Il nuovo film di Naoko Yamada Kimi no Iro/The Colors Within è stupendo, molto divertente in superficie, ma denso come sempre. Attraverso i colori, la luce, la fede, la rotazione e la gravitazione, formula il più gentile messaggio di accettazione della regista.
Quando stava concettualizzando il suo primo film circa 14 anni fa, Naoko Yamada‘L’idea surreale del film è stata quella di trascorrere un’ora e mezza seguendo la protagonista di K-ON!, Yui, mentre tentava di infilare un ago. Dopo tutto questo tempo, sono felice di annunciare che non solo ha eguagliato il livello di non conflitto di quella proposta, ma è andata anche oltre nella negazione di una narrativa tradizionalmente appagante. Mentre Yamada dà sempre il meglio di sé con storie personali e di personaggi concreti, in film come A Silent Voice o Liz and the Blue Bird c’è un tocco drammatico che è deliberatamente mancante da Kimi no Iro/The Colors Within. Intendiamoci, questo non è perché manchi di sentimenti o situazioni cupi che potrebbero portare a pesanti conseguenze negative, ma piuttosto per il suo impegno completo verso un messaggio di accettazione e comprensione, verso gli altri e verso noi stessi.
Nessuno incarna questo spirito meglio della protagonista Totsuko, che proprio apre il film recitando una preghiera che predica l’accettazione del inevitabile, coraggio per affrontare ciò che può ancora essere affrontato e saggezza per distinguere le due cose. Come già sottolineato nella rivelazione del film, lei è affetta da un caso di sinestesia che le permette di percepire l’aura delle persone come se fossero colori; non proprio a livello puramente visivo, poiché è qualcosa che sente in modo più profondo e totalizzante. Ciò offre immediatamente lo spazio narrativo per un conflitto drammatico: i flashback di una giovane Totsuko, incapace di capire che la sua visione del mondo non è in linea con quella della maggioranza, vengono sorprendentemente isolati attraverso gli storyboard di Yamada.
Come risulta ovvio nel corso della sua durata, tuttavia, il film rifiuta di perseguire questa direzione in modo troppo aggressivo. Un senso di solitudine leggermente paralizzante risuona per tutto il film, disegnando ancora linee tra la protagonista e ciò che la circonda. L’architettura della sua stanza spesso separa Totsuko dalle adorabili compagne di stanza con cui non può essere del tutto onesta, ma non ne fa mai un punto importante e drammatico. The Colors Within presenta un mondo pieno di bugie e sentimenti scomodi legati alla non appartenenza, ma così fermo nella sua fede nella buona volontà delle persone che non c’è mai il problema di risolvere un problema quando viene affrontato con onestà.
To incarnando tutta questa visione del mondo, il film è saldamente radicato nella scuola cristiana frequentata da Totsuko; come ha commentato la stessa Yamada per Variety, questo non è Non tanto per fare un film sul cattolicesimo, ma per usare una lettura molto gentile dei suoi precetti per sostenere quelle idee, e per avere in primo luogo un luogo che accolga persone con convinzioni diverse. E in effetti, come ha notato la regista nella sua ricerca, la protagonista è considerata un po’una stranezza a scuola per il suo comportamento devoto. Quel discreto senso di attrito in un mondo chiaramente ben intenzionato è il nostro punto di partenza in questo film.
Prima che tu abbia la possibilità di cogliere la filosofia del film, la direzione sinestetica salta subito all’occhio come una soluzione eccellente, sia per il personaggio che per l’individuo che guida il progetto. Yamada è ben nota per la sua capacità di astrarre i sentimenti in un ampio linguaggio audiovisivo, che poi contrasta con il suo approccio carino ma naturalistico all’animazione dei personaggi. La sua evoluzione come regista teatrale in particolare ha sottolineato notevolmente questo aspetto. Il titolo giapponese di A Silent Voice, The Shape of Voice , ha un effetto intrinsecamente sinestetico, qualcosa che la sua esecuzione ha voluto sottolineare. Gran parte di Liz and the Blue Bird si basa sull’estrapolazione delle relazioni interpersonali in forme che possono essere percepite fisicamente come il BPM dei loro passi condivisi, e il rapporto del regista con il compositore Kensuke Ushio non fa altro che spostare ulteriormente l’equilibrio in quella dimensione sensoriale. direzione dell’incrocio; non guardare oltre la sua colonna sonora, in parte creata attraverso un processo di decalcomania che lega colore e suono. Per chiunque abbia seguito la sua carriera, una protagonista sinestetica dovrebbe essere lo sviluppo meno sorprendente.
Quando si tratta del personaggio stesso, anche la condizione scatta immediatamente. Per dirla semplicemente, Totsuko si impegna con la vita in modo così completo e intenso che è naturale credere che la percepisca a un livello completamente aggiuntivo. Il suo linguaggio del corpo gioioso incarna quella mentalità, così come la sua fede incrollabile. Senza essere una persona irritante né particolarmente rumorosa, puoi contare su di lei per essere completamente impegnata in qualunque cosa le capiti di fare; anche se si tratta di dire bugie per il bene di un amico, nel qual caso lo farà in modo spettacolare, come se fosse la cosa più naturale del mondo. Un bambino a cui non viene semplicemente il mal d’auto, ma visibilmente, comicamente, le vertigini alla sola menzione di un veicolo. Questa è Totsuko, una protagonista la cui sinestesia sembra un’estensione diretta del suo modo di interagire con il mondo, e anche una le cui sciocche divagazioni rendono questo film di Yamada più facilmente digeribile e divertente dai tempi di K-ON!.
Proprio mentre spiega la sua abilità all’inizio del film, Totsuko riflette sull’unico colore che non riesce a percepire: il suo. Piuttosto che un mistero per lo spettatore, questa domanda si pone come veicolo per la scoperta di sé e, ancora una volta, anche per l’accettazione. Dopotutto, il poster ufficiale del film enuncia già i colori che tingono i suoi personaggi principali, proprio come fa inavvertitamente la stessa Totsuko in quel stessa scena; quando parla del modo in cui gli occhi di una persona normale percepiscono il mondo, lo esemplifica con una mela rossa, un albero verde e un pesce azzurro, i colori che vengono rapidamente assegnati al cast principale. Il rosso, il rosa e i colori generalmente caldi seguono sempre Totsuko in un modo che si addice al personaggio, a un livello tale che nessuno spettatore avrà mai la sensazione che sia un enigma da risolvere. Tuttavia, poiché deve ancora fare i conti con la sua natura unica e la sua posizione, anche i colori bianchi che incarnano quella mancanza di autocomprensione giocano un ruolo nella sua vita. Sempre nell’introduzione, questo punto viene sottolineato elegantemente da una giovane Totsuko che si attacca un adesivo bianco sul viso mentre si chiede quale sia il suo colore.
Mentre molti concetti in questo film sono puramente Yamada, non sorprende altrettanto che abbia lasciato gran parte della narrazione alla sua buona amica Reiko Yoshida . Il senso di distanza tra i personaggi e la divertente alchimia che ti aspetteresti dalla sua scrittura sono fattori importanti per quanto sia chiaramente divertente.
In un’altra diretta estensione della sua personalità curiosa e proattiva, Totsuko non si accontenta semplicemente di percepire i colori delle persone: desidera ardentemente le belle tonalità emesse dagli altri. La passione di Yamada per la floriografia prende una prospettiva leggermente diversa poiché Totsuko si paragona a un’ape che impollina fiori seducenti, spiegando come gravita naturalmente verso le persone con quell’aura attraente. Quell’immagine esatta viene nuovamente evocata quando si ferma di proposito nel corridoio della scuola, solo per assistere al prossimo membro del trio principale.
Kimi sembra essere una studentessa modello, anche se diventa subito chiaro che la splendida ragazza blu quello che Totsuko percepisce ha una gamma più ampia. È una persona molto rispettata e membro del coro della scuola, anche se ciò che la protagonista apprezza è chiaramente qualcosa di più puro di questi risultati, un blu sereno inerente al suo stesso essere. Sebbene siano sempre abbaglianti per gli occhi di Totsuko, vediamo quegli azzurri diventare più opachi quando, apparentemente dal nulla, Kimi abbandona la scuola, un evento che toglie colore anche alla vita di Totsuko. Ancora una volta, questo è un evento che il film rifiuta di sensazionalizzare; non la vediamo mai nemmeno abbandonare, né il motivo viene direttamente alluso al di là della sensazione che sentisse attrito con le aspettative riposte su di lei. Invece, la vediamo togliersi con cura l’uniforme scolastica in uno dei pezzi di animazione più completi dell’intero film. Da quel momento in poi, Kimi non verrà mai più vista come una studentessa.
Le sue azioni immediatamente successive stabiliscono il corso dell’intero film. Kimi inizia a prendere in mano la chitarra, un nuovo hobby che ha praticato mentre lavorava part-time in una biblioteca. Quando sente voci a riguardo, Totsuko si imbarca in un’avventura che riunisce insieme i personaggi principali e i loro colori lungo il percorso. Dal blu ancora attenuato della routine mattutina di Kimi e al rossastro pomeriggio in cui Totsuko viene distratto da un gatto, passiamo ai verdi rilassanti di Rui; il colore che adorna il pianoforte di seconda mano che lo vediamo acquistare, in una strada decorata con tonalità simili.
Proprio come Kimi, anche Rui si trova in una posizione scomoda rispetto alle aspettative riposte su di lui. Attraverso un filo narrativo discreto, scopriamo che dà ascolto all’unica famiglia di medici su un’isola un po’remota, il tipo in cui ti sembra di essere tornato indietro di un paio di decenni solo mettendo piede lì. Le foto di famiglia suggeriscono che l’erede di quella posizione sarebbe normalmente stato un fratello maggiore che non viene mai menzionato nel film; con lui presumibilmente partito per inseguire un sogno diverso, sente la pressione di seguire questa strada.
Sebbene sia ancora disposto a essere all’altezza di quelle aspettative, Rui cerca una valvola di sfogo sotto forma della vera passione che tiene nascosti: la musica e un intero lato sensibile che potrebbe avere più significato sul suo vero sé. Il suo percorso si incrocia infine con il resto della banda presso la biblioteca White Cat Hat, dove Kimi lavora ed esercita, abitata dallo stesso felino che Totsuko stava inseguendo. Quel colore è anche il risultato additivo dei loro tre colori, quindi è giusto che il nome della loro band-che si è formata sul momento, grazie al comportamento spudorato di Totsuko-sia dovuto a quello stesso gatto. Il prisma del film è finalmente completo.
Mentre il il lavoro espressivo nel film è chiaramente di Yamada, anche l’effetto del disegnatore dei personaggi dell’animazione Takashi Kojima non può essere sottovalutato. I personaggi più acuti, come Kimi in particolare, sono molto più vicini al suo lavoro come Heike Monogatari, il suo precedente ruolo con il regista.
Bella di per sé, la tavolozza diventa importante per la narrazione come suggerisce il titolo del film. Non sorprende che Yamada abbia deciso di affidarsi al color designerColor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): la persona che stabilisce la tavolozza generale dello spettacolo. Gli episodi hanno il proprio coordinatore del colore (色指定, Iroshitei) incaricato di supervisionare e fornire ai pittori i fogli modello richiesti da una particolare uscita, che potrebbero anche realizzare da soli se si tratta di toni che non sono già stati definiti dal progettista del colore. Yuko Kobari: un’affidabile compagna di registi con un occhio attento per il colore come Kotomi Deai di Skip & Loafer, e qualcuno la cui formazione nell’era cel dell’animazione le garantisce più materiale comprensione dei colori in un film che consiste nel mescolarli. Anche quando non presenta un’astrazione sbalorditiva delle relazioni in masse di colore in trasformazione, i toni che rappresentano l’essenza di ognuno sono presenti ogni volta che la band fa qualcosa. Mentre si preparano al loro primo allenamento insieme, Kimi, ora molto più allegro, si staglia contro il blu intenso del mare e del cielo. Quando arrivano all’isola di Rui, li accoglie il suo verde intenso; lo stesso che gli conferisce sempre un’aura verde retroilluminata ogni volta che giocano all’interno della sua base segreta. Non a caso, quel luogo è una chiesa abbandonata, che ben si abbina al carattere devoto di Totsuko e ai suoi colori caldi. Dopo l’allenamento, man mano che si avvicinano casualmente, condividono tutti gusti diversi di gelato: rosso, verde e blu.
Queste relazioni crescenti continuano a essere espresse attraverso i colori, in un modo che lega i tre di loro anche quando non sono tutti presenti. In un adorabile momento di assenze ingiustificate, Totsuko e Kimi si dipingono le unghie al ritmo della musica di Ushio, facendolo non solo nel colore di quest’ultimo ma anche in un verde che ricorda Rui. Quando iniziano a fare musica insieme, il software stesso etichetta le rispettive tracce con i loro colori. In realtà, la primissima sequenza del film mostra un fiore rosa che brilla su un tappeto rosso, estendendosi in una cappella con pannelli di vetro prevalentemente blu e pilastri piacevolmente verdi; riassumendo non solo i colori dei personaggi, ma anche il ruolo di Totsuko nel metterli in relazione.
Nonostante questa presenza costante, però, il film non sembra mai colpire il punto in modo innaturale. Il tocco aggraziato di Yamada e Kobari è guidato dalla resistenza del primo contro l’arte utilitaristica; per un regista che si basa su una vita quotidiana priva di significato e che inquadra i personaggi di fantasia come persone che esistono fuori dalla portata della macchina da presa, sarebbe innaturale fare in modo che ogni scelta artistica abbia un significato singolare – per non parlare dello stesso – e ignorare i capricci del loro immaginario. personalità. Sebbene Totsuko prenda sempre una mela rossa per pranzo è probabilmente legato al suo colore, dato che faceva parte del suo esempio introduttivo, la sua tendenza a indossare quei toni potrebbe essere semplicemente dovuta al fatto che il regista pensa che le piacciano. Con questa mentalità, vende ancora una volta il cast come persone autonome, non solo come veicoli preprogrammati per elenchi puntati.
Un altro motivo per cui il film evita di cadere nella monotonia dei colori del trio principale è che la tavolozza è più ampiamente utilizzato per scopi narrativi, con risultati sorprendenti. Mentre Kimi nasconde la verità sull’abbandono della sua adorabile nonna, le inquadrature avanti e indietro mettono in contrasto la vecchia signora immersa in colori familiari e Kimi che indugia nei corridoi più tetri; anche l’architettura stessa contribuisce a questo, consentendo scatti singolari in cui la nonna è circondata da quei colori vivaci mentre Kimi è seduta sullo stesso tavolo, tranne che è incorniciata dalla porta buia. Nel frattempo, il contrasto tra una rete restrittiva di rami marroni e foglie verde brillante introduce brillantemente la madre di Rui nel gruppo. Con un’interpretazione così elegante, il film sottolinea la pressione che provano questi adolescenti, ma anche il fatto che sono ancora circondati da coetanei amorevoli.
L’uso del colore da solo sarebbe sufficiente per raccontare questa storia in modo memorabile, ma per essendo un regista i cui film sono facilmente guardabili, l’approccio di Yamada è diventato piuttosto complesso. C’è molto da apprezzare nella scelta del theremin come strumento principale della band, che non solo avvicina i loro suoni alle radici spirituali di un gruppo con due (ora uno) studenti di una scuola cattolica, ma dà anche una sensazione molto tattile al modo di suonare di Rui, qualcosa che lo avvicina alla sensibilità sinestetica di Totsuko. Non sorprende che anche la recitazione lo elevi ulteriormente. L’animazione nel film non è sempre precisa come lo è durante le sue interpretazioni fortemente citate, né come lo era nei film precedenti di Yamada, ma compensa con pura gioia e fascino estroverso. Attraverso un processo di correzione che ha chiaramente coinvolto non solo il designer e supervisore Takashi Kojima ma anche la stessa Yamada, i personaggi principali si muovono sempre in un modo che li rende unici; che si tratti del comportamento spensierato di Rui, della tendenza di Totsuko a girare su se stessa, o dell’ammiccamento laterale della sua compagna di stanza paffuta.
