Theo nhu cầu phổ biến, chúng tôi đang bắt đầu một chuyên mục mới để bình luận ngắn hơn về các tác phẩm hoạt hình và tác phẩm của họ, cũng như tin tức và diễn biến chung trong ngành. Để mở ra mọi thứ: sự tương đồng giữa các bộ phim mới của Hayao Miyazaki và Masayuki Yoshihara, chủ đề yên tĩnh giữa sự khoa trương của Frieren #06, v.v.!
SakugaSakuga (作画): Vẽ tranh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. Blog ra mắt cách đây 7 năm để bổ sung cho nỗ lực của Sakugabooru nhằm lưu trữ không chỉ hoạt hình gây được tiếng vang với chúng ta mà còn cả một số thông tin về quyền tác giả của nó, vốn luôn có xu hướng lọt qua kẽ tay của lịch sử. Ý tưởng là mở rộng điều đó thành một phân tích toàn diện hơn về hoạt hình, xem xét sự giao thoa của nó với cách kể chuyện và lao động để giải thích lý do tại sao chúng ta yêu thích những thứ chúng ta yêu thích và hy vọng làm sáng tỏ những hiểu lầm về công việc của những người liên quan trong quá trình thực hiện. Chúng tôi đã làm điều đó thông qua các bài tiểu luận, bài báo, cuộc phỏng vấn nhân viên, v.v.—về cơ bản, không có gì thay đổi về mặt đó.
Tuy nhiên, điều rất khác hiện nay là cách chúng tôi cố gắng truyền đạt điều đó, như cũng như diễn ngôn xung quanh các chủ đề này theo một cách rộng hơn. Không hẳn là bí mật khi chúng tôi chuyển từ những bài viết nhẹ nhàng hơn, thường xuyên hơn về các chủ đề đơn lẻ sang những bài viết rất dài, ngay cả khi tập trung vào một tiêu đề cụ thể, cuối cùng sẽ kết hợp mọi thứ lại với nhau, từ hoàn cảnh lao động đến các trào lưu nghệ thuật. Đối với những công việc đó, điều đó sẽ không thay đổi, bởi vì nếu có bất cứ điều gì thì điều này cảm thấy cần thiết hơn bao giờ hết. Thảo luận về sakugaSakuga (作画): Vẽ tranh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. đã trở nên phổ biến hơn trong những năm gần đây, nhưng nó cũng nhanh chóng chuyển sang việc la hét về những cái tên vì lợi ích riêng của chúng, như thể các họa sĩ hoạt hình tình cờ làm việc trong chương trình theo mùa yêu thích của bạn là một gacha kéo; nó xuống cấp, thiếu thông tin và chỉ trống rỗng về mặt cảm xúc. Mặc dù chúng tôi không quá ảo tưởng khi nghĩ rằng mình đang đưa ra những bài viết có thể thay đổi cuộc sống cũng như không phải chúng tôi là những người duy nhất cố gắng kết nối tất cả những điểm này lại, nhưng có vẻ như đó vẫn là hướng đi đúng đắn cho trang web.
Tuy nhiên, cá nhân tôi có thể nói rằng tôi cảm thấy chúng ta đang thiếu thứ gì đó khi để mọi thứ đi đến mức cực đoan hiện tại, nơi có rất ít tựa sách được thảo luận; không thể quên rằng một trong những nguyên tắc nền tảng của Sakugabooru là tôn trọng đúng mức những khoảnh khắc chói sáng ngay cả trong những tựa game vốn khiêm tốn nếu không muốn nói là có chút thảm họa. Tôi ủng hộ quyết định của chúng tôi về việc bỏ các bản xem trước theo mùa thông thường, bởi vì rất nhiều lần người ta có thể nói rằng hầu hết các tựa phim sẽ bị xâm phạm do lịch trình bị thu hẹp, nhưng điều đó cũng đã hạn chế sự đa dạng của các tựa game được thảo luận ở đây. Vì khá nhiều người ủng hộ trang web đã bày tỏ rằng họ muốn một cái gì đó giống với lời bình luận nhẹ nhàng hơn của họ và chúng tôi cũng cảm thấy có chỗ cho nó, nên đây là giải pháp mà chúng tôi đã quyết định: The Eyecatch , một chuyên mục dành cho những bình luận bình thường hơn về các tác phẩm mà chúng tôi đã xem gần đây—dù là tác phẩm hiện tại hay không—cũng như cảm xúc của chúng tôi về tin tức gần đây. Và còn cách nào tốt hơn để mở đầu nó bằng một đoạn giới thiệu quá dài làm mất đi quan điểm về những điều thú vị mà chúng ta có cảm xúc.
The Boy and the Heron And của Hayao Miyazaki Komada – A Whiskey Family của Masayuki Yoshihara
Nhờ Liên hoan phim Sitges, gần đây tôi có cơ hội xem hai bộ phim truyện mới của các đạo diễn anime được giới phê bình đánh giá cao. Bộ phim The Boy and the Heron của Hayao Miyazaki và Komada: A Whiskey Family của Masayuki Yoshihara là hai bộ phim bạn không có khả năng nhìn thấy sự tương phản; sự nổi tiếng của những người sáng tạo chính đằng sau chúng là các giải đấu khác nhau và ở cấp độ bề ngoài, chúng dường như là những loại phim hoàn toàn khác nhau. Chưa hết, họ chia sẻ một điều cơ bản: đó là những câu chuyện được kể bởi những cựu chiến binh vĩ đại trong lĩnh vực của họ, cả trong cuộc trò chuyện với thế hệ tương lai, với nghĩa vụ gia đình cũng như với di sản của chính họ. Và trong cả hai trường hợp, tôi nghĩ mọi người cũng nên tiếp cận chúng với những kỳ vọng đúng đắn.
Tôi sẽ dành cho bạn một bản mổ xẻ kỹ lưỡng về Cậu bé và con diệc, không chỉ vì tôi thích sự hài hước Ghibli đã giữ bí mật, nhưng cũng bởi vì dù sao thì một bài viết như thế cũng đang nhanh chóng đến gần; có lẽ trong vài tuần nữa, khi các buổi chiếu phim thường xuyên bắt đầu diễn ra ở nhiều quốc gia hơn. Tuy nhiên, điều tôi cảm thấy đáng nói là đây là một bộ phim trong đó bối cảnh siêu văn bản xuyên qua khu vực ngụ ngôn thành cốt truyện thực tế, hữu hình. Xin lưu ý, Miyazaki vẫn không mất khả năng đưa khán giả vào một thế giới giả tưởng đáng tin cậy ở mọi khía cạnh, nhưng vẫn rất ngẫu hứng và đầy ngạc nhiên ở mọi góc cạnh. The Boy and the Heron hạ cánh với sự tự tin đến mức bạn ngay lập tức cảm thấy nó quen thuộc, chân thực nhưng vẫn rất độc đáo. Điều thú vị là, phần mở đầu lấy bối cảnh ở thế giới thực có nhiều năng lượng kỳ diệu nhất.
Tuy nhiên, khi bộ phim tiến triển, nhân vật của chính Miyazaki cuối cùng chiếm lĩnh màn hình, theo cách khiến tôi cảm thấy rằng điều đó có thể xảy ra. phá vỡ sự đắm chìm của những người đang tìm kiếm chính xác điều đó. Ở một mức độ nào đó, điều đó đúng với tôi, nhưng điều tôi nhận được là một sự tự suy ngẫm hấp dẫn, có cảm giác như nó tiếp tục vòng cung mà bạn có thể thấy trước từ The Wind Rises; mặc dù đã quá lâu kể từ lần phát hành cuối cùng, có vẻ như Miyazaki đã trải qua nhiều bộ phim có giá trị tiến hóa. Nếu bạn muốn bàn tay của những người sáng tạo vẫn vô hình thì đây có thể không phải là bộ phim dành cho bạn. Nếu bạn say mê với sự hòa nhập liền mạch của Miyazaki, điều đó sẽ không khiến bạn đói mà cuối cùng có thể cản trở bữa ăn của bạn. Nhưng nếu bạn quan tâm đến việc làm thế nào một người sáng tạo mang tính định hình thời đại có thể tiếp tục hướng ống kính vào bên trong mà không đánh mất bản chất của mình, thì tôi có con diệc dành cho bạn.
Với một lưu ý tương tự, tôi nghĩ Komada xứng đáng được cảnh báo—có lẽ bạn không nên coi nó là “tác phẩm tiếp theo của đạo diễn Uchouten Kazoku/Gia đình lập dị”. Không chỉ vì lối viết của Tomohiko Morimi không thể tách rời hương vị của bộ truyện đó, mà cách diễn giải của Yoshihara về bộ truyện cũng chính là chìa khóa tạo nên sự xuất sắc của bộ truyện, và lần này anh ấy đang làm việc với một kịch bản thông thường hơn. Thay cho chủ nghĩa hiện thực huyền diệu kỳ lạ đó, chúng ta có một câu chuyện thực tế về đặc thù của việc sản xuất rượu whisky. Và lơ lửng phía trên nó là một câu chuyện thú vị về cách cuộc sống khiến hầu hết chúng ta rời xa những giấc mơ mà chúng ta có thể đã có vào một thời điểm nào đó, nhưng chúng ta có thể có khả năng truyền tải niềm đam mê ban đầu đó từ nơi chúng ta đã kết thúc Trong mắt người khác, đặc biệt là những người trẻ tuổi, có thể trông giống như bất kỳ ai đã nỗ lực đó đã được ban phước ngay từ đầu — một chu kỳ thú vị của những nhận thức chậm rãi mà mọi người đều giả vờ cho đến khi họ thực hiện được. Một số lựa chọn cách viết không phù hợp nhưng trọng tâm của nó đã đặt đúng chỗ.
Trước khi xem phim, tôi đã được nghe P.A. Người sáng lập và chủ tịch Works Kenji Horikawa; người mà tôi hy vọng đã tận hưởng chuyến đi đủ để bù đắp cho việc người cấp phép đã đưa anh ta đến liên tục gọi sai tên anh ta. Horikawa nhấn mạnh rằng xưởng phim của ông được thành lập một cách hiệu quả ở một nơi hoang vu—xin lỗi tỉnh Toyama—cùng với đạo diễn Yoshihara của Komada, mà không có một đội ngũ hoạt hình thực sự nào bên cạnh họ. 23 năm sau, họ đã phát triển một studio anime khá có uy tín xung quanh mình và trong quá trình đó họ vẫn chưa thực sự mất đi mong muốn xây dựng một thứ gì đó. Và để đạt được điều đó, người ta phải làm điều đó với thế hệ trẻ.
Như Horikawa đã nói, “Trong một ngành công nghiệp toàn là những kịch bản hành động hào nhoáng, chúng tôi muốn kể những câu chuyện giải quyết những vấn đề mà giới trẻ sẽ gặp phải trong cuộc sống hàng ngày của họ”. Bộ phim không có kỹ năng diễn xuất để tạo ra tiếng vang ở mức độ sâu hơn, nhưng có thể cho rằng khía cạnh đáng chú ý nhất trong kỹ xảo của nó là sự rộng rãi—hoặc sự chật chội có chủ ý—của bố cục Bố cục (レイアウト): Những bức vẽ nơi hoạt hình thực sự ra đời; họ mở rộng những ý tưởng hình ảnh thường đơn giản từ bảng phân cảnh thành khung hoạt hình thực tế, mô tả chi tiết cả công việc của họa sĩ hoạt hình chính và họa sĩ nền.. Nếu bạn muốn ghi lại những xung đột mà những người trẻ tuổi gặp phải trong công việc của họ, trước tiên bạn phải mô tả các không gian vật lý nơi chúng diễn ra và sau đó cũng có khả năng xoay khung hình của chúng sao cho phù hợp với tông màu. Đối với một bộ phim có phần hoạt hình hạn chế, những gì nó đạt được về mặt đó là rất đáng chú ý.
Tất nhiên, những điều này không thực sự là tin tức. Không phải P.A. Xu hướng kể những câu chuyện này của Works, được minh họa rõ nhất qua loạt phim giả Working Series không chỉ bao gồm bộ phim mới này mà còn cả những bộ phim như Shirobako và Hanasaku Iroha. Không phải vị trí thực tế xa xôi của họ, cũng như nỗ lực (thành công hay không) của họ để kết hợp những chủ đề đó với quá trình xây dựng đội ngũ hoạt hình của riêng họ ngay từ đầu. Tuy nhiên, khi nghe Horikawa gạch chân những điểm đó một cách cụ thể trước đó, tôi đã hiểu rõ hơn về những cảm xúc đầy ý nghĩa đằng sau bộ phim này. Và với mức độ nhấn mạnh của họ, tôi gần như cảm thấy như mình cũng nếm được rượu whisky.
Vượt qua!
Khi mọi thứ ổn định, Vượt qua! là anime theo mùa hiện tại mà tôi rất có thể sẽ dành toàn bộ bài viết cho nó, bên cạnh việc đưa tin về Frieren đang diễn ra. Bản thân nó đặc biệt có lợi khi được coi là đại diện cho nền văn hóa đang thay đổi tại studio Troyca; xét cho cùng, đó là một dự án kỷ niệm 10 năm thể hiện những gì đã tồn tại kể từ những ngày đầu đó—được thể hiện qua những lựa chọn nhân sự rõ ràng, phù hợp với Aldnoah—nhưng cũng là sự cống hiến của họ cho các tựa game như Idolish 7 đã ảnh hưởng đến sản phẩm họ làm ra và sản phẩm đó dành cho ai. Trong trường hợp nó không phản bội những điểm mạnh mà nó đã thể hiện từ đầu, nhưng cũng miễn là sự mệt mỏi trong quá trình sản xuất không cản trở sự thể hiện của họ, thì đây có thể là một bộ truyện đáng yêu và phù hợp với trang web của chúng tôi—mặc dù không có nội dung nổi bật. loại hoạt hình hào nhoáng nhận được nhiều sự chú ý.
Tuy nhiên, bỏ qua những điều nếu như đó, không ai có thể bỏ qua sự thật rằng một vài tập đầu tiên của Overtake! hấp dẫn và được viết rất trang nhã, theo cách kết hợp với phong cách house do đạo diễn Ei Aoki thiết lập. Bộ phim mở đầu với một nhiếp ảnh gia đã mất khả năng quay phim con người, bị dày vò bởi sự hối hận về một sự việc được ám chỉ gọn gàng thay vì đổ dồn vào người xem một cách trắng trợn; chúng ta có thể suy luận rằng anh ấy chụp ảnh một người đang chết đuối thay vì chạy đến giúp đỡ, rằng anh ấy đã bị quấy rối trực tuyến vì điều đó và khi các tập trôi qua, chương trình tiết lộ nhiều chi tiết thú vị hơn như thực tế là cảm giác tội lỗi này có thể đã dẫn đến việc anh ấy ly hôn. Vượt qua là loại tác phẩm đặt niềm tin không chỉ vào bản thân mà còn ở người xem, những người có thể ghép tất cả những điều này lại với nhau ngay cả khi nó không được viết đầy đủ. Đến cuối buổi phát sóng thì chắc chắn sẽ như vậy, nhưng cách diễn đạt tự nhiên trên đường đến đó chắc chắn sẽ khiến bộ phim hài lòng hơn rất nhiều.
Một lý do lớn khiến sự kiềm chế đó có hiệu quả là vì Aoki cũng vậy. với tư cách là học trò của Makoto Kato của anh ấy, hãy theo đuổi phong cách đạo diễn tập trung vào bố cục hình ảnh kỳ quặc nhằm phục vụ cho rất đơn giản nhưng về cơ bản là có kịch bản phân cảnh hợp lý. Ngay cả trong những tác phẩm mà họ thả mình và tăng cường các khái niệm hình ảnh vui nhộn—nhiều trường hợp như vậy—những trường hợp đó vẫn có xu hướng được triển khai với ý tưởng rõ ràng để truyền đạt phía sau; và trong một bộ truyện có lối viết chắc chắn và thiên hướng kiềm chế dễ lây lan, chúng ta đang thấy một trong những bài tập kể chuyện tự tin nhất của họ. Có một buổi ra mắt ấn tượng là một chuyện, còn việc có thể tiếp nối nó là tập thứ hai có ánh sáng đẹp mắt là một chuyện khác về phía trước làm cho vết thương trước đó bị ảnh hưởng nặng nề hơn, vì nó cho phép bạn suy ra chấn thương đó đã đè nặng lên anh ta đến mức nào. Ngay cả phần thứ ba, cách trình bày khiêm tốn hơn, vẫn giữ nguyên tinh thần đó khi cho rằng bạn sẽ hiểu sự do dự của anh ấy khi đảm nhận một cảnh quay quảng cáo — chấn thương không đơn giản biến mất sau một đêm, ngay cả đối với một cá nhân bốc đồng. Tất cả những điều này, trong khi vẫn giữ được một số đèn flash của cá tính diễn xuất. Cho đến giờ, mọi thứ đều tốt!
Frieren #06
Nói về các mùa, đây là cái mà chúng tôi đã nghiên cứu kỹ lưỡng. Mặc dù Frieren đã là một nỗ lực tuyệt vời, rất rõ ràng kể từ khi bắt đầu, tập #06 đã đặc biệt nổi bật vì cách nó phô trương những nguồn lực mà Yuichiro Fukushi và Takashi Nakame đã giao cho nhóm tùy ý sử dụng. Nó được hỗ trợ bởi kiểu cộng tác viên siêu sao mà những người mê hoạt hình bình thường sẽ thèm thuồng và phần lớn năng lượng của họ được chuyển sang hành động khoa trương, đây cũng là cách nhanh nhất — không thể nói là kém hơn — để được công nhận cho nghề. Vì vậy, tất nhiên, điều tôi muốn nói không phải là khía cạnh khiến nó trở nên lan truyền; không trái ngược, tôi thề. Thay vào đó, đã đến lúc quay trở lại chủ đề thời gian tuy đơn giản nhưng vẫn hiện diện khắp nơi.
Khi nói về phần kết của phần giới thiệu của Fern, tôi đã nói rằng một thử nghiệm trong đó một đứa trẻ phải xuyên qua đá là một bản tóm tắt hay của toàn bộ luận điểm của loạt bài. Suy cho cùng, đây là câu chuyện về một yêu tinh có tuổi thọ gần như vô tận. So với mạng sống phù du của con người, bản thể của cô ấy giống như một tảng đá bị xói mòn, nhưng với tốc độ mà những cá nhân không giống cô ấy thậm chí không thể đánh giá được. Tuy nhiên, phép loại suy đó không xem xét đến yếu tố quan trọng nhất: mối quan hệ giữa các cá nhân và kinh nghiệm được chia sẻ là một yếu tố thúc đẩy đáng kinh ngạc quá trình để lại dấu ấn. Sai lầm của nhân vật chính khi xem xét thời gian trôi qua thực sự không phải là quy mô của cô ấy quá sai lầm, mặc dù đó là nguồn gốc của những trò đùa vui, mà là do cô ấy cố gắng đánh giá nó bằng những con số tuyệt đối, không quan tâm. Điều đó đơn giản là không phù hợp với Stark, một kẻ hèn nhát có thể “chỉ” sống được 3 năm ở ngôi làng này, nhưng vẫn sẵn sàng hy sinh mạng sống của mình vì họ. Và tất nhiên điều đó không đúng với bản thân Frieren, người mà chỉ 10 năm gắn bó với nhóm trước của cô ấy là một trải nghiệm thay đổi cuộc đời.
Và vì vậy, giống như cách Fern cố gắng thổi bay tảng đá đó trong quá trình đào tạo của cô ấy đã thể hiện rõ ràng khoảng thời gian đó với cả hai bậc thầy của cô ấy có ý nghĩa như thế nào, chúng ta bắt đầu với một chương khác về những dấu hiệu thể chất như vậy. Được thúc đẩy bởi sự đánh giá cao của anh ấy đối với những người dân thị trấn đã chào đón anh ấy, Stark đã cắt bỏ toàn bộ đoạn của một ngọn núi; có lẽ họ có lý về việc các nhóm cần hỏa lực của một chiến binh. Bàn tay của anh ấy, cũng được sử dụng để truyền đạt quyết tâm và nỗi sợ hãi mà anh ấy chia sẻ với chủ nhân của mình, cũng thể hiện những dấu vết trên cơ thể theo cách chúng bị thương toàn thân từ khóa huấn luyện đó—điều mà Fern chú ý đến như đại diện cho tình yêu và sự cống hiến của anh ấy. Ngay cả vết sẹo lớn hơn do chủ nhân gây ra trong giây phút sợ hãi cũng có thể tượng trưng cho những trải nghiệm đau đớn không thể tránh khỏi khi chia sẻ cuộc sống của bạn với những người khác; những điều đó, mặc dù có tác dụng lâu dài nhưng không khiến bạn hối hận vì đã ở bên chúng. Frieren hoạt động tốt nhất khi kết nối những chủ đề đó với hình ảnh ấn tượng và đó là điều mà nó có thể làm được ngay cả trong một tập phim mà điểm thu hút chính là đánh bại một con rồng.
Và đánh bại con rồng đó.
anh ấy làm.
Một lần nữa—hành động đó thật là hấp dẫn, vì vậy cuối cùng chúng ta sẽ phải quay lại và nói về việc làm thế nào mà một tác phẩm do một đạo diễn không thực sự thích loại nội dung khoa trương đó chỉ đạo lại có thể xuất sắc như thế nào. Cũng đáng để quay lại diễn xuất chu đáo trong nửa sau của tập phim, được giám sát bởi một người mà cách đây không lâu có thể đã cân nhắc việc từ bỏ hoạt hình hoàn toàn do một bi kịch ngoài đời thực. Tuy nhiên, trước khi chúng tôi dành một bài viết dài khác cho Frieren về tất cả những điều đó và hơn thế nữa, chúng tôi cảm thấy đáng để nhấn mạnh rằng tập #06 còn nhiều điều hơn là một cuộc chiến điên cuồng thú vị.
16bit Sensation: Another Layer
16bit Sensation: Another Layer
Mặc dù những sản phẩm đặc biệt như Frieren mang đến cho chúng ta vô số cơ hội để nói về chúng, nhưng tôi thực sự phải tận dụng cơ hội của mình với những thứ như 16bit Sensation. Sự xuất hiện của một Kou Yoshinari không hẳn là một điều bất ngờ; mặc dù mọi người thường quên rằng do kích thước nhỏ bé và địa vị huyền thoại sống của anh ấy, anh ấy là thành viên của Studio Silver, công ty đứng sau sản phẩm này. Tuy nhiên, điều khiến điều này trở nên có ý nghĩa hơn là anh ấy là một hình đại diện hoàn hảo để thể hiện nỗi nhớ và khao khát của nhân vật chính về thể loại eroge cực kỳ tham vọng trong quá khứ.
Bộ truyện bắt nguồn từ những trải nghiệm đích thực khi phát triển những trò chơi như vậy trên khắp thế giới. những năm 90 và bước sang một kỷ nguyên hiện đại hơn, khi TWGOK Tamiki Wakaki chiêu mộ những cựu chiến binh như Misato Mitsumi và Tatsuki Amaduyu để chia sẻ bí quyết của họ. Anime, bổ sung thêm điểm nhấn bằng câu chuyện nguyên bản đưa người xem hoài niệm về quá khứ, có thể chơi đùa với thời gian theo cách lỏng lẻo hơn một chút—nhưng vẫn nắm bắt được tinh thần của một thời đại là một điểm thu hút lớn. Từ tính kỹ thuật trong quá trình sáng tạo mà chương trình nhấn mạnh đến các chi tiết như việc bình thường hút thuốc tại văn phòng, có cảm giác như nó đang gói gọn một khoảng thời gian cụ thể. Và, mặc dù đây là một sự kết hợp rộng rãi hơn, trò chơi mà nhân vật chính của nó mơ ước đi ngược lại xu hướng hiện tại không thể tìm thấy cách thể hiện nào tốt hơn chuỗi Aninari đó; xét cho cùng, anh ấy đã tạo hoạt hình cho một số đoạn giới thiệu hấp dẫn nhất trong toàn bộ thể loại và nổi tiếng là cho mượn tác phẩm tương tự cho một nỗ lực đầy tham vọng ngớ ngẩn như loạt phim Muvluv.
Như trên-Tuy nhiên, theo cảm giác đó, tôi không thể nói như vậy về tuyên truyền của Aniplex trong suốt tập đầu tiên. Những cảnh hiện đại được đưa vào quảng cáo cho IP của họ thực sự có ý nghĩa, vì đó là câu chuyện về một người đang buồn bã khi việc chuyển hướng sang các trò chơi điện thoại và anime an toàn hơn như vậy đã bóp nghẹt các công ty từng tạo ra eroge đầy tham vọng. Tuy nhiên, cách trình bày của họ không thực sự phù hợp với cảm xúc của cô. Điều này đặc biệt đúng khi phòng riêng của cô ấy chứa đầy hàng hóa dành cho các tựa phim Aniplex đó, mặc dù có nội dung lưu ý rằng cô ấy đã chán ngấy chúng; và dù otaku có đạo đức giả đến đâu, tôi không nghĩ việc gạch chân đó là mục đích. Ngược lại với phân cảnh Aninari hoàn toàn phù hợp, hay cái kết mà anh ấy chia sẻ với Akio Watanabe , có vẻ như trường hợp một nhóm sáng tạo thực sự nhận được một dự án, không giống như những người đã trả tiền cho nó. Khá phổ biến!
Hirogaru Sky Precure, Kibou no Chikara và Yuu Yoshiyama
Nói về các tựa phim không phải lúc nào tôi cũng có cơ hội nêu bật: Yuu Yoshiyama cú đột phá 1-2 gần đây đối với Precure dưới dạng nhượng quyền thương mại là rất lớn; và trên thực tế, có lẽ giống 1-2-3 hơn, vì Yoshiyama cũng phụ trách Cure Butterfly và Dream đá đít trong bộ phim All Stars F mới phát hành gần đây. Tuy nhiên, trước khi những người bên ngoài Nhật Bản tận hưởng điều đó, chúng tôi nhận được một lời nhắc nhở khác rằng Yoshiyama đã trở thành đồng nghĩa với những khoảnh khắc mát mẻ nguyên sơ trong kỷ nguyên Precure hiện tại. Tương tự như vậy, hình dáng đàn hồi của Tatsuo Yamada là dấu hiệu cho thấy mọi thứ đang đi xuống trong những ngày đầu của Precure và giống như các nghệ sĩ như Hironori Tanaka, Naotoshi Shida, Nishiki Itaoka, hoặc Shingo Fujii đã đại diện, cơ thể bạn ngay lập tức căng thẳng khi nhìn thấy những tư thế khác biệt đó.
Yoshiyama chưa độc quyền nhượng quyền thương mại trong theo cách tương tự như một số người tiền nhiệm, là một freelancer rất được săn đón hơn là một con át chủ bài tận tâm, nhưng vẫn cố gắng khẳng định được những khoảnh khắc sắc nét cụ thể này; thường có sự tham gia của các cô gái phép thuật lớn tuổi, lạnh lùng, không cố gắng che giấu sở thích cá nhân. Kết thúc Hirogaru Sky Precure #37 với hoạt hình đậm chất adlib cho lời tạm biệt đầy cảm xúc cũng là điều tuyệt vời một điểm nhấn thú vị: Butterfly luôn thể hiện tốt nhất khi được Yoshiyama làm hoạt hình, điều đó có nghĩa là cô ấy cũng đã nỗ lực hết mình để chào tạm biệt học trò của mình.
Sau khi hoàn thành xuất sắc một tập phim về cô gái phép thuật lớn tuổi trong nhóm, Yoshiyama chuyển sang… phần ngoại truyện Precure đã khiến toàn bộ dàn diễn viên già đi. Mặc dù giá trị sản xuất nhìn chung thấp—nói tóm lại là anime NHK-e hiện đại—Kibou no Chikara: Otona Precure 23 đã là một minh chứng tuyệt vời về sự cam kết. “Điều gì sẽ xảy ra nếu những cô gái phép thuật già đi” là một câu hỏi có thể tìm ra câu trả lời đơn giản và những cảnh thú vị như nhìn họ say rượu có thể là dịch vụ dành cho người hâm mộ ở cấp độ bề mặt nếu đó là tất cả những gì có ở Kibou no Chikara. Tuy nhiên, còn rất nhiều điều nữa. Chúng tôi đã suy nghĩ rất nhiều về cách dịch bản gốc Có! Chủ đề của Precure 5 là một câu chuyện không phải về những đứa trẻ mơ về tương lai mà là về những người trẻ lo lắng về việc liệu họ có thực sự đi đúng hướng hay không. Nó đã xem xét cách thể hiện điều đó theo những cách hữu hình, dễ hiểu; chưa bao giờ nghĩ rằng tôi sẽ xem nhân vật chính của Precure phải đối mặt với sự phân biệt giới tính ở nơi làm việc được che đậy kín đáo, nhưng chúng ta đang ở đây. Và lý do họ muốn ghi lại những thứ như vậy là vì, chẳng hạn như bộ phim hồi sinh của Doremi, họ nhận thức được rằng khán giả ban đầu của phim đã lớn lên và đang tìm kiếm thứ gì đó có thể cộng hưởng với những khó khăn hiện tại của họ hơn là chỉ sao chép bộ phim mà họ từng yêu thích.
Tôi chưa biết bộ phim sẽ đi đến đâu, nhưng đối mặt với những cuộc đấu tranh gay gắt đó, tôi biết điều gì khiến họ vô cùng hài lòng: Yoshiyama diễn xuất Nozomi trong vai cô ấy trở lại hình dạng Cure Dream trẻ hơn của mình và nổi cơn thịnh nộ. Mặc dù tôi chia sẻ mong muốn của một số người rằng họ có được hình dạng một cô gái phép thuật trưởng thành, nhưng tôi biết điều đó chưa bao giờ thực sự nằm trong khả năng; chương trình có thể tìm ra cách để kết luận một điều gì đó theo chủ đề chẳng hạn như việc giữ lại một số quá khứ của bạn là điều tốt, nhưng đó chỉ đơn giản là một lý do biện minh để giữ lại những thiết kế dễ nhận biết và có thể bán được trên thị trường. Tuy nhiên, nếu đây là cái giá phải trả cho phần tiếp theo được cân nhắc kỹ lưỡng như vậy và để có được bộ phim hoạt hình Yoshiyama tàn nhẫn, hãy tiếp tục!
Các video quảng cáo gần đây và những tin tức tương tự
Khá hào hứng với tiết lộ về Dragon Ball Daima—có lẽ giống như Akira Toriyama, vì cá nhân anh ấy tham gia vào dự án này để tạo ra sự thay đổi. Và nhìn thấy những gì anh ấy ngay lập tức chỉ ra trong thông báo, có vẻ như đó là những lý do tương tự khiến cả hai chúng tôi đều thích thú: việc Goku (và những người khác lần này trở lại cơ thể trẻ con) tạo cơ hội để mang cây gậy của anh ấy trở lại, các công cụ khác , và nói chung là kiểu vũ đạo chiến đấu thú vị mà việc mở rộng sức mạnh trong loạt phim cuối cùng đã trở nên không còn phù hợp. Tôi hài lòng về hướng đi mà nó đã thực hiện về mặt thẩm mỹ, một hướng đi mạch lạc do đội ngũ đằng sau nó, nhưng hơn bất cứ điều gì khác, tôi rất hào hứng vì Dragon Ball có khả năng khám phá lại thứ từng là một trong những khía cạnh tuyệt vời nhất của nó. Dungeon Meshi sắp ra mắt! Và với 2 khóa học đó! Yoshihiro Miyajima là đạo diễn mà chúng tôi đã đề cập rất nhiều trong phần giới thiệu về loạt phim Gridman và trong trường hợp này, sự khó tính của anh ấy có thể là một tài sản tuyệt vời không chỉ để gợi lên cảm giác kinh dị mà còn trong cách miêu tả món ăn — hai thứ sau đó có thể đối lập với sự bùng nổ năng lượng mà bạn gần như có thể coi là đương nhiên trong sản phẩm Trigger. Hơn bất cứ điều gì khác, tôi muốn chỉ ra rằng bộ phim này đã được làm hoạt hình từ khá lâu rồi, vì vậy mọi người không nên lo lắng về việc công bố phạm vi của nó có khả năng phá hỏng quá trình sản xuất. Tôi cảm thấy 2 món là số lượng phù hợp để thưởng thức hương vị tuyệt vời của món nấu mà không cần phải cam kết quá nhiều — mặc dù nếu nó thành công, ít nhất tôi sẽ không ngạc nhiên nếu cuối cùng có ai đó thúc đẩy việc thích ứng hoàn toàn. Nói về những thứ đã được làm hoạt hình được một thời gian, Masahiro Ando > và bản chuyển thể Time Patrol Bon của studio BONES cuối cùng đã được công bố! Chúng tôi đã chính xác khi cho rằng dự án Ando đã chuẩn bị từ lâu là một thỏa thuận với Netflix, vì thực tế là rất nhiều thứ đã được hoàn thành trước khi bất cứ điều gì được công bố rộng rãi. Tuy nhiên, sau khi mong đợi một tiết lộ tại một trong những sự kiện do nhà phân phối tổ chức, thay vào đó, chúng tôi đã bị choáng ngợp bởi tiết lộ này tại một sự kiện liên quan đến Fujiko. Vì vậy, sau ngần ấy thời gian chờ đợi, chúng tôi đã nhận được… một PV không thực sự thể hiện tính thẩm mỹ của chương trình nhiều bằng việc nó cho thấy 10GAUGE đang làm những việc 10GAUGE. Một chu kỳ quảng cáo gây tò mò cho một chương trình có vẻ rất thú vị. Nhiều anime BONES sắp ra mắt trong Metallic Rouge, gần đây đã nhận được một số quảng cáo mới. Chúng tôi biết nó có khiếu hài hước và Hành động của nó có thể có quy mô lớn hơn mong đợi nhưng tôi vẫn không biết nên mong đợi điều gì từ nó—điều mà tôi coi là tích cực lớn. Yutaka Izubuchi sẽ xây dựng một thế giới phức tạp đằng sau nó bất kể thế nào đi nữa, nhưng tùy thuộc vào những gì được nhấn mạnh, nó có thể bao gồm từ sự kết hợp giữa một cảnh sát và toku bạn thân vui vẻ đến một thứ gì đó có những kỳ vọng cao cả hơn và khía cạnh ngụ ngôn hơn của nó. Tôi sẽ đăng ký một trong hai hoặc kết hợp cả hai. Đối với tôi, thật thô lỗ khi tôi không thể xem Totto-chan chưa.
Và đó là phần đầu tiên của The Eyecatch! Đừng hỏi tôi tại sao chuyên mục phân tích ngắn gọn của chúng tôi lại bắt đầu bằng một bài viết dài khác, nhưng ít nhất chúng tôi đã đề cập đến nhiều chủ đề như dự định. Lần tới, chúng ta có thể đề cập đến những nội dung theo mùa khác đáng lưu ý; động lực thay đổi của Spy x Family, di sản SHAFT của Undead Unluck, Kusuriya cuối cùng cũng ra mắt, một số tựa phim có quá trình sản xuất gặp khó khăn nhưng tuyệt vời những điểm nổi bật mà cuối cùng tôi cũng nên bắt kịp, và ai biết được điều gì khác; hay đúng hơn, bạn có thể biết điều gì khác, nếu bạn biết về những tựa phim khác mà tôi đang xem hoặc thể hiện sự quan tâm. Tất nhiên, điều đó bao gồm các tựa phim không theo mùa, mà tôi tưởng tượng sẽ tiếp quản vấn đề này khi các sản phẩm hiện tại đang cạn kiệt một cách đáng buồn. Dù thế nào đi nữa, hẹn gặp lại bạn lần sau!
Hãy hỗ trợ chúng tôi trên Patreon để giúp chúng tôi tiếp cận những sản phẩm mới mục tiêu duy trì kho lưu trữ hoạt hình tại Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Vẽ tranh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. Video trên Youtube, cũng như SakugaSakuga (作画) này: Vẽ hình ảnh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. Blog. Cảm ơn tất cả những người đã giúp đỡ cho đến nay!