The Summer Hikaru Died/Anime của HikaNatsu được lên ý tưởng theo hướng phiêu lưu mạo hiểm của Ryohei Takeshita, nhưng không làm mất đi ý tưởng cốt lõi của tác giả. Với phần tiếp theo sắp ra mắt, đã đến lúc tìm hiểu thêm về một tác phẩm hấp dẫn.
Có một loạt thuật ngữ bạn có thể gặp phải khi lắng nghe những hiểu biết sâu sắc của những người sáng tạo anime, đặc biệt nếu họ đang phát biểu cho các hãng chuyên biệt có lượng khán giả được đầu tư nhiều. Điều này không phải vì chúng là những cách diễn đạt kỹ thuật nhất. Nếu có thì chúng hơi vô nghĩa khi được phân tích theo nghĩa đen của quá trình sản xuất, nhưng các nghệ sĩ tham gia vào quá trình này đánh giá cao chúng như những thuật ngữ hữu ích, giàu sức gợi. Chắc chắn rồi, sakugaSakuga (作画): Vẽ hình ảnh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. về mặt kỹ thuật, anime sẽ áp dụng cho bất kỳ tác phẩm nào có thành phần hoạt hình 2D và điều đó đã diễn giải từ này với nghĩa hẹp hơn mức có thể hiểu được. Tuy nhiên, khi bạn thấy những người trong ngành hoặc quay quanh ngành sử dụng cách diễn đạt đó, nó sẽ vẽ nên một bức tranh cụ thể: đó là anime trong đó sức mạnh và mục đích của phong trào cũng như chất lượng tuyệt đối của tác phẩm nghệ thuật là trung tâm của trải nghiệm.
Mặc dù đó là phiên bản phổ biến nhất của thuật ngữ này, đôi khi bạn cũng sẽ gặp những điều cụ thể hơn, cũng như những anh chị em làm nổi bật các góc độ nhấn mạnh khác nhau. Công bằng mà nói, bố cục anime là một tập hợp con của sakugaSakuga (作画): Vẽ hình ảnh về mặt kỹ thuật nhưng cụ thể hơn là hoạt hình. Người hâm mộ phương Tây từ lâu đã sử dụng từ này để chỉ những trường hợp hoạt hình đặc biệt hay, giống như cách một nhóm nhỏ người hâm mộ Nhật Bản làm. Khá không thể thiếu đối với thương hiệu trang web của chúng tôi. anime, trong trường hợp này đề cập đến những tác phẩm trong đó sự thể hiện vật lý của không gian là điểm thu hút chính; cho dù đó là vì điều đó phản ánh tâm lý nhân vật hay nhờ sự xuất sắc tuyệt đối về mặt kỹ thuật, những tác phẩm như vậy tỏa sáng thông qua cách dựng khung theo cách vượt qua bảng phân cảnh của chúng. Trong trường hợp những bức tranh nền không chỉ đẹp mà còn có sự nổi bật rõ rệt thì không có gì lạ khi nói về bijutsu/art anime. Bạn thậm chí có thể tìm thấy các trường hợp chỉnh sửa anime, chẳng hạn như Pompo The Cinephile mang tính giải trí cao của Takayuki Hirao. Là một bộ phim miêu tả đúng nghĩa hoạt động biên tập phim, đồng thời được xây dựng dựa trên dòng chảy kỳ quặc và thú vị của Hirao, không có gì ngạc nhiên khi đây là khung hình được chính đạo diễn chấp nhận.
Một lần nữa, các thuật ngữ này không đề cập đến các nhiệm vụ dành riêng cho những tác phẩm đó vì chúng là các khía cạnh hiện diện trong bất kỳ quá trình sản xuất nào. Chúng cũng không nên được hiểu là các bước quan trọng duy nhất của quy trình; nhìn lại ví dụ về Pompo, rõ ràng là phần lớn sự hài lòng về mặt nội tạng từ quá trình chuyển đổi của Hirao bắt đầu từ bảng phân cảnh của riêng anh ấy, sớm hơn nhiều so với giai đoạn chỉnh sửa diễn ra. Những gì những cách diễn đạt này chỉ làm là nhấn mạnh khía cạnh mang lại cảm giác trung tâm cho trải nghiệm của người xem, điều này cũng khiến chúng trở nên khá hữu ích đối với các đạo diễn cần giao tiếp với nhóm của họ trong giai đoạn đầu của dự án.
Và, ngay từ khi bắt đầu The Summer Hikaru Died /anime của HikaNatsu, đạo diễn loạt phimSeries Director: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, cả hai đều là người sáng tạo người ra quyết định và người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. Ryohei Takeshita đã có điều gì đó rõ ràng: đây sẽ là một anime enshutsu. Có thể nói, một chương trình nhấn mạnh vào trải nghiệm tức thời thông qua các công cụ độc đáo và mise-en-scène phức tạp. Một nơi mà khía cạnh giác quan trở thành trung tâm không thể phủ nhận. Ý tưởng đó cơ bản đến mức anh ấy đã truyền tải nó không chỉ đến nhóm và cuối cùng là đến người xem thông qua các lựa chọn thực hiện mà còn đến cả các nhà sản xuất khi dự án chỉ đơn thuần là một buổi chào hàng. Trên thực tế, đó cũng là một trong những điều đầu tiên mà Takeshita truyền đạt với tác giả gốc, người nhận thấy đây là một cách tuyệt vời để làm phong phú thêm một bản chuyển thể mà bạn có thể xem đi xem lại.
Trong một cuộc phỏng vấn cho Anime Corner, nhà sản xuất CyberAgent Manami Kabashima đã đề cập đến những cuộc thảo luận ban đầu về một bản chuyển thể anime từ tháng 5 năm 2022—đồng thời lưu ý rằng quá trình sản xuất sẽ không thực sự bắt đầu cho đến rất lâu sau đó, khi đạo diễn bộ truyệnSeries Director: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, vừa là người ra quyết định sáng tạo vừa là người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. đã thông báo lịch trình của họ vào khoảng tháng 10 năm 2023. Trong một cuộc trò chuyện lớn hơn về số tháng 9 năm 2025 của PASH!, không chỉ có Kabashima mà còn có sự tham gia của các nhà sản xuất Kadokawa Chiaki Kurakane và Toshinori Fujiwara, nhà sản xuất sau này xác nhận rằng ông đã liên hệ với nhiều hãng phim khác nhau xung quanh việc phát hành hai tập đầu tiên của manga (tháng 3 năm 2022 đến tháng 10 năm 2022) trước khi ổn định đội ngũ này tại Cygames Pictures do Cygames Pictures dẫn đầu. Takeshita.
Khi đưa ra lựa chọn đó, tầm nhìn rõ ràng của Takeshita đã mang lại niềm tin cho các nhà sản xuất. Thay vì tìm kiếm một đạo diễn nhu mì, người có thể tuân theo lựa chọn của họ, họ dường như đã hiểu rằng việc thu hút sự hấp dẫn của HikaNatsu phụ thuộc vào những thứ vô hình tốt nhất dành cho những nhà sáng tạo xuất sắc với những ý tưởng cụ thể. Đó là lý do tại sao họ cảm thấy an ủi khi Takeshita rất có tiếng nói và có quan điểm riêng về quy trình nhân sự, chủ động hướng nó theo ý tưởng về một anime enshutsu. Mặt trái của những lựa chọn được đưa ra hồi đó sẽ là một trong những điểm trọng tâm khi chúng ta đi sâu vào các tập phim, nhưng trước khi đi đến điểm đó, chúng ta phải xóa tan một huyền thoại đầy cám dỗ: ý tưởng rằng Takeshita đã áp dụng cách tiếp cận này để vượt qua những hạn chế của quá trình sản xuất.
Điều quan trọng là phải hiểu rõ thực tế là các tác phẩm của CyPic không phải lúc nào cũng hào nhoáng như nhiều người mong đợi và rằng một đạo diễn như Takeshita không cần động lực bên ngoài để thử nghiệm. Trong khi sự trỗi dậy của một studio được hỗ trợ bởi một công ty lớn và phát hành những viên ngọc quý rực rỡ như dự án Beginning of a New Era mang ánh hào quang của những sản phẩm đắt tiền, nổi tiếng, thì không phải tất cả các dự án CyPic đều được tạo ra giống nhau. Và nói chính xác hơn, sự gia tăng lớn về sản lượng của họ thời gian gần đây đã khiến nhiều người trong số họ phải cắt giảm đáng kể.
Những hạn chế đó thể hiện theo nhiều cách khác nhau; bắt đầu dự án sớm nhưng cũng đặt ra thời hạn làm hạn chế khả năng của nhân viên, từ chối tham gia các cuộc chiến đấu thầu hiện tại để đảm bảo có được các nhà làm phim hoạt hình hàng đầu, hơi tiết kiệm các studio hỗ trợ và nói chung đặt ra tiêu chuẩn thấp hơn khi nói đến việc trau chuốt kỹ năng vẽ so với các dự án nổi tiếng hơn mong muốn. Xin lưu ý bạn, đây là điều họ đã làm được — không phải lúc nào cũng vậy, xin lỗi với kiểu chuyển thể ấn tượng của Cinderella Grey — bởi vì họ đã làm việc với nhiều nhóm thông minh, tháo vát. Và vì vậy, công lao sẽ dành cho họ nhiều hơn là cho môi trường.
Điều đó cũng đúng với HikaNatsu. Có rất nhiều cá nhân xuất sắc trong đội ngũ nhân sự cốt lõi được Takeshita lựa chọn, nhưng khi nói đến việc phát triển những thành viên còn lại trong đội, anh ấy đã chọn một đội hình khiêm tốn hơn. Tuy nhiên, nhờ có tầm nhìn rõ ràng như vậy, anh ấy có thể kết nối một cách hoàn hảo, vẫn bỏ qua những người quen biết để định hướng tập. Hướng tập (演出, enshutsu): Một nhiệm vụ sáng tạo nhưng cũng có tính phối hợp, vì nó đòi hỏi phải giám sát nhiều bộ phận và nghệ sĩ tham gia sản xuất một tập phim – phê duyệt bố cục hoạt hình cùng với Giám đốc hoạt hình, giám sát công việc của nhóm nhiếp ảnh, bộ phận nghệ thuật, nhân viên CG… Vai trò này cũng tồn tại trong phim, đề cập đến những cá nhân có trách nhiệm tương tự của các phân đoạn của bộ phim. nhiệm vụ. Chỉ riêng buổi ra mắt đã là bằng chứng cho cả sự thành công lẫn những hạn chế của họ. Nghệ thuật nhân vật có phần thô ráp của nó có thể gây cảm giác trái ngược với danh tiếng của dự án, đặc biệt là với một số ít khách mời hoạt hình xuất sắc xuất hiện. Đạo diễn chưa bao giờ che giấu việc lịch trình trở nên khá rắc rối khi họ tiến gần đến phần cuối, nhưng điều đáng chú ý là họ đã đạt được cảm giác ổn định bất chấp những hoàn cảnh đó. Chắc chắn, anime HikaNatsu không thể sánh được với sự bóng bẩy của anime truyền hình nổi tiếng nhất—chứ đừng nói đến chất lượng minh họa của manga—nhưng nó vẫn duy trì ở mức chấp nhận được trong toàn bộ chương trình phát sóng. Nếu họ quá tham vọng với tiêu chuẩn của mình trong những tập trước đó, chương trình có thể đã sụp đổ ở nửa sau.
Tính linh hoạt cho phép họ thích ứng với hoàn cảnh sản xuất là một phẩm chất tích cực, một phẩm chất mà chúng tôi có thể liên kết với cả nhóm của Takeshita và nhân viên quản lý thực hành của CyPic. Tuy nhiên, như chúng tôi đã đề cập trước đây, chúng tôi không nên quy nhân quả ở những nơi không có. Điều này có nghĩa là Takeshita luôn muốn tạo ra một anime kinh dị mang tính thử nghiệm, đầy không khí — một thể loại mà anh ấy đã thể hiện sự quan tâm của mình khi nói chuyện với ANN. Thành thật mà nói, thậm chí không cần xác nhận như vậy, vì đó là điều luôn có thể cảm nhận được trong tác phẩm của anh ấy; tất nhiên là vị đạo diễn lập dị thích mô phỏng máy quay cầm tay lại rất thích thể loại kinh dị nhập vai. Có một lý do tại sao anh ấy chắc chắn muốn tạo ra một anime enshutsu trước khi anh ấy nếm thử những hoàn cảnh sản xuất đó: đây là nơi Takeshita quan tâm và bản chất của bộ truyện này là lý do hoàn hảo để khai thác chúng.
Không phải giới hạn đã sinh ra sự xuất sắc của HikaNatsu, mà đó là điều vốn có đối với những người đã tạo ra nó. Tình hình sản xuất ở mức trung bình (theo kỷ lục là rất xa so với tình trạng tồi tệ nhất khi nói đến anime truyền hình hiện tại) không phải là điều đáng khen ngợi, vì bộ phim có thể còn hay hơn nếu có lịch trình phong phú hơn và nhiều nguồn lực hơn. Những điều đó sẽ không làm giảm đi khía cạnh của họ mà thay vào đó mở ra cánh cửa cho kiểu diễn xuất có sắc thái mà họ không thể thực hiện được, cho những bức vẽ có tác động ngay lập tức có thể cạnh tranh với tài liệu nguồn về mặt đó. Nếu có thì nó có thể còn mang tính thử nghiệm hơn nữa, vì những phương pháp khác thường mà Takeshita quan tâm có xu hướng mất nhiều thời gian hơn để thành hiện thực. Mặc dù tôi không coi đó là điều hiển nhiên, nhưng khi thấy điều này đang trở thành xu hướng trong hãng phim, chúng ta có thể hy vọng rằng thành công của nó sẽ thúc đẩy các nhà sản xuất ủng hộ phần tiếp theo đã được công bố ở mức độ xứng đáng.
Với quan điểm đã được tuyên bố rõ ràng của đạo diễn, chúng tôi chỉ cần bắt đầu đóng khung bản chuyển thể này thông qua góc nhìn của anime enshutsu. Đó là cách anh ấy hình dung về bản chuyển thể ngay từ đầu và là một cách tuyệt vời để tiếp cận phim kinh dị ngay từ đầu. Suy cho cùng, chúng ta đang nói về một thể loại trong đó trải nghiệm sống động, từng khoảnh khắc là chìa khóa. Tuy nhiên, để thành công nhất có thể trong tay như Takeshita, nỗi ám ảnh về vi mô với cái giá phải trả là vĩ mô cuối cùng có thể dẫn đến một trải nghiệm trống rỗng. Một nơi mà bạn bị cuốn hút vào mọi khung cảnh, nhưng khi rời đi mà bạn không để lại ấn tượng lâu dài, vang dội. Nếu họ cũng không xem xét các chủ đề bao quát và những ý tưởng hấp dẫn do tác giả gốc Mokumokuren trình bày thì điều đó có thể đã xảy ra, ngay cả với mức độ kịch bản phân cảnh đầy cảm hứng mà chúng tôi có được.
Takeshita không đơn độc mong muốn giữ lại những ý tưởng cốt lõi đằng sau bộ truyện. Ví dụ, bên cạnh anh ấy còn có tác giả đã nghĩ ra chúng. Mokumokuren đã nói nhiều lần rằng, mặc dù họ không có kinh nghiệm trước đó với các dự án chuyển thể, nhưng họ tưởng tượng rằng họ tham gia nhiều hơn những gì các tác giả thường nghĩ. Đây là điều được nêu trong Newtype tháng 10 năm 2025 với sự góp mặt của Mokumokuren, Takeshita và Murayama, nhưng được minh họa một cách thú vị nhất trong cuộc thảo luận bàn tròn giữa tác giả nói trên và người biểu diễn mở đầu Comic Natalie giữa tác giả nói trên và người biểu diễn mở đầu Vaundy. Ở đó, người sau giải thích rằng họ chưa bao giờ tham dự cuộc họp với tác giả trước khi anh ấy tạo ra một bài hát cho họ. Mặc dù quy trình sản xuất về cơ bản là bình thường, ngay cả khi có sự hiện diện của người sáng tạo ban đầu, tính chủ động của Mokumokuren trong các cuộc họp định kỳ—và các nhiệm vụ bổ sung như kịch bản màu cho đoạn mở đầu—đã dẫn đến tình huống mà những ý tưởng quý giá của tác giả được cộng hưởng mạnh mẽ trong bản chuyển thể.
Xin lưu ý rằng, có lý do tại sao chúng ta đang nói về những khái niệm mà tác giả quan tâm hơn là những chi tiết cụ thể của tài liệu nguồn. Anime HikaNatsu không bao giờ ngần ngại thay đổi câu chuyện gốc, chứ đừng nói đến việc điều chỉnh cách thực hiện để tận dụng tính chất của khung vẽ mới. Trong cuộc trò chuyện với Newtype đã nói ở trên, Mokumokuren nhớ lại cuộc gặp đầu tiên của họ với Takeshita, nơi đạo diễn hỏi liệu họ có thể thay đổi mọi thứ ngay lập tức hay không— “đừng cởi mở với điều đó!”, tác giả thích thú nghĩ. Trên thực tế, cả hai đều đồng ý về sự cần thiết phải sửa đổi một số khía cạnh. Nhiều thay đổi được đề xuất (bao gồm cả những thay đổi ở quy mô lớn hơn) được sinh ra từ đề xuất của Mokumokuren, hoặc ít nhất là sự hợp tác chặt chẽ của họ với Takeshita. Tôi cảm thấy tự tin khi nói rằng một số điều chỉnh này đã nâng tầm chương trình truyền hình. Và đối với những thứ mà tôi tin rằng có nhiều kết quả khác nhau hơn, tôi vẫn có thể ngưỡng mộ mục đích rõ ràng và rõ ràng mà chúng thể hiện. Một lần nữa, bài học là các tác giả hiểu rõ nhu cầu thay đổi vốn có trong các tác phẩm chuyển thể hơn là những người hâm mộ ca hát.
Vậy cốt lõi của HikaNatsu là gì? Tiền đề của nó vừa đơn giản lại vừa hấp dẫn. Chúng tôi được chuyển đến một khung cảnh nông thôn khá biệt lập, theo chân cậu học sinh trung học sống nội tâm Yoshiki Tsujinaka. Trong những gì chúng ta dần dần phát hiện ra là nghi lễ bí mật của ngôi làng của họ, người bạn thân nhất của anh ấy là Hikaru đã mất tích trước khi bắt đầu bộ truyện. Một câu chuyện tưởng chừng như bi thảm lại có một kết thúc có hậu khi anh xuất hiện trở lại, bối rối nhưng đủ khỏe mạnh. Nhưng thực ra đó chỉ là bề nổi. Dù thứ gì đang ngự trị trong làn da của anh ấy bây giờ không còn là người mà Yoshiki biết nữa. Trên thực tế, đó không phải là người nào cả; “Hikaru” là một sinh vật siêu nhiên đến thế giới này mà không có ý thức về bản thân chứ đừng nói đến đạo đức con người. Cả hai trở nên gắn kết với nhau về bản chất khi tái hiện trực tiếp thí nghiệm tư duy Swampman, buộc người đọc—và những đứa trẻ tội nghiệp rơi vào tình huống này—phải suy ngẫm điều gì thực sự tạo nên một con người.
Mặc dù khía cạnh đó của câu chuyện cũng quan trọng như vậy, những ý tưởng đó không thể tách rời khỏi một thứ khác: nỗi kinh hoàng của sự tuân thủ và ngược lại, sự quyến rũ của sự khác biệt đáng sợ. Nếu nạn săn trộm cơ thể là một tác phẩm kinh điển kinh điển, thì việc liên kết bầu không khí ngột ngạt của môi trường nông thôn với siêu nhiên cũng vậy. Đối với Yoshiki, cuộc sống ngột ngạt hàng ngày không hề bắt đầu khi “Hikaru” xuất hiện. Điều đó đã xảy ra từ nhiều năm trước, vì anh ấy đã chán ngấy việc người lớn bảo anh ấy cắt tóc mái mà anh ấy cảm thấy thoải mái hơn. Điều đó xảy ra khi anh nhận ra mình không thể thoát khỏi những lời thì thầm về gia đình mình; người mẹ ngoại đạo của anh ấy, em gái anh ấy không đi học, chính anh ấy. Và đặc biệt, điều đó xảy ra khi anh ấy nhận ra rằng giới tính của bản thân là không bình thường và bị coi là một sự sai lệch hoàn toàn so với chuẩn mực. Hikaru không chỉ là bạn của anh mà còn là người mà anh bị thu hút một cách lãng mạn và tình dục. Bây giờ anh ấy đã ra đi và được thay thế bởi một sinh vật già nua, mọi thứ sắp trở nên phức tạp hơn rất nhiều.
Về vấn đề này, Mokumokuren ngày càng trở nên rõ ràng hơn về HikaNatsu là gì cũng như không phải là gì. Nếu bạn quay lại đọc one-shot đầu tiên, bạn chắc chắn sẽ nhận thấy rằng nhiều trang giống hệt như phần đầu của bộ truyện. Tuy nhiên, điều bạn cũng sẽ nhận thấy là hai nhân vật chính nhanh chóng tiến tới hôn nhau và bắt đầu một bộ phim hài lãng mạn bình thường nhất có thể trong những trường hợp như vậy. Tuy nhiên, đó không phải là con đường mà toàn bộ câu chuyện đã đi. Như Mokumokuren đã buộc phải nói nhiều lần do áp lực của người hâm mộ từ nhiều góc độ, HikaNatsu là một câu chuyện kỳ lạ không lãng mạn. Có nhiều lý do đã thúc đẩy họ đi theo hướng này: niềm tin rằng điều quan trọng là phải tách biệt sự kỳ lạ khỏi sự lãng mạn, mong muốn tiếp cận rộng rãi với tất cả những người cảm thấy bị các chuẩn mực xã hội từ chối và quan trọng nhất là tình yêu của Mokumokuren dành cho người khác.
Điểm cuối cùng này được trình bày khá rõ ràng trong câu chuyện của HikaNatsu, nhưng tôi tin rằng cuộc trò chuyện trước đó với Vundy là bản tóm tắt hài hước nhất của nó. Về cơ bản không hề bị thúc đẩy, tác giả tiếp tục chỉ trích Người đẹp và Quái vật và tất cả những câu chuyện có khuôn mẫu tương tự. Là một người bị thu hút bởi những quang sai—coi sự quyến rũ và ghê tởm của chúng như một ly cocktail say—ý tưởng rằng một kết thúc có hậu liên quan đến việc biến họ thành một con người bình thường là điều khó chịu đối với Mokumokuren. Điều quan trọng không kém việc xác định chính xác cảm xúc của Yoshiki là bảo vệ bản chất bất thường, khó hiểu của “Hikaru”. Một mối tình lãng mạn đơn giản theo cách hiểu của xã hội loài người chắc chắn sẽ liên quan đến việc hóa giải “Hikaru”, điều mà tác giả ghê tởm. Mặc dù bộ truyện nói rất nhiều về tình yêu và bất kỳ ai đánh giá cao vị cay sẽ chỉ coi kịch bản này là BL thậm chí còn ngon hơn, nhưng điều quan trọng là phải hiểu tại sao tác giả gốc không say mê nhãn mác. Xét cho cùng, thúc đẩy những người đó một cách quyết liệt cũng là thực thi quan điểm lấy con người làm trung tâm mà họ không thích.
Bạn có thể nghĩ ra một quan điểm thú vị, mạch lạc trong nội bộ như vậy nhưng vẫn tìm cách thực hiện một cách vụng về. Nhưng đây là HikaNatsu, bộ truyện đã thu hút sự chú ý của mọi người vì cách truyền tải của nó quá truyền cảm hứng. Ngay cả khi sở thích của anh ấy nghiêng về hướng đó, Takeshita có thể không bị buộc phải tập trung vào góc độ enshutsu anime nếu Mokumokuren không xuất sắc trong việc tổng hợp những chủ đề đó thành hình ảnh gắn bó với bạn. Trong số rất nhiều công cụ mà tác giả sử dụng trong quá trình đó, có một loại đặc biệt đã được đề cập trong mọi cuộc phỏng vấn mà chúng tôi đã đề cập cho đến nay. Và trên thực tế, hầu hết những điều chúng tôi chưa đề cập đến, chẳng hạn như cuộc trò chuyện của PASH với giám đốc nghệ thuật Giám đốc nghệ thuật (美術監督, bijutsu kantoku): Người phụ trách nghệ thuật nền cho bộ truyện. Họ vẽ nhiều bản vẽ nghệ thuật đã từng được đạo diễn bộ truyện phê duyệt để làm tài liệu tham khảo cho hình nền xuyên suốt bộ truyện. Sự phối hợp trong bộ phận nghệ thuật là điều bắt buộc – các nhà thiết kế bối cảnh và màu sắc phải làm việc cùng nhau để tạo ra một thế giới mạch lạc. Kouhei Honda. Nếu bạn đã từng đọc HikaNatsu, bạn có thể biết rằng chúng ta đang nói về cách sử dụng SFX, từ tượng thanh và sự gợi lên âm thanh nói chung.
Việc nắm bắt toàn bộ chiều rộng của khía cạnh đó trong anime không chỉ cần chỉ đạo âm thanh tuyệt vời, nhưng chúng ta đừng đùa giỡn mà nên bắt đầu từ điều đó. Takeshita đã suy nghĩ rất nhiều khi nghĩ ra cái tên Kouji Kasamatsu để tạo hình dạng cho âm thanh có mặt khắp nơi, gần như có thể sờ thấy được; và cũng giống như những lựa chọn trước đó, cũng bởi vì anh ấy đang tìm cớ để làm việc với anh ấy. Bạn có thể đã nhận ra rằng Takeshita cũng trực tiếp tham gia vào khía cạnh này và đảm nhận vai trò đạo diễn âm thanh (ongaku kantoku). Trong khi đó, Kasamatsu được liệt kê vào vai trò không chuẩn của ongaku enshutsu. Hóa ra đó thực sự là từ khóa cho toàn bộ quá trình sản xuất.
Trong một cuộc phỏng vấn với JINS PARK, Kasamatsu tiết lộ cách anh ấy vượt qua con đường với anime cũng như lý do tại sao anh ấy lại ưu tiên ghi nhận cụ thể đó. Sự nghiệp chuyên nghiệp của anh bắt đầu với tư cách là kỹ thuật viên hiệu ứng âm thanh trên các chương trình truyền hình, mặc dù niềm đam mê thực sự của anh là điện ảnh. Và bởi vì anh ấy rất đam mê nên anh ấy cũng hay chỉ trích—đó là lý do tại sao anh ấy thấy âm thanh trong phim Nhật Bản khá là nhàm chán. Nghiên cứu Máy trạm âm thanh kỹ thuật số tiên tiến thời bấy giờ mà sếp của anh đã mua được, anh thực hiện các thử nghiệm như chỉnh sửa đoạn giới thiệu Patlabor: The Movie của riêng mình trong khi thay thế âm thanh bằng thứ gì đó phù hợp với tiêu chuẩn của anh. Trong quá trình này, anh đã thu hút được sự chú ý của các nhà sản xuất máy móc và cuối cùng là chính nhân viên âm thanh của Patlabor.
Qua sự việc thú vị đó, cánh cửa đến với hoạt hình và điện ảnh đã mở ra cho Kasamatsu. Là người đặc biệt, anh ấy thích tham gia từ giai đoạn đầu tiên (với tư cách là người chủ động lên kế hoạch cho nhạc phim) cho đến phút cuối cùng, điều chỉnh lời thoại và thời gian ở những đoạn cắt cuối cùng. Anh ấy biết rằng một vị trí như vậy có xu hướng được coi là ongaku kantoku có ảnh hưởng đặc biệt, nhưng vì anh ấy không phải là một fan hâm mộ lớn của hào quang áp đặt mà những từ đó mang lại, anh ấy thích sử dụng ongaku enshutsu nghe có vẻ khiêm tốn hơn. Đó là cách anh được ghi nhận trong nhiều dự án của Ghibli, bao gồm cả lần Miyazaki yêu cầu anh khái niệm hóa tất cả hiệu ứng âm thanh trong The Wind Rises là tiếng động do con người tạo ra. Anh ấy đã trở thành người độc quyền cho các biểu tượng của phim hoạt hình sân khấu Nhật Bản. Và với HikaNatsu, lần đầu tiên anh ấy đã đi đầu trong lĩnh vực anime truyền hình sau hơn một thập kỷ. Bạn có thể đếm số lần điều này xảy ra bằng một tay và bạn vẫn còn nhiều ngón tay. Ngay cả nhân vật trong bộ truyện hơi quá thích hy sinh các bộ phận cơ thể của mình cũng có thể thành công.
Một khía cạnh trung tâm khác của bản chuyển thể chia sẻ nhân vật chính với âm thanh để tạo nên một cảnh gay cấn tương tự, đặc biệt đối với những người xem chưa biết về tiền đề của bộ truyện. Đó là thứ mang lại hình thức cho bản chất thực sự của “Hikaru”—một hình thức đầy mê hoặc và quyến rũ rõ rệt. Thời điểm bản chuyển thể được công bố, mọi người hâm mộ đều hiểu ngay lý do Takeshita đích thân tìm kiếm Masanobu Hiraoka làm nghệ sĩ được giao phó vai trò cụ thể đó. Khả năng biến hình chuyển động thành thạo trong các tác phẩm độc lập đôi khi giúp anh có được một vị trí trong các dự án thương mại nổi tiếng, mặc dù chính phong cách độc đáo đó cũng khiến anh không tương thích với hầu hết các anime.
Hầu hết các anime, ngoại trừ HikaNatsu, nơi anh phù hợp với tính tự nhiên (không) hoàn hảo. Các dạng chất lỏng của Hiraoka thật mê hoặc, giống như “Hikaru” hiện tại, người mà Yoshiki không thể ngừng bị thu hút bất chấp mối nguy hiểm rõ ràng. Các hình dạng thay đổi gợi nhớ đến cấu trúc sinh học mà bạn có thể tìm thấy trong tế bào; tuy nhiên, về cơ bản chúng khác nhau, phù hợp với hiệu ứng mà nỗi kinh hoàng fractal của Mokumokuren đạt được. Anime chuyển sang những đoạn cắt đặc biệt này bất cứ khi nào nó có ý định tăng tốc độ kinh dị, nhưng có lẽ chúng hiệu quả nhất khi chúng cùng tồn tại với các sự kiện thông thường. Về mặt đó, hiếm có cảnh nào đáng nhớ bằng việc chuyển thể cảnh ban đầu đã giúp HikaNatsu thành công: “Hikaru” tan chảy khi Yoshiki hỏi anh ta thực sự là ai.
Tôi tin rằng điều quan trọng là phải xem những cái vòi kinh dị này của HikaNatsu không phải là những yếu tố riêng biệt mà là một phần của mạng lưới liên kết mà chúng tạo thành. Bất chấp sự đa dạng tuyệt đối về kỹ thuật mà mỗi đạo diễn sử dụng, tất cả chúng đều kết hợp lại thành một kết cấu thống nhất có liên quan chặt chẽ đến các chủ đề mà chúng ta đã thảo luận trước đó. HikaNatsu dính, nhớt. Một chất lỏng thấm khắp nơi. Giống như cái nóng của mùa hè, được thể hiện một cách chính xác bởi chỉ đạo nghệ thuật của Honda, thiết kế màu sắc của Naomi Nakano và cách phối hợp của Tomohiro Maeda. Nhấn chìm người da đen trong bóng râm và điều chỉnh độ tương phản một cách khó chịu có thể là những lựa chọn không mong muốn trong các loạt phim khác, nhưng lại phù hợp với cảm giác khó chịu âm thầm bao trùm của HikaNatsu. Ngay cả vai diễn của Hiraoka cũng được đặt tên là hoạt hình dorodoro, theo từ tượng thanh trong manga. Một lần nữa, điều này liên quan chặt chẽ đến nỗi kinh hoàng thấm nhuần với một dạng âm thanh. Cả hai khía cạnh đều có chung kết cấu đó, giống như áp lực xã hội luôn đè nặng lên Yoshiki bất kể anh ấy ở đâu. Tất cả đều khó chịu, nhưng bạn không thể rời mắt. Đó là mối quan hệ phức tạp với những điều chưa biết mà Mokumokuren muốn gợi lên.
Ngay cả khi Takeshita là người đứng đầu về mọi thứ, anime HikaNatsu sẽ không hấp dẫn bằng một nửa nếu mỗi tập giữa các tập mà anh ấy viết kịch bản không phải là một trải nghiệm phong phú theo đúng nghĩa của nó. May mắn thay, quy trình nhân sự vốn mang lại niềm tin cho các nhà sản xuất đã trở nên sắc bén như họ mong đợi. Các tập tiếp theo cho thấy sự xuất hiện của các đạo diễn khác không ngăn cản quá trình sản xuất thoát khỏi những hạn chế của nó, đồng thời củng cố các ý tưởng của nó trong quá trình này. Xin lưu ý, quả táo thứ hai không rơi xa cây; tập #02 được đảm nhận và đạo diễn bởi Mitsuhiro Oosako đầy triển vọng, một nhà làm phim hoạt hình Dogakobo, người đã tiếp thu nhiều đặc điểm từ các đạo diễn hiện đang hoạt động trong xưởng phim. Vì một trong những nhân vật chính đáng chú ý nhất trong nhóm đó chính là Takeshita, nên không có gì ngạc nhiên khi Oosako đóng vai chính xuất sắc trong loạt phim này.
Khi Yoshiki cố gắng xử lý mọi thứ đã xảy ra, từ vụ cướp xác đến một vụ giết người chắc chắn không liên quan đến “Hikaru”, Oosako nhấn mạnh tính chủ quan của mình thông qua tái diễn ảnh chụp thông qua của anh ấy tiếng nổ. Đó là kiểu lựa chọn khung hình hiển nhiên đến mức không ai có thể bỏ qua ý nghĩa của nó, tuy nhiên, những hình ảnh minh họa hiệu quả nhất của tập phim về khoảng trống trong đầu của Yoshiki một lần nữa những hình ảnh chuyển áp lực ngột ngạt mà anh ấy cảm thấy thành âm thanh. Sự lựa chọn sáng suốt nhất trong tập này đã biến những câu nói đùa của Yoshiki về nội tạng của người già có cảm giác giống như thịt gà, thông qua việc sử dụng cảnh quay người thật đóng thịt. Điều gây cười ban đầu trở thành hình ảnh đầy ám ảnh khi anh ấy rạn nứt dưới áp lực. Những bàn tay dang rộng trở thành những khối thịt gà được vẽ chân thực, với khả năng chụp ảnh chân thực hơn. Nhiếp ảnh (撮影, Satsuei): Sự kết hợp của các yếu tố do các bộ phận khác nhau tạo ra thành một bức tranh hoàn thiện, bao gồm cả việc lọc để làm cho nó hài hòa hơn. Một cái tên được kế thừa từ quá khứ, khi máy ảnh thực sự được sử dụng trong quá trình này. quảng cáo xen kẽ biến điều bình thường thành thứ gì đó nổi loạn. Những bức vẽ ghê tởm thể hiện hiệu ứng thung lũng kỳ lạ mà Mokumokuren thường sử dụng làm vũ khí, nhưng qua nhận thức chủ quan của ông, chúng ta vẫn có thể cảm nhận được một sức hút say đắm. Những điều tồi tệ đang xảy ra và cậu bé của chúng ta bị cuốn hút một cách bi thảm vào chúng.
Ngược lại, tập thứ ba là một sự lựa chọn nhân sự mạo hiểm hơn một chút. Điều đáng chú ý là Asaka Yokoyama là là một fan cuồng nhiệt của bộ truyện, nên không có gì ngạc nhiên khi cô ấy hiểu rõ bản chất của bộ truyện đến vậy. Nhóm chắc chắn đã đồng ý, vì cô ấy đã tạo nên bước ngoặt lớn trong buổi ra mắt cùng với Hiraoka. Chưa hết, con đường cô ấy đến đó không an toàn như đạo diễn loạt phim. Đạo diễn loạt phim: (監督, kantoku): Người phụ trách toàn bộ quá trình sản xuất, vừa là người ra quyết định sáng tạo vừa là người giám sát cuối cùng. Họ xếp hạng cao hơn những nhân viên còn lại và cuối cùng là người có tiếng nói cuối cùng. Tuy nhiên, vẫn tồn tại những loạt phim với các cấp độ đạo diễn khác nhau-Giám đốc, Trợ lý Đạo diễn, Đạo diễn Tập phim, tất cả các loại vai trò không chuẩn. Hệ thống phân cấp trong các trường hợp đó tùy theo từng trường hợp. giao phó một tập phim cho một học trò của mình. Quay lại thời điểm anime được công bố lần đầu tiên—trong quá trình sản xuất vài tháng—cô ấy đã ăn mừng nó và ngay lập tức cầu xin nhóm cho phép cô ấy tham gia bộ truyện này. Đây thậm chí không phải là một điều mới mẻ đối với cô ấy, vì cô ấy đã công khai hy vọng mình có thể vẽ bảng phân cảnh cho một phiên bản chuyển thể HikaNatsu giả định kể từ năm 2022, khi chỉ có một vài chương được xuất bản. Mặc dù có rất ít hoặc không có kinh nghiệm đạo diễn vào thời điểm đó, Asaka được coi là một nghệ sĩ có nhiều ý tưởng nên nhóm đã nhanh chóng chào đón cô (thông qua nhà sản xuất hoạt hình Kenta Ueuchi) vào hàng ngũ của họ.
Sự đặt cược đó đã được đền đáp, có lẽ vì cô đã thực sự dành nhiều năm để tưởng tượng xem mình sẽ làm gì với HikaNatsu nếu nó được chuyển thể thành hoạt hình. Tương tự như sự sợ hãi leo thang dần dần trong manga, tập phim của cô ấy thiết lập một nhịp điệu rõ ràng thông qua sự lặp lại. Hình ảnh và ký ức lặp đi lặp lại chúng ta càng nhìn thấy chúng càng hư hỏng, theo một nhịp độ khiến bản thân chúng ta cảm thấy khó chịu. Điều này tạo nên sự bùng nổ của cảm xúc con người và bản năng vô nhân đạo; được truyền tải qua sự tái hiện của các bảng đáng nhớ, những công cụ định kỳ như âm thanh và chất lỏng của Hiraoka, cũng như những bổ sung của riêng cô như đường nét gợi lên sự vô nhân đạo. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that regard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