Come chi conosce meglio la regista forse già saprà, i suoi film hanno la tendenza a mescolare argomenti diretti, secondo lei in ogni caso, con concetti che escono dal campo sinistro, spesso attingendo a campi come la matematica e la fisica per descrivere lo stato delle relazioni. The Colors Within pone molta enfasi sulle proprietà della luce a questo proposito, come veicolo dei colori che sono parte integrante della loro storia, ma si appoggia altrettanto fortemente a qualcos’altro: movimenti circolari, rotanti e l’idea di gravità. che ne deriva. Questo è esattamente il tipo di attrazione naturale e inevitabile che Totsuko prova per le persone con un’anima meravigliosamente colorata; qualcosa che viene espresso in modo letterale attraverso le immagini del pianeta, poiché Totsuko viene colpita in faccia dalla palla di Kimi perché era intrappolata dalla sua tristezza.
Da bambina cresciuta tra le lezioni di danza classica, molti dei manierismi di Totsuko hanno giri fioriti per loro, e lei stessa conserva ancora un sogno frustrato di interpretare correttamente Giselle un giorno, un sogno a cui ha rinunciato perché il suo fisico e le sue condizioni leggermente goffe non le permettono di eseguire le mosse più difficili. Ciononostante, gira e rigira attraverso la vita, senza perdere nulla della sua gioia di fondo. Proprio come i cerchi che disegna spesso, proprio come la danza improvvisata della felicità quando la band torna a esercitarsi di nuovo insieme dopo una breve separazione. Tutto in questo film si muove in questo modo circolare, e il più delle volte lo fa attorno a una protagonista che non si rende conto di avere lo stesso effetto attraente di coloro verso cui gravita; anzi, la sua attrazione gravitazionale è più forte, perché il significato del suo rosso sta diventando più chiaro che mai.
Mentre la band si avvia alle prove durante l’inverno, una tempesta di neve li sorprende, circondando Totsuko con più bianco che mai. Dopo una notte deliziosa in cui si sono avvicinati l’uno all’altro e lei finalmente si è confidata con loro riguardo alla sua sinestesia, si sveglia in uno splendido scenario in cui il suo colore ora sta trapelando.
Nel il primo articolo della serie di interviste allo staff di The Color Within, Yamada si riferisce alla musica come un mezzo per condividere qualcosa che ami. Nel film, ogni personaggio principale compone una canzone originale che incarna quello spirito, ma nessuno riesce a farlo meglio di Totsuko stessa. La sua canzone è sciocca, amatoriale, ma piena del suo modo onesto di interagire con il mondo. Attinge ancora una volta a quel motivo rotante e gravitazionale; nel suo desiderio di condividere il colore di Kimi con il mondo, prova eccitazione (wakuwaku, わくわく) e la sua mente va immediatamente alla deriva verso i pianeti rotanti (wakusei, 惑星). I suoi testi mescolano felicemente quei corpi celesti, la sua fede e il suo pranzo preferito come se fosse la cosa più naturale del mondo. E, tra tutte le esibizioni, è la sua che fa emozionare l’intero pubblico. Gli studenti che la consideravano una strana persona solitaria si rallegrano in mezzo ai suoi coetanei, e le suore ballano con gioia, ancora una volta, nei contagiosi movimenti rotanti di Totsuko.
La prima parola che puoi sentire dopo quella gioiosa esibizione è qualcuno nel il pubblico urla”ti amo”. Il prossimo che puoi vedere sono quelle stesse parole incollate sullo sfondo, ritagliate da uno sfondo di Love Your Neighbour sul loro palco. E poi c’è Totsuko, che realizza i suoi sogni di Giselle attraverso una sequenza onirica che le permette finalmente di vedere il proprio colore: il rosso dell’amore, che si addice a qualcuno che rallegra naturalmente chiunque si avvicini a lei con onestà. Il film (correttamente) presuppone di aver guadagnato alcuni giri di vittoria dopo, inclusa una materializzazione chiara e condivisa della sinestesia di Totsuko attraverso le stelle filanti colorate a volte viste mentre le navi partono. Tuttavia, è quella performance estatica e il successivo momento di autorealizzazione che ricorderò soprattutto come il bellissimo climax del film più gentile di Naoko Yamada. Quello, e la canzone aggressivamente orecchiabile di Totsuko. Forse guardare questo film mesi prima della sua uscita ufficiale è stata una cattiva idea, perché ora sono dipendente da una canzone che non riesco nemmeno ad ascoltare.
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