Kita semua pernah ke sana-Anda menemukan pertunjukan dengan kisah menarik dan menarik sehingga Anda tidak bisa berhenti menonton… tapi sepertinya sampah mutlak. Mungkin desain karakternya mengerikan, mungkin animasinya sangat di bawah standar, mungkin membingungkan pilihan warna, atau mungkin semuanya bertiga, ditambah pilihan visual yang lebih tidak suci. Tapi itu tidak masalah; Anda ketagihan karena ceritanya sendiri sangat bagus. Kami meminta tim editorial kami untuk membuat contoh anime yang mereka tonton dengan ketat untuk cerita tersebut. Apakah Anda setuju dengan pilihan mereka?
lucas deruyter
Tidak berlebihan untuk mengatakan bahwa manga pengamuk memainkan peran penting dalam mempopulerkan manga di daerah barat. Pengaturan fantasi gelap manga, plotline balas dendam-ke-aktualisasi yang lambat, karya seni yang indah, dan aksi badass beresonansi secara mendalam dengan audiens internasional dari semua latar belakang. Bahkan sebelum passing Mangaka Kentarō Miura yang tidak tepat waktu pada tahun 2021, manga pengamuk diakui sebagai pencapaian unik di media dan dirayakan di seluruh dunia.
Saya tahu seberapa besar kesepakatan Berserk menuju musim panas setelah tahun kedua saya kuliah pada tahun 2016. Melalui kehadiran klub anime saya yang jarang dan akun media sosial yang saya ikuti, antisipasi anime Berserk melalui anime sekuel ini dapat diraba. Jadi, saya melakukan apa yang akan dilakukan oleh siapa pun yang memiliki minat pemula pada anime, manga, dan kritik media dan mencoba mengejar seri pada seri sebelum rilis anime baru. Segera setelah final untuk semester itu berakhir, saya membaca bab anak-anak yang hilang dari manga selama periode lambat yang sering di pekerjaan meja saya. Antara hangouts dan kelas musim panas, saya menyaksikan keseluruhan anime Berserk 1997 yang dijuluki secara sensasional yang (dan tidak dapat dijelaskan masih) diunggah secara keseluruhan di YouTube.
Kemudian, 1 Juli bergulir, dan saya, sekarang sepenuhnya siap untuk melompat dan sepenuhnya berinvestasi secara emosional dalam Berserk, masuk ke Crunchyroll untuk menonton anime baru ini, dan… itu omong kosong.
Banyak orang berbakat telah menghabiskan banyak waktu dan energi untuk menjelaskan bagaimana Berserk (2016) secara luas mengecewakan dan menyelidiki mengapa ini terjadi pada adaptasi dari pekerjaan yang dicintai. Saya tidak akan merujuk semua itu di sini, tetapi dalam penjumlahan, Berserk (2016) bukan hanya mengecewakan karena visualnya gagal memenuhi animasi Miura yang menakjubkan. Setiap bagian dari produksi, dari desain suara hingga komposisi bidikan, baik amatir atau tidak kompeten. Sementara orang-orang optimis dengan hati-hati tentang penggunaan animasi CGI acara mengingat betapa bagusnya Studio 4 ° C Berserk: film-film busur Zaman Keemasan terlihat pada akhir perjalanan mereka, segera jelas bahwa upaya gabungan Studio Gemba dan Millepensee tidak dapat cocok dengan kualitas film.
Meskipun ada panning universal, saya terus menonton anime Berserk (2016). Kekeliruan biaya yang tenggelam memiliki cengkeraman pada saya, dan saya harus tahu ke mana cerita mengamuk berikutnya. Melalui kotoran yang melapisi anime ini, perenungan tentang roh manusia yang membuat manga Mirua begitu istimewa berhasil bersinar. Di musim ini, saya melihat nyali berubah dari agen balas dendam yang tak henti-hentinya menjadi penjaga yang berjuang untuk Casca dan mulai belajar bagaimana menyembuhkan dari trauma alih-alih hanya menghadapi itu. Saya melihat nyali mulai membangun kembali komunitasnya melalui sesama kesalahan seperti Isidro, Farnese, dan Serpico. Saya menyaksikan Griffith mencakar jalan keluar dari neraka dan mulai membangun utopia di atas tubuh mantan band Hawk-nya. Terakhir, saya menyaksikan setiap karakter bergulat dengan seperti apa kebahagiaan dan bagaimana mereka bisa menemukannya di dunia yang ditandai oleh sejumlah kekerasan dan penderitaan.
Saya tidak terus menonton Berserk (2016) setelah musim pertamanya dibungkus. Bahkan pada saat musim awal berakhir, saya telah membaca jauh melewati bagian cerita di manga. Saya akan amal untuk anime dan mengakui bahwa hamparan manga yang dicoba untuk mengadaptasi tanda-tanda beberapa perubahan nada yang cukup besar dalam seri dan, oleh karena itu, akan selalu menimbulkan beberapa tantangan signifikan bagi bahkan tim produksi yang paling terampil. Saya akan selamanya merekomendasikan agar orang membaca manga Berserk sebagai gantinya atau mencelupkan jari kaki mereka ke dalam seri dengan anime 1997.
Namun, sebagian dari diri saya akan selalu senang bahwa Berserk (2016) ada, karena itu adalah motivasi saya untuk menginvestasikan banyak waktu untuk mengalami pekerjaan yang merupakan inovatif dalam medium dan sangat berpengaruh secara budaya. Ya, saya menonton Berserk (2016) untuk ceritanya, tetapi juga agar saya bisa mengalami bersama karya seni yang menentukan generasi yang akan membentuk seni mendongeng untuk sisa keberadaan umat manusia.
Baca manga Berserk!
Rebecca Silverman
Ini adalah penghalang untuk masuk yang dikrihatikan oleh para penggemar anime BL. Untungnya, itu tidak dapat menghancurkan salah satu kisah keluarga termanis yang dihidupkan sejak pengasuh sekolah. (Yang juga tidak terlihat hebat. Saya merasakan pola lain.) Tema di jantung Tadaima, Okaeri adalah keluarga, baik biologis maupun ditemukan. Masaki dan Hiromu adalah pasangan yang sudah menikah dari varietas omega/alfa yang tidak biasa di dunia, yang berarti mereka memiliki anak kandung. Pada awalnya, kedua keluarga mereka menentang pernikahan mereka, dengan keluarga Masaki lebih mengkhawatirkannya dan Hiromu lebih banyak di pihak yang sombong. Sementara mereka mencintai orang tua mereka, keduanya juga sangat senang dengan keluarga yang telah mereka ciptakan, terutama dengan anak-anak mereka, putra pertama Hikari dan kemudian putri Hinata. Pengundiannya bukanlah dua pria yang menjadi pengasuhan bersama; Keluarga yang hangat dan penuh kasih sedang menjalani kehidupan sehari-hari mereka, berinteraksi satu sama lain dan orang-orang di sekitar mereka saat mereka perlahan-lahan membangun keluarga mereka yang lebih besar dan ditemukan. Meskipun ada kegelisahan, itu bukan faktor penggerak dalam plot; Itu hanya sesuatu yang dialami semua orang sepanjang hidup mereka.
Meskipun kadang-kadang palet pastel yang mengerikan, Tadaima, Okaeri adalah pertunjukan yang nyaman dan menyenangkan. Bahkan jika Anda lebih suka hewan peliharaan daripada anak-anak, menonton Hikari menulis surat kepada anjing di sebelah (sahabatnya, yang juga dia takuti) menggemaskan, dan Masaki dan Hiromu melakukan hal yang paling tidak biasa dalam fiksi: berbicara satu sama lain ketika mereka memiliki masalah. Ini adