Tomohiro Furukawa attinge dalla filosofia e dai metodi di leggende viventi come Mamoru Oshii, Hideaki Anno e il suo mentore Kunihiko Ikuhara. Ricostruisce il loro insegnamento e le sue influenze da innumerevoli campi in uno stile unico ed emozionante: questo è Revue Starlight The Movie e quello che lui chiama anime incentrato sull’esperienza.
Un’abilità indispensabile per un il regista è la capacità di raccontare alla madre il film che hanno visto l’altro giorno e farlo sembrare interessante. Queste sono le parole divertenti della leggenda vivente Mamoru Oshii, e una sorta di mantra per Tomohiro Furukawa, che iniziò a rendersi conto di quanto fortemente risuonassero con lui una volta che la sua carriera di regista decollato.
Dopotutto, quella frase racchiude il suo intero approccio al processo creativo. Tanto per cominciare, sottolinea il potere della presentazione, l’aspetto che giustamente ritiene essere il suo più grande punto di forza. Proprio come Oshii, Furukawa è un fanatico del cinema ben letto con la serie più eclettica di influenze che si possa immaginare, che ricomporrà con entusiasmo anche nelle sue opere. Le parole di Oshii hanno colpito anche vicino a casa quando si tratta della realizzazione che Furukawa ha avuto come regista principiante: non è solo il pubblico che devi mantenere impegnato, ma anche la squadra che lo realizza. Alla fine, la mamma nell’analogia non è solo il tuo pubblico, ma anche la tua squadra e, in una certa misura, te stesso. E così, quando gli è stata proposta l’idea di un seguito di Revue Starlight, ha subito trovato l’angolo giusto per affrontare il film di riepilogo Rondo Rondo Rondo e il suo spettacolare Revue Starlight il film. Ciò verrebbe formulato in una frase pronunciata dai personaggi in vista del film finale, così come durante la sua durata:”siamo già sul palco”, un noi che si estende a tutti davanti, dentro e dietro lo schermo.
In questo momento, Furukawa occupa una posizione curiosa. Da un lato, è celebrato da icone del settore e i giornalisti più rinomati dell’anime come regista dirompente, così impegnato nella sua visione unica da poter portare l’animazione d’avanguardia in una scena commerciale sempre più restrittiva. D’altra parte, è ancora sconosciuto al grande pubblico in quanto ha diretto solo un suo progetto, ed essere legato a una fabbrica di intrattenimento prodotta in serie come Bushiroad significa che non è esposto a un pubblico d’essai che la pensa allo stesso modo, ma piuttosto a spettatori più giovani che non sono abituati ai suoi metodi non standard. Eppure, non sono sicuro che salterei su una sequenza temporale diversa nella speranza che la sua carriera andasse diversamente. Sebbene non sia consapevole dell’entità della sua deliziosa stranezza, come dimostrato dalle sue spiegazioni casuali secondo cui attingere a pittori del XVI secolo e film di nicchia che non sono mai stati pubblicati in Giappone è semplicemente normale, Furukawa sa almeno che offre qualcosa di radicalmente diverso da ciò che il suo pubblico pensa di volere e intende sfruttare questa discrepanza per presentare loro nuove esperienze.
Per cominciare, è importante stabilire da dove trae le sue influenze un regista così non convenzionale; non solo perché è importante capire le sue doti stilistiche non convenzionali, ma perché è importante per lui, come persona. Fortunatamente, in quanto figura del settore schietto e competente, Furukawa ha avuto l’opportunità di condividere le sue ispirazioni in molteplici punti vendita. Ha toccato argomenti come i manga shoujo dagli anni’70 ai primi anni’80 con elementi BL che avrebbe preso in prestito da sua madre, il che sentiva indebolire la sua percezione del genere come fattore di romanticismo, dandogli anche un gusto per la bella nobiltà: due aspetti che puoi ancora sentire fortemente nel suo lavoro attuale. Persino dettagli come la sua tesi sulla storia architettonica della Cattedrale di Canterbury sono tangibili nella sua produzione, come qualcuno che si è affezionato a usare il processo di scenografia come forse un dispositivo narrativo più importante della scrittura aperta stessa; soprattutto dopo aver notato che i registi a cui ammirava non sentivano nemmeno il bisogno di disegnare un personaggio per parlarci di loro.
Per quanto ampi potessero essere i suoi interessi, è chiaro che non lo sarebbe fare anime se non fosse per quei registi a cui guarda, ecco perché ha dedicato loro così tanto elogio. Questo va da artisti del calibro di Shigeyasu Yamauchi, il primo regista ad attirare la sua attenzione con Saint Seiya: Legend of Crimson Youth, a Takuya Igarashi, la cui efficienza e straordinaria capacità di creare un’immagine propria mentre aderisce alla visione del mondo di un’opera esistente hanno affascinato Furukawa; tanto che ha cercato di replicare lo storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): I progetti di animazione. Una serie di disegni solitamente semplici che fungono da sceneggiatura visiva dell’anime, disegnati su fogli speciali con campi per il numero di taglio dell’animazione, note per il pentagramma e le linee di dialogo corrispondenti. Altro per Futari wa Pretty Cure #08 rivedendolo ossessivamente scatto dopo scatto.
Se stiamo parlando delle sue più grandi influenze, però, non c’è dubbio che dobbiamo parlare su registi come Hideaki Anno, il cui stesso ritmo che Furukawa sente ancora risuonare durante il suo lavoro, così come il già citato Oshii, tanto vicino a un’icona filosofica come nell’animazione. È dallo studio delle sue opere e dalla collaborazione con registi simili che è giunto alla sua interpretazione del loro mantra di controllo delle informazioni: un concetto intrinsecamente legato al scelta del materiale espressivo a lui, al punto che è diventato diffidente nei confronti di letture puramente tematiche delle opere di registi così idiosincratici; perché abbracciare quell’angolazione, dopo tutto, quando li ha visti trasformare i loro temi per conformarsi ai loro mezzi di espressione? E quando si tratta del processo di scelta del materiale perfetto per esprimere ciò che hai da dire, o di modellare ciò che hai da dire per adattarlo al tuo materiale preferito, non c’è nessuno migliore del suo mentore: Kunihiko Ikuhara >. Se avessi appena presentato Furukawa come uno studente di Ikuhara, però, il suo sé passato avrebbe potuto sentirsi a disagio. E quella relazione complicata è palpabile anche nel suo lavoro.
Non si può negare che Furukawa sia l’apprendista di Ikuhara. Non ha alcun desiderio di nasconderlo e riempirà di lodi il suo insegnante in ogni occasione, anche se si prende gioco di quanto possa essere carino il suo insincero scontrosità. È chiaro che ha una profonda comprensione di Ikuhara nel modo in cui allude a qualità curiosamente trascurate di lui, come le sue capacità di scouting impareggiabili e volontà di circondarsi di giovani creatori che vale la pena ascoltare senza compromettere quell’inconfondibile sensazione di Ikuhara, che abbiamo sempre evidenziato in questo sito. Furukawa alluderà spesso a lui come suo mentore con il massimo rispetto piuttosto che pronunciare il suo nome, ma se sei un fan attento, potresti aver notato che lo fa ora. Nella sua intervista con Yuichiro Oguro per il 16° numero di AnimeStyle, Furukawa si è aperto su questo argomento più del solito. Sebbene lo abbia sempre molto ammirato e abbia essenzialmente modellato il modo in cui mette insieme l’animazione sulla gestione delle risorse e del personale da parte di Ikuhara, Furukawa odiava l’idea che le persone lo classificassero ordinatamente come un seguace di Ikuhara e si permettessero di smettere di pensare ulteriormente; qualsiasi sfumatura e qualità personale, persa per la facilità di un’etichetta.
Questo lo ha davvero sfregato nel modo sbagliato, non solo come qualcuno con una vasta gamma di influenze, ma forse anche a livello più filosofico. Per qualcuno che trae elementi da innumerevoli opere e campi, Furukawa non ha alcun interesse per gli omaggi come ricreazioni dirette. Invece, memorizza tutto ciò che attira la sua attenzione come fasci di informazioni e tecniche. Il processo creativo riguarda, almeno per lui, la trasformazione, l’aggiunta e la sottrazione di quei pezzi preesistenti per adattarsi a nuovi scenari e la condizione di successo, costruendo qualcosa che sembri del tutto unico da quelle influenze atomizzate. Etichettarlo semplicemente come seguace di un individuo specifico, quindi, è antitetico alla sua visione del lavoro. E la verità è che puoi sentire quell’attrito nel suo lavoro; quando gli fu affidato per la prima volta un progetto con ragazze teatrali che litigavano tra loro, pensò subito di regalare loro degli outfit simili a quelli de La rosa di Versailles… prima di rinunciare rapidamente all’idea, pensando che la gente avrebbe fatto subito l’associazione Utena e ripiegare su quei preconcetti dei seguaci di Ikuhara.
Alla fine, ciò che gli ha fatto cambiare mentalità è stato proprio quel progetto. Non è che Revue Starlight abbia indotto una rivelazione, ma piuttosto che l’atto di dirigere uno spettacolo gli ha fatto capire quanto Ikuhara fosse davvero sorprendente e profondamente influente. Il suo mentore gli aveva dato una possibilità quando non aveva alcuna esperienza in ruoli da regista e gli aveva insegnato le basi praticamente, permettendogli di far parte del giovane gruppo di registi principali di Mawaru Penguindrum. E al momento di Yurikuma Arashi, lo aveva già al suo fianco come assistente al regista della serie. Direttore della serie: (監督, kantoku): il responsabile dell’intera produzione, sia come decisione creativa-creatore e supervisore finale. Superano il resto del personale e alla fine hanno l’ultima parola. Tuttavia esistono serie con diversi livelli di registi: direttore capo, vicedirettore, regista di episodi di serie, tutti i tipi di ruoli non standard. La gerarchia in quei casi è uno scenario caso per caso.. Dirigere il proprio progetto ha chiarito a Furukawa quanto doveva al suo mentore, al punto da oscurare completamente quel disgusto per le etichette. Allo stesso tempo, però, quell’ammirazione sembra accecarlo dal fatto che l’ispirazione funziona in entrambi i modi. Poiché, per quanto Ikuhara sia stato fondamentale nel processo di Furukawa per capire il suo stile, quest’ultimo è stato anche fondamentale nella raffinatezza e nell’evoluzione del suo ammirato mentore.
In uno di quei divertenti casi di Furukawa scherzando sulla scontrosità del suo mentore, ha menzionato che uno dei pochi aspetti per cui lo lodava apertamente era il suo orecchio per eufonia e la sua maestria con i giochi di parole. Come al solito, la valutazione di Ikuhara è stata giusta. Grazie a opere come Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku, Furukawa ha sviluppato un gusto per le frasi e i motivi con una presenza così forte che si sente come se esistessero fisicamente nell’opera, anche quando non sono diegeticamente digitato in esso. Per un regista che ha capito che si tratta solo della scelta del materiale, questo si estende naturalmente alla consegna di quei motivi attraverso il design grafico e gli effetti visivi, elementi chiave nel lavoro di Furukawa. Dalle battute memetiche a cui la base di fan si è rapidamente aggrappata-Questo è Tendou Maya, io sono rinato, l’uso di Starlight come verbo-a Le immagini inconfondibili di Yuto Hama, il suo stile è accattivante in un modo che ha persino colto di sorpresa il suo mentore. Ciò si estende anche al suo prossimo lavoro; anche se non ha ancora un titolo ufficiale, i suoni esteticamente piacevoli di Love Cobra, i giochi di parole sciocchi, e l’iconografia di ritorno di Hama è riuscita a dipingere un’immagine memorabile essenzialmente dal nulla. Parla di carisma trasudante.
Sebbene l’iconografia sia sempre stata un aspetto abbastanza importante per Ikuhara, sembra che la sua lode all’occhio e all’orecchio di Furukawa perché questi motivi provenissero da un luogo molto genuino, dato quanto è arrivato a enfatizzare questo tipo di immagini e suoni sin da quando hanno iniziato a lavorare insieme. Dalla strategia di sopravvivenza di Penguindrum e dall’iconico design grafico di Wataru Osakabe ai simboli ア di Sarazanmai, questa ossessione è sopravvissuta anche quando i rispettivi programmi li hanno tenuti separati, tanto è vero che questi motivi potrebbero essere la prima cosa che viene in mente quando si pensa alla produzione moderna di Ikuhara. Forse accecato dalla sua maggiore ammirazione, però, Furukawa non vede altro che la personalità di Ikuhara sullo schermo quando guarda le sue opere; e potrebbe avere ragione, ma credo che ormai ne sia diventato parte integrante.
Oltre a innescare quel cambiamento di atteggiamento nei confronti del proprio lignaggio creativo, però, come è andata a finire Revue Starlight? Se hai seguito questo sito, saprai che l’abbiamo trovato una serie estremamente divertente che non poteva essere all’altezza del suo potenziale. Tra le dure difficoltà di produzione che hanno sopportato solo grazie ai contributi chiave di giovani animatori individuali all’estero-un modo preoccupante per anticipare i tempi-e gli archi narrativi irregolari, sembrava non essere all’altezza del capolavoro che avrebbe potuto essere. Revue Starlight è una serie su ragazze di scena che competono per la gloria del primo posto in un’ambientazione in parti uguali Takarazuka e fantasia surreale. Il cast è ben organizzato in coppie e trii con un tema condiviso, ma quelli non sono stati creati uguali e la coppia centrale con le scarpe più grandi da riempire è caduta piatta agli occhi di molti; per una serie che essenzialmente equivale a una battaglia di carisma, non è riuscita a vendere adeguatamente i personaggi che alla fine sono rimasti in cima, il che lascia un po’un retrogusto amaro anche con il suo finale emozionante.
Visto Il personaggio di Furukawa, penseresti che sarebbe passato rapidamente a progetti completamente nuovi, ma l’idea di seguire Revue Starlight con un paio di film-un riepilogo migliorato e un sequel adeguato-è diventata un’idea allettante per lui. Bushiroad ha progettato il franchise per essere un’ampia proprietà multimediale con attrici che interpretano i personaggi nei musical e danno loro la voce nell’anime, ed è stato parlando con loro che Furukawa è diventato sempre più consapevole del tema ricorrente della recitazione. Stavano interpretando un personaggio immaginario, quelli interpretavano un personaggio nella loro commedia e non interpretavano tutti anche loro stessi?
Parlando con Momoyo Koyama, l’attrice dietro la protagonista Karen Aijo, è stata un’esperienza particolarmente illuminante per lui. Koyama aveva parlato delle sue lotte per mettersi nei panni di Karen; come, da persona un po’pessimista, ha lottato per diventare una brillante protagonista impeccabile. Karen è l’incarnazione stessa di una protagonista, ma quell’attrito tra la natura umana imperfetta dell’attore e un ruolo che sembra così artificialmente perfetto gli ha fatto chiedersi: e se anche Karen stesse recitando? Quell’impulso lo ha portato a scavare più a fondo nel personaggio, portando alla luce le sue preoccupazioni e persino le ipocrisie con cui ha concluso la serie originale. E così abbiamo Revue Starlight The Movie, la storia della morte e della rinascita di Karen: se n’è andata la ragazza che voleva semplicemente recitare in uno specifico spettacolo insieme alla sua amica, rinata in una vera attrice che desidera ardentemente il palcoscenico.
Come abbiamo stabilito, però, quello che dice Furukawa è quasi secondario rispetto a come lo dice, quindi ha dovuto trovare anche il modo giusto per affrontare la produzione. Il regista ha alluso alla sovrapproduzione di anime come uno dei fattori importanti qui, sostenendo che se i registi veterani e i grandi studi di produzione già provano dolore di mettere insieme una squadra di alto profilo in grado di mettere insieme un’animazione tradizionale costantemente raffinata, uno come lui non ha alcuna possibilità. Detto questo, ha deciso di sfruttare i suoi punti di forza con quello che ha definito un film incentrato sull’esperienza. Furukawa ammira con affetto i suoi idoli di cui sopra, le loro opere degli anni’90 che hanno lasciato impressioni molto forti su di te anche se non sei riuscito a seguire tutti i ritmi narrativi. Ha preso la decisione pienamente consapevole di andare contro la tendenza di enfatizzare la tradizione e le trame prolisse con un film più visceralmente gratificante. Uno che parla ai tuoi sensi più che al database nel tuo cervello, una catarsi che si avverte meglio quando si è fisicamente in un teatro: dopotutto è uno spettacolo sull’essere sul palco.
Questo può essere sentito fin dall’inizio. La primissima sequenza del film non era effettivamente nella sceneggiatura, ma Furukawa ha sentito il bisogno di catturare immediatamente l’attenzione dello spettatore con il pomodoro scoppiettante più soddisfacente mai sentito nell’animazione. Per quanto possa sembrare casuale, i pomodori sono probabilmente il motivo più importante dell’intero film, e per ragioni molto Furukawa. Revue Starlight ha notoriamente sempre caratterizzato una giraffa loquace come avatar per il pubblico, e scavando più a fondo nelle dinamiche del palco, Furukawa ha concluso che non sono solo gli artisti, ma anche gli spettatori che si lasciano bruciare ed essere consumati. Per rappresentare quell’idea in modo abbastanza diretto, la sceneggiatura includeva una scena in cui le ragazze avrebbero mangiato la carne della giraffa. Trovando quello scenario un po’troppo grottesco, Furukawa ha tirato fuori dalla sua infinita lista di influenze e ha ricordato il pittore Giuseppe Arcimboldo, che spesso costruiva ritratti umani con le verdure. Così i pomodori sono diventati il cuore del pubblico e del film stesso, e una scena che potrebbe essere stata alquanto inquietante è diventata un incubo molto più memorabile. Oh Furukawa, non cambiare mai.
Tutti i motivi del film seguono uno schema simile. Dopotutto, questo approccio incentrato sull’esperienza non è altro che un’applicazione pratica della filosofia di animazione che aveva derivato dai suoi idoli, sfruttando la sua fusione di influenze per alimentare lo spettacolo costante. Revue Starlight The Movie è un’emozionante corsa che ripropone elementi di qualsiasi cosa tra Lawrence d’Arabia e Mad Max Fury Road, seguendo sempre la sua formula di addizione e sottrazione a questi pezzi. Il confronto tra Junna e Nana, per esempio, utilizza un set del film del 1985 Mishima – Una vita nei nostri capitoli in cui una rappresentazione del Kinkakuji si apre a metà e acceca un personaggio. A quanto pare, le luci accecanti sono sempre state un motivo per Nana, rappresentando lo splendore del primo stadio in cui si è trovata con i suoi amici, uno da cui ha lottato per spostarsi e che non avrebbe mai più potuto afferrare. Questo gli ha dato la scusa per usare una tecnica di messa in scena intrinsecamente interessante in un modo nuovo che si adattasse al suo scenario; e se non l’avesse fatto, avrebbe potuto semplicemente modificarlo per darsi una buona scusa per farlo comunque. Dopotutto, l’esperienza memorabile viene prima di tutto.
Guardare Revue Starlight The Movie è un assalto ai sensi nel miglior modo possibile, poiché lo schermo è inondato dalle idee di Furukawa e l’audio roboante le accompagna. Mentre la scrittura sembra più toccante grazie all’ulteriore considerazione che il team ha dato alle dinamiche del palco, non sono più le parole sulla carta che hanno fatto innamorare così tante persone del film, ma piuttosto l’impegno sfacciato di Furukawa per i suoi più grandi punti di forza. Le dinamiche dei personaggi che le persone già amavano nella serie non sono mai state costruite su una scrittura particolarmente complessa, basandosi invece sul carisma visivo, sulla presenza scenica e sulla direzione accattivante che Furukawa ha concesso loro. Questo film è un’audace escalation di quello di un regista che ammette di non poter raccontare una storia in modo diretto, ma la cui immaginazione e le cui munizioni creative potrebbero portarti in un viaggio infinito e sbalorditivo; e non è un’esagerazione, dato che anche dopo aver lasciato molte idee nel suo piatto, Furukawa aveva quasi tre ore di concept pianificate per le due ore di durata di questo film.
È confortante vedere che questo team riesce a realizzare qualcosa che, nonostante sia in parte una conseguenza dello stato dell’industria, è meravigliosamente anacronistico come immaginava Furukawa. Tuttavia, non tutti condividono quella sensazione di successo alla fine, e questo si collega ancora una volta alla filosofia del regista. Per quanto i compagni d’armi, gli spettatori e i giornalisti allo stesso modo abbiano elogiato Revue Starlight the Movie come un successo strepitoso, Furukawa ha ripetutamente affermato ai suoi occhi che è una specie di rammarico fallimento; forse uno che è orgogliosamente dirompente nei suoi obiettivi, rumoroso e accattivante nell’esecuzione, ma alla fine trascinato giù dalla sua presunta incapacità di essere all’altezza della sua visione e del potenziale della sua squadra. L’immacolato plauso della critica lo ha solo confuso, al punto che sta cercando di decodificare le qualità che le persone vedono nel suo lavoro da quella valutazione critica, perché non riesce a vederle da solo.
Per tanto quanto Mi auguro che Furukawa sia mai in grado di realizzare qualcosa che ritiene un successo, temo che anche se è in grado di realizzare anche più di quanto ha già fatto, le sue impressioni saranno sempre venate di rimpianto. Se fosse in questo settore per concentrarsi su una narrazione completa di lungometraggi o su un’animazione raffinata, potrebbe ottenere qualcosa di più tangibile e convincersi di aver avuto successo. Ciò che sta inseguendo come regista incentrato sull’esperienza, tuttavia, è un’idea. Come individuo, il suo obiettivo è eguagliare i riverberi dei suoi idoli, quelli che lo hanno portato a perseguire l’animazione in primo luogo. E quelli, non puoi mai afferrare. Ecco allora i presunti fallimenti più affascinanti, suppongo!
Lo slogan di Revue Starlight The Movie è Wi(l)d Screen Baroque. Questo è un gioco di parole tra il sottogenere barocco widescreen della fantascienza a cui era affezionato come avido lettore, così come il concetto di una ragazza di scena selvaggia, uno dei primi temi del film, che descrive gli attori e la loro fame in un vero e proprio modo animalesco. È anche un riferimento alle proporzioni dell’ampio cinemascope che il regista ha scelto, in quanto grande fan del formato e per la sua compatibilità con le immagini del treno e del deserto. Questo è il tipo di regista che è Furukawa e il tipo di regista che continuerà ad essere.
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