Ở mức tốt nhất, Jujutsu Kaisen Phần 2 là nỗ lực tập trung để hiện thực hóa đầy đủ ý tưởng của đạo diễn, từ hành động hoành tráng nhất đến những chi tiết khó nhận thấy nhất. Nhưng ở mọi khía cạnh, đó còn là một điều khác: cuộc chiến chống lại lịch trình ngột ngạt. Hãy cùng theo dõi một trong những tác phẩm lớn nhất, thú vị nhất nhưng cũng rắc rối nhất trong năm.
Trước khi Jujutsu Kaisen Season 2 phát sóng, một giọng nói đáng chú ý nào đó trong ngành công nghiệp anime đã chỉ ra những tác động tiêu cực rõ ràng mà theo quan điểm của họ, bộ phim Jujutsu Kaisen 0 trước đó đã gây ra cho người lao động. Bộ phim đó có thể không phải lúc nào cũng chịu được sự giám sát kỹ thuật của những con mắt được đào tạo, nhưng đối với lượng khán giả rộng rãi mà nó được tiếp thị, đó là một thành công lớn — đạt được nhờ dành ít thời gian cho quá trình sản xuất và thậm chí còn ít hơn cho quá trình lập kế hoạch. Người đó không phải nói thiếu hiểu biết: họ quen biết với nhiều người từng tham gia bộ phim, họ đã tiếp tục làm việc với nhóm đó sau thành công của JJK0 và hiện thấy mình là người cần đảm bảo rằng JJK2 đáp ứng được hầu hết các yêu cầu của họ. những thời hạn không thể thực hiện được. Khi họ nói rằng họ có thể cảm thấy rằng các nhà sản xuất tàn nhẫn đã trở nên táo bạo hơn trước sự thành công của các dự án được lên kế hoạch kém như JJK0, đó là vì cá nhân họ đã cảm nhận được những tác động.
Đây là toàn bộ khía cạnh của cuộc trò chuyện xung quanh những sản phẩm và lao động lộn xộn mà mọi người có xu hướng bỏ qua, vì vậy nếu không có gì khác, lời nhắc nhở khắc nghiệt đó rất có giá trị. Bạn có thể nghĩ rằng việc khán giả nhận thức được những sắc thái này và hoàn cảnh sản xuất nói chung không đặc biệt quan trọng, nhưng bản thân hãng phim sẽ không đồng ý. Không có gì bí mật rằng một phần quan trọng trong công thức thành công của họ là tự tiếp thị mình là người chiến thắng, đó là lý do tại sao gần đây họ đã làm những việc như đe dọa kiện tụng đối với những người sáng tạo này để duy trì hoạt động sản xuất trong ICU, chỉ vì họ không không đủ im lặng về cuộc đấu tranh của họ; điều mà họ đã làm không chỉ với người đưa ra nhận xét ban đầu đó mà còn với một số đồng nghiệp khác, dẫn đến những lời chỉ trích hùng hồn như “nếu bạn không muốn công nhân nói xấu thì tại sao bạn không tạo ra một môi trường không tạo ra họ làm điều đó”, hoặc thẳng thắn khuyên nhân viên trẻ tốt nhất hãy chạy theo những tựa game nổi tiếng của họ để tạo dựng tên tuổi cho mình rồi bỏ rơi họ mãi mãi.
Xin lưu ý rằng không có trải nghiệm của cá nhân nào nhất thiết phải đại diện cho quá trình đó thích cho mọi người; bạn có thể là một vị khách may mắn trong một dự án thất bại, bị mắc kẹt trong một tác phẩm hầu như được thực hiện mà không gặp chút đau đớn nào hoặc đơn giản là phải trải qua những cuộc đấu tranh đặc biệt ở một vị trí cụ thể. Thật không may, cảm xúc đằng sau tất cả những lời phàn nàn đó lại là điều đã được gắn liền với mọi nhận xét mà tôi nghe được từ những người làm việc trên JJK2. Không chỉ những người sáng tạo giọng hát, không chỉ những người giữ bí mật hơn, và không chỉ những người trong nhóm mà tôi đã nói chuyện hàng ngày trong nhiều tháng—mà gần như tất cả mọi người, đặc biệt nếu họ thấy mình ở vị trí nhân viên nòng cốt, nơi họ phải đảm bảo tất cả vật liệu được cung cấp và bằng cách nào đó được trau chuốt theo các tiêu chuẩn kỹ thuật tối thiểu.
Thực tế là rất nhiều người, bao gồm cả những nghệ sĩ và những người mê hoạt hình thường hay chỉ trích hơn, thấy mình đánh giá cao nhiều thứ các khía cạnh của công việc đạt được nói lên kỹ năng và nỗ lực của nhóm thực hiện nó. Nhưng đừng hiểu lầm: kế hoạch của JJK2 rõ ràng là rất tàn nhẫn, và dù tầm nhìn của nhân viên có xuất sắc đến đâu thì việc thực thi của họ về cơ bản vẫn bị tổn hại; những gì bắt đầu với những thiếu sót mà họ có thể giải quyết một cách duyên dáng đã trở thành những góc cạnh thô ráp mà họ không thể che giấu được, và đến bây giờ, ngay cả phần giữ chỗ cho những đoạn cắt bị thiếu hoàn toàn hoặc chưa hoàn thành cũng là một vấn đề tái diễn.
Không thể nào tránh những cảm xúc lẫn lộn khi nhìn thấy một nhóm gồm toàn những nghệ sĩ đầy hối lỗi, những người biết rằng họ đã bỏ dở một số ý tưởng đầy tham vọng và hấp dẫn hơn của mình, hoặc đã thấy họ bị giảm sức mạnh đến mức không thể nhận ra trong bối cảnh vội vã đáp ứng thời hạn, khi điều đó vẫn dẫn đến một công việc được thực hiện tốt hơn nhiều so với những gì bạn có thể mong đợi một cách hợp lý từ lịch trình của nó. Có một dư vị cay đắng khi bạn thấy một số người trong số họ đổ lỗi cho tham vọng của chính họ về tình huống này, khi họ ở vị trí này vì tham vọng đã khiến họ nổi bật và giành được một vị trí trong một tác phẩm nổi tiếng như thế này. Trong khi đó, tất cả những người có trách nhiệm thực sự đối với tình trạng lộn xộn này sẽ khiến dự án không bị ảnh hưởng gì, nếu không được tăng cường ngay lập tức. MAPPA vẫn sẽ là hãng phim hoạt hình hành động nổi tiếng ở thời điểm hiện tại và mọi người trong ủy ban sẽ tự khen mình vì đã hoàn thành tốt một công việc khác. Đó là điều mà nhận xét ban đầu muốn cảnh báo mọi người và tại sao các công ty này muốn kiểm soát diễn ngôn xung quanh chức danh của họ.
Tuy nhiên, hiện tại, với cảnh báo bắt buộc đó đã được áp dụng, hãy để tôi đưa ra một điều rõ ràng: phần đầu tiên của JJK2 đơn giản là xuất sắc, bất chấp những hoàn cảnh đó. Bây giờ, không phải là những vấn đề sản xuất đó chỉ xuất hiện đột ngột vào thời điểm sau này. Bạn có thể nghĩ những góc cạnh gồ ghề trong hoạt hình như một nhiễu tần số cao luôn tồn tại; mỗi người đều có những ngưỡng khác nhau để nhận thức, cảm thấy hơi khó chịu và cảm thấy chói tai. Không giống như thính giác của bạn, đó là thứ bạn có thể rèn luyện để trở nên nhạy bén hơn… mặc dù như một số người trong ngành và những người đam mê theo dõi có thể nói với bạn, đó là một nghề biến dạng mà bạn không nhất thiết muốn, bởi vì rất khó để tắt nó một phần của bộ não.
Trong trường hợp của năm tập đầu tiên này trong phần Hàng tồn kho ẩn/Cái chết sớm , quá trình phân phối quá hấp dẫn đến mức tôi không thể dành một giây để xem hãy nghĩ đến tiếng ồn ào của bất kỳ góc cắt nào hoặc các chi tiết chưa được đánh bóng. Việc thực hiện đặc biệt của nó thể hiện sự phát triển của một nghệ sĩ mà chúng tôi đề cập trên trang web này khi anh ấy từ một người mới đầy triển vọng trở thành một nhà cải tiến kỹ thuật, sau đó là một giám đốc đầy triển vọng, người đã xây dựng dựa trên mọi thứ khiến anh ấy nổi bật trước đây. Hiện tại, Shota “Gosso” Goshozono là một người kể chuyện hoàn chỉnh thuộc loại mà bạn không thể coi thường trong anime truyền hình và là đạo diễn loạt phim. Đạo diễn loạt phim: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, vừa là người ra quyết định sáng tạo vừa là người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. có khả năng nâng tầm toàn bộ quá trình sản xuất mặc dù đây là dự án đầu tiên anh ấy chỉ đạo.
Rõ ràng là bạn có xu hướng đánh giá JJK2 trái ngược với những phần trước của nó, vì có một nỗ lực để sáng tạo lại loạt phim mà bạn’d hiếm khi thấy ở một cơ sở kinh doanh đang hoạt động rất thành công như thế này. Và tôi sẽ cố gắng tránh làm điều đó càng nhiều càng tốt. Không chỉ vì vấn đề tôn trọng—không chỉ nhóm làm phần tiếp theo phải đối mặt với kế hoạch đáng ngờ—hoặc bởi vì tôi nghĩ rằng JJK2 có rất nhiều tác phẩm đáng chú ý, mà còn bởi vì tôi nghĩ rằng nó được xây dựng trong một cách đó được hưởng lợi rất nhiều từ sự đánh giá tổng thể.
Chúng ta có thể xem xét các khía cạnh riêng lẻ đã thay đổi một cách đáng kể, thường liên quan đến việc thay thế vị trí lãnh đạo của một bộ phận cụ thể; một số là những điều chỉnh liên quan đến những người đã là thành viên của nhóm, chẳng hạn như việc bổ nhiệm Eiko Matsushima làm nhà thiết kế màu thực tế Nhà thiết kế màu (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): Người thiết lập bảng màu tổng thể của chương trình. Các tập phim có người điều phối màu sắc riêng (色指定, Iroshitai) chịu trách nhiệm giám sát và cung cấp cho các họa sĩ những tờ mẫu mà chuyến đi chơi cụ thể yêu cầu, thậm chí họ có thể tự làm nếu chúng có tông màu chưa được nhà thiết kế màu xác định. , trong khi những người khác là người mới có thể dễ dàng tìm ra đạo diễn, chẳng hạn như giám đốc âm thanh mới Yasunori Ebina—một vị trí mà anh ấy đảm nhiệm trong Xếp hạng Ousama, nơi Gosso thực sự tìm thấy vị trí của mình đứng vững trong vai trò đạo diễn.
Ngay cả khi tính đến những thay đổi riêng lẻ, tôi thấy quan trọng nhất và mang tính thẩm mỹ nhất, chẳng hạn như sự cách điệu nặng nề hơn trong bản sửa đổi thiết kế nhân vật của Sayaka Koiso, khi nhìn vào chúng đứng riêng lẻ không thể hiện được sự vĩ đại của những lựa chọn đằng sau chúng. Tôi có thể nói rằng tôi thấy vẻ ngoài của họ hấp dẫn hơn hoặc thông qua việc tập trung vào những hình bóng dễ phân tích cú pháp và sự gợi nhớ thay vì mô tả rõ ràng liên tục, họ đã khiến quá trình sản xuất rắc rối này trở nên dễ quản lý hơn phần nào. Tuy nhiên, chỉ khi bạn trải nghiệm chương trình, bạn mới đánh giá cao cách chúng tương tác độc đáo với mọi mảnh ghép khác trong câu đố này.
Theo ví dụ này về các thiết kế, bạn nhận ra rằng không chỉ chúng phối hợp với nhau với các khía cạnh hình ảnh khác như ánh sáng buồn hơn nhưng cũng đóng một vai trò hữu hình trong nỗ lực kể chuyện; ví dụ: bằng cách cung cấp một nền tảng hoàn hảo để các nhà làm phim hoạt hình lặp lại giữa kinh dị và hài kịch khi câu chuyện thấy phù hợp, trong khi mức độ cách điệu kém tinh tế hơn sẽ không tạo ra cảm giác giống như một trục xoay hữu cơ. Mặc dù tôi muốn giữ sự so sánh ở mức tối thiểu, nhưng tôi sẽ thừa nhận một điều tóm tắt lý do tại sao tôi cảm thấy rất tích cực về cách tiếp cận của nhóm này: mặc dù trước đây tôi không cảm thấy điều này thực sự đúng như vậy, nhưng tất cả các khía cạnh của JJK2 không chỉ hợp nhất thành một thế giới, nhưng một thế giới quan. Đây thực sự là Jujutsu Kaisen của Gosso.
Nếu chúng ta chuyển sang tập đầu tiên của phần 2, thật dễ dàng để minh họa ý nghĩa của tất cả những điều này trong thực tế. Ngay lập tức, ánh sáng buồn hơn và quá trình xử lý thực tế hơn về cách nó tương tác với cơ thể sẽ thu hút sự chú ý đến những cái bóng chuyển động của Geto khi anh ấy bước đi—nhưng các chi tiết như hiện tượng giật hình hữu cơ trong hoạt hình nền 2D vẫn khiến nó bắt nguồn từ một cảm giác của nghề thủ công. Khi anh ấy mô tả thói quen đã khiến anh ấy suy sụp, sự cô đơn khiến anh ấy phát điên, chúng ta thấy cận cảnh khuôn mặt của anh ấy. Nó gợi lên những ý tưởng thực tế nhưng vẫn đạt được thông qua những bổ sung có mục đích và có kiểm soát, vì vậy, nó không có cảm giác đi chệch quá nhiều so với tinh thần của các tờ thiết kế. Tiếng ồn ào ngày càng tăng phù hợp với tình trạng bất ổn ngày càng tăng của anh ấy, tông màu đơn sắc thể hiện tính chất lặp đi lặp lại trong các hành động của anh ấy — chỉ được chiếu sáng bằng những tia sáng xanh lam sặc sỡ khi anh ấy sử dụng sức mạnh phù thủy của mình — và khả năng nắm bắt môi trường ba chiều của Gosso được sử dụng để đóng khung thế giới một cách áp bức. như Geto nhận thấy nó. Nhiều lựa chọn trong số này có hiệu quả ngay lập tức và rõ ràng trong cuộc trò chuyện với nhau, và chúng chỉ trở nên rõ ràng hơn khi trở thành nền tảng cho ngôn ngữ của JJK2. Đó là những gì Gosso đã mang đến cho chương trình.
Một điểm rất quan trọng cần nhấn mạnh là việc JJK2 có bản sắc được xác định rõ ràng hơn nhiều không có nghĩa là nó đơn điệu về mặt phong cách. Trên thực tế, nó hoàn toàn ngược lại. Bằng cách có ý thức rõ ràng về bản thân và đưa các yếu tố thiết kế đến một điểm xoay vòng tự nhiên hơn, nó có thể liên tục chuyển đổi các mục theo cách sâu sắc hơn, có tác động mạnh mẽ hơn trong khi vẫn có cảm giác như nó chỉ cách trạng thái tự nhiên một bước chân.
Tập đầu tiên mô phỏng các khái niệm phim kinh dị khi đoạn hồi tưởng chuyển từ đoạn trêu chọc về sự sụp đổ của Geto trở lại nhiệm vụ của Utahime thời trẻ tại một ngôi nhà rõ ràng bị ma ám. Chúng tôi có những mô tả tuyệt vời về các thể loại điển hình như một đoạn băng cảnh vô cùng chân thực được tìm thấy và các quyết định đóng khung như các cảnh quay liên tục từ trên cao ngụ ý rằng họ đang bị theo dõi . Nhận thức tốt hơn về bộ công cụ hoạt hình cụ thể cho phép nó gợi lên những cảm giác tương tự thông qua sự mượt mà không tự nhiên trong chuyến phiêu lưu của Utahime vào dinh thự vào những năm 1 hoặc bằng cách điều chỉnh lại mức độ hiện thực trong tác phẩm nghệ thuật nhờ các chuyên gia như Hokuto Sakiyama. Một trục xoay khắc nghiệt hơn, mặc dù có cảm giác như nó vẫn đang diễn ra trong các ranh giới đã được thiết lập, đưa chúng ta từ một bản trình diễn 3D thực tế hơn về môi trường mà họ bị mắc kẹt trong cel bonanza có hương vị Paprika khi họ trốn thoát, với sự xuất hiện của các nhân vật chính thực sự: một Gojo trẻ tuổi thậm chí còn bất kính hơn, một Shouko cực kỳ thoải mái và Geto, người mà chúng ta đã biết về tình trạng hỗn loạn cuối cùng.
Hai chàng trai trong nhóm, lúc đó đã khá mạnh mẽ , nhanh chóng được giao nhiệm vụ bảo vệ một cô gái tuổi teen… và cuối cùng hướng dẫn cô ấy đến cái chết, vì cô ấy được coi là vật hy sinh để duy trì trật tự thế giới hiện tại. Thông qua các cuộc trò chuyện ngắn gọn và được dàn dựng một cách tượng trưng—mặc dù diễn ra rất tự nhiên—của họ, chúng ta dần quen với quan điểm của họ về những vấn đề này. Có lẽ đáng ngạc nhiên là Geto lại là người có nền tảng đạo đức vững chắc hơn; điều gì đó, như chúng ta sẽ thấy trong phần này, thực sự khiến anh ta dễ bị nghiền nát thế giới quan đó hơn.
Việc phân phối có mục đích như thế này cho thấy rằng nhóm mà Gosso dẫn đầu không chỉ đưa ra những lựa chọn sâu sắc trong bảng phân cảnh Bảng phân cảnh (絵コンテ, ekonte): Bản thiết kế hoạt hình. Một loạt các bức vẽ đơn giản thường đóng vai trò là kịch bản hình ảnh của anime, được vẽ trên các tờ giấy đặc biệt với các trường dành cho số lần cắt hoạt hình, ghi chú cho dàn dựng và các dòng đối thoại, chỉ đạo và giai đoạn hoạt hình phù hợp, nhưng đó là điều tốt nhất trong chương trình. Tôi sẽ định tuyến lại kịch bản để tối đa hóa tiềm năng của những khoảnh khắc đó. Lấy một chất lượng khác theo từng khoảnh khắc như chỉ đạo âm thanh, cảnh đầu tiên đã được xác lập như một thứ mà mùa này đang sử dụng theo những cách thông minh hơn. Khi họ bắt đầu sứ mệnh bảo vệ Riko Amanai, kẻ ngốc nghếch sắp phải hy sinh, những lựa chọn thú vị liên quan đến âm thanh tiếp tục được sử dụng để nhấn mạnh sự tương phản giữa một nhiệm vụ được cho là chết chóc và những tình huống ngớ ngẩn mà họ liên tục gặp phải—nhưng một lần nữa, những ví dụ điển hình nhất là những ví dụ cho thấy kỹ năng này cũng được cân nhắc ở cấp độ cao hơn.
Tập phim lần này do Yosuke Takada phụ trách và đạo diễn, lưu ý rằng Riko nên tham gia lớp học âm nhạc trong khi những kẻ ám sát nhắm vào cô. Sau khi Geto chặn được một trong những kẻ truy đuổi đó và một trận chiến oanh tạc xảy ra, bước ngoặt cuối cùng là tên sát thủ gặp được chú chó thời thơ ấu của mình. Có phải âm nhạc của dàn hợp xướng đang xây dựng thành điểm mấu chốt mà anh ấy chỉ đơn giản là nhìn thấy cuộc sống của mình lóe lên trước mắt? Vâng, đúng vậy, nhưng đó cũng là vì tập phim vẫn lưu tâm đến bối cảnh lớn hơn mà nó đã chú ý đến, nên âm nhạc tiếp tục vượt ra ngoài nhịp đập của anh ấy để cuối cùng trở thành âm thanh sôi động. Riko thực sự đã ở nhà nguyện, nơi chúng ta được thưởng thức một điểm thú vị khác trong hoạt hình với một loạt trò đùa thú vị dường như không bao giờ kết thúc. Rõ ràng là toàn bộ phần này được thực hiện một cách rực rỡ, nhưng điều quan trọng không kém là mọi lựa chọn trước đó dường như đã được cân nhắc rất kỹ—ngay cả khi chúng chỉ dẫn đến những cảnh hài hước.
Một khía cạnh khác của điều này sản phẩm nhanh chóng được thể hiện rõ ràng là bao nhiêu trách nhiệm đã được đặt lên vai những nhân viên mới nổi khi họ ra mắt; không có gì ngạc nhiên khi bản thân Gosso cũng lần đầu tiên lãnh đạo một dự án. Điều này được thể hiện rõ nhất qua việc có bao nhiêu người lần đầu tiên đạo diễn và viết kịch bản cho một tập phim, đây là một viễn cảnh thú vị cũng như một con dao hai lưỡi. Mặc dù bộ truyện vẫn ở mức tốt nhất trong phần đầu tiên, nhưng chúng ta sẽ cảm nhận được hương vị ngọt ngào của tiềm năng đó. Takada đã nói ở trên đã viết kịch bản phân cảnh đầu tiên của mình trong tập thứ hai, nhưng ví dụ ban đầu hay nhất đến từ Naoki Miyajima lần đầu ra mắt ở vị trí đó và làm đạo diễn tập trong tập thứ ba.
Khi Gojo cố gắng đảm bảo Riko tận hưởng những ngày cuối cùng của cô ấy, tập phim có cảm giác đặc biệt quan tâm đến việc bắt giữ khoảnh khắc; cách nó nhấn mạnh vai trò của kịch bản màu, một trong những công cụ được giới thiệu trong mùa này để tăng cường sự gắn kết đó, mặc dù mỗi đạo diễn sẽ tương tác khác nhau. Với nội dung công việc của Miyajima, không có gì đáng ngạc nhiên khi mọi thứ bắt đầu đi xuống, chúng ta sẽ thấy một số hành động thú vị, đặc biệt khi nó đến từ bàn tay của những con át chủ bài như Kosuke Kato và Keiichiro Watanabe . Tuy nhiên, chính sự khéo léo với các khía cạnh tinh tế hơn của cách kể chuyện đã khiến một tập phim như thế này trở thành một bất ngờ thú vị. Ngay cả khi biết rằng Miyajima đã được chứng minh là có khả năng diễn xuất hiệu quả, bạn không bao giờ có thể cho rằng điều này sẽ chuyển thành khả năng củng cố câu chuyện bạn đang kể từ một vị trí cao hơn. Giống như Gosso đang làm ở cấp độ định hướng loạt phim, những màn ra mắt như thế này thể hiện mặt tích cực của việc tin tưởng những người sáng tạo trẻ. Chẳng phải sẽ tốt hơn nếu mọi chuyện luôn như thế này sao?
Mặc dù tất nhiên, không chỉ những người trẻ mới dẫn đầu—đôi khi, đạo diễn bộ truyện.Series Director: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, vừa là người ra quyết định sáng tạo vừa là người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. tình cờ gần đây đã kết bạn với một siêu sao hành động đẳng cấp thế giới trong công việc trước đây của họ, vì vậy tại sao tập thứ tư lại nằm trong tay một Arifumi Imai. Mặc dù anh ấy không có nhiều kinh nghiệm đạo diễn trên giấy tờ bất chấp địa vị đó, nhưng vai trò của Imai trong Attack on Titan đã đưa anh ấy vào vị trí đưa ra các lựa chọn kể chuyện thông qua hoạt hình. Như chúng tôi đã thảo luận nhiều lần khi đưa tin về bộ truyện, cách Imai xác định hoàn toàn một phong cách hành động hiện đã được biết đến trên toàn thế giới và cách anh ấy tạo bảng phân cảnhStoryboard (絵コンテ, ekonte): Bản thiết kế hoạt hình. Một loạt các bức vẽ đơn giản thường dùng làm kịch bản hình ảnh của anime, được vẽ trên các tờ giấy đặc biệt với các trường dành cho số lần cắt hoạt hình, ghi chú cho dàn dựng và các câu thoại phù hợp. Bản thân những khoảnh khắc cao trào ngay từ trong chu kỳ quảng bá đã giao cho anh ấy những trách nhiệm vượt xa những gì được cho là của một họa sĩ hoạt hình. Sơ yếu lý lịch của anh ấy có thể không nói rằng anh ấy đang đạo diễn, nhưng anh ấy đã làm như vậy.
Kinh nghiệm đó không chỉ quan trọng để hiểu tại sao anh ấy có thể trượt vào một vòng cung được đạo diễn tinh xảo như vậy, mà còn bởi vì anh ấy mang rất nhiều phong cách điều bổ ích từ loạt phim đó là một tình tiết thực sự bi thảm có một mức độ hài hước gây tò mò đối với tôi. Tôi cũng tức giận như mọi người khi thấy quyết định sống tiếp của Riko đã gặp phải một viên đạn rất thiếu tôn trọng. Khi Geto đáp lại, quy mô ngày càng tăng của các bối cảnh hành động chắc chắn cũng mang lại cảm giác Imai-esque phù hợp. Nhưng phải đến khi hình ảnh theo nghĩa đen ngoài Tetsuro Araki’s cuốn sách mà tôi nhận ra mình đang thực sự xem một tập phim Titans. Mặc dù ở một số khía cạnh, nó không tinh tế như phần còn lại của vòng cung, nhưng nó cũng có sức ảnh hưởng như bất kỳ khía cạnh nào, và thực sự sử dụng những đặc điểm kiểu Araki đó để giới thiệu truyền thuyết có tính khái niệm cao nhất cho đến nay; được thúc đẩy bởi cơn thịnh nộ và trong trải nghiệm cận kề cái chết của mình, Gojo cuối cùng đã làm chủ được sức mạnh của mình, thực sự trở thành người mạnh nhất hiện nay.
Chính bảng phân cảnh của Gosso sẽ đưa chúng ta đến phần cuối của phần này, bao quanh từng phần ý tưởng mà câu chuyện và những lựa chọn đạo diễn của anh ấy đã đưa ra. Một năm sau, chúng ta thấy cái chết của Riko đã ảnh hưởng nặng nề đến cả Gojo và Geto. Người đầu tiên đã được đào tạo một cách ám ảnh và trong quá trình đó chỉ đơn giản là vượt qua loài người—một vị trí vốn đã xa lánh, như những bảng phân cảnh luôn luôn cách biệt anh ấy tách biệt nhắc nhở chúng ta. Tính hai mặt với đối tác của anh ấy mà bảng phân cảnh đã củng cố kể từ cảnh đầu tiên trong phần sau đó là theo nghĩa đen lật tẩy để đối chiếu sự phát triển của anh ấy với vòng xoáy đi xuống của Geto. Các tín hiệu âm thanh quen thuộc báo hiệu trạng thái tinh thần ngày càng tồi tệ của anh ấy, mặc dù đó là hướng hoạt hìnhChỉ đạo hoạt hình (作画監督, sakuga kantoku): Các nghệ sĩ giám sát chất lượng và tính nhất quán của chính hoạt hình. Họ có thể chỉnh sửa những vết cắt quá lệch so với thiết kế nếu họ thấy nó phù hợp, nhưng công việc của họ chủ yếu là đảm bảo chuyển động ngang bằng mà trông không quá thô. Có rất nhiều vai trò Chỉ đạo Hoạt hình chuyên biệt – máy móc, hiệu ứng, sinh vật, tất cả đều tập trung vào một yếu tố định kỳ cụ thể. điều đó thực hiện một công việc đặc biệt là tóm tắt lý do tại sao điều đó xảy ra.
Sau khi chứng kiến một tổ chức gồm những con người bình thường một cách tàn nhẫn và ngẫu nhiên lấy đi mạng sống của Riko, và bị đánh bại bởi một công việc mà đồng nghiệp của anh ấy có thể chết bất cứ lúc nào, Geto đã bắt đầu bị ám ảnh bởi sự bẩn thỉu của mình đối với quần chúng mà lẽ ra anh phải bảo vệ. Giống như tập đầu tiên đã xoay quanh các mức độ cách điệu trong các bức vẽ để gợi lên những tâm trạng cụ thể, tầm nhìn chủ quan của Geto được thể hiện thông qua siêu thực nhân vật bản vẽ; đặc biệt là những người được Takuya Niinuma giám sát trong nửa đầu của tập phim, mặc dù những ý tưởng tương tự cũng được trong phần cái thứ hai của Souta Yamazaki. Bản thân kỹ năng phác thảo ở cấp độ này đáng được đánh giá cao, nhưng đây là loại chương trình muốn bạn suy nghĩ về những lựa chọn cụ thể đã dẫn đến những phân cảnh bắt mắt như thế này.
A cuộc trò chuyện được dàn dựng đẹp mắt với phù thủy lập dị nổi tiếng Yuki Tsukumo làm sáng tỏ rằng Geto vẫn chưa đi quá xa trong lòng căm thù dân chúng bình thường, mà đúng hơn là điều này chỉ là một trong những có thể con đường phía trước của anh ta, giống như việc anh ta vẫn tuân thủ các nguyên tắc đạo đức ban đầu. Thật không may, việc đưa ra điều này cũng khiến Geto ý thức hơn về khả năng bị tấn công, từ đó đẩy anh ta đến gần điểm đột phá hơn.
Thêm nhiều đồng đội của anh ta chết, và để làm gì? Trong mắt anh, vì những kẻ độc ác tấn công những người có sức mạnh đặc biệt chỉ vì họ khác biệt. sự mất nhân tính sự đóng khung khi anh chứng kiến một hành động tàn ác cuối cùng cho chúng ta biết quan điểm của anh bây giờ ở đâu. Bạn có nhớ cảnh quay đầu tiên của mùa giải về những cái bóng chuyển đổi của anh ấy không? Hai khả năng trước mắt mà Yuki đã đề cập hiện được thể hiện bằng hai ngọn nến và hai cái bóng—một cái mạnh hơn cái kia rất nhiều bây giờ. Khi anh ấy đưa ra quyết định của mình, chỉ còn lại một; cảm xúc thực sự của anh đang tiến về phía trước, như cô đã mô tả. Hình ảnh tao nhã nhưng lạnh lùng mô tả vụ thảm sát cả một thị trấn. Tất cả đều được nhuộm màu xanh lam, cùng một màu đã mang lại sức sống cho phân cảnh đầu tiên trong chương trình. Mọi thứ về phần này đã được gói gọn trong phút rưỡi đầu tiên.
Sau khi quân domino đầu tiên rơi xuống, mọi thứ đã bắt đầu chuyển động. Gojo cũng cảm thấy cần phải thay đổi một thế giới đã dẫn đến tình trạng này, nhưng cách tiếp cận nhân ái hơn của anh ta sẽ cố gắng phá bỏ các cấu trúc quyền lực từ bên trong, trong khi Geto thì… có vẻ diệt chủng hơn một chút về điều đó, chẳng hạn. Chưa hết, động cơ của anh ta vẫn có chút ấm áp, vì phần này đã cho thấy rõ rằng anh ta không chỉ là một kẻ giết người hàng loạt vui vẻ. Geto ban đầu là một người có niềm tin mạnh mẽ, nhưng sự tàn ác vô tình và một hệ thống lỗi lầm đã cô lập một người đang rất cần bạn đồng hành đã phá vỡ anh ta. Một kịch bản hấp dẫn, được nâng tầm bằng cách thực hiện tập trung sâu sắc. Tôi có cảm giác rằng tôi sẽ nhớ đây là một trong những phần xuất sắc nhất trong anime shounen.
Và thế là nó xảy ra, Sự cố Shibuya; theo một cách nào đó, sự cố Shibuya. Là một người hâm mộ tác phẩm của Yoshihiro Togashi, tôi có xu hướng thích thú với một phần trong đó Gege Akutami dựa vào cách kể chuyện đậm chất Hunter, đưa chúng ta từng bước trong quá trình kế hoạch phong ấn Gojo của những kẻ phản diện thông qua một câu chuyện đa luồng. Và xin lưu ý bạn, tôi đang tận hưởng nó, nhưng rõ ràng là nó chưa được nhận thức đầy đủ theo cách HI/Chết sớm. Đây là lúc tôi cảm thấy rằng việc quay lại chủ đề mà chúng tôi đã mở đầu phần này là điều không thể tránh khỏi: việc lập kế hoạch tai hại cản trở tham vọng của nhóm.
Một số người trong số họ đổ lỗi một phần cho cuộc đấu tranh của họ. những khát vọng cao cả đó và bản thân họ, nhưng như tôi đã nói trước đó, đó là góc độ sai lầm khi đánh giá tình hình. Việc MAPPA lựa chọn giám đốc cho các dự án như thế này không được thúc đẩy bởi sự hiểu biết rằng họ sẽ hoàn thành xuất sắc vai trò này, bởi vì họ tiếp tục lựa chọn những người chưa từng đảm nhiệm công việc đó. Thay vào đó, điểm chung rõ ràng của họ là đều là những họa sĩ hoạt hình bắt mắt, những người sẽ có sức hút thu hút những nghệ sĩ hào nhoáng, đầy tham vọng khác nếu họ dẫn đầu một dự án. Như Gosso đã chứng minh, điều đó không có nghĩa là họ không thể chọn những người kể chuyện xuất sắc bất kể động cơ là gì, nhưng cần lưu ý rằng tất cả những điều này đến từ đâu.
Khi những người trong nhóm như thế này chạy đua với mục tiêu bức tường thời hạn không thể tha thứ, thật khó để trách họ vì đã mơ ước cao đẹp; đối với những người mới bắt đầu, bởi vì dù sao thì bức tường đó cũng gần một cách vô lý, nhưng cũng bởi vì mạng lưới các nghệ sĩ đầy tham vọng này ngay từ đầu đã được nhắm đến vì những phẩm chất này. Gosso có thể đã cắt bỏ những góc quan trọng trong HI/Chết sớm, có thể hy sinh một chút sự kỹ lưỡng đặc trưng cho mọi khía cạnh của nó để có nhiều không gian thở hơn cho các tập sau. Nhưng làm như vậy sẽ không khiến lịch trình trở nên thoải mái—và có lẽ phù hợp hơn, nếu anh ấy là kiểu người sáng tạo có xu hướng cắt giảm chi phí, anh ấy có thể sẽ không có cơ hội đạo diễn chương trình này trong địa điểm đầu tiên. Đổ lỗi cho anh ta, cũng như bất kỳ đạo diễn tập phim nào khác trong Sự cố Shibuya, đều bỏ qua nguồn gốc thực sự của xung đột.
Điều đó cũng có nghĩa là Sự cố Shibuya không hề kém tham vọng hơn phần đầu tiên. Ở một khía cạnh nào đó, nó có thể còn hơn thế nữa, điều này không thực sự phù hợp với tình trạng sản xuất đang xuống cấp nhanh chóng. Tôi có thể nói rằng nó giống như việc duy trì một trần nhà tương tự-cao đến mức đôi khi bạn tự hỏi liệu nó có ở đó không-nhưng lại khiến sàn nhà sụp đổ hoàn toàn. Có mức chất lượng kỹ thuật cơ bản rất cao đối với HI/Tử vong sớm mà Sự cố Shibuya đã không bảo vệ được ngay từ đầu. Nó thể hiện qua chất lượng giảm mạnh của phần ở giữa, sự xói mòn của sự gắn kết khiến phần mở đầu có cảm giác rất đặc biệt, mức độ phác thảo ngày càng không đồng đều đối với các bản vẽ và cuối cùng, bạn thậm chí không thể chắc chắn liệu một số bức ảnh bạn có nhìn thấy hay không. trên màn ảnh thậm chí còn gần với ý tưởng ban đầu; đã xem tài liệu cho một số cảnh quay có trục đó, không, không phải vậy.
Tuy nhiên, nếu bạn mong đợi tôi sẽ giải quyết các trường hợp cụ thể, thì tôi rất vui được thất vọng; giải thích dài dòng về việc người sáng tạo là nạn nhân của những hoàn cảnh nằm ngoài tầm kiểm soát của họ và sau đó chỉ ra hậu quả sẽ không mạch lạc đến thế. Bản chất đơn giản hơn và thiên về hành động của phần này mang lại ít chỗ cho sắc thái hơn như chúng ta thấy trong phần đầu tiên, nhưng không có vẻ như các nguyên tắc chỉ đạo đằng sau nó hoàn toàn khác nhau. Ryouta Aikei mở đầu bằng một tập phim gần giống với cuốn sách của Gosso một cách đáng ngạc nhiên, như bạn mong đợi từ một trợ lý đạo diễn loạt phim. Đạo diễn loạt phim: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, cả hai với tư cách là người ra quyết định sáng tạo và người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. người đã giúp đỡ anh ấy trong tập đầu tiên. Nó tìm thấy đường nét thực sự của mình bằng cách nhấn mạnh trên màu sắc và gợi cảm sáng tác trong vai một người bạn cùng lớp yêu mến sự trung thực của Yuji gặp lại anh ấy, buộc phải tự xem xét nội tâm của mình. Tuy nhiên, điểm nổi bật thực sự khiến phần này bắt đầu là một phân cảnh được biên tập thông minh tiết lộ nốt ruồi của kẻ phản diện trong số các học sinh; ánh sáng bổ sung là một phần của sự khéo léo trong tay là một mẹo hay, mặc dù tôi gần như ước họ đổi màu để Yuji mở một căn phòng trống màu đỏ trong khi vị trí chính xác của Mechamaru được tắm trong màu xanh lá cây. Tôi cho rằng hài kịch không phải lúc nào cũng thắng.
Đối với những góc khó khăn, tập tiếp theo nổi bật với quyết định phù hợp với chủ đề máy móc—khi Mechamaru đẩy lùi những kẻ phản diện mà anh ta đã thực hiện những thỏa thuận nguy hiểm—để sự phong phú của hoạt hình theo phong cách Kanada, một cách tiếp cận phổ biến đối với thể loại này; vì điều này, chúng tôi chủ yếu phải cảm ơn đạo diễn đồng tập phim đầu tay và người viết kịch bản Yooto, người đã tạo hoạt hình cho một loạt đoạn cắt theo kiểu tương tự cho các tập khác. Thật không may, đây chưa phải là lúc để chủ nghĩa anh hùng được đền đáp, vì vậy những kẻ hung ác đã tiến hành kế hoạch phong ấn sức mạnh đáng sợ của Gojo. Kế hoạch của họ là khai thác sự hiện diện đông đảo của dân thường ở Shibuya để ăn mừng Halloween, có nghĩa là đã đến lúc tôi thực sự yêu thích phần của tập phim: cảm giác phim kinh dị đích thực trong đám đông theo chủ nghĩa tự nhiên của Takafumi Mitani, mà go from their partying to panicking when they start realizing that something is clearly wrong.
Things get rougher for the protagonists moving forward, and even more so for the team behind the show. Rather than the likely most controversial episode in Hiroyuki Kitakubo’s #08, the one I believe best exemplifies this is the following one, as it marks the return of Gosso to storyboarding duties. He’s still an ingenious storyboarder, pulling tricks like reframing a flashback to the villains planning the operation as a casual mahjong match for comedic purposes. Minutes later, as the plan to exhaust Gojo comes to fruition, Geto reveals his actual winning hand; not the yakuman I’d have chosen to represent gates when chuuren poutou is right there, but neat delivery regardless. As you’d expect from his storyboards, fights operate on a three-dimensional, mind-bending space, with that latter sequence by Daniel Kim also being a treat when it comes to expressivity—both in the palpable desperation of Mr. Volcanohead, and the terrifying nature of an unbound Gojo.
With such proximity to a much fuller realization of Gosso’s ambitions in the previous arc, though, episodes like this are also a reminder that the execution can no longer live up to the vision of the creators; not just in sheer ambition, but in the case of someone like Gosso, in the ability to connect every dot like HI/Premature Death did. Takada’s return for episode #10 follows a similar note, as a director we’ve seen leading thoroughly excellent work, but that at this point leaves behind mostly isolated moments of greatness instead.
In a way, it helps that at this point in the arc we’ve descended into nearly pure action. Sure, that means that basically every episode is demanding production-wise, but bruteforcing spectacular fighting with little time happens to be a special skill of many people in this team. Even as the more subdued qualities drown in a sea of increasing technical issues, episodes like #11 still have quite a lot of entertaining action, as they’re built around specialists like Hayato Kurosaki; even with rougher edges, and storyboards that don’t always fully connect, the spectacle is clearly still there for everyone to enjoy. It’s frankly no surprise that to the eyes of many, JJK2 still balances out into a largely successful effort. Awareness of the issues behind the curtain and how those manifest insidiously on-screen shouldn’t make people forget that the result is still pretty damn flashy.
This trend towards an environment where only bruteforced bombast has a chance to thrive, though, actually makes me want to highlight the flashes of subtle greatness that are somehow surviving this collapse. Episode #12 is the debut of the notoriously outspoken and wise Shunsuke Okubo, who acted as first-time storyboarder and episode director, as well as top animation director and key animator. I have the feeling that it will be mostly remembered for Yamazaki’s corrections of Nanami rightfully turning him into the hottest man on planet Earth. What fewer people will remember, and likely fewer noticed in the first place, is how Okubo’s philosophy seeps into the whole episode to make certain appearances—like this climax with Nanami—carry more weight.
