Cinque anni fa, abbiamo evidenziato una donna che doveva ancora dirigere un singolo episodio di anime come una delle giovani creatrici più promettenti dell’intero settore. Oggi, è la mente dietro i momenti più celebri degli anime TV: questa è Megumi Ishitani, che potrebbe essere davvero troppo brava per il suo lavoro.
Abbiamo lanciato la rubrica Anime’s Future qui al SakugaSakuga (作画): Disegno tecnico di immagini ma più specificamente animazione. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo in cui lo fa un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. Blog per controbilanciare il pessimismo che diventa inevitabile quando si parla di questo settore. Chiudere gli occhi sui problemi strutturali degli anime non aiuta nessuno, ma in un momento in cui più persone che mai stavano facendo i conti con quanto profondamente radicati fossero quei problemi, sembrava importante notare che ci sono sempre nuove fonti di speranza. Anche se la gente del settore lamenta l’allarmante mancanza di manodopera qualificata, nonostante le terribili condizioni di lavoro e le limitazioni creative riescano a scacciare ogni sorta di persone di talento, così tante persone si innamorano dell’animazione che nuove potenti voci continuano a irrompere nella scena con regolarità, indipendentemente dal fatto che finiscono per avere una carriera fruttuosa o meno.
Per iniziare quella serie con il botto, abbiamo scelto di mettere in evidenza due artisti diversi nel primo post. Il primo è stato un genio precoce che lavora sotto il nome di Cina. Avendo demolito tutti i tipi di pietre miliari giovanili nel settore, la sua mancanza di esperienza in ruoli di regista all’epoca non sembrava un ostacolo a predire un’eccellente carriera come regista, soprattutto data la sua abilità per acquisizione di informazioni sensoriali di momenti molto specifici anche attraverso le sole illustrazioni. Il tempo ha dimostrato che queste intuizioni erano giuste, poiché le sue apparizioni al giorno d’oggi sono sinonimo di uscite del calibro di episodi dell’anno come Yama no Susume S3 #10, Heike Monogatari #03 e il video musicale per Sore wo Ai to Yobudake.
Accanto alla Cina c’era un nome più modesto. Sebbene si fosse già costruito una solida reputazione tra gli appassionati di animazione e, naturalmente, all’interno della sua generazione di animatori freelance di grande talento, non molte persone conoscevano Megumi Ishitani. Al momento in cui scrivo di lei, doveva ancora dirigere un singolo episodio dell’anime, avendo svolto solo lavori minori per la Toei Animation dopo la laurea. Per coloro che hanno davvero prestato attenzione, tuttavia, il potenziale era chiaro: quei piccoli contributi hanno mostrato esplosioni di creatività e molto accattivanti sensibilità, anche quando l’argomento era un culo antropomorfizzato. E, forse ancora più importante, il suo studente lavori la distinguono già dalla norma.
Abbiamo menzionato molte volte che il programma GEIDAI ANIMATION della Tokyo University of the Arts è il corso più prestigioso del paese. La sua reputazione non dipende solo dal nascondiglio degli istruttori e dalle capacità tecniche che sono in grado di tramandare, ma dalla loro enfasi nell’allevare artisti con una visione del mondo, una voce e un messaggio propri. I loro alunni il più delle volte diventano artisti indipendenti, poiché quella mentalità si oppone agli atteggiamenti prevalenti negli ambienti commerciali, in particolare quelli che sono diventati creativamente asfissianti come gli anime TV; quando la maggior parte delle risorse viene convogliata in adattamenti, e quando la definizione di tali risorse viene ristretta a riproduzioni esatte del materiale di partenza, l’arte muore per il bene dei prodotti. In questo momento, gli unici centri in qualche modo stabili della gente di Geidai sono la filiale di Ibaraki dello studio WIT, lontano dalle solite pressioni dello studio principale, e la troupe di Pop Team Epic che potrebbe anche essere extraterrestre come suggerisce il nome Space Neko Company.
Ishitani ha sfidato quelle convenzioni unendosi proprio al più corposo degli studi di anime; non è una scelta sorprendente dato che l’impero dell’animazione Toei offre il tipo di sicurezza del lavoro che la maggior parte degli studi di anime non può mai sperare, ma apparentemente in contrasto con la filosofia dell’università da cui è salpata. Eppure, è proprio la mentalità coltivata in Geidai che ha permesso a Ishitani di adattarsi a un ambiente come questo. L’obiettivo su cui aveva messo gli occhi era creare un’animazione che potesse essere apprezzata da tutti, indipendentemente dal contesto o anche dalla loro capacità di analizzarla per intero. Lo ha paragonato all’esperienza di un bambino che non riesce a capire tutte le complessità di un pezzo di finzione, eppure potrebbe ricordare con affetto l’impatto che ha avuto su di loro anni dopo. Per un’artista creativa come lei, con quell’intento di creare esperienze memorabili autonome, dover lavorare su franchise settimanali non sarebbe stato abbastanza per soffocare la sua creatività.
Quell’ipotesi è stata rapidamente messa in atto. test, in uno scenario molto complicato. La formazione di Ishitani come regista è stata parallela alla produzione di Dragon Ball Super, un titolo che anche i più grandi fan del franchise riconosceranno come una corsa irregolare. Dopo aver recitato come assistente alla regia per un paio d’anni, in cui un paio di sequenze finali erano le maggiori responsabilità che aveva, Ishitani ha terminato la sua fase di addestramento durante l’ultimo arco narrativo dello spettacolo. Il suo ruolo non accreditato di regista dell’episodio e co-storyboarder nell’episodio n. 107 è stata la prima volta che è stata in qualche modo al comando, ma soprattutto, regista della serie. Direttore della serie: (監督, kantoku): la persona responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo e supervisore finale. Superano il resto del personale e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore capo, vicedirettore, regista di episodi di serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi è uno scenario caso per caso. Tatsuya Nagamine e il regista della co-serie Ryota Nakamura—la figura più vicina a un mentore che aveva all’epoca, che ha persino supervisionato il suo debutto non ufficiale, le hanno affidato la regia e lo storyboard finale tutto da sola. Inutile dire che mettere un principiante a capo del climax per il franchise di anime probabilmente più importante di tutti i tempi è sia un’idea ridicola che la cosa migliore che avrebbero potuto fare. A quel punto, aveva già acquisito tutte le qualità che avevamo messo in evidenza in precedenza e la scommessa della sua squadra ha dato i suoi frutti.
Mentre il numero 107 era già un episodio abbastanza forte nonostante l’animazione limitata, il numero 131 in particolare ha alzato l’asticella molto più in alto di quanto Super avesse mai raggiunto prima. I suoi storyboard erano tremendamente evocativi per gli standard dello show e quell’adattabilità di cui avrebbe avuto bisogno per sopravvivere in un ambiente straniero si è rivelata già presente, poiché ha messo insieme un pezzo d’azione più soddisfacente rispetto alla maggior parte dei veterani di Dragon Ball. Entrambi gli episodi hanno dipinto un quadro chiaro del suo stile ancora in via di sviluppo. Per prima cosa, la sua tendenza verso composizioni simmetriche con centratura del soggetto, in particolare inquadrata da da il indietro ; tecniche standard su carta, ma sempre eseguite in modo memorabile dalla sua mano, con l’ulteriore vantaggio di fare deviazioni, gettando via quell’equilibrio su indica la dinamica del potere o convoglia disordini: senti ancora più impatto. Anche se in questa fase doveva ancora perfezionare le competenze specifiche dell’animazione commerciale, il suo innato senso per la composizione delle riprese da solo l’ha già fatta risaltare agli occhi di molti.
Dopo brevi periodi in un progetto tagliato senza tante cerimonie e lavorando alla progettazione per Precure, Ishitani è passata al suo prossimo grande progetto: seguire Nagamine mentre salpava per il Grand Linea. Dopo aver salvato Dragon Ball Super nel miglior modo umano possibile, e poi aver dimostrato di non aver perso il contatto con il film molto divertente di Broly, a Nagamine è stato affidato il compito di rivitalizzare One Piece assumendo il ruolo di regista della serie. Direttore della serie: (監督, kantoku): Il responsabile dell’intera produzione, sia come decisore creativo che come supervisore finale. Superano il resto del personale e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore capo, vicedirettore, regista di episodi di serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in questi casi è uno scenario caso per caso. per l’arco di Wano. Dire che ha raggiunto l’obiettivo sarebbe un eufemismo non solo della sua leadership, ma anche del modo in cui l’intero team ha decuplicato la qualità del proprio lavoro, a cominciare dal miglioramento della gestione. Il Wano di Nagamine è stato un successo sin dall’inizio nell’episodio #892, ma hanno conservato la loro arma segreta per oltre un anno, più precisamente, fino all’episodio #957, il primo della serie diretta e sceneggiata da Ishitani.
I fan di One Piece hanno incontrato un Ishitani notevolmente più raffinato di quanto gli spettatori di Dragon Ball si fossero separati. Le sue natural tendenze nello storyboard non c’era—e non sono-è cambiato un po’, ma la sua premura era già su un livello diverso, così come la sua capacità tecnica di metterla in termini più concreti. L’episodio ha fatto un uso eccellente delle ombre per esempio, migliorando le sue già accattivanti composizioni ma anche regolando la trasmissione di informazioni al spettatore, dandole un eccellente controllo del tempo. Lavorare al fianco dei i migliori animatori a cui lo studio ha accesso in un ambiente molto più sano di quello di Super ha massimizzato i suoi beni immateriali e ha persino ha trovato un modo per sinergizzare il contenuto dell’episodio con la propria filosofia di animazione. Incaricato di una rivelazione davvero rivoluzionaria, Ishitani ha posto l’accento sui bambini mentre la notizia cadeva; sono confusi riguardo alle reazioni estreme di tutti a una decisione politica che non sono in grado di comprendere, alcuni assolutamente ignari di tutto ciò che è sta succedendo, eppure l’importanza della regia lo fa sentire come un giorno che ricorderanno da grandi. Vale a dire, un’analogia diretta per gli obiettivi di animazione di Ishitani.
Fornendo un episodio memorabile, Ishitani è diventato un eroe per un’intera base di fan dall’oggi al domani. Una base di fan che ha dovuto aspettare 6 mesi interi, il che significa più cicli di rotazione dello staff, prima che si presentasse di nuovo. E quando lo ha fatto, è riemersa con ancora più trucchi nella sua borsa, come i suoi tentativi di sposare le eleganti transizioni che aveva usato prima con composizioni multiplanari simili a quelle della precedente superstar Toei Rie Matsumoto, che danno maggiore profondità agli scatti in un modo divertente. La creatività di Ishitani non aveva bisogno di miglioramenti, ma accumulando esperienza, sta gradualmente diventando capace di tirare fuori concetti ridicoli come luci al neon diegetiche e tonalmente appropriate che trasformano una bevanda versata in intenzioni sanguinose.
Lo spettacolare la scena precedente, essenzialmente un video musicale di alta qualità inserito nell’episodio, riassumeva la grandezza di Ishitani. e l’incompatibilità tra ambizione a livello teatrale e anime TV, per non parlare di un titolo di lunga data. One Piece è uno show televisivo più stabile che mai e anche a Ishitani è stato concesso più tempo di chiunque altro, ma l’attrito tra ambizione e fattibilità l’ha comunque costretta a lottare con la produzione di questo episodio. Non è esagerato dire che a questo punto era diventata troppo brava per il suo lavoro.
Dopo un’attesa ancora più lunga, l’ultimo lavoro di Ishitani sull’episodio #1015 non mostra segni di indebolimento dell’ambizione. L’episodio rappresenta forse il più grande salto tecnico tra i suoi lavori, con il compositing in particolare molto più raffinato. Per quanto ambiziosa fosse l’illuminazione nei suoi precedenti episodi di One Piece, dettagli come l’eccessiva profondità di campo unita a cromatico l’aberrazione ha causato più danni ai colpi di quanti ne hanno aiutati. Avanzando rapidamente al suo ultimo episodio, però, l’illuminazione accattivante è molto più armoniosa, inchiodando effetti molto complicati come la traslucenza. Insieme a una migliore guida dell’occhio attraverso tecniche come la messa a fuoco snervante, transizioni più fluide e una straordinaria capacità di ritardare abilmente il tempo, la sua abilità tecnica è ora al livello in cui può essere all’altezza della sua inventiva.
Anche se, ovviamente, è quella creatività che ha attirato gli altri al suo lavoro in primo luogo. Mentre il suo desiderio di creare animazioni che puoi apprezzare indipendentemente dalla tua comprensione del contesto e del contenuto può essere interpretato erroneamente poiché non si preoccupa di un’opera specifica come One Piece, niente potrebbe essere più lontano dalla verità. L’episodio #1015 è pieno di sequenze che cristallizzano anche lo spirito del manga se non meglio di qualsiasi altro regista; ancora una volta, la sua esecuzione è così memorabile che sono perfettamente divertenti con un contesto minimo, ma non prendere nulla di tutto ciò per significare che non si impegna in ogni lavoro specifico. Ishitani sottolinea costantemente che l’animazione è qualcosa che non può avere successo senza un team sulla stessa pagina e, quando si lavora su un adattamento, quella mentalità sembra includere anche l’autore e il loro lavoro originale.
Tra i tanti evidenzia, la rappresentazione di Soty del flashback di Yamato con Ace potrebbe essere il riassunto più elegante della comprensione di Ishitani sul materiale. Oltre ad essere una bella interpretazione di una delle sue composizioni preferite, Yamato tiene in mano il Vivre Paper mentre Ace naviga attraverso un burrone molto stretto è un toccante promemoria della propria libertà e della mancanza dell’altro, ulteriormente enfatizzata spostando l’occhio sulle catene. Le parole d’addio di Ace innescano un cambiamento nella mentalità di Yamato, che si precipita a dirgli un addio più appropriato; ripetendo la stessa composizione con la mano che regge il Vivre Paper, solo che questa volta Yamato sta guardando un mare aperto, ora effettivamente capace di vedere la libertà nel futuro. E poi, un fiammifero tagliato alla carta che brucia, a significare la morte dell’unico amico di Yamato. Una montagna russa di emozioni in circa un minuto di filmato, che riassume magnificamente la visione del mondo dei personaggi con una scena che qualcuno che l’ha trattato solo come un compito non potrebbe mai inventare.
Quando si tratta di incarnare One Piece come nel complesso, e anche nella creatività di Ishitani, la scena più memorabile è ancora una volta nei ricordi di Yamato e Ace; e ancora una volta nell’animazione di Soty, perché non si fermerà a meno che non sia il principale responsabile dei più grandi episodi di Toei ogni singolo anno. Veniamo trasportati in un mondo di colori pastello e forme più ampie, che si addice ai ricordi d’infanzia di Ace dei tre fratelli che espongono i loro sogni. Improvvisamente, i ricordi di Yamato passano a un altro frammento del passato, con una tavolozza più calda ma allo stesso modo uno stile infantile, con la proclamazione del proprio sogno da parte di Gol D. Roger. I due colori si fondono prima di esplodere in uccelli: l’ultima incarnazione della libertà, che per Roger e Rufy è il vero significato di essere il re dei pirati. Per un personaggio che brama solo quello come Yamato, questo è un evento che cambia la vita, e come spettatore che desidera più esplosioni di creatività come questa, anche Ishitani sta cambiando il gioco.
Positivo dato che questo pezzo è stato, non riuscivo a finirlo senza dire ai fan di One Piece di godersi Ishitani il più a lungo possibile, perché ogni episodio ha chiarito più chiaramente del precedente che semplicemente non appartiene a qui. Questa non vuole essere una critica alla serie in alcun modo, nemmeno ai franchise commerciali incessanti dello studio. Se non altro, il ruolo che hanno avuto nella carriera dei registi più brillanti che lo studio ha sollevato è qualcosa che trovo stranamente trascurato.
Salvo eccezioni come il lavoro di Kunihiko Ikuhara In Sailor Moon e il suo discepolo Takuya Igarashi con Doremi, sembra esserci una tendenza a sottovalutare il passato dei loro registi più acclamati dalla critica, che inevitabilmente risale a titoli come questi. Lo stile atmosferico impersonale di Shigeyasu Yamauchi è stato perfezionato in opere come Casshern Sins, ma è difficile da afferrare appieno se non sei a conoscenza dei suoi contributi a artisti del calibro di Dragon Ball e Saint Seiya. Rie Matsumoto viene spesso trattata come se si fosse materializzata dal nulla con Kyousougiga, ma formalmente e tematicamente, la sua crescita è finita. Persino Mamoru Hosoda, il cui lavoro in Digimon è ancora riconosciuto, vede la maggior parte del suo lavoro alla Toei nascosto, comprese le sue opere più significative dal punto di vista personale. Anche se non si tiene conto del loro significato storico, queste sono tutte opere eccellenti di per sé, meritevoli di rispetto indipendentemente dal contesto.
Quando si tratta di Ishitani, il problema non è che possa’Non fa grandi anime in qualsiasi franchise in cui sia stata schierata, ma piuttosto è troppo ambiziosa per i singoli episodi di anime TV. Anche se mi auguro che alla fine ottenga un suo importante lavoro originale, senza dubbio inclusi i dinosauri, sento che il cambiamento più importante nella sua carriera sarebbe passare alla guida di interi progetti, preferibilmente teatrali. Nell’ultimo decennio, Toei ha perso la palla al balzo quando si tratta di assicurarsi sbocchi alternativi per creatori unici come lei, il che è stato un fattore che ha contribuito a far sì che molti artisti del calibro di Ishitani abbiano rassegnato le dimissioni dalla corona più velocemente di quanto ci si aspetterebbe normalmente. La palla è ora sul campo di Toei, perché Ishitani ha già dimostrato di essere il vero affare.
Sostienici su Patreon per aiutarci a raggiungere il nostro nuovo obiettivo di sostenere l’archivio di animazione di Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): disegno tecnico di immagini ma più specificamente animazione. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo in cui lo fa un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. Video su Youtube, oltre a questo SakugaSakuga (作画): disegni tecnici ma più specificamente animazione. I fan occidentali si sono appropriati da tempo della parola per riferirsi a casi di animazione particolarmente buona, allo stesso modo in cui lo fa un sottogruppo di fan giapponesi. Abbastanza parte integrante del marchio dei nostri siti. Blog. Grazie a tutti coloro che hanno aiutato finora!
