảo. Điều gì thực sự có thật, điều gì chỉ là ẩn dụ; điều đó không quan trọng miễn là nó giúp khám phá trạng thái cảm xúc của nhân vật để đạt được hiệu quả kịch tính nhất. Tập #03 thể hiện xuyên suốt nguyên tắc đó. Bầu không khí ấm cúng, buồn ngủ của quán cà phê và cửa hàng video xung đột với nỗi đau tột cùng khi Roxie và Ramona đấu tranh trong bối cảnh của một số bộ phim. Điều thú vị là, sự tương phản đó trở nên đáng chú ý nhất trong cách tiếp cận bố cục của nó. Bố cục (レイアウト): Các bản vẽ nơi hoạt hình thực sự ra đời; họ mở rộng những ý tưởng hình ảnh thường đơn giản từ bảng phân cảnh thành khung hoạt hình thực tế, trình bày chi tiết cả công việc của người làm hoạt hình chính và nghệ sĩ nền.. Có một số lượng đáng kinh ngạc các bố cục phức tạp, chi tiết Bố cục (レイアウト): Các bản vẽ có hoạt hình thực sự được sinh ra; họ mở rộng những ý tưởng hình ảnh thường đơn giản từ bảng phân cảnh thành khung hoạt hình thực tế, mô tả chi tiết cả công việc của người làm hoạt hình chính và nghệ sĩ nền. được tìm thấy trong tập này, mang lại cảm giác những nhân vật này thực sự thường xuyên lui tới một không gian vật lý thực sự mặc dù có thiết kế hoạt hình. Chủ nghĩa hiện thực này sau đó bị phá vỡ bởi bối cảnh phẳng lặng của cuộc chiến, thay vào đó tập trung hoàn toàn vào các nhân vật và cảm xúc của họ. Mạnh mẽ cả về hoạt hình và thẩm mỹ, nhưng đặc biệt là ở phần nội dung, đây là tập khiến tôi hoàn toàn hứng thú với chương trình.

Chương trình hay nhất: Frieren: Beyond Journey’s End

Frieren là loại chương trình hiếm hoi mà bạn có thể chỉ ra hầu hết mọi phần riêng biệt của quá trình sản xuất và thấy nó có sức mạnh tổng hợp hoàn hảo với tầm nhìn và bầu không khí của phần còn lại của dự án. Mọi lựa chọn đều có chủ ý và có mục đích, đồng thời duy trì chất lượng và tính nhất quán của sản xuất; đó là kiểu chuyển thể mà hầu hết các tài liệu nguồn chỉ có thể mơ ước.

Nhân vật chính, là một yêu tinh già không thể tin được, nhìn thế giới rất khác với chúng ta, những người phàm trần, đặt ra thách thức về tính tương đối. Vậy làm thế nào để miêu tả một trải nghiệm cuộc sống khác biệt về cơ bản như vậy? Mặc dù bảng màu bị tắt và cách kể chuyện chậm rãi chắc chắn là một phần quan trọng của nó, nhưng thật khó để tưởng tượng Frieren có tác động tương tự nếu nó không quá mạnh ở bộ phận hoạt hình nói riêng. Điều để lại ấn tượng mạnh nhất không phải là những pha hành động chắc chắn ấn tượng mà là hoạt hình nhân vật. Có điều gì đó rất dễ nắm bắt và xúc giác trong rất nhiều chuyển động nhỏ hơn được mô tả cẩn thận. Mọi hành động nhỏ nhặt tưởng chừng như không quan trọng bỗng trở nên quý giá, điều mà cả Frieren cũng như người xem phải học cách quan sát và đánh giá cao.

Trong một ngành thường có rất ít chỗ cho hoạt hình nhân vật tinh tế như thế này, Frieren là một niềm vui tuyệt đối.

Mở màn hay nhất: Kẻ hủy diệt ma thuật OP ( link)

Tôi sẽ luôn là người say mê với phần mở đầu cũng dễ dàng trở thành một video âm nhạc rất thú vị. Mặc dù phần giới thiệu của Magical Destroyers có lẽ được cho là có phong cách hơn một chút so với nội dung, nhưng nó thực sự rất tốt về mặt phong cách! Với những bức vẽ đẹp mắt, sắc nét, bố cục táo bạo và thậm chí cả cách sử dụng phương tiện kết hợp thú vị, nó nhanh chóng trở nên quá tải về hình ảnh ấn tượng—được hỗ trợ bởi một bài hát ngày càng mất phương hướng, khiến nó trở thành một trải nghiệm mở đầu siêu thực tuyệt đẹp.

Thẩm mỹ đẹp nhất: Helluva Boss

Có một chút gian lận ở đây vì Helluva Boss không nói đúng ra là một chương trình năm 2023, tuy nhiên, đây là một sản phẩm độc lập chỉ phát hành một vài tập một năm tôi muốn đề cập đến nó. Mặc dù cách tiếp cận của chương trình này về những gì tôi trìu mến gọi là chủ nghĩa tối đa hoạt hình sắc sảo không phải là sở thích của mọi người, nhưng chắc chắn nó đã phát triển bằng giọng điệu hình ảnh rất độc đáo của riêng mình, năm nay hơn bao giờ hết. Nó rực rỡ, ồn ào và không gây ra bất kỳ cú đấm nào, mang lại cho mỗi bối cảnh và thiết kế của phiên bản địa ngục của nó một hương vị rất riêng biệt; không chỉ khi nói đến nền của nó, mà còn cả bảng màu theo cách rộng hơn. Thật thú vị khi thấy một dự án lớn như thế này phát triển thịnh vượng trong lĩnh vực hoạt hình độc lập năm này qua năm khác.

Thiết kế hoạt hình đẹp nhất: Bungou Stray Dogs (Nobuhiro Arai)

Tôi luôn yêu mến Bungou Stray Dogs cách tiếp cận thú vị, đầy phong cách đối với các thiết kế bishounen của nó. Chương trình hiện đang diễn ra ở tập thứ 5, điều này chắc chắn không có gì thay đổi. Linh hoạt một cách ấn tượng, các thiết kế của Nobuhiro Arai tự làm nổi bật vẻ ngầu của các nhân vật, đồng thời dễ dàng biến họ thành những bức tranh biếm họa ngớ ngẩn tuyệt đối về chính họ trong chớp mắt. Không cần phải nói rằng điều này hoàn toàn phù hợp với cách tiếp cận cả hành động và hài kịch của Takuya Igarashi. Mặc dù chúng có thể không phải là hình ảnh động dễ dàng nhất nhưng chắc chắn chúng luôn ấn tượng và thú vị khi tạo dáng. Chưa kể rằng mặc dù là thiết kế chuyển thể nhưng chúng vẫn có nét tinh tế rất độc đáo của riêng mình mà không làm mất đi bản chất vốn đã khá hấp dẫn của manga gốc.

ちな

Họa sĩ hoạt hình, Người viết kịch bản, Đạo diễn, Nhà văn, giỏi mọi thứ? [Twitter] [Sakugabooru Tag] Tập hay nhất: Jujutsu Kaisen #44 (S2 #20 )

Giữa một loạt các tình tiết căng thẳng đầy hoạt hình gay cấn, cần phải có một chỉ đạo khéo léo đặc biệt mới có thể lùi một bước khỏi bộ phim hoạt hình nóng bỏng đó và mang đến cho bạn những tiếng cười bất ngờ.

Tóm lại, đây là tập phim hài số một của năm.

Cảm ơn Yuji Tokuno…

Phim hay nhất: Thám tử Conan: Tàu ngầm sắt đen

Có cảm giác như Phim Thám tử lừng danh Conan những năm gần đây có những gương mặt sắc sảo hơn bao giờ hết.

Đặc biệt, những bộ phim Conan của đạo diễn [ Yuzuru] Tachikawa rất hay vì các câu chuyện tương đối thiên về hồi hộp—tương tự như ngày xưa, khi Kenji Kodama đạo diễn chúng.

Khi chúng ta thấy ngày càng có nhiều phim hoạt hình chất lượng cao, phim Conan không chỉ nâng tầm giá trị sản xuất mà còn tập trung vào việc tập trung vào giải trí thuần túy để tôi có thể thư giãn và tận hưởng họ.

Video âm nhạc hay nhất Neko to Wakai se na (link)

Tôi đã mong chờ bộ phim này từ năm ngoái và nó hay như tôi mong đợi.

Không bị gò bó bởi giao diện hoạt hình cel thông thường, với độ cao-hoạt hình chất lượng, lời thoại thú vị và lối kể chuyện mạch lạc như một bộ phim ngắn, Neko to Wakai se na phải là MV số một năm nay về mọi mặt.

Thẩm mỹ đẹp nhất: Phim tưởng niệm Fate/Grand Order 2023 (liên kết)

Hình ảnh tuyệt vời đi đến tận trái tim của giao diện hoạt hình cel. Có một sự tương phản đáng yêu giữa các thiết kế đơn giản/kết cấu mờ được các nhà làm phim hoạt hình tài năng ưa chuộng và áo giáp/đồ trang trí bằng kim loại xa hoa. Thật thú vị khi xem đến nỗi tôi gần như quên mất những người phải vẽ tất cả những bức tranh đó đã phải khó khăn như thế nào. Ngay cả với tư cách là một thành viên trong ngành, thật vui khi thấy nó tiến xa đến mức này.

Thiết kế hoạt hình đẹp nhất: Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries (Yukiko Nakatani)

Khi tôi nhận được nhận được lời đề nghị đạo diễn một tập phim, tôi nhìn thấy các mẫu mô hình của Nakatani-san và ngay lập tức nghĩ: “Tôi sẽ làm điều đó!”

Thiết kế của cô ấy có sức hấp dẫn toàn cầu mạnh mẽ, với tất cả các khía cạnh như tính mới lạ, nỗi nhớ và sức mạnh kỹ thuật kết hợp. Đó là những thiết kế táo bạo, quyến rũ, thu hút mọi người thuộc mọi thế hệ.

Các tờ thiết kế có cảm giác như mỗi nhân vật đều trở nên sống động. Chúng là những thiết kế tuyệt vời kích thích trí óc của tôi với tư cách là một đạo diễn và khiến tôi muốn ghi lại những người này trước máy ảnh.

Là một họa sĩ hoạt hình, tôi hy vọng một ngày nào đó có thể vẽ như thế này.

Giải thưởng Tác phẩm phi đương đại: Những cuộc phiêu lưu của Tintin (2011)

Tôi đã xem nó lần đầu tiên trong năm nay. Tất cả các thủ thuật và cách kể chuyện đều có thể học được từ đó và việc bắt đầu sẽ rất thú vị. Spielberg là bậc thầy trong việc tạo ra sự phấn khích. Tôi ước gì anh ấy tiếp tục đi theo hướng này để làm nhiều tác phẩm hoạt hình hơn…

Khám phá người sáng tạo: Seiko Yoshioka (liên kết) [Seiko] Yoshioka-san Tác phẩm của Frieren thực sự xuất sắc. Những tấm bảng nghệ thuật của cô được đăng trên Twitter mang đến một bầu không khí tuyệt vời. Tạo hình nền cho thế giới giả tưởng là điều chúng tôi gặp khó khăn cho Detarame na Sekai no Melodrama (link), vì vậy tôi biết rõ hơn ai hết điều đó tuyệt vời đến thế nào…

Vì vậy, không chỉ với cô ấy mà còn với tất cả những người sáng tạo và người hâm mộ anime ngoài kia, xin chúc một năm mới hạnh phúc!

jamal

Bị cáo buộc trong mecha [Twitter] Tập hay nhất: Scott Pilgrim cất cánh #03

Kể từ khi mokochan ra mắt bộ phim Heike Monogatari hai năm trước, tôi đã thực hiện sứ mệnh của mình là theo dõi mọi thứ họ làm. Mặc dù tôi chưa bao giờ tưởng tượng rằng thứ thứ ba mà họ sẽ vẽ bảng phân cảnh sẽ là một phần mới trong loạt phim Scott Pilgrim, nhưng tập phim vẫn đầy bất ngờ như thường lệ.

Một trong những tính năng hấp dẫn nhất trong tác phẩm trước đây của họ là cách họ tận dụng tối đa các bức vẽ tĩnh, vì vậy việc chứng kiến ​​cảnh chiến đấu cận chiến năng lượng cao mà họ xây dựng là một trải nghiệm thú vị. Những vết cắt của Azoura, đặc trưng ở đầu cuộc đụng độ giữa Ramona và Roxie, có một bầu không khí hoang dã tuyệt vời do khoảng cách thất thường mà chúng áp dụng. Những lời bôi nhọ hung hãn được sử dụng trong hiện trường vụ tai nạn máy bay cũng đã làm rất tốt việc khắc họa tính cách của Roxie, miêu tả cô ấy là một nhân vật vừa sợ thay đổi vừa tức giận về điều đó. Tuy nhiên, ở một mức độ nào đó, tác phẩm của mokochan vẫn thể hiện sự đánh giá cao của họ đối với sự tĩnh lặng trong cách nhiều phát súng trong trận chiến được thực hiện lâu hơn một chút so với những gì người ta có thể mong đợi để truyền tải sức mạnh và cảm xúc mà mỗi chiến binh đang đưa vào hành động của họ. Cách tiếp cận này cũng kéo dài đến những khoảnh khắc vui vẻ hơn, như đã thấy trong màn giao lưu giữa Knives và Kim. Bất chấp tính chất hỗn loạn của tập phim này, tôi đánh giá cao những quyết định của đạo diễn đã được đưa ra để cho phép những cảm xúc nóng bỏng của các nhân vật tỏa sáng.

Có lẽ năm phút anime yêu thích của tôi trong năm nay đến từ’thế giới điện ảnh”những cảnh được trình chiếu ở tỷ lệ khung hình 21:9. Do nằm trong khung hình 16:9 nên không gian bị giảm khiến tất cả các đoạn cắt hành động chuyển động nhanh càng trở nên tự nhiên hơn vì chúng có thể di chuyển đến các góc của khung hình dường như nhanh hơn nhiều. Điều này, cùng với tất cả các yếu tố khác mà tôi đã đề cập, đã tạo nên một tình tiết hấp dẫn khiến tôi bắt đầu hiểu được toàn bộ sức hấp dẫn của Scott Pilgrim như một bộ phim kết hợp hài hành động-lãng mạn hơi vụng về.

Đề cập đáng trân trọng: Tsurune: Linking Shot #05 và #12 cũng có thể có mặt ở đây nhưng tôi nghĩ sẽ là lựa chọn tốt hơn nếu không biến nhóm đề cử của tôi thành’Giải thưởng Tsurune’! Cả hai tập phim đều đánh cắp trái tim tôi và cho thấy đạo diễn Takuya Yamamura đã mài giũa kỹ năng của họ nhanh như thế nào trong vài năm qua.

Chương trình hay nhất: Tsurune: The Linking Shot

Mùa thứ hai của Tsurune có cảm giác giống như một sự nâng cao về mặt kỹ thuật về mọi mặt so với lần đầu tiên. Chỉ đạo của Takuya Yamamura thậm chí còn mượt mà hơn trước khi nhấn mạnh vào đạo cụ và các yếu tố phi nhân vật để hỗ trợ cách kể chuyện của họ. Điều này đến vào thời điểm hoàn hảo vì phần này của loạt phim tập trung khá nhiều vào khái niệm võ thuật ‘ikiai’, được truyền tải bằng hình ảnh tốt hơn nhiều. Cùng với các nhân vật mới cũng có đội ngũ nhân viên mới đóng góp những nét mới mẻ cho tầm nhìn của anime. Tập thứ mười một, là tập đầu tiên trong loạt phim do Minoru Oota viết kịch bản, là một điểm nổi bật đối với tôi vì nó có thể đưa một ý tưởng độc đáo (cụ thể là chuỗi cel hòa âm) vào hỗn hợp đồng thời đồng bộ hóa với hướng dẫn động của Yamamura. Điều tương tự cũng có thể nói về hai tập phim có cốt truyện đầu tiên của Tatsuya Ishihara trong bộ truyện thậm chí còn tìm cách hài hòa với nhau ở một số điểm. Tsurune: The Linking Shot vừa là phần tiếp theo mới mẻ vừa là một anime độc ​​lập nhờ cách tiếp cận này.

Một số lĩnh vực tăng trưởng đáng chú ý hơn là ở khâu quay phim và sử dụng phông nền 3D. Hoạt hình của Taichi Ishidate ở đầu và cuối chương trình là một ví dụ về cách tạo ra những khoảnh khắc quan trọng này để mang lại cảm giác đắm chìm hơn nữa; việc theo dõi quỹ đạo của các mũi tên ngay từ thời điểm nó rời khỏi cây cung của đối tượng mang lại cái nhìn sâu sắc hơn, rõ ràng hơn về niềm tin và niềm đam mê được đưa vào phát bắn, bổ sung thêm một lớp cá tính cho những người liên quan. Những khoảnh khắc khác như làm cho máy ảnh mô phỏng dòng sức mạnh tổng hợp ẩn dụ dưới dạng gió đã thể hiện nỗ lực quyết tâm của Yamamura và đồng nghiệp. để mang đến cho khán giả những cảm xúc khó tả thường tràn ngập người chơi kyūdō. Điều này có hiệu quả đối với tôi vì sự tĩnh lặng chiếm phần lớn ngôn ngữ hình ảnh của chương trình đôi khi khó gây được tiếng vang.

Ngay cả khi chỉ là ngẫu nhiên, phần này của chương trình có cảm giác khá giống với chính mình. Quỹ đạo hiện tại và tương lai đầy hy vọng của Kyoto Animation. Sự tồn tại của phần tiếp theo này tỏ ra khá buồn vui lẫn lộn khi xem xét mối liên hệ đáng tiếc của loạt phim với vụ tấn công đốt phá năm 2019 và sự mất mát của một số thành viên cốt lõi của nhà sản xuất bao gồm người giám sát Yasuhiro Takemoto và đạo diễn hoạt hình Yuuko Myoken. Mặc dù điều cuối cùng tôi muốn làm là tầm thường hóa một vấn đề nghiêm trọng như vậy, nhưng thật khó để không kết nối một số nội dung của nó với tình hình thực tế. Cách hầu hết tất cả các nhân vật chính trải qua quá trình học được rằng họ có những người hỗ trợ họ, ngay cả khi họ ở từ xa, đặc biệt cảm động khi tôi tính đến vài năm qua. Khả năng The Linking Shot rất lạc quan về bi kịch và mối liên hệ được tạo ra giữa những người đam mê khác đã tạo được tiếng vang vượt xa ranh giới của câu chuyện đối với tôi. Anime này thể hiện ý nghĩa của việc trở lại thậm chí còn mạnh mẽ hơn trước từ cả quan điểm kể chuyện lẫn quan điểm sản xuất.

Video âm nhạc hay nhất: Detarame na Sekai no Melodrama (link)

Là một người rất hâm mộ các tác phẩm hiện đại sử dụng tỷ lệ khung hình ngoài 16:9, Trung Quốc là đạo diễn tôi chọn làm phim hoạt hình 4:3 kể từ khi Just Call It Love được phát hành vào năm 2020. Detarame na Sekai no Melodrama là phần tiếp theo tuyệt vời được sử dụng hình ảnh và kỹ thuật có thể bắt nguồn từ những tựa phim lấy cảm hứng từ Kenji Miyazawa chẳng hạn như Cô gái cách mạng Utena hoặc Mùa xuân và hỗn loạn. Ví dụ dễ nhận biết nhất về điều này là sự tôn kính đối với thẩm mỹ của Shichiro Kobayashi trong chương trình trước đây. Chỉ đạo nghệ thuật của TJ đã nắm bắt cực kỳ tốt sức hấp dẫn của xuất thân của người nghệ sĩ quá cố; Tôi gần như có thể cảm nhận được áp lực của các nét cọ được sử dụng để tạo độ chuyển màu trên tường, sàn và trần nhà, điều này làm tăng thêm tính xác thực của kiến ​​trúc và tổng thể tác phẩm.

Sự không hoàn hảo là một chủ đề đang chạy đã tự nhúng vào các thành phần hình ảnh khác của video âm nhạc. Những đường nét tinh tế tạo nên thiết kế nhân vật của Moaang không chỉ mô phỏng những khiếm khuyết tự nhiên xuất hiện khi đặt bút chì lên giấy mà còn giúp truyền tải họ là những sinh vật nhạy cảm. Mặc dù các thiết kế dường như không hướng tới chủ nghĩa hiện thực, nhưng cách thể hiện tinh tế và kỹ năng phác thảo nhẹ nhàng được sử dụng để tạo ra chúng chắc chắn đã khiến tình yêu của các cô gái dành cho nhau trở nên chân thật.

Có lẽ là vậy.

Như đã biết, đối với tôi, đặc điểm nổi bật của một tác phẩm là tỷ lệ khung hình chứa hoạt ảnh. Trung Quốc đã chứng tỏ họ có mối liên hệ như thế nào với sự hấp dẫn của tỷ lệ 4:3 bằng cách kết hợp nó với các đoạn nhảy cắt hơi bất tiện và các bố cục bị cắt xén để mô phỏng cảm giác thoải mái. cảm giác đi kèm với video gia đình. Những cảnh có sự xuất hiện của cả hai nhân vật cùng nhau thậm chí còn cảm thấy thân mật hơn do có sự đóng hộp của hai bên. Detarame na Sekai no Melodrama đã thực hiện một công việc phi thường khi nhận ra sức hấp dẫn nghệ thuật của những tựa phim mà nó bày tỏ lòng tôn kính, đồng thời mang đến những ý tưởng mới cho phân khúc anime 4:3 đương đại.

Giải thưởng đáng trân trọng: Nghệ thuật của Bani-chan trên The Greatest Living Show (link) theo nghĩa đen và nghĩa bóng nằm ngoài thế giới này đến mức tôi thậm chí không chắc mình có từ ngữ phù hợp để diễn đạt điều đó một cách công bằng. Video âm nhạc này là sự kế thừa xứng đáng cho 1001 đêm của Yoshitaka Amano.

Phim hay nhất: The First Slam Dunk

The Boy and The Heron không đến được hòn đảo u ám mà tôi đang sống đủ nhanh nên tôi không thể tính đến tất cả các bộ phim hạng nặng của năm khi đưa ra quyết định cho giải thưởng này. Như đã nói, trong số ít phim mới mà tôi có cơ hội xem, The First Slam Dunk là bộ phim đáng nhớ và táo bạo nhất từ ​​góc độ hình ảnh. Đây là lần đầu tiên tôi cảm thấy 3DCG hoạt động tốt hơn các phần 2D tương ứng của nó. Mặc dù trải nghiệm của tôi với hoạt hình nhân vật 3D trong không gian anime còn khá hạn chế, nhưng tôi nghĩ lý do khiến tôi bị thu hút bởi những phần đó nhiều hơn là vì nó vay mượn rất nhiều từ nhiều khía cạnh nhạy cảm hiện có vốn là tiêu chuẩn của anime 2D. Các quyết định về mặt thẩm mỹ được đưa ra chẳng hạn như hỗn hợp phẳng, không phô trương và các đường viền táo bạo được áp dụng cho các thiết kế nhân vật đã giúp ngăn việc chuyển đổi giữa hai phương pháp tiếp cận khỏi cảm giác như một cú sốc đối với hệ thống của tôi. Ngoài ra, thời điểm chuyển động quen thuộc hơn khiến những cảnh căng thẳng nhất của phim càng trở nên sống động hơn. First Slam Dunk đã cho tôi thấy tiềm năng mà 3DCG có trong không gian anime và đã thôi thúc tôi cởi mở hơn một chút về những gì có thể làm được với nó.

Giải thưởng Tác phẩm không đương đại: Junkers Come Here

Thỉnh thoảng tôi muốn nỗ lực xem tuyển tập các chương trình do các đạo diễn hoặc nhà làm phim hoạt hình cụ thể thực hiện để hiểu rõ hơn về phong cách của họ và hy vọng có được một số bối cảnh cho công việc tương lai của họ. Do những cam kết khác trong năm nay, tôi chưa có cơ hội khám phá thêm một hố thỏ nào nữa, nhưng tình cờ tôi đã xem được ba tác phẩm mà Jun’ichi Satou tham gia sáng tạo: Mahou Tsukai Tai! (1996), Tamayura: Hitotose và Junkers Come Here, lựa chọn của tôi cho giải thưởng này. Bộ phim có hoạt hình từ một số anime hay nhất, từ Mitsuo Iso đến Osamu Tanabe và thậm chí cả Takashi Nakamura. Tuy nhiên, phần lớn lý do khiến bộ phim liên tục chiếm nhiều tâm trí của tôi trong năm nay là vì nó vẫn giữ được sự ổn định, điều mà tôi thấy khiến nó thậm chí còn hấp dẫn hơn như một bộ phim hiện thực.

Sự kiên nhẫn mà Satou sử dụng trong trình tự của mình thật thú vị khi quan sát, vì đó là một cách đơn giản nhưng hiệu quả để miêu tả sự bế tắc của Hiromi như một nạn nhân mười một tuổi bất lực trước cuộc hôn nhân đổ vỡ của cha mẹ cô. Do phong cách nhàn nhã của bộ phim, những khoảnh khắc siêu thực và sống động hơn, bao gồm cả cảnh bay đặc biệt của Manabu Oohashi, cảm thấy bổ ích hơn. Junkers Come Here có một mức độ kém hiệu quả mà tôi vô cùng mong muốn có thể được đưa trở lại bối cảnh anime đương đại (mặc dù tôi không quá hy vọng rằng điều đó sẽ xảy ra).

Mặc dù tôi đã mơ hồ biết rằng Keisuke Hiroe Đã tham gia vào nhiều dự án thương mại nổi tiếng trong vài năm qua, tôi chưa bao giờ dành thời gian để tìm hiểu xem họ đang làm gì. Tất cả đã thay đổi trong năm nay nhờ công lao đạo diễn của họ trong video âm nhạc đi kèm của Frieren: Beyond Journey’s End cũng như cảnh mở đầu của My Happy Hôn nhân. Vì danh mục phim hoạt hình của họ thiên về các dự án thiên về hành động nên tôi thấy khá ngạc nhiên khi thấy hai tác phẩm mà họ đạo diễn lại nhấn mạnh vào các hành động có căn cứ như thế nào, vì rất nhiều tác phẩm trước đây của họ là về việc thách thức các hành động có căn cứ. giới hạn về trọng lượng và hình thức. Hiroe đã có cơ hội thể hiện khả năng của mình trong năm nay và họ đã không làm mọi người thất vọng; Tôi hy vọng rằng chúng ta sẽ có cơ hội chứng kiến ​​nhiều hơn những gì họ có thể làm với tư cách là một đạo diễn trong tương lai gần.

Kerorira

Nhà hoạt hình, Nhà thiết kế nhân vật, Studio một người nhanh nhất thế giới [Twitter] [Sakugabooru Tag] Tập hay nhất: Tengoku Daimakyou #10

This một năm đầy những tập phim hay, bao gồm cả Trung Quốc cho Kusuriya #04, Nobuhide Kariya cho Frieren #10 và Kazuto Arai cho Jujutsu Kaisen #37 , nhưng còn một bộ phim khác để lại ấn tượng lớn nhất với cá nhân tôi: Tengoku Daimakyou #10.
Hướng đi của Kai Ikarashi tỏa sáng xuyên suốt. Và với hoạt hình của Tetsuya Takeuchi gần với phong cách của Ikarashi hơn bình thường trong cách kết hợp, kết quả là một mức độ thú vị chưa từng có.

Mỗi cảnh đều chứa đầy những ý tưởng vui nhộn, tinh tế. Và kết hợp với độ hay của tác phẩm gốc, tất nhiên, đây là tập phim mang lại cảm giác trọn vẹn nhất với tư cách là một tổng thể khép kín!

Phim hay nhất: The Boy and the Heron

Nhìn thấy logo Studio Ghibli ở phần đầu của Cậu bé và con diệc khiến tôi vô cùng phấn khích, vì tôi thực sự sắp được chứng kiến ​​một tác phẩm hoàn toàn mới của hãng phim.

Tôi chắc chắn rằng sẽ có nhiều ý kiến ​​khác nhau về bộ phim này, nhưng cá nhân tôi rời rạp với tâm trạng tích cực!

Mở màn hay nhất: Tengoku Daimakyou OP (link)

Lần đầu tiên nhìn thấy nó, tôi đã bị choáng ngợp bởi cảm giác nghệ thuật tuyệt vời toát ra từ Weilin Zhang hoạt hình và chỉ đạo hình ảnh.

Nó thực sự tuyệt vời, với nhiều ý tưởng mới lạ và chi tiết hình ảnh!

Kết thúc hay nhất: Undead Unluck ED (link)

Tác phẩm nghệ thuật mới nhất của Taiki Konno. Vẻ đẹp và sự lựa chọn màu sắc trong mọi khung hình đúng như những gì bạn mong đợi.

Thẩm mỹ đẹp nhất: Frieren: Beyond Journey’s End

Các dải màu xanh lam của bầu trời tuyệt đẹp, không một gợn mây; rừng trù phú; những tòa nhà kể những câu chuyện về phong tục, quan điểm tôn giáo, lối sống của cư dân, v.v. Bộ truyện vẫn chưa kết thúc, nhưng ở cấp độ kể chuyện bằng hình ảnh, nó đã vượt trội. Tất nhiên, bạn không thể bỏ qua hướng đi của Keiichiro Saito, nhưng thiết kế ý tưởng của Seiko Yoshioka đóng một vai trò lớn trong việc thổi sức sống vào thế giới của Frieren.

Thiết kế hoạt hình xuất sắc nhất: Onii-chan wa Oshimai! (Ryo Imamura)

Các thiết kế của Ryo Imamura có vẻ như lẽ ra đã tồn tại trước đây, nhưng chúng mang tính cách mạng theo đúng nghĩa của chúng!

Các thiết kế của ông đã dẫn đến sự ra đời của một số cách biểu tượng mới thể hiện nhân vật và tôi thấy mình cũng bị ảnh hưởng nặng nề bởi anh ấy. Họ khéo léo chuyển các dạng 3D có kết cấu, chân thực thành không gian hai chiều.

Tôi chắc chắn rằng rất nhiều người theo đuổi anime trong tương lai sẽ nghiên cứu các thiết kế của Imamura ít nhất một lần.

Giải thưởng tác phẩm phi đương đại: Kodomo no Omocha

Kodomo no Omocha là một trong những tác phẩm trước đây của Akitaro Daichi với tư cách đạo diễn mà tôi đã nhận được xung quanh để xem lần đầu tiên trong năm nay. Phim có nhịp độ tốt đến mức không thể tin được, với những đoạn độc thoại vui vẻ của Sana Kurata thúc đẩy tốc độ.

Nó đi từ một loạt những trò đùa kỳ quặc đến bất ngờ ập đến với bạn bằng những cảnh quay thuần khiết và cảm xúc tàu lượn siêu tốc đó thực sự gây nghiện. Chỉ thuần túy, giải trí tốt.

Relux

Của sakugaSakuga (作画): Vẽ tranh kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. kind [Twitter] Tập hay nhất: Jujutsu Kaisen #40 (S2 #16)

Những tháng tranh cãi và tranh luận liên tục chắc chắn đã gây ra sự mệt mỏi dữ dội cho Jujutsu Kaisen đối với người xem, những người không phải là người xem không thể tránh khỏi chủ đề này và đặc biệt là bất kỳ ai đã tham gia đưa từng tập phim lên truyền hình hàng tuần. Điều đó nói lên rằng, giữa tất cả sự diệt vong và u ám là một số chiến thắng chỉ có thể thực hiện được nhờ sức mạnh của những cá nhân đầy nhiệt huyết, những người tiếp tục vượt qua những hoàn cảnh bất lợi như vậy. Cuối cùng, #16 của Itsuki Tsuchigami đã đứng đầu danh sách của tôi cùng lúc nó khiến tôi rơi nước mắt chỉ bằng sức mạnh hoạt hình của nó.

Những nỗ lực đạo diễn của Tsuchigami, mặc dù không thường xuyên, đã liên tục đạt được tất cả nhịp đập phù hợp để đốt cháy bộ não của tôi. Chính Mob Psycho 100 II #11 đã đảm bảo chắc chắn vị trí của anh là một trong những đạo diễn hành động hứa hẹn nhất trong ngành. Sau đó, những nỗ lực của anh ấy dành cho FGO Camelot 2 của Kazuto Arai đã dẫn đến một trận đấu đỉnh cao mà tôi không thể không xem lại thường xuyên cho đến ngày nay. Cơ hội cho những dự án như thế này là rất ít và rất xa, nhưng thật khó để không tự hỏi liệu tập phim hành động đầy đủ tiếp theo của anh ấy có đến hay không và khi nào. Khi điều đó xảy ra, khoảnh khắc đó xảy ra giữa thảm họa sản xuất được công bố rộng rãi nhất trong nhiều năm.

Gần như mọi nhân vật trong #16 đều luôn ngoại hình theo cách mà tôi luôn thích nhìn thấy nhất trên phương tiện truyền thông. những tập phim nổi bật. Bóng mờ được để ở mức tối thiểu và trên hết các đặc điểm được xác định bằng tuyến tính, một cách tiếp cận hoàn toàn phụ thuộc vào tay nghề phác thảo của số lượng nhỏ nghệ sĩ tham gia một cách đáng ngạc nhiên (ít nhất là so với phần ghi công dài tiểu thuyết của các tập xung quanh). Triết lý tối giản này cũng được áp dụng vào thiết kế màu sắc và xử lý hậu kỳ của tập phim. Đó là, cho đến khi mọi thứ vỡ lở trong phần B.

Cặp chuỗi hành động đóng vai trò trung tâm cho mỗi nửa được xây dựng tốt như người ta mong đợi từ Miso, nhưng chúng không phải do anh ấy làm riêng. Nakaya Onsen ít nhiều do đơn vị chỉ đạo và solo đã làm hoạt hình cuộc chiến của Megumi với đứa con và người cha ngược đãi động vật của mình, trong khi cuộc đọ sức bùng nổ với lời nguyền là nỗ lực hợp tác giữa Miso và Sou Miyazaki. Tất nhiên, Miyazaki đã đưa ra nhiều đoạn cắt cảnh hành động tiềm năng để Miso xem xét đơn giản vì chúng có thể hay. Những đoạn cắt hoàn chỉnh cũng thú vị như các sự kiện trên màn ảnh cũng rất hấp dẫn.

Không lâu sau phân cảnh võ thuật của chú thỏ, hầu hết người xem đều nhận ra rằng họ đang tham gia một điều gì đó đặc biệt, và 2 phút của Miyazaki của sự điên rồ hơn là ký kết thỏa thuận. Mặc dù sự hiện diện của Onsen đã nói lên điều đó vào thời điểm này, nhưng sự xuất hiện của Miyazaki đánh dấu lần đầu tiên anh hoàn toàn thả lỏng trong quá trình sản xuất phim hoạt hình truyền hình. Thật hài lòng khi thấy tác phẩm của anh ấy là đỉnh cao của một tập phim như thế này sau khi theo dõi các dự án web và MV của anh ấy một thời gian. Trên thực tế, chính việc anh thể hiện phân cảnh Birdy Decode mang tính biểu tượng của Shingo Yamashita đã khiến cho cảnh quay đầu tiên rơi nước mắt như đề cập ở trên. Sau 15 phút các nghệ sĩ yêu thích của bạn biểu diễn chính xác theo sở thích cá nhân của bạn, việc thể hiện sự tôn kính trung thực đối với dự án anime yêu thích nhất mọi thời đại của bạn là điều quá sức chịu đựng.

Bỏ hành động sang một bên, còn có chút duyên dáng nữa những khoảnh khắc khoa trương cũng được xử lý. Masami Mori kết thúc cuộc chiến ồn ào với sự chấp nhận kết thúc trong im lặng. Giữa tất cả những cảnh tượng này là một tầm nhìn mạch lạc vẫn khác biệt so với phần còn lại của mùa giải và đi đầu là sản phẩm dường như không bị hạn chế của một số nghệ sĩ mà tôi đã sống vì tác phẩm của họ.

Những đề cập đáng trân trọng:

Jujutsu Kaisen S2 #05 là sự thể hiện thuần túy năng lực nghệ thuật của Takuya Niinuma và Souta Yamazaki, cũng như chuyên môn xây dựng kịch bản phân cảnh của Shota Goshozono khi anh lồng ghép trạng thái tinh thần đang suy sụp của Geto vào tập phim trình bày từng thời điểm. Tengoku Daimakyou #10 là một tập Kai Ikarashi, và theo mọi nghĩa, anh ấy tiếp tục nghiền nát nó với yếu tố bổ sung theo hướng hoạt hình bậc thầy của Tetsuya Takeuchi.Animation Direction (作画監督, sakuga kantoku): Các nghệ sĩ giám sát chất lượng và tính nhất quán của chính hoạt hình. Họ có thể điều chỉnh các vết cắt đi chệch khỏi các thiết kế quá nhiều nếu chúng thấy nó phù hợp, nhưng công việc của họ chủ yếu là để đảm bảo chuyển động lên ngang nhau trong khi không trông quá thô. Vai trò hướng hoạt hình chuyên dụng tồn tại-mecha, hiệu ứng, sinh vật, tất cả tập trung vào một yếu tố định kỳ cụ thể.. Kusuriya no hitorigoto #04 là 24 phút của bản nháp tuyệt vời và một số hành động chu đáo nhất bạn’sẽ thấy cả năm. Chương trình hay nhất: One Piece

Tôi đã xem một số anime theo mùa thú vị trong năm nay. tengoku daimakyou và sousou không frieren mỗi người đều có những trải nghiệm nhập vai với các giá trị sản xuất đáng khen ngợi. Bungou Stray Dogs đã xoay sở để duy trì tính nhất quán nghệ thuật thông thường của mình trong khi đưa một câu chuyện thực sự điên rồ đến một kết luận thỏa mãn ngay cả trước khi tài liệu nguồn của nó. Vinland Saga S2 Đội đam mê của mình đã mang đến những điều tốt nhất trong một tác phẩm hư cấu đã kích thích tư duy. Bất chấp tất cả những điều đó và hơn thế nữa, tôi nhận ra trong khi xem xét lựa chọn của mình rằng không ai trong số họ cộng hưởng khá đủ để viết một sự chứng thực đam mê cho Bowl ™. Ma cao đặc biệt của Piece 2023. Tôi sẽ nói dối nếu tôi tuyên bố chương trình không gặp phải những điểm khó khăn và đấu tranh trong suốt, nhưng tôi cho rằng một phần không thể thay thế của trải nghiệm anime dài. Sự biến thái sản xuất nhanh chóng được dẫn đầu bởi Giám đốc loạt phim: (監督, Kantoku): Người phụ trách toàn bộ sản xuất, cả như một người ra quyết định sáng tạo và người giám sát cuối cùng. Họ vượt qua phần còn lại của nhân viên và cuối cùng có lời cuối cùng. Tuy nhiên, loạt với các cấp độ giám đốc khác nhau tồn tại-Giám đốc, Trợ lý Giám đốc, Giám đốc tập sê-ri, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Phân cấp trong các trường hợp đó là một trường hợp theo trường hợp. Tatsuya Nagamine và được hỗ trợ đáng kể bởi nhà sản xuất dòng tetsuji Akahori cùng với vô số người đóng góp lấy cảm hứng khác là những gì cho phép những cảnh tượng thường xuyên như vậy cho đến thời điểm này. Khi kết luận của vòng cung Wano cuối cùng đã đến, nó đã được đẩy đến giới hạn tuyệt đối của nó và đến mạnh mẽ hơn bao giờ hết. cũng muốn một bản thân. Một loạt các trận chiến cao trào quy mô lớn liên tiếp thường sẽ là bản án tử hình cho một người chạy dài, và trong khi nó sẽ không phải là một chuyến đi suôn sẻ, nó đã phục vụ như là cơ hội hoàn hảo để rút tất cả các điểm dừng và tiền mặt trong mọi ưu tiên được xây dựng-Trong suốt 4 năm qua. Lễ kỷ niệm hoạt hình là các tập đầu tiên của Gear 5, lễ kỷ niệm Sakugasakuga (作画): về mặt kỹ thuật vẽ hình ảnh nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã chiếm đoạt từ này để chỉ các trường hợp hoạt hình đặc biệt tốt, giống như cách mà một tập hợp người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu của trang web của chúng tôi. các tập phim là ryosuke Tanaka và Katsumi Ishizuka’s #1062, nanami Michibata ‘s Resurre Những nỗ lực cá nhân từ những người như Tu Yong-ce và Vincent Chansard, tất cả đều nói lên mong muốn vô biên của đội để tiếp tục thúc đẩy và phát triển. Thông qua tất cả các thăng trầm, tôi mong chờ tất cả những gì tiếp theo.

Phim hay nhất: Blue Giant

Những trải nghiệm nhà hát hiếm hoi đó khiến tất cả các bạn choáng váng khi các khoản tín dụng lăn qua. Là một người hoàn toàn không quen thuộc với tài liệu nguồn và ít hiểu biết về nghệ thuật nhạc jazz, điều đưa tôi lên một chỗ ngồi trước màn ảnh rộng là kiến ​​thức mà đạo diễn Yuzuru Tachikawa sẽ hoàn toàn cung cấp. Không có gì đáng ngạc nhiên, anh ấy đã làm điều đó, nhưng tôi đã mất cảnh giác khi mọi khía cạnh khác của bộ phim này tiến hành đánh tôi mạnh hơn một chiếc xe tải tốc độ.

Bộ phim tràn ngập và là về tuổi trẻ. Nếu bạn đã từng đổ tất cả vào việc đạt được một giấc mơ cụ thể, bạn sẽ được đại diện ở đây. Nếu bạn thấy mình không định hướng và bắt đầu phẫn nộ những gì bạn tin là con đường của bạn, bạn sẽ được đại diện ở đây. Bất kể tình huống của bạn, tôi tin rằng người xem sẽ đi ra phía bên kia cảm thấy lạc quan hơn một chút về những điều này. Bồi thường bởi các mảnh hoạt hình 2D không thực tế khi nó tính: các màn trình diễn. Mặc dù trải nghiệm Blue Giant ở rạp là một cách bi thảm không còn là một lựa chọn, tôi khuyên bạn chỉ nên xem với màn hình lớn nhất và hệ thống âm thanh tốt nhất mà bạn có thể truy cập. Cho phép nhạc nền Hiromi và các nhân vật cảm xúc tiêu thụ bạn. Hãy sống nó. Hấp thụ nó. Trở thành màu xanh. Trở nên khổng lồ. thỏa mãn nhân vật kể chuyện và thuyết phục làm việc cùng một lúc. Ngoài ra, nó trông tuyệt vời. The Boy and the Heron là một bộ phim mà tôi thích và đánh giá cao, và thẳng thắn không phải là một người tôi đủ điều kiện để phân tích. Khai trương tốt nhất: Magical Kẻ hủy diệt OP ( của anh ta mở tất cả các phẩm chất mà tôi đã tận hưởng về các dự án dạng ngắn của anh ta, nhưng với 30 giây không thể diễn tả được ???? Đã giải quyết vào cuối và một bài hát phù hợp một cách kỳ diệu hóa đơn. Trường hợp này, đó là những gì làm cho OP rất xuất sắc (cũng như kết thúc của Taiki Konno cho cùng một chương trình). Phút đầu tiên được nhồi nhét với những bức ảnh nổi bật và sẽ dễ dàng là một người đi trước một mình, nhưng sự sụp đổ kịch tính tiếp theo của tất cả những gì tôi vừa mô tả thực sự mang OP này đến một mặt phẳng khác./strong>

OP đầu tay của Weilin Zhang đã phát sóng cùng thời gian trong Tengoku Daimakyou , và tương tự đã làm điều riêng của nó. Điều anh ấy làm là rất tốt. Riki Matsuura từ undead Unbund op không thể phù hợp hơn với lịch sử nghề nghiệp của riêng mình và của toàn đội. Nó là một bức thư tình, và người nhận thực sự đã làm việc trên nó. Kết thúc tốt nhất: Jujustu Kaisen S2 ED1 ( Mô tả cuộc sống hàng ngày của dàn diễn viên luôn đau khổ của chúng tôi đã trở thành một truyền thống Jujutsu Kaisen trong suốt quá trình chạy của nó, và tôi phải nói Yojiro Arai của tôi dễ dàng là sở thích của tôi. Nếu không có gì khác, lý do sẽ phải là nó chỉ đơn giản là trông thật đáng kinh ngạc. liên quan đến lọc để làm cho nó hài hòa hơn. Một cái tên được thừa hưởng từ quá khứ, khi máy ảnh thực sự được sử dụng trong quá trình này. và hình nền một mình. Chúng tôi chuyển từ các nhân vật được chứa bằng đường viền trắng rắn sang những bức ảnh môi trường đẹp, và sau đó sang những nhân vật tồn tại một cách tự nhiên trong môi trường đó. Nhiều trong số các hình nền này là sâu sắc và nhiều lớp với thị sai được áp dụng khéo léo mô phỏng hiệu ứng camera thuyết phục. Động lực giữa các ký tự và sự phát triển trong tương lai được ngụ ý thông qua các chỉ số trực quan tinh tế và sự tương đồng kém tinh tế hơn. Cắt nhanh. Tôi cho rằng tôi không có lựa chọn nào khác ngoài việc tiếp tục tua lại nó nhiều hơn. Vanguard: Will+Dress S2 ED1 là sự kết hợp của các bản vẽ của Kai Ikarashi, Kou Yoshinari, Mebachi , và nhiếp ảnh thực tế (撮影, Satsuei) Một bức tranh đã hoàn thành, liên quan đến lọc để làm cho nó hài hòa hơn. Một cái tên được thừa hưởng từ quá khứ, khi máy ảnh thực sự được sử dụng trong quá trình này. Rằng tôi luôn luôn muốn mà không biết nó. Cần thêm ED như thế này để tồn tại. Nanami Michibata đã tạo ra một sự trở lại tuyệt vời cho định dạng ED cho một mảnh, và với masami mori của giám sát, không hơn không kém. Hơn bất cứ điều gì tôi đã ngạc nhiên bởi một thẩm mỹ làm lại hấp dẫn/mạch lạc như vậy trong kết thúc đầu tay của cô ấy. thẩm mỹ tốt nhất: frieren: Beyond Journey’s End

Năm nay chúng ta đã được nhiều người hâm mộ tập trung vào một hành trình dài, thường xuyên đi qua các môi trường đầy cảm hứng và có các nhân vật có động lực gây cười liên tục. Các cảnh quan thành phố hậu tận thế của tengoku daimakyou và bối cảnh giả tưởng ngổn ngang của frieren . Từ đó, nó Kentaro Waki ​​ có liên quan đến nhiếp ảnh (, Satsuei): Cuộc hôn nhân của các yếu tố được tạo ra bởi các bộ phận khác nhau thành một bức tranh hoàn chỉnh, liên quan đến việc lọc để làm cho nó hài hòa hơn. Một cái tên được thừa hưởng từ quá khứ, khi máy ảnh thực sự được sử dụng trong quá trình này. Mà trang nhã mang lại những điều tốt nhất trong những nền tảng đó và giữ lại khi cần thiết. Một trong những chuỗi yêu thích của tôi trong năm, The Monster Fight trong tập thứ 2, đã sử dụng bóng tối hoàn toàn và ánh sáng hạn chế theo cách đơn giản là không thể nếu không có liên lạc của Waki. Phần lớn thời gian chạy của Tengoku bị chiếm giữ bởi những khoảnh khắc nhỏ trong chuyến đi chính của cặp đôi chính của chúng tôi qua một Nhật Bản bị phá hủy. Giá trị giải trí của những khoảnh khắc như vậy không chỉ dựa vào văn bản quyến rũ mà còn về sự hấp dẫn của môi trường mà qua đó họ di chuyển. Mặc dù thưởng thức trong cuộc chiến theo phong cách Shonen thường xuyên, giá trị của Frieren, bắt nguồn chủ yếu trong các tương tác, chủ đề và thế giới của nó. Mỗi đoạn phim mở rộng thể hiện tất cả những điều này. Một cái nhìn mờ nhạt, mờ nhạt được kết hợp bởi các màu tương phản thấp, thoát ra và bật ra khi khoảnh khắc yêu cầu nó.’Môi trường xung quanh để kể chuyện. Và Takahito Sakazume đã tổng hợp những gì tôi coi là hình ảnh hấp dẫn nhất trong nhượng quyền trong 30 giây. Những gì ngay lập tức xuất hiện trong đầu khi xem Torii, là một ngôi sao linh thiêng của Milos , một bộ phim trong đó Kenichi Konishi, thiết kế gần như định nghĩa một mình những gì tôi tìm kiếm trong đĩa CD. Thiết kế tóc/hình tròn, số lượng dòng thấp và khối lượng mạnh được xác định bởi bản nháp thay vì chi tiết quá mức.

Không cần phải nói, tôi sẽ tìm kiếm bất cứ điều gì Torii làm tiếp theo. Mặc dù các thiết kế này có thể bị giới hạn trong một quảng cáo, nhưng chúng tồn tại như một bằng chứng cho thấy mặc dù còn khá mới đối với công việc anime, cô ấy đã biết những gì đang xảy ra. P> Tôi đã làm hỏng nó trước đó, nhưng không có công việc hoạt hình nào tôi thích Shill hơn Tetsuwan Birdy Decode . Thực tế này chỉ được thiết lập thêm sau mỗi lần tua lại hàng năm. Birdy đại diện cho một nhóm những người sáng tạo bình dị ở đầu trò chơi của họ, và trong một bối cảnh cho phép một mức độ tự thể hiện chưa từng có. Chính trong các chương trình như Birdy, anime thể hiện tiềm năng của nó như một phương tiện cho các nghệ sĩ.

Đồng hồ đầu tiên của các tập phim như 02 #07 và #12 là một trải nghiệm mở mắt. Đột nhiên, rất nhiều cảm hứng đằng sau những nỗ lực hiện đại đầy tham vọng trở nên rõ ràng. Sau này, sự kết hợp giữa bảng phân cảnh hành động của Norio Matsumoto và hoạt hình không bị hạn chế của Shingo Yamashita đã dẫn đến 30 trong số những giây quan trọng nhất của hoạt hình hành động 2000s.

Và Birdy, đó không phải là một chương trình có thể được thực hiện ngày hôm nay. Đó là tất cả các phương tiện là một sản phẩm của thời đại của nó và của các cá nhân cụ thể có liên quan. Loại bỏ bất kỳ nhân viên chính nào và bạn còn lại với một sản phẩm không thể nhận ra và có khả năng khác biệt lớn trong ngành công nghiệp anime hiện tại. một cấp độ độc đáo. Tường thuật, mùa đầu tiên không có gì đặc biệt, nhưng hậu quả của những sự kiện đó được dệt hoàn hảo thành 02 và tạo thành một câu chuyện gốc thực sự hấp dẫn để phù hợp với sản xuất huyền thoại. Chưa kể, mỗi giai thoại từ hậu trường cũng mang tính giải trí như chính chương trình. Nó không phải là thuận buồm xuượt, nhưng mọi người đều cho tất cả và sau đó một số. Phong cách mỗi người rơi vào vị trí. Chương trình vốn đã tạo điều kiện cho thử nghiệm và biểu hiện bắt đầu với các thiết kế dễ dàng đúc của Chimo. Birdy vừa là một chương trình giới thiệu về tài năng độc đáo vừa là một tác phẩm nghệ thuật được xây dựng tốt theo cách riêng của nó. Tái cấu trúc đã cho phép một số nghệ sĩ nhất định phát triển cùng với nó. Vào thời điểm đó, kinh nghiệm của Fasto, trong ngành bị hạn chế và Ban không tồn tại, nhưng sự bao gồm của họ là chiến thuật. Chỉ đạo 1006 là một nhân viên sắp tới khác với tên ryosuke Tanaka . một sân đào tạo. Sự hướng dẫn và màn trình diễn mạnh mẽ của Tanaka từ nhiều nghệ sĩ trẻ này đã chứng minh thí nghiệm thành công. vết cắt. Vào thời điểm các sự kiện cao trào của năm 2023, họ sẽ được giao nhiều trình tự ưu tiên cao (bao gồm cả đóng góp lớn cho 1062 của Tanaka) và liên tục đáp ứng thách thức với kết quả ngày càng ấn tượng. Trình tự biến hình liên quan đến hoạt hình được chạm vào masami mori đã mang lại nhận ra rằng cặp đôi này đã đi một chặng đường dài đáng chú ý. Đây là một ví dụ duy nhất về sự tăng trưởng tương tự như Wano đã tiến triển, và tôi thấy rằng đó là một lợi ích chính của định dạng dài. Mỗi thành viên của một nhóm đầy tham vọng như vậy thúc đẩy những người khác đạt đến độ cao lớn hơn và quan sát sự phát triển tập thể đó khi nó xảy ra là truyền cảm hứng. Avatar cũ của anh ấy vì nó rất dễ thương [ 07

Điều này có thể xuất hiện như một lựa chọn kỳ lạ khi xem xét số lượng các tập chất lượng cao mà frieren đã đối xử với chúng tôi. Điều này không có tính năng một nhóm All-Stars giống như hầu hết các tập khác; Trên thực tế, tập #07 được gia công cho một thực thể tương đối chưa biết. Nó không được cấp một gravitas đặc biệt bằng cách trở thành một cao trào hành động của ARC, giống như tập #09, từ đó, vì nó giới thiệu về cùng một vòng cung đó! Tuy nhiên, đó chính xác là những gì thu hút tôi trong tập phim này. Nhìn bề ngoài, chúng ta không có một màn trình diễn hoạt hình hào hứng, nhưng đôi mắt chu đáo hơn sẽ nhận ra rằng mọi cảnh đều nâng cao kịch bản để tạo ra một cái gì đó đáng nhớ. Naoto Uchida , đã tạo ra một tập đầy các góc phức tạp , Shots chảy tự nhiên với cuộc đối thoại, và đặc biệt liên quan captorawork . Nó không bao giờ cảm thấy như quá nhiều hoặc quá ít, tập phim hoàn hảo từ đầu đến cuối. Đây là loại xuất sắc thầm lặng mà tôi khao khát trong phong cảnh anime truyền hình ngày nay. Mặc dù có vẻ như số lượng cảnh tượng đáng kinh ngạc tăng lên trong những năm qua, chất lượng trung bình dường như đã giảm khá nhiều. Tôi sẽ không đánh lừa bản thân khi nghĩ rằng tập phim này là dấu hiệu của một xu hướng, vì Kojima thực tế đã dành sự nghiệp của mình để nâng cao đội ngũ của riêng mình bằng đường ống của riêng mình, tôi vẫn rất vui khi thấy anh ấy phát triển mạnh ở nơi nhiều, bao gồm cả toàn bộ hãng phim, Đã thất bại. _blank”> Link )

Trong cùng một tĩnh mạch, Spy x Family S2 ‘s mở đầu không nhất thiết như Masaaki Yuasa. OP được làm hoạt hình bởi nhóm phụ trách chương trình, vì bạn chắc chắn có thể nói bằng cách tiếp cận hơi vô trùng đối với hoạt hình và nhân vật nghệ thuật, một lần nữa, theo tiêu chuẩn của Yuasa. Tuy nhiên, khái niệm này mạnh đến mức nó không quan trọng vào cuối ngày. Tất cả các vết cắt đều thú vị ở cấp độ khái niệm và có những ý tưởng đơn giản để sao lưu chúng, chẳng hạn như bảng màu pastel hoặc nền spreentones. Kết hợp điều đó với ado bài hát sống động và bạn có được một đoạn mang lại niềm vui bất cứ khi nào bạn xem nó.

Kết thúc tốt nhất: Cardfight !! Vanguard: Will+Dress S2 ED1 ( Thiết kế hoạt hình tốt nhất: đã vượt qua!. Lần này tôi thay vào đó tôi thấy mình ca ngợi một trường hợp như vậy, được nâng lên bởi cuộc hành quyết Masako Matsumoto ;/strong>, một lần nữa cùng với Takako Shimura . Thiết kế của cô là thanh lịch với trọng tâm vào các hình thức và đường cong là điển hình của các nhà thiết kế nhân vật hoạt hình. Nó không chỉ là khuôn mặt mà còn là phần còn lại của cơ thể được xây dựng tốt, cho đến cách Matsumoto vẽ góc độ bậc thầy của máy ảnh , mảng biểu thức lớn , có rất nhiều tình yêu và đánh giá cao trong tập này. Nếu bạn thiên đường xem tập đầu tiên của Noein, hãy tự mình làm và xem nó ngay bây giờ; Hoặc sau khi bạn đọc mọi mục khác trong các giải thưởng này, nếu bạn chưa làm điều đó!//twitter.com/farfromani”Target=”_ Blank”> Twitter ] Tập hay nhất: Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries #04, Kubo sẽ không cho tôi vô hình #11 , Frieren: Beyond Journey’s End #14

Trung Quốc và tập phim Kusuriya có tính đặc thù thú vị của việc trở thành một tập phim rất chất lượng cao, nặng nề nhưng khá độc lập và đơn giản là tập phim; Các thuộc tính có vẻ phản đối với thời gian hiện tại, khi chúng ta tiếp tục thưởng cho số lượng bản vẽ cao và số lượng sabunga chỉ vì lợi ích và tài nguyên được đưa vào các chương trình đó. So sánh ngay cả với detarame na sekai no melodrama , nỗ lực mới này Cảm thấy trưởng thành hơn, thậm chí có thể là một người mở cho một kỷ nguyên mới của ống kính ít vị thành niên hơn từ những nỗ lực của đạo diễn. Hy vọng Hirofumi Okita sẽ là một giám đốc cẩn thận như vậy. Nó cho thấy khi nói đến việc cân nhắc tỷ lệ giữa các yếu tố CEL và BG trên màn hình, hoặc trong việc chế tạo ánh sáng chính xác tỉ mỉ, ngay cả trong cách anh ta áp đặt những ý tưởng khá khó khăn nhưng đơn giản đối với Sakkans. Tất cả đều dẫn đến một tập phim tuyệt vời, đã vượt thời gian! Nó làm tôi nhớ đến Sakugasakuga yên tĩnh hơn (作画): Vẽ hình ảnh kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã chiếm đoạt từ này để chỉ các trường hợp hoạt hình đặc biệt tốt, giống như cách mà một tập hợp người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu của trang web của chúng tôi. Các lễ hội của cuối 00’và đầu 10′, ngoại trừ với tổng hợp tiên tiến, và một số bản vẽ thể hiện sự nhạy cảm minh họa và rủi ro hơn của một thế hệ nghệ sĩ mới.

frieren <. Đá Kantoku Nhiệm vụ. Tôi đặc biệt đánh giá cao cách họ đưa ra FXFX: Nh thời gian để hoạt hình hiệu ứng-nước, lửa, dầm, loại cắt. Một trụ cột của hoạt hình 2D Nhật Bản. hoạt hình; Họ đã tìm thấy sự pha trộn hoàn hảo (ít nhất là sự nhạy cảm của tôi) giữa celtric compositing và fx-centric comp cho các cảnh hành động, trong khi vẫn xử lý các âm thanh công bằng hơn trong các cảnh cuộc sống hàng ngày với sự chăm sóc tối đa để chúng không bị ngã phẳng. Cũng vô cùng thú vị khi thấy yếu tố Ping-Pong Sakkan giữa người bảo vệ cũ và thế hệ hoạt hình không phải người Nhật mới giữa Hirotoshi Arai và Eri Irei. Đầu ra của Arai nói riêng đã nhắc nhở tôi về sự thanh lịch mà chúng ta thường thấy trong Sakkans từ Koji Matsunari ‘s cho thấy. Có lẽ không có gì cả

Đây là một cuộc bỏ phiếu phản đối hơn bất cứ điều gì khác. Tất cả về, chết tiệt! Chúng ta cần chiến đấu trong cuộc chiến của mình để hạn chế ảnh hưởng của tất cả các quan chức của công ty này, những người chỉ muốn chúng ta hạnh phúc và làm việc hiệu quả khi làm những câu chuyện của riêng họ. Chúng ta cũng có thể kể những câu chuyện của riêng mình, không chỉ là của họ! Trong vương quốc này, tôi nghĩ rằng tôi chỉ tìm thấy vượt qua! để trở thành một dịch vụ thực sự thú vị, liên quan đến nhiều lý do; Trước hết, tôi đã sợ những chiếc xe nhanh. Tôi thực sự đánh giá cao thời gian hài hước, kết hợp với rất nhiều sự chăm sóc giám sát hoạt hình, nó có thể gợi lên những tình huống vô cùng thực tế nhưng lành mạnh khiến tôi nhẹ nhàng đưa tôi vào đôi giày của Mitsumi. Shima và cô ấy rất dễ thương cùng nhau nhờ vào nỗ lực kết hợp của các bản vẽ, diễn xuất bằng giọng nói và một kịch bản khá thông minh và độc đáo đã đảo ngược những cơn nhiệt đới độc thoại thông thường. Tôi thực sự đấu tranh để vận chuyển các nhân vật với nhau (đặc biệt là các nhân vật thẳng) nhưng hai nhân vật đó chỉ được tạo ra cho nhau. Strong> vượt qua! , frieren . Tội lỗi bằng cách khẳng định rằng hầu hết sản lượng của Hayao Miyazaki được tạo thành từ những câu chuyện khá tách rời. Thông thường, lợi ích cá nhân và tài liệu tham khảo văn hóa của đạo diễn bị truất ngôi bởi một mong muốn chân thực để tạo ra những câu chuyện cảm động nhằm vào trẻ em và cha mẹ của chúng. Tuy nhiên, tôi đã rất ngạc nhiên khi phát hiện ra rằng Kimitachi là một bộ phim cực kỳ kỳ lạ. Nó gần như cảm thấy như được nghe anh chàng nói rằng, bạn đã bày tỏ rất nhiều về những điều bạn thích, và tôi đã làm điều tương tự! Khi chúng ta trải nghiệm các tài liệu tham khảo đáng yêu và xây dựng các tác phẩm của yoshie hotta , natsume Soseki , daijrou morohoshi , federico Fellini , fusao Hayashi, và kojiki . Tôi cảm thấy như những người ngoài cuộc, chúng ta thường kết thúc một cách quá khắc khổ và gắt gỏng của Miyazaki chỉ vì anh ta tìm thấy văn hóa nhóm anime mà anh ta đã giúp thành lập nước ngoài. Có một sự khác biệt của những người đàn ông đồng nghiệp, nhưng Kimitachi đã chứng minh rằng anh ta rất yêu các tác giả hình thành của tuổi trẻ. Trải nghiệm cách các yếu tố nhất định của bộ phim vần với Miyazaki cũ giống như cách Soseki mô tả haiku vị thành niên của chính mình trong Kusamakura với ý nghĩa mới. Tuy nhiên, thủ thuật thực sự đã bị kéo ra khi anh ta tiết lộ một cách thành thạo lý do tại sao đây là một bản chuyển thể của người Hồi hướng tới một nhân vật quan trọng. Trải nghiệm đã cho tôi niềm vui đáng kinh ngạc như vậy và khiến tôi cảm thấy như anime vẫn có thể hoàn thành loại kịch bản kỳ lạ và mạnh mẽ mà vẫn chưa được khám phá trong mọi phương tiện. Đó là một thứ gì đó mà chúng ta vẫn có thể đạt được nếu chúng ta tin tưởng những người sáng tạo để kể những câu chuyện của riêng họ, thay vì xiềng xích họ để trung thành thích nghi với Shounen Garbo du Jour một cách trung thực. Thật đáng buồn khi anime TV dường như không đồng ý rất nhiều về ý tưởng này. Mở đầu: Cô dâu của Magus S2 Op2 ( Kazuaki Terasawa Công việc giám sát bậc thầy. Họ đã có thể thể hiện tâm lý bên trong Chise, chơi một trò chơi tương phản bằng phương tiện truyền thông hỗn hợp. Mặc dù đây rõ ràng không phải là một hướng đi mới vì bộ đôi Curry Inu có thể chứng thực (LOL), tôi cảm thấy tác phẩm này có thể vượt qua sự phân kỳ đồ họa đơn giản của Cel <-> và nhiều ảnh hưởng hơn từ các định dạng thị giác khác nhau. Nhờ một vài lần cắt được chỉnh sửa và sáng tác về mặt điện ảnh, một đại diện hấp dẫn hơn của nhà hát trở thành một sự thay đổi của toàn bộ việc mở, và một số cắt giảm thời gian khéo léo, tình trạng bi thảm của Chise đã được cấp chiều sâu cảm xúc hơn. Nó kết thúc việc biến chuỗi thành một hành trình rất hấp dẫn mà bạn không nên bỏ qua. Kiểu những thứ tôi muốn có thể vẽ khi tôi 15-16 tuổi, vì vậy tôi đoán nó khá gần nhà (cười). Tôi cũng thấy mình đang tận hưởng những điểm tương đồng giữa việc nở của các tấm phẳng giống như manga và các tiểu cảnh thời trung cổ. Những kẻ này đang ở một cái gì đó, đó là những gì tôi cảm thấy! > Kusuriya no Hitorigoto. Công việc sử dụng bộ phận màu/Shiage của studio Osakan khá gây tranh cãi. Công việc của họ ở đây có thể cung cấp một cảm giác ấm áp và lạnh lẽo khác biệt cùng một lúc, nhờ sử dụng iroshitei vô cùng được quản lý để sử dụng thường xuyên của IRO. While the OG Shingo Suzuki and his fellow Kazumasa Yokomine handled the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. and direction, I was particularly impressed by learning that the color designs were done by two relatively inexperienced artists in Kouki Koeda and Xueran Zhang, who debuted on in-house productions only that mùa. The care for the proportions of the sakkan team really helped giving believability and character to the family of cats during the climax. Big props to them too!

Honorable Mentions: Magical Destroyers, Oniichan wa Oshimai! , Shingeki no Kyojin The Final Chapters, Cardfight Vanguard Will + Dress S2, Watashi no Shiawasena Kekkon.

Best Music Video: Detarame na Sekai no Melodrama (link)

Maybe it’s a bit fetishistic rather than just inspired by cel-era anime, and too reliant on older concepts and leitmotivs compared to a lot of other China-directed works, but I appreciated the more unconventional takes on the girls’ anatomy on Moaang’s side—especially in the practice scene. Their chins were quite interesting too, they seemed almost bean-shaped but in a lovely way, and I loved the compact silhouettes they end up creating once the camera grows apart from them. On the directorial side, the particular interest in the color red and its variations was also note-worthy, as it felt spacious and rich in a broader way than the director’s work with the more complex palettes of Heike Monogatari and Ai to Yobu Dake. However, what stole the show for me was the almost subconscious correlation between the birdcage and the beams that sustain the school (representing the system?), empowered using quite different field depths from cut to cut.

I know reading of me praising China every year may be getting boring. Believe me, I would love to find some other obsession, but they just refuse to slow down in their greatness.

Best Aesthetic: Oniichan wa Oshimai!

It’s very difficult to accept this due to my archenemy working on that cartoon, but It’s pretty much impossible to find another TV anime that was able to pull up an aesthetic rulebook that I feel will be as influential as Onimai’s. In particular, I feel the way the color and compositing departments were able to mimic the fatter, deeper, and slightly more violent pen strokes typical of Ryo Imamura’s sketches into shiage paint was something that can move the cel layer as a whole into a dimension of new aesthetic possibilities. It showed how we in a not-so-distant future could fundamentally change the look of the cel layer into something more prone to represent volume and especially anatomical volume, without having to rely on such high line-counts but just technology and some good-ass sakkan.

Maybe it was born to be horny I feel like it’s fated to be more that. This seed will grow into something majestic one day.

Honorable mentions: Jujutsu Kaisen S2, Frieren, Tengoku Daimaikyou, The Concierge, Gridman Universe—again, especially the Ikarashi scene.

Best Animation Designs: Pokemon: Paldean Winds (Takashi Kojima)

Takashi Kojima has been at the top of the game since his early sakkan days, but his most recent output is able to stylishly represent all sort of characters of different ways of life and physicality in appealing, interesting, yet a bit whimsical ways. I’d say that this is especially true when compared to his less recent design work on titles like Flip Flappers and Kiminami.

I could make this point about Heike Monogatari, which was a more complete experimentation of his visual ideas, but the designs of Pokemon: Houkago no Breath are uniquely interesting in how they toy with a similar line-count while retaining more realistic proportions, which better fit the lens of the world portrayed by Yuki Funagakure’s art direction. Other than that, I really appreciated the way some features of the hair for all co-protagonists differed in both silhouette and shading to better fit their partner Pokémon’s features in either shape-language or volume—rather than going for less subtle similarities like possessing similar colors, which allow to play with complimentary tones.

Honorable mentions: Shield Hero Season 3 with Franziska Van Wulfen-sama designs; I feel they do really represent a possible happy future for anime, only time will tell.

Non-contemporary Work Award: Shiawase Sou no Okojo-san

Shiawase Sou no Okojo-san is such a visually inventive show, able to present absurd situations and melodrama in ways akin to shoujo manga, but with a clear-cut late-night anime vibe that helps make the Takahiro Kishida output feel at home. In a way, it almost feels like a spiritual prequel to Yama No Susume with how three-dimensional spaces are portrayed, although with a bigger use of “pure” cel scenes, but has such a feminine (perceived) elegance that places it at a distance from the more otaku-centric output of late night anime. An incredibly cozy yet seductive watch that experimented with some rather curious visual tropes.

Creator Discovery: Saori Den

Don’t get me wrong, I was aware of the existence of this incredibly talented artist way before this year, but now I feel like I’m way more aware of Saori Den’s qualities and her quirks as a director compared to her enshutsuka days. Her compositions oftentimes work with unconventional center-right and center-left subjects, which are bound to leave as strong of an impression on the viewer as the peculiar timing of her multi-plane slides. She really made me re-evaluate how impactful a line of dialogue can be by adding a subtle motion of a different animation layer than the mouth, or when not showing the mouth of a character at all, which won’t even result on a more demanding workload than the usual serifu/flip flap mouth. Her constant use of POV hand shots created with just a still frame or a single cel moving aren’t as baroque as Ei Aoki’s more animated ones, but are quite more flexible and easily splash-able into more situations. I would bribe all around in order to get her some of her enshutsu instructions or kantoku bible!!!

Honorable Mentions: Yume Bakui, G-ko, the real potential of Mahmoud Moftah, Aaron Rodriguez, and Idlkllr.

Akihito Sudou

Animator, Storyboarder, Episode Director, Person With Good Taste [Twitter] [Sakugabooru Tag] Best Episode: Tengoku Daimakyou #10

A veritable threat of an episode that fuses Kai Ikarashi-san’s overwhelming artistic talent with idiosyncratic animation.

This episode depicts the inner workings of Juuichi as a character, and it leaves a lasting impact on the audience, as if gouging their hearts out.

Best Show: My Love Story With Yamada-kun at Lv999

Directed by Morio Asaka.

The conversations between characters have a snappy, pleasant tempo to them, and I was able to enjoy the story throughout all of the episodes without ever growing bored.

Best Movie: Gridman Universe

Akira Amemiya’s first time directing a theatrical work, for the Gridman series at Trigger.

The dry approach of the TV series remains intact, and there’s a lot of fanservice for the long-time Gridman fans. I remember clearly how satisfied the audience looked leaving the theater when I went to watch it.

Best Opening: Spy x Family S2 OP1 (link)

Storyboarded and directed by Masaaki Yuasa, I was impressed by the wealth of animation ideas present.

The art style, with its exaggerated silhouettes and perspective, makes you remember the primitive joys of animation.

Best Animation Designs: Skip and Loafer (Manami Umeshita)

The wonderful designs from Manami Umeshita, who served as character designer and chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have increased in number; moreso than the regular animation directors, their job is to ensure the characters look like they’re supposed to. Consistency is their goal, which they will enforce as much as they want (and can)., were the first things that left an impression on me when watching the anime.

In my opinion, the soft designs help to further accentuate the pure-hearted nature of the characters.

Geth

Always Purple [Twitter] Best Episode: Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries #04

A lot has already been said around the internet about why Kusuriya #04 is so special—on this very blog, even! So, to keep it succinct, I appreciate the extent to which this episode goes to craft a complete, personal work, as it is exceedingly rare these days to have as much drawing incongruence as this does with the surrounding anime. Moreover, the skill on display to emphasize characterful movement is second to none. It’s the best animated episode of the year.

Best Show: Tengoku Daimakyou

The 2023 calendar year marked the least number of currently airing anime I have watched since becoming a habitual seasonal enthusiast back in 2016. In terms of concrete numbers, this year I finished 18 of these things between TV, film, and OVA. Still a decent amount (kvin seems to think I’m still qualified!), but regardless, it’s about a 50% drop from last year. While it’s true that the state of TV anime has deteriorated significantly in just a few years, it would be unfair to attribute this sudden decline in interest entirely to that. The truth is, I simply have less free time. And when you have less free time, you tend to reserve it for unique and interesting stories. Tengoku Daimakyou is both of those things. I was enamored by the mystery established in the first episode and quickly took to the manga, binging until catching up. Overall, it’s not without its flaws, but even a flawed story told well can be fun to follow, and that’s exactly what it was for me.

Best Movie: The Boy and the Heron

As someone who goes out of their way to have zero expectations for basically everything in my life, I cannot say it has ever paid dividends quite to the extent that it did with The Boy and the Heron. Without delving into spoilers myself either, I would encourage anyone who is able to see it with as little knowledge of the material as possible. Hyperbole has always followed Hayao Miyazaki wherever he goes, but in this case, it truly was an unforgettable experience. The actual greatest to ever do it.

Best Opening: Hikari no Ou OP (link)

The directorial works of Kenichi Kutsuna regularly find their way into my yearly awards. I most appreciate the fact that there is a certain intangible wisdom that can be felt resting beneath the surface. Especially for anyone with a vested interest in the craft side of this hobby, that purposefulness tends to be extremely alluring. Part of Kutsuna’s genius is his being abundantly comfortable with breaking convention. For instance, I had an interesting discussion with Shengmeng Chen recently where he pointed out the lack of a book slide within the snowy field cut in Vlad Love’s OP. He thought it must be a mistake since, with the character walking across the screen, it feels a bit uncanny to not have the background slide in the opposite direction. Instead of guessing as to Kutsuna’s motives, I consulted my copy of the doujinshi dedicated to this OP that he released at a previous Comiket. It’s full of insights, and sure enough, he mentions intentionally keeping the background fixed so that it would feel misaligned. All this to say, Kenichi Kutsuna’s opening sequences are a reminder of the incredible minutiae intrinsic to animation.

Returning to Hikari no Ou, this OP reinforces the degree to which flora and greenery are a staple of his work—both in and of themselves and also as a means to depict full cel backgrounds. The presentation is so confident that it foregoes the need for robust animation, which is fortunate, or perhaps intentional, considering he was working with a much more modest crew than his previous OP. As a historian and scholar of sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand., Kutsuna also managed to fit a reference to the iconic Record of Lodoss War OP.

On a final note, this may not even be the last time Kenichi Kutsuna directs an OP for Hikari no Ou, as the series is returning in the new year. Regardless of whether he reprises his role, though, we can only hope he once again publishes his thoughts and creative process!

Best Aesthetic: Skip and Loafer, Frieren: Beyond Journey’s End

These two series sharing an award make a lot of sense since they’re designed similarly: simple, unobtrusive filtering, and colours that agree with each other. This tends to be the winning formula as far as I’m concerned. Skip and Loafer in particular makes great use of pastels for fun and creative cutaways, which was also a major factor in my selecting Cool Doji Danshi for this award last year.

Keiichiro Saito may have inherited Shingo Natsume’s production line at Studio Madhouse, but Frieren’s art direction ended up with Sawako Takagi of Studio Wyeth rather than Studio Pablo (ACCA 13, Sonny Boy). There are few background studios remaining that are capable of painterly brilliance, such as those on display regularly in Frieren, so, more than any of the other blessings the series has incurred, it’s fortunate to have landed in very capable hands.

Best Animation Designs: Overtake! (Masako Matsumoto)

There weren’t any designs this year that genuinely floored me, but Masako Matsumoto’s interpretation of Takako Shimura‘s original illustrations on Overtake! caught my chú ý. It certainly helped feed my bias when her skilled supervision enabled the cast to move perpetually and gratuitously throughout the premiere!

Non-contemporary Work Award: Eureka 7

This is an easy category for me to write about since I have an ongoing, massive thread on Twitter chronicling my first full experience with Tomoki Kyoda’s mid-’00s landmark anime. If you have been following said thread, then I don’t need to tell you that it has been a frustrating rollercoaster-like undertaking as I witness one of the most expertly crafted anime repeatedly fail to connect the storytelling pieces in a satisfying or even coherent way.

Eureka 7 was made at a time when Masahiko Minami’s Studio Bones had found a comfortable footing. With strong ties to reliable supporters such as P.A. Works and DogaKobo, the studio was able to ensure consistent, quality animation even across their longer productions. Moreover, the high-end talent pool they had access to grew with each production, to the point where it could be argued that Eureka 7 is their most ambitious in that regard. With Eiji Nakada and Kenichi Yoshida responsible for mecha and character, respectively, the series’ animation was under the leadership of two of the greatest craftsmen to ever do it. In addition, the ancillary departments such as photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process., art, music, and colour design were all riding in harmony along the same trapars. It’s a damn well-put-together anime, which makes it all the more tragic that its attempt at narrative is without focus. A major contributing factor to this is the fact that Eureka 7 was originally planned as a two-cour series and later stretched to four. It isn’t known exactly how late into the planning phase their quota doubled, but the multitude of aimless episodes speaks for itself. Perhaps there is a 24-episode cut of Eureka 7 out there that tells the succinct story of romantic techno-environmentalism that it so desperately wants to be, but until then, I’ll continue to appreciate the otherworldly craftsmanship that went into the design of this great series.

This is far from a proper discovery award, as Hirokazu Sato has been on my radar for a long time; truth is that I had a semi-viral tweet of their sneezing animation on Ganbare Douki-chan (2021) that I impulsively deleted a while ago. So rather than that, consider this my attempt to direct some deserved attention towards one of the three main animators for Undead Unluck, a series with no shortage of impressive animation (despite the art direction’s unfortunate inclination to spoil their nỗ lực). Also in that role are two action veterans, Kazuhiro Miwa and Hiroyuki Okaji, who happen to be somewhat household names among the animation-enthused, so it’s fair to say Sato is at risk of being overshadowed.

In any event, the focus of my aforementioned deleted tweet was the Tetsuya Nishio-like efficiency in their animation. Sato often draws in a clean way that emphasizes shorthand movement. It’s worth noting that this Nishio comparison is purely observational, and it’s entirely possible Sato isn’t consciously aware of the sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. huyền thoại. If only their Twitter gave off the impression of being even remotely approachable! (lol)

Ken 🍁 Yamamoto

Animator, Storyboarder, Director, Aikatsu Respecter, A Leaf [Twitter] [Sakugabooru Tag] Best Episode: Jujutsu Kaisen #37 (S2 #13), The Magical Revolution of the Reincarnated Princess and the Genius Young Lady #03, The Idolm@ster Cinderella Girls U149 #04

Jujutsu Kaisen #37 is an episode that feels extremely well-realized, with its vision clear-cut from the start. Episodes 40 and 41 by Miso-san [Itsuki Tsuchigami] were great as well, but my personal belief is that the low-brow nature of commercial anime is its greatest charm, so this is more to my liking.

Similarly, there’s Tenten Kakumei #03. By their very nature, commercial anime makes it very difficult to depict beautiful subjects in all their beauty (I think only a very limited number of titles, such as [Isao] Takahata’s Princess Kaguya, even makes an attempt). The standard approach is to construct visuals using artistic iconography to some degree. This episode has a very high level of directorial sense, composing shots using framing and spacing as iconographic devices. With Tsurugi Katou-san’s hand-drawn effect animation (I believe) on top, it’s full of the charms of commercial anime, and just a plain good-looking episode.

As for the last one: the animation, storyboarding, and direction are all amazing so just go watch it. Even if you don’t know anything about iM@S, you’ll fall in love with Momoka-chan. Also, Arisu makes some good, dumb faces.

Best Show: The Iceblade Sorcerer Shall Rule the World

So good that every other commercial anime belongs in the past now. It’s been burned into my memories as the greatest work of visual entertainment out of countless works. This is the first name that would come to mind when asked about the all-time best things I’ve seen in my life.

Just when I felt myself getting sleepy at the long-winded exposition at the start of episode #01, the sudden encounter with his buff friend perked me up a bit, and by the time the main character was running in what looked like a parody of Get Out, it had completely captured my heart.

From there, I could do nothing but watch as I was overwhelmed by the drama of the main character, Ray White, regaining emotions appropriate for his age; the drama of his friends and acquaintances as they grow and develop; the endless barrage of surreal gags. Quá đỗi kinh ngạc. This might be the first time as an adult that I thought of a work of media as just pure fun from the bottom of my heart.

Since this is an animation blog, on a visual level, [Nobuhiro] Muto-san’s episodes, 5 and 11, are easily the best, with the timing for pans and tracking shots clearly on another level. You also get to witness [Tomonori] Kogawa-san’s AD work , and very rarely there are cuts mixed in where you feel the efforts of young animators, so personally I enjoyed it a lot on a visual level. However, it might take some time to adjust if you’re too used to watching dull anime from recent years with loads of post-processing and overly detailed cel art.

I can infer that most likely that there were some unfortunate circumstances with the schedule or whatnot, but the episode directors must have done a pretty good job, because stuff like the timing of the drawings and emoting is all on point. It really is an incredible anime.

By the way, the manga adaptation is really fun as a hot-blooded battle manga along the lines of s-CRY-ed, with really good art, so I recommend it as well.

Editor (Kevin’s) note: The manga is fun as hell, genuinely one of the most expressive things I’ve read lately.

Best Movie: Aikatsu! 10th Story ~Mirai e no Starway~, Girls und Panzer Das Finale Part 4, Detective Conan: Black Iron Submarine

I can’t think of a better treat for original fans who have since become adults than the Aikatsu 10th Story movie. I cry every time I watch the scene of Ichigo repeating the same words over and over like a bird singing, accompanied by birdsong in the background. Fans of the series should definitely, absolutely, and by all means watch it.

As for Girls und Panzer Das Finale Part 4, I’d describe it as Mad Max: Fury Road but with cute girls and tanks. Hands down this year’s best in terms of entertainment. By far the most fun movie this year, despite not having watched the previous parts of Das Finale.

Finally, there’s the latest Detective Conan film. To borrow the words of Naoto Uchida-san, it’s very well-constructed. There’s not a moment of boredom, and the way especially in the first half, it goes from action to car chase scenes is just plain awesome.

Best Opening and Ending: A whole lot of them The Idolm@ster Cinderella Girls U149 OP: Cute, cheerful, the best. From the character introductions, the producer POV, to the very U149-ish answer to the series staple of having everyone show up and dance for the chorus, it’s all amazing. The Magical Revolution of the Reincarnated Princess and the Genius Young Lady OP: Love the way they compare and contrast the two main characters, the way they hold hands in the past and present, and the beautiful art filled with niềm hạnh phúc. Onii-chan wa Oshimai! OP: Too good. Miton-chan’s long rotation shot, for example, would be hard to pull off without really good animation, but it’s really, really impressive. The song is fun, too. Tonikaku Kawaii S2 OP: I only watched episode 1 of the first season, but after watching this OP, I bought all the volumes of the manga. Sequences that thematically touch on the long passage of time are always up my alley, no questions asked. Rokudou no Onna-tachi OP: Extremely high level of precision in the key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style., AD corrections, and in-betweensIn-betweens (動画, douga): Essentially filling the gaps left by the key animators and completing the animation. The genga is traced and fully cleaned up if it hadn’t been, then the missing frames are drawn following the notes for timing and spacing.. The timing and action for the action part where the bike goes flying in the chorus is really cool. I often look back on it as a reference. The level of care shown here must be really difficult to pull off in modern times. Gotoubun no Hanayome ∽ OP: Seeing all the unexplained light effects flying around makes me appreciate the brute force of Hiroto Nagata-san (storyboards/director) introducing his own field of expertise. The part in the intro with all five having the same eye color, as well as the juxtaposition of all five of their torsos while running, are both visual effects you could only pull off for this show, with these quintuplets. Tôi thật sự thích nó rất nhiều. Dekoboko Majo no Oyako Jijou OP: I was impressed at the decision to parody the OP2 of the 2000 Saiyuki anime today. Animation-wise, Alyssa shifting her weight in the walk cycle loop in the first verse is good, and the shadows on Giriko’s crossed legs in the pre-chorus is beautiful in a stylish way that reminds me of [Kazuchika] Kise-san. Fate/Samurai Remnant OP: Nakaya Onsen is unbeatable when you let him make awesome sequences. Undead Unluck OP, as well as the ED: It takes the motifs present in the manga and expands upon them in an interesting and very fun way. The classic style in which it introduces the characters with the action during the chorus is the ideal way to show off the atmosphere of the original manga, and I like it a lot. Tenpuru ED3: Filling up 90 seconds with just walk cycle loops, a number of cuts as punctuation, and different backgrounds is super neat and I love it. Best Aesthetic: Hirogaru Sky! Precure

Hirogaru Sky Precure is, in fact, good.

Best Animation Designs: Skip and Loafer (Manami Umeshita), Bungo Stray Dogs (Nobuhiro Arai), Tenpuru (Masako Katsumata)

Skip and Loafer‘s designs are simply beautiful. [Manami] Umeshita-san, who was in charge of them, once did key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style. for me on The Promised Neverland S2 OP (if I may brag). I was blown away by how good she was, so I’m happy to see so many people enjoy her work.

As for Bungo Stray Dogs, the characters’ faces and silhouettes are leagues above when it comes to how pretty they are. I have enough fun just looking at those faces, but when you combine that with [Takuya] Igarashi’s direction, it makes me want to draw really cool drawings. Not that I can draw them.

Meanwhile, Tenpuru‘s designs are stylish, cute, and surprisingly classy for a fanservice anime. It felt weird being able to watch it with my mind at ease.

Non-contemporary Work Award: Bakusou Kyoudai Let’s & Go!! WGP

At the time, I enjoyed watching it off of recorded videos I had sent to me from Japan. In terms of animation, it’s fun watching all of the Sunrise/IG/Tatsunoko/Xebec people going wild, and it’s a very 90s anime in how well-made it is. It’s a work that I aspire to reach.

Creator Discovery: Masahiro Takata

With the resources available to him, Masahiro Takata tries to create the best anime khả thi. In the modern anime industry, where manpower and time are both lacking, yet the demands keep increasing without end, his work embodies the attitude that is needed the most.

Iceblade Sorcerer and Dekoboko Majo really served to open my eyes, and in my mind, I now see everything as either pre-or post-Iceblade Sorcerer.

Maki

Professional Homo [Twitter] Best Episode: Oniichan wa Oshimai! #01

With a complex storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. that took far longer than director Shingo Fujii anticipated, immediately drawing cries of panic from the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. artists for the following episodes, and as the only episode of the series to have character designer Ryo Imamura as solo sakkan, Onimai #1 was a bombshell. There are so many things to highlight: Fujii’s layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists., the fantastic opening sequence with work by Miton, FukurouP, Kaori Imai, and Yuki Matsubara; Ann Nakai’s dress-up portion; Miton’s work on the lingerie scene; Kay Yu’s comical acting; basically all of Imamura’s corrections…. It’s all brough together under Fujii’s directing—a knockout of a first episode, and one that perfectly draws the viewer in to the rest of the series. My personal highlight would be Ann Nakai’s sequence; I absolutely love the movement of the fabric and the cartoony comedy of Mihari’s reaction, as well as small bits like how Mihari’s hair gently blows up then settles as she quickly crouches down.

Honorable mentions: Uma Musume Pretty Derby Road to the Top #4, Tengoku Daimakyou #8, Oniichan wa Oshimai! #12.

Best Show: Oniichan wa Oshimai!

Really the only choice for me. I loved this show from start to finish; beyond simply being a collection of pieces made by all-stars (though it certainly was that), I loved the way first-time director and first-time character designer Shingo Fujii and Ryo Imamura—both by all respects ace animators, trying something new for the first time here—approached both the content and the production. In the BD booklet interviews, Fujii discusses how it was part of their production plan to have Mahiro’s physical acting be more masculine at the beginning of the series, and to slowly bring out more feminine movements over the first number of episodes, which ended up subtly building up both the language of the show and the gradual shifts in Mahiro’s character over time, making the decision in the last episode hit all the harder—in a way that it never did in the manga.

Of course, with Fujii and Imamura heading the show, and with Toshiya Otomo (Yama no Susume, Mushoku Tensei) as animation producer, a dazzling lineup of their friends and other young animators were chomping at the bit to work on the show with them. Of note is how the flexibility built into their production plan allowed for some of the scenes that attracted the most attention, like the bathing suit scene in #03 that Miton was in charge of and which garnered a huge reaction online. When discussing the scene it was pointed out to Fujii that Kaede’s chest was, at the character design stage, not anywhere near as large as it’s depicted here, Fujii says that while Miton had already drawn it particularly large during the genga stage, he gave the OK to make her bust even larger, since that fit the directorial vision of it being seen from Mahiro’s perspective. Gotta love it.

I could go on and on about this show—the cuts and changes in content that elevate it over the simple (but of course still good!) gender-bender comedy of the original manga; the research the team did into transgender issues to nail certain aspects of Mahiro’s character; the way Fujii and Imamura used it as an opportunity to train newbie animators; how the 250-cuts-or-less per episode limit that they imposed helped to bring out the slower pace that ended up being so characteristic for the series; and of course, Mahirochan kawaii. There’s far more to talk about, but I’ve already written a lot, so I’ll leave it here. I look forward to seeing what Fujii directs next! 😉

Best Movie: Hibike! Euphonium: Ensemble Contest

This may be cheating since this is technically an OVA (that just so happened to earn more than some of the more hyped-up movies of the year in its limited theatrical run—Eupho strong); but man oh man was it absolutely wonderful to take in that Kitauji air once again. With Taiichi Ogawa taking up the post as assistant director in addition to Tatsuya Ishihara reprising his seat as director, and with a whole slew of both new and familiar faces in the trenches, this was exactly the return that Eupho fans had been waiting for, showing off exactly how far KyoAni has been able to come since the tragedy of the arson in 2019. Filled to the brim with that inspired, natural character acting that’s like a calling card for the studio (I obviously couldn’t help but fall in love with Kanade’s shadowboxing) and, in classic Eupho fashion, showing us Kumiko’s growth as she becomes used to her role as the newly appointed club president, it was the perfect transitory interlude between the previous film and the upcoming third season. (Thank you for the Minami Middle content. Thank you. Thank you. Thank you…)

Best Opening: Tengoku Daimakyou OP (link)

This probably needs no introduction. Weilin Zhang’s OP for Tengoku Daimakyou is an instant success on all fronts, with a lineup that most would kill for. Moaang, soty, and Shingo Yamashita is like a rotation from my dreams; I particularly love the intensity of Hakuyu Go’s running sequence, which echoes the conflict that’s core to Kiruko’s character. All of it is unified under Zhang (who did the composite himself), with an aesthetic that’s ideal for the strange, emotional-but-funny-but-wow-that’s-fucked-up space that Tengoku Daimakyou nơi làm việc. I had been a fan of the manga for a while, and I could not have asked for a better intro for this series.

Honorable mentions: Oniichan wa Oshimai! OP, Uma Musume Pretty Derby Road to the Top OP, Shounen yo Ware ni Kaere, live performance by Tsukino Mito and Lize Helesta atにじさんじ 5th Anniversary LIVE「SYMPHONIA」. As for endings, Gundam: The Witch from Mercury ED2!

Best Aesthetic: Little Goody Two-Shoes

Okay, yes, this is a video game, but hear me out: Little Goody Two-Shoes was my surprise of the year—an exquisitely done RPG Maker-style horror game with an exceptionally realized nostalgia-bend of an aesthetic; admittedly two things that are laser-targeted toward me in particular, as I both am of a Certain Age and have loved RPG Maker horror games for years now. Produced by a 5-person Portuguese team (AstralShift), who previously released Pocket Mirror ~ GoldenerTraum, LGTS‘ aesthetic hits a home run on all fronts for me. Whether it’s the environments that evoke storybooks or, perhaps, 90s adventure games, the absolutely gorgeous hand-painted backgrounds that harken back to classic World Masterpiece Theater shows like Anne of Green Gables and Heidi: Girl of the Alps, or the nostalgic mini-games being presented as literal arcade cabinets, this is a game that knows exactly how it wants to present itself to the player. And yes—it is indeed gay.

It’s a gorgeous, incredibly impressive game that has clearly had endless amounts of love poured into it; it borrows from classic anime in spades, but none of it ever feels heavy-handed or too close to what it’s borrowing from, which is a testament to how seamlessly integrated the aesthetic is to its entire experience. I found myself constantly surprised and delighted as I found my way into new and entirely different environments or discovered new visual elements over my playtime. I haven’t even touched the character designs or the opening movie—the latter of which was produced by Studio Nostalook, whose 2021 Dua Lipa music video didn’t do all that much for me personally, but whose work here I feel hits just the right notes. By the way, did I mention that the character sprite work is excellent too?. LGTS is easily my pick for the best aesthetic of the year; probably the past several years, even. I must say, it’s by far my favorite work in general to come out of the larger ‘anime nostalgia’ trend of the past decade or so.

This one is definitely cheating, since Minoru Ota has been around for a while, with his first credit as an inbetweener on Nichijou’s episode 0. (As an aside, he also did a favorite scene of mine in Liz.) However, what I want to highlight here is how, with Ensemble Contest, he has succeeded Hiroyuki Takahashi in his role as Eupho’s instrument animation director, a role that Takahashi held—and was outrageously good at—through both the K-On! and Eupho series up until now. (Note that Ota actually worked alongside Takahashi on Violet Evergarden, as they were jointly in charge of the accessory settei there, a role he reprised in both Haruka Fujita’s Violet Gaiden and the 2020 movie.)

Not content to simply accept the torch from his predecessor, he’s also intentionally bringing his own touch to the series. This comment of his from August shows how his approach might differ from Takahashi’s technical precision; for Ensemble Contest, he says that he worked particularly on developing the ‘radiance’ of the instruments even further than previous entries in the series, which is evident immediately, with the textures of Kumiko’s eupho in the very first scene dazzlingly dancing as she plays. I—along with I think most Eupho fans—am overjoyed to see Ota take up the mantle of instrument AD, and I cannot wait to see his work develop even further in the upcoming third season.

Honorable mention: I’d also like to use this space to mention Ann Nakai, who, despite being a complete newbie when starting work on Onimai, consistently produced seriously stunning work as part of the show’s core team. I became a fan immediately, and am really looking forward to seeing more of her in the future!

Natasha

Ah, Satan [Twitter] Best Episode, And Also Creator Discovery: Jujutsu Kaisen S2 #01 And Shota Goshozono

Ever since 2011, I have been in search of a creator who matches the imagination, skill, and mind of horror-lover Masashi Ishihama. Very few people match his unabashed love for the dark and the surreal, and his knowledge of how to evoke fear in the medium of animation. It’s come in blips and flares throughout the decade, but Jujutsu Kaisen‘s second season was where I really saw that potential arrive through the eyes and hard work of Shota Goshozono, who also happened to storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. what I consider one of the most striking pieces of horror of 2023. So, let me merge categories and quickly explain why this was such an impactful episode for me, and how it allowed me to discover a talent I’d been looking for.

JJK S2 episode #01 sets the tone for a 90’s-esque X Files investigation with warped perspectives, lengthy cuts, cinematic layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists., and the usage of analog home video and distorted narration clips. Combining a blending of 3D camera work with masterful sound design, Goshozono creates an episode that has filled me with the same kind of dread I haven’t felt since Ishihama’s work on Occultic;Nine or From the New World.

Goshozono’s talents extend beyond this episode, but there’s been enough coverage of Jujutsu‘s strained production conditions for me to comment any further. This has been a wild ride, pairing the mindset of efficient storyboarding against unmatched levels of rushed scheduling demands, with flashes of genuine auteur craftsmanship. At the end of this tunnel, though, I see a bright future for someone as talented and resourceful as Goshozono.

Best Show: Vinland Saga S2, Pluto

It feels a little unfair to weight the likes of Vinland Saga and Pluto against other titles; they are built after all, on the sinew, muscle and bones of what I personally consider to be two of the best mangaka of recent decades. But beyond the inherent excellence of the material, both shows do a solid job of briefly elevating their respective manga, and cover themes that I’ve yet to see covered in recent anime.

Episode #17 of Vinland Saga in particular, showcases the effects of toxic masculinity, the insurmountable loss of war and discrimination, and the endurance of love across these moments of brutality. In a year where these topics become increasingly relevant, Vinland Saga feels like a slow balm; it eases that pain, but doesn’t cure it—on the contrary, it reminds me of why these topics are so critical to discuss in the first place. Pluto, for similar reasons, is here, with not-so-subtle references to the Iraq war and a discussion on the ever so fraught relationship between humanity and technology.

Honorable mention: On the other side of the spectrum, Skip and Loafer is unabashedly earnest and warm in everything it chooses to have dialogue about, and those dialogues are often refreshing. Charming character designs and a bright colour palette serve as a fantastic backdrop against an unconventional coming-of-age story, and it would be an understatement to say that this show was a much-needed bright half-hour in my life for three months.

Best Movie: Spider-man: Across the Spiderverse

I admittedly didn’t get much of a chance to see many of this year’s film darlings (namely Suzume and The Boy and the Heron) but somehow, I also know that even if I had, the neon-streaked and dazzling Spiderverse would still remain glued to the back of my eyeballs.

Into the Spiderverse was already an ambitious feat; putting animation and its connotation as a medium, not just as a source of family-friendly adventures, but back on the map for the world. Across the Spiderverse plants that reminder firmly into the ground, albeit not without severe consequences. Every character comes with their own personality that’s deeply embedded into distinctive animation styles, rules, and design. Then layer on the aspect of multiple worlds, all blended with references to art in reality, blended with CG composite as much as real materials (xerox machines, Indrajal comics, screen tones, etc). What you get is a product of dazzling proportions, and a story that utilises the often-stale trope of the multiverse as an honest celebration of diversity.

Perhaps the most memorable part of Spiderverse, personally, was not just the movie—it was the culmination of hundreds of artists on Twitter showcasing their individual efforts to bring a scene to life, often during the time of the pandemic when collaboration was hindered, if not impossible. Spiderverse is possibly the year’s most innovative achievement, and a reminder of not just the limitless potential animation has, but that of diverse creators bringing together their experiences and perspectives into a medium that can be bold as much as beautiful.

Best Opening: Tengoku Daimakyou OP (link), One Piece OP25 (link)

If I had to choose any singular anime as the one that dominated 2023, it would unmistakably be One Piece; having finished the immense Wano arc in both the manga and anime, and landing the first successful live action anime adaptations we’ve seen in years. Nothing feels more celebratory of these feats than the 25th opening, which marks the rise of Megumi Ishitani as not just a fan-favorite in the world of One Piece animation, but as a full-fledged opening maestro in her own right. A montage of detailed compositions, threaded together by evocative symbolism, shows not just how inventive and thoughtful of a storyboarder Ishitani can be, but also how she fundamentally grasps the soul of One Piece this year.

Tengoku Daimakyou‘s opening is also a banger in every sense, but for different reasons: it’s, to me, a highlight of how impactful Shingo Yamashita has been on the world of webgenWebgen (web系): Popular term to refer to the mostly young digital animators that have been joining the professional anime industry as of late; their most notable artists started off gaining attention through gifs and fanmade animations online, hence web generation. It encompasses various waves of artists at this point so it’s hardly one generation anymore, but the term has stuck. artistry. Weilin Zhang takes careful measures to highlight that inspiration with an opening that nostalgically dazzles but also makes his own mark. Vivid colouring, a usage of silhouettes, and an emphasis on the basics of highlight, shadow, and shape—these are all classic Yamashita moves, but Zhang takes them to a new level to create chaotic and yet controlled energy in this opening, paired with an equally raw song.

Honorable mention: I can’t leave out how much I adore Masaaki Yuasa‘s Spy x Family opening. Spy x Family has had the fortune where every opening highlights the versatility of the show’s strengths—it’s sometimes a fun thriller, sometimes a beautiful appreciation of the mundane—and Yuasa adds to the mix by emphasising the warmth of a seemingly dysfunctional and wacky family. Shin-chan inspired designs, silly retro pop art backgrounds, tight sequencing, and snappy animation, all create a zany opening imbued with Yuasa’s signature charm.

Best Aesthetic, And Also Best New Medium: Alan Wake 2

Continuing on the horror train that I started me entry with: I admit, I’m biased when it comes to this selection. Alan Wake is one of my favourite games of all time, though in my heart it’s registered less as a traditional collection of interactive mechanics, and more as an experience. Alan Wake 2 ramps that concept up to 100%, but to give clarity as to how or why would also rob everyone of the much-deserved chance to “play” this new….thing for themselves. So, I won’t do that, but I will end this bit on: Alan Wake 2 is possibly my favourite experience this year that pushes the envelope of art engagement, storytelling, and the ever-evolving medium of video and audio.

Aesthetically, it’s stunning. It combines unmatched technical fidelity with striking art direction to create immersive landscapes of nonstop tension and intrigue. It both is deeply inspired by film noir and the 90s era of television, and challenging of it, with moody environments that pulse with volumetric fog, ray-traced and puddle-ridden streets, glossy neon flickering signs in dim alleys, and chromatic aberrated shadows, itching to destroy your soul. I have never been drawn in by such a grand metanarrative survival story that’s so clearly in tune with its own aesthetic; if there’s one flaw to this, it’s that I could wipe what I’ve played so far of Alan Wake 2 from my brain and experience it fresh again.

Kevin

Me [Twitter] Best Episode: Tengoku Daimakyou #08, Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries #04, The Idolmaster Cinderella Girls U149 #11

If there is any recipe to put together something likely to be remembered as the episode of the year, it would likely entail the overlap of significant narrative developments with memorable delivery—not the only way to achieve success by any stretch, but arguably the most straightforward one. Multiple episodes of Tengoku Daimakyou hover around that continuum, with Kai Ikarashi and Tetsuya Takeuchi’s #10 oozing charisma like no other episode this year, and several others landing genuine setting-shifting reveals alongside still impressive craftmanship. The one that resonated the most with me, though, is more akin to a side story; one that does make fascinating implications about the world, but a shift in focus nonetheless. It’s not the loudest showing in such an outrageous series, yet it hits like no other. And that is episode #08, the first full storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. by Haruka Fujita ever since she left Kyoto Animation.

It would be an understatement to say that she understood the assignment. Acting as the storyboarder but not sticking around to oversee its execution can get in the way of having one’s vision properly realized, especially if the production is done at a studio they don’t actually work for. But Fujita didn’t remain an outsider—not to the making of this episode, and certainly not to this story. She left a simply ridiculous amount of notes for the staff who had to eventually bring to life her boards; a genuine study of the characters across the entire series, explanations about the imagery that she herself had come up with to embody the recurring themes, and amusingly, even some notes expressing regret that she couldn’t stick around to direct the episode.

The result is nothing short of stunning. The elegance we’ve come to expect from Fujita makes an entire episode about death feel ethereal, and yet still so personable through her detail-oriented storyboarding. The episode is Tengoku Daimakyou at its most touching, and due to the show’s structure and Fujita’s gentle delivery, it’s bound to age like fine wine. While other episodes made a stronger splash—because they’re damn good, mind you—I feel like this is the one that will have the strongest legacy. It’s a given in my heart, at the very least!

If elegance is the name of my favorite episodes of 2023, there is only another one I’d put on this level; or rather, there’s one episode and an entire series, but I can show love to that show in the next category. Truth to be told, I don’t even have to say much about Kusuriya #04 either, mostly because I’ve already done so already.

The series as a whole is already one of my favorites this year, but its winning formula of procedural mystery and amusing character interactions transforms into something entirely different for a special episode led by China and Moaang. As funny as ever, but so much more deliberate in its framing. Acted with precision rarely seen on TV, which allows it to convey details that normal episodes would have to speak out loud—or simply fail to convey. It’s one of the most lavish episodes you can treat yourself to this year, with thought put into every little motion. And yet, it also stands out for its mindfulness of animation economy, for its ability to dance around limitations elegantly. It accidentally sparked a debate about shortcuts in animation around the industry, but I feel like debating works like this purely from an angle of “concessions” and “shortcuts” is giving too much credence to a quantitative, simply boring view of art. The choices of what should be drawn in detail have an aspect of guidance of the eye, and in a broader way, an austere beauty that is resonant before it’s smart.

This episode accomplishes all of this while retaining the intangibles to convey a story about love in a way that goes beyond all those specific, material details. It’s easy for this type of meticulous, detail-oriented direction to veer into overcalculated and cold; something that can have its uses too of course, but would have clashed both with the tenderness and bursts of fury that we witnessed in this episode had Chinashi not kept everyone’s emotions in the foreground. Outrageously good work spearheaded by one of the greatest (still!) young duos in anime.

My final shout-out has to go to The Idolm@ster Cinderella Girls U149 #11; directed and storyboarded by Atsushi Kobayashi, who has also been doing brilliant work on the likes of Vinland Saga S2, but also in an active conversation with the imagery that series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Manabu Okamoto already established in the first episode. In my experience with the Imas franchise at large, I’d never bought onto Arisu’s character in the way others seemed to, but she finally clicked for me over the course of this episodes. They refuse to embrace a cheap twist about her parents having loved her all along, and instead empathize with a child prone to misunderstand the situation, and eventually shatter her misconceptions about adults in a way that lifts a load from her shoulders. The way Sheng Meng Chen’s animation abstracted her feeling of alienation is one of the most stunning moments of the year, but it’s also one that would only land in an episode that carefully depicts her psyche, and in a show that has set the foundations for that.

Honorable mentions: Basically every episode of Tsurune: The Linking Shot. Nobuyuki Takeuchi’s surprising (but not entirely) solo episode #09 of Kawagoe Boys Sing. Hirofumi Okita building the best, most authentically crowded city of 2023 for Kubo-san #11, not for its own sake but to contrast it to the world of two that the cute couple loses themselves in. Makoto Kato’s most stunning episode to date, Overtake! #09, for making me have an excellent awful time that is canceled out by just as uplifting of an ending. And, while its greatest episodes are in the first arc—#05 in particular—I must shout out Jujutsu Kaisen S2’s team for their work on episode #16. At a point in the production where the struggles they faced were tremendous, and even accounting for the prioritization of the episode, the degree of realization of Miso’s vision is truly amazing. It’s a sad context, but also one that emphasizes just how great of a feat they accomplished. Kind of like Zom 100 #01 in that way—another banger!

Best Show: Tsurune: The Linking Shot, Overtake!, Vinland Saga S2

The first season of Tsurune was a very enjoyable experience, a solid directorial debut Takuya Yamamura. It was archetypical in its sports narrative beats, but applied to a contemplative activity like kyudo, which made for interesting contrast. At the end of the day, though, its simplicity made me assume that it had a certain ceiling; and that might have made me assume something similar about Yamamura himself. The Linking Shot, to put it plainly, has pierced through those assumptions.

Besides presenting a new group of rivals with compelling conflicts of their own, this second season manages to peel away layers from preexisting characters and reveal a degree of internal complexity that you could have guessed from their first adventures. Their struggles, as well as those of the new rivals, tend to have the shared trait of contrast; sometimes it’s between social standings, a major theme across this series, and sometimes simply a clash in personalities. The team put lots of thought on how to translate that not just into the storyboards—most of them drawn by Yamamura himself, who got so carried away he nearly singlehandedly handled them all—but into the aesthetic of the show itself.

Carrying over the theatrical production energy they’d built up when making the (not really) recap film that preceded season 2, the team reformulated the show’s aesthetic and landed on something noticeably more complex. Again, this isn’t intricacy for its own sake, but an attempt to embody that idea of contrast into the world they inhabit; for example, art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shouko Ochiai didn’t just increase the level of detail in the backgrounds to better showcase the gap between fancy equipment and weary, scrambled together tools depending on the school, but also emphasized the contrast in right about every BG. That implied further collaboration with the digital department and a bigger workload for them, hence why photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. director Kouhei Funamoto went as far as coding applications to make the more involved process speedier for everyone. The story of The Linking Shot’s production is one of deliberate choices and collective, cohesive greatness.

This extends beyond anime itself, but there’s always been that idea that brilliant directors are necessarily tyrannical figures who are justified in their harsh behavior, because that’s just what genius is like. Though professional relationships are up to the people involved above anyone else, I have to say that I appreciate cases like Tsurune and Yamamura that strongly refuse that conclusion. In every interview with the team, the representatives of each department explained that a big reason why they were able to raise the bar was the director’s inadvertently motivational attitude. Yamamura would constantly swing by other people’s desks, praise their accomplishments, and also motivate them to share their own ideas; he would do so in a way they compared to a dog happily swinging its tail, or perhaps an excited kid. Though the ingredients were always there for an excellent show, I don’t think that its thesis could have permeated it so thoroughly without that extra push, nor would the quality have risen so much. I really hope Yamamura manages to bring that attitude to new projects in the future.

It’s only been a few days since we published a lengthy write-up about Overtake!, so I don’t think I have it in me to reiterate why it’s one of the best shows of the year; if you’re interested in confident scriptwriting that doesn’t hold your hand as anime tends to clumsily do, and bold direction that underlines those subtleties, you should simply give it a try. So instead, let me talk briefly about something else I recently did and am in the process of digesting still. After dragging my feet for so long, I finally watched Vinland Saga, and I couldn’t not give a nod to one of the best anime of the year. I’d initially stopped watching the first season after a couple of episodes, feeling some friction with the material I already loved, but I’m happy that a friend pushed me to watch this together.

The adaptation headed by Shuhei Yabuta dares to be in an actual conversation with the original work’s themes, making adjustments that may appear minor but come together to assemble the team’s own interpretation of this series. In an era where the demand for faithfulness often prevents adaptations to actively engage with the worldview of the original works, Vinland Saga is refreshing, and proves you can do that without the type of major rewrites that fans are so scared of. Someone yell at me to write about this show at length when I’ve got time, because this is a fascinating topic. I don’t have a secretary to issue these reminders, you know.

Honorable mentions: If we had a Rawest Anime Of The Year category, that would have gone to Uma Musume Road To The Top; and maybe we should add it after all, since it’s getting a spiritual successor bound to be even more aggressive in the next few months—maybe too soon given the schedule, but that’s a discussion for another day. I considered way too many episodes of The Idolm@ster Cinderella Girls U149 as potential favorites not to give it a nod as one of the best shows, especially since it does stick its landing very nicely; a story about kids, and even brattier adults, submerged in an often cynical entertainment industry but still emerging with a positive outlook.

Best Movie: The Boy and the Heron, The First Slam Dunk

It couldn’t be any other way: my movie of 2023 is Hayao Miyazaki’s The Boy and the Heron. I’ve written at length about the movie from the angle of Miyazaki’s often dreamlike, empowering physics, and how a movie that examines his own legacy feels weightier on a literal and figurative sense. I’ve read multiple writeups approaching it from different directions and finding just as much depth to it, and can even intuit the space to tackle it from many other angles. The Boy and the Heron feels like hanging out with a passionate friend over a drink, hearing a story that gets lost in one tangent after the other but that keeps you engrossed through the vast knowledge and whimsical turns. Except, in this situation, your friend also happens to be arguably the greatest director in anime history. It’s insane that this movie exists. So, rather than trying to make sense out of its abnormal existence, let me instead praise the most entertaining movie I’ve watched in 2023—while also ranting about the state of commercial anime, through the state of the biggest studio in the industry.

The current Toei Animation is uniquely depressing. That’s not because their cynicism is unlike what we see in other creative industries, nor because the studio’s inner workings are more reprovable than the norm in the world of anime, but rather because they’re in a position where it’s easy to see the potential for something greater—something they stifle themselves. While we constantly condemn the anime industry’s inability to properly train younger creators, Toei has built a very impressive mentorship regime; one that can only raise a small fraction of the manpower they need to keep such a large studio running, but still a very thorough, deliberately slow process to absorb all the knowledge one needs to become a capable animator or director.

When they get to that stage, though, their personal voice is either silenced or forcefully channeled through someone else’s worldview. The studio’s evolution towards a model where everything is sustained by large franchises that have spanned for decades upon decades can’t possibly be walked back, but even in that stage, they always used to make room for passion projects on the side. This is particularly important for the younger, most creative members at the studio; ones who would need an escape valve to avoid burnout, as otherwise their job is to keep returning to the same established works—which often have narrower artistic constraints—over and over.

Toei themselves understand that, hence why this has traditionally happened, and why just a few years ago they announced a program for their younger staff to create original works. Megumi Ishitani is now known across the world for her contributions to One Piece, but her short film Jurassic! precedes those contributions. Much like her Geidai graduation film Scutes on my mind, it’s built around her love for dinosaurs, and could have been the start of something larger. That didn’t happen, and despite being billed as the first of multiple showcases of young talent, it was never followed up.

Toei has never stopped raising brilliant creators, but we’ve gone from a place where Rie Matsumoto and Yuki Hayashi could unleash their unique ideas onto Kyousougiga, to a studio that convinced Koudai Watanabe to pursue independent animation instead—bless Hanabushi’s work, don’t get me wrong—and that has kept Haruka Kamatani in the awkward position of being a clearly exceptional director, but one whose name remains obscure to even many dedicated fans, as she’s never done something truly of her own.

This is all to say that there is no one more skeptical than Toei Animation’s reliance on nothing but iterative franchises, reboots, remakes, revivals, and any other word you can apply to marketable series of old being revisited. Add to that the choice to pursue 3DCG animation, and trailers being bafflingly misrepresentative, and I think you can guess how I felt about The First Slam Dunk before watching it. Now, here’s an important detail, though: that movie is goddamn excellent.

As has been the case for the most interesting Toei revivals, The First Slam Dunk doesn’t just seek to deliver more of the same; and it’s especially not here to deliver a lesser version of the exact same thing you’ve already seen. Although it doesn’t incorporate its relationship with the fanbase explicitly into the narrative like Looking for Magical Doremi, nor builds everything around the idea of time having passed for everyone and everything like Otona Precure: Kibou no Chikara recently did, the movie still interrogated what it means to return to Slam Dunk after all this time. The series was a genuine phenomenon, directly responsible for an uptick in interest in basketball for entire countries, but enough time has passed that a straightforward sequel wouldn’t have the same impact—and let’s not even consider a remake.

The solution was to indeed return to the manga at a point after the original anime had ended, but not so consecutively to make it a regular sequel. And more importantly, to reconstruct the story in a way that shifts the lens of the protagonist from the fiery Sakuragi to Miyagi, temperamental in his own way. By focusing on his story and that of his family, the movie has an excuse to reintroduce the rest of the cast as well, who appear ever so slightly different from a point of view unlike that of previous Slam Dunk. It’s a movie that will feel familiar to preexisting fans, yet constructed as an onboard point for new generations. I can’t imagine the writing process was easy; despite having the foundation of a great manga, there are countless adjustments to make it a self-contained experience, and you need to play loose with time in a movie that is both about exactly one match of basketball and the entire lives of some people. Fortunately, the result is the most exciting singular game of basketball you’ll see.

The First Slam Dunk is an event movie to me. Though I’m not used to cheering during movie screenings—no judgement for those who do, as long as it’s agreed upon that it’s fine—I consider myself lucky to have first seen it at a special stage; well over a thousand people packing a large theater for the Catalan dub premiere, featuring the original dub actors and their fun stories about having aged so much since then that their children now kicked them out of the basketball court for their sorry display. Once the movie itself started, it came time for alternating cheers, laughter, and tense silence. Though I’ve experienced it in silent environments too and it remained as entertaining of a movie, the collective ectasis during the movie’s cathartic end to the match felt like the right way to experience it. It’s no wonder that it has been granted one of the longest screening runs in anime history.

The movie also ended up being a lot more technically interesting than the first trailers made it look, but I’ll save this talk for whenever the bluray release is out and we can point at specific scenes. I think I’ve made my point regardless: despite Toei’s obsession with the marketable past being such a depressing topic, The First Slam Dunk is a genuinely excellent movie.

Honorable mentions: Gridman Universe is a beautiful culmination of not just this story (for now!), but also of the relationship between the franchise, its creators, and the fandom. I’m not sure whether other people would count it as a movie or not, but the theatrical OVA Hibike! Euphonium: Ensemble Contest is a beautiful return to form; without being all that significant of an advancement in the overarching narrative, its thoughtful acting—leaning on the team’s accumulation of carefully depicted gestures of the past—makes a series that had been missing for a while feel immediately familiar and charming.

Best Opening/Ending: Shounen yo Ware ni Kaere, live performance by Tsukino Mito and Lize Helesta atにじさんじ 5th Anniversary LIVE「SYMPHONIA」

If you think I’m being cheeky with a choice outside the realm of actual openings, let me assure you that there is a genuine argument to give it these honors. Many of these performances have traditionally been accompanied by intricate, fun VFX recreations of iconic anime intros and outros. There is an interesting relationship with the performers themselves too, as they will often be involved in the creative pre-production; this is particularly true of Tsukino Mito, my one and only president, who is known for being very involved in the conceptual stages of the imagery, and has essentially drawn anime-like storyboards for all sorts of creative endeavors. Even beyond the aspects that directly track to anime craft, there’s some fascinating innovation going on in these events. The live augmented reality effect—now with more reciprocity with the projection of live comments—still feels like actual witchcraft to me, and its combination with actual props and traditional tricks like fog machines makes for an interesting blend. Plus, it’s inherently funny to combine virtual people with real pyro.

That specific performance is elegant with its imagery, and as impressive of a technological feat as the rest, but the truth is that it’s here because it’s the one that made me scream the most; especially as the two of them started dancing while singing. Is that enough reason to give it this award? The song is the second opening for Penguindrum, so I say it is. If you don’t like it, make your own list.

Honorable mention: Okay, fine, my favorite regular opening is Megumi Ishitani literally going full circle with her One Piece opening, flexing her composition skills while toying with that visual motif.

Best Ending: My Happy Marriage ED (link)

Shiori Tani is the type of artist you can tell holds a masterpiece within herself before the opportunity to unleash it actually comes. Her contributions to other people’s visions at studio Kinema Citrus are already great in their own right, and My Happy Marriage is no exception, but the real glimpse of her potential wasn’t so much in the actual episodes but the ending sequence; one she redesigned the series for, co-animating it alongside Ayaka Tsuji. As if shedding its skin, the series is distilled into a beautiful sequence that elegantly hits the same notes. While I do enjoy the show a lot, this is the type of ending that makes you wish for this separate interpretation of the story. The real wish, though, is something else: for Tani to be granted the canvas she deserves—and Tsuji too, for that matter!

Honorable mention: The second Gundam: The Witch from Mercury ending is a beautiful mix of its well-known external influences with the show’s own visual language, of commercial artists with more alternative figures. It slaps. Also, Attack on Titan The Final Season FINAL CHAPTER ED: Good! Xuất sắc! Love it!

Best Aesthetic: Frieren: Beyond Journey’s End, Skip and Loafer

This year I’ve gravitated towards aesthetics that play an active role in the storytelling; meaning, something more involved than the inherent power that they always have over the feeling of any given work. I could easily highlight Tsurune: The Linking Shot for reasons I’ve already exposed before, so instead let me shout out… two shows I’ve also written about at length, but that definitely deserve that honor.

It goes without saying that one of those is Frieren, an anime that is as beautiful as it is thoughtfully conceived. The harmony in the colors—with a palette designed by Harue Oono—and the painterly, textured background art led by Studio Wyeth’s Sawako Takagi would be enough to depict a soothing, physically aging world, but it’s Seiko Yoshioka’s work on a conceptual level that I believe takes it to the next level. As I’ve written about at length, it was her duty to imagine Frieren’s setting beyond its original boundaries. What are the fauna and flora like in every corner, and how do they evolve day to day, season to season, year to year? What are the customs of the people in this world, and the objects they’ve built for those customs and daily necessities? How does their faith physically manifest? In essentially every episode of the show, there’s a detail answering these questions that was added through her extensive design work and collaboration with series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Keiichiro Saito. Together, they’ve arrived at a breathtaking, noticeably lived-in world which perfectly embodies Frieren’s themes.

Although the ways in which it enrichens the narrative experience aren’t so easy to pinpoint, I also think that Skip and Loafer’s aesthetic excellence is as important as any other aspect to its storytelling. Series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Kotomi Deai has earned a reputation for her exceptional eye for color, and here she reunites with color designerColor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): The person establishing the show’s overall palette. Episodes have their own color coordinator (色指定, Iroshitei) in charge of supervising and supplying painters with the model sheets that particular outing requires, which they might even make themselves if they’re tones that weren’t already defined by the color designer. Yuko Kobari for perhaps their best work yet. The ability to interpret the tones implied by the source material makes the series come across visually as gentle as it’s written, and when it comes to more precise shifts in color for the sake of a narrative point, the whole team responds properly. Skip and Loafer is a beautiful adaptation in a way that feels natural and effortless, and yet when you compare it to so many other shows out there, it’s clear that what they’ve achieved isn’t something you can take for granted.

Honorable mentions: I may not condone the apocalypse, but if it were to happen, can we arrange it so that Yuji Kaneko oversees its art direction? His work on Tengoku Daimakyou is but a reminder that if you want a beautiful wrecked city with overgrown vegetation, he’s the person to look out for. Also, in a less visible way and from a different angle, Nekotomi Chao raised the aesthetic bar for the Oshi no Ko anime with her color scripts and direction, which very often coincide with the most poignant moments in the show. While the series on the whole isn’t up to my taste when it comes to art direction and colors in the way that all the previously mentioned ones are, Nekotomi’s sense is always a homerun for me.

Best Animation Designs: Onii-chan wa Oshimai! (Ryo Imamura)

Whenever designs really speak to artists, you can notice a spike in fanart that doesn’t merely track to the overall popularity of the title. And when specific stylistic traits of animation designs enamor the audience in that way, then you see them carry over onto all sorts of drawings; aspiring animators, other folks in the industry, and regular fanartists will start applying them not just to drawings celebrating that title, but even personal art as well. In the same way that all sorts of people embraced Kerorira’s geometrical shapes, stark profiles, and even his painting tendencies after the Bocchi madness, I’ve noticed quite a few artists being fully on-board with the traits Imamura chose for Onimai’s designs, like the short dyed lines to give volume in an organic way. Also, Kaede, cute.

Honorable mention: There is no Oshi no Ko without Kappe. This is no hyperbole: the project quite literally owes its existence to her push to adapt it, and the entire production rested on the shoulders of one of the fastest and more impactful chief animation directors you’ll find in the anime industry. Beyond just how much work she did, though, is the arguably more important fact of what she accomplished. For Oshi no Ko’s very special first episode to land, and for the following ones to live up to it, the performers in the story need to be overflowing with visual charisma—something inherent to Kappe’s design work and intricate art. Also, she made Arima Kana cuter, which successfully widens the gap that makes her a funny pitiful existence.

Non-contemporary Work Award: Detective Conan

Any time you see someone asking a question in that format, the question is going to be Of course you jackass, you just described a common occurrence. I don’t think I’m particularly unique in choosing Detective Conan for that purpose; it has built up a ridiculously large backlog, its format leans itself nicely to it, and it just so happens to be one of the most popular series in the goddamn planet. Although Conan being enjoyable is not exactly surprising to me, since I’ve been watching it since I was a child, I’d been ignoring the TV show for long enough to think that it would be a good idea to rewatch the entire thing, however episodes a day I’d stay awake for. And let me tell you: it has been a great idea.

Conan isn’t only good, it’s also the type of franchise that has lasted for long enough to face changes in technology, distribution, and culture, so you get to experience how creators react to those—from its writing, having had to adapt the mysteries to a world where everyone has cellphones, to all sorts of visual changes due to the evolution of anime’s craft. The switch from 4:3 to 16:9, and the more granular evolution to embrace digital elements have forced this team to adapt their ways of expression; the show is simply not directed, framed, and certainly not animated in the same way as it once was, and a rewatch highlights every single one of those new steps.

Mind you, sometimes those are inarguably missteps, but the series finds ways to recover and reform an identity that remains appealing despite the limitations of an endless production. Even as someone who naturally gravitates more towards cel and rounder, more stylized design work like the one in the early stages of the show, I find the sharper linework with heavy lineweight variation of modern Conan to be an interesting way to capture the appeal of Gossho Aoyama’s artwork. I even find the many original cases in the series, every one goofier than the previous, to be pretty entertaining. Conan is just fun, yall. Probably the best batting average when it comes to OP/ED song selection for a long runner too!

Creator Discovery: Jeon Jinkyu (Sakugabooru tag), Danny Cho (Sakugabooru tag), The Fact That Morio Asaka Still Kicks Ass & Other Fun Directors At Yamada-kun Lv999

When it comes to the sheer surprise factor of encountering a creator whose work you were completely unprepared for, a couple of animators from very different fields have particularly stood out to me this year. I always keep an eye to GEIDAI ANIMATION students as it’s undoubtedly Japan’s leading program when it comes to mentoring alternative artists, and so this year I’ve once again encountered multiple individuals with resonant work that boldly steps into places that commercial animation forbids. And, out of them all, it was Jeon Jinkyu’s The House of Loss—produced by the legendary Koji Yamamura—that left me most speechless. Immersive, deeply uncomfortable, capable of giving a physical dimension to the feeling of alienation, and again embodying the potential only independent works hold. I only remembered to breathe back after it was over, and it still took me an extra few seconds to be able to do it normally.

Within the commercial animation space, my best discovery came attached to a realization: studio Dogakobo may employ some sort of dark magic. Back in their sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. heyday, the studio’s exuberant character animation made a lot of sense; they did excellent scouting beyond the regular premises of the industry, at a time when that wasn’t so common, and had quickly built a reputation for their bouncy, cute animation that attracted like-minded artists. But in many ways, those days are long gone. Key individuals behind that scouting process, such as everyone’s beloved Shouta Umehara, have left Dogakobo. Their brand has shifted from their original position, and the studio is stuck in an overproduction cycle that never helps. So, exactly how do they manage to keep raising one exceptional character animator after the other, at a rate that is far above industry standards? Black magic, I’m telling you.

Within that character-centric paradigm, Danny Cho burst into the scene with a stronger dash of fantasy; still with a knack for acting, but mixing in effects-heavy abstraction to make those potent emotions into something larger than life. His role in Oshi no Ko simply makes no sense for a newbie, who normally would have no place in animating so many pivotal scenes—but if there’s one thing that remains from Dogakobo’s golden age, is that if a youngster shows promise, you let them swing with all their strength. Really looking forward to what he can accomplish in the future, because his potential appears to be tremendous.

The sweetest surprise of the year, though, has been the realization that a historically significant director hasn’t lost his chạm. Morio Asaka is an all-time great and the director of some of my favorite shows of all time, but I’ve been rather critical of the way his modern output had gradually slid into an inelegant reliance on genre markers. Be it due to the gaming theme or whatever other reason, his approach to My Love Story with Yamada-kun at Lv999 has felt incredibly fresh in contrast to preceding works, making it into one of my favorite shows this năm. His layered style allowed for playful delivery, encouraging other directors to do the same; Koji Sawai is a big veteran, but the framework Asaka built enabled his most inspired storyboards to date. Watching a creator whose best days you thought were behind rise back to their peak, encouraging others to do the same, is a feeling like no other.

Honorable mention: You, the reader, for surviving another year & another endlessly long awards presentation.

Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!

Become a Patron!