Those who follow Okubo’s career know that he inherited the naturalistic, efficient acting of Yuki Hayashi and Soty through his work at Toei. If you follow him more closely on social media, you might also know that he’s a huge fan of the understated fundamentals that the works of Kyoto Animation are built upon, decrying the lack of such a thing in the industry at large. While JJK2 is not in a position to nail those details, as time is tight and all eggs are in the action basket, Okubo’s episode still goes out of its way to emphasize natural, comfortable postures. TV anime is limited in how it places people to the point of being hard to actually parse characters as such, so an episode like this feels like it’s fighting not just trends within this production but for anime at large.
Given how much fighting, assassination, and general chaos has been going on, one of the best showcases of that naturality is… well, people passed out or dead on the floor, always in believable distinct ways. Besides making the characters and world feel more quietly authentic, the benefit of this focused effort also comes through contrast—in a world of natural posture, flamboyant people gain a special type of charisma. Another fan-favorite moment in the episode comes in the form of Meimei’s walk, especially the cut around 35s here; courtesy of a certain uncredited animator you’d expect alongside Okubo. She’s a character who loves performing to an audience, always for a generous fee, and that has never hit as hard than when she’s otherwise surrounded by naturalistic demeanors. Her antics, just like this villain’s, or even Nanami’s moment of coolness, shine brighter because much effort went into an aspect that is invisible to most viewers.
In that sense, the final episode we’ll cover strikes a great balance between tangible, bombastic coolness, and smart craft that one might not notice. JJK2 #13 comes by the hand of Kazuto Arai and Takumi Sunakohara, and can be best described as the spiritual sequel to the second FGO Camelot movie. As we wrote about in our coverage of that film, Arai’s approach to its direction was to disregard production standards in favor of something he described as a more Disney-like approach; which is to say, character-coded animation assignments, with the wrinkle that the people entrusted with one specific character were his close friends, and that rather than simply drawing them, they would effectively have chief director status for their relevant chunks of the movie. One such pal was Sunakohara, and while not without flaw, the resulting work was one for the ages.
How do you follow that up, then? If you read Arai’s lengthy, very interesting summary of how JJK2 #13 came to be, you might think that it’s philosophically quite different from Camelot—after all, we’re going from a movie where individual animators were given freedom on the level of a director, to an episode where adlibs were essentially banned, and the job of an animator often came down to tracing. At the root of both of these, though, there’s a similar idea: the full realization of an artist’s ideas, the same goal Gosso has been chasing all along in his own way. Arai’s first half of the episode, built upon extensive 3D previs and live-action footage he recorded with his friends, and Sunakohara’s second one, relying on his extremely detailed storyboards meant to be layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists. already, arrive at it in different ways. Camelot did it by elevating the role of specific animators, while this episode diminishes it somewhat—but it channels their energy towards a goal that everyone should be delighted to contribute to.
What’s that idea, then? It shouldn’t surprise you to hear that this episode draws from Cyberpunk Edgerunners and Kizumonogatari, because Arai already has joked about being ready to be called a ripoff. He pointed at Kai Ikarashi’s episode #06 in the former as the genesis of it all, to the point where he had him help in the planning stages of this episode; Ikarashi was even meant to play a big role in the episode, but in the end couldn’t comply with a schedule that we know isn’t exactly friendly. Just as obvious as Edgerunners’ influence is conveyed through the rim lighting, the brief moments of pause and specifics like the depiction of the rain make Kizumonogatari’s presence equally inescapable. They went as far as mimicking the techniques behind that film, with Sunakohara drawing multi-purpose layers of droplets with incredible adaptability, just like Oishi’s team had done for that movie.
That eclectic mix of influences and non-standard workflows results in an episode that feels unique from the start. For an arc with Shibuya in its title, it’s not until this episode that the action feels physically rooted there; the environments are inseparable from the setpieces, and even its violence is anchored to the real, physical elements that Arai and company filmed themselves around. It’s interesting to see how even its imagery and stylizations are derived from the actual location, starting from the very first shots—coincidentally, also the first of 101 layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists. that Arai personally animated. The recurring usage of these signs builds up to Yuji’s fate in this episode, symbolically cut with another diagonal line. Similar things can be said about the direction signs, which are constantly used to represent the turning tides of the battle. Even those external influences are expressed in diegetic ways; the cyberpunk neons only kick in when Choso destroys the regular lights, then proceed to react dynamically to the position and state of decay.
On top of this, it helps that the action storyboarding simply kicks ass, and that the workflow they implemented—for as troublesome as Arai said it was—minimized the room for error in the final stages. A fair number of shots weren’t finished as they were intended to, which you may have noticed through some curious stiffness to certain bodies in an otherwise very kinetic fight, or even a few unreadable closeups that act as patchwork for a complex choreography that was meant to be there. But again, by deliberately keeping the execution so close to what they’d envisioned and personally developed to a large degree, Arai and Sunakohara managed to put together an action spectacle that feels remarkably complete for something that had no business being compressed into these deadlines.
While this is by all means a special episode, that about sums up what Shibuya Incident has been like. A tremendous effort by the staff is making up for a plan that doomed them to failure. After an initial arc that is nearly perfect in execution, the shortcomings here are more noticeable than I’d like them to be, especially in a situation where the team is still delivering occasionally jaw-dropping work. This team deserves nothing but respect, and everyone who put them in this position, right about the opposite.
Though he ultimately framed it as his own responsibility due to his ambition, Arai comically phrased the chronicle of his experiences as “We’re beyond critical, huh? Come at me then, MAPPA!”. And that’s the most positive read you can make out of an otherwise depressing situation: a group of creators rebelling not just against a studio, but every single producer who will wear the success of this show as another badge of honor. As these issues are starting to strongly bleed into the public domain, I hope at least that the person we opened this article with doesn’t end up being right again—the last thing anyone needs is producers drawing the conclusion that planning projects like this is something they can get away with.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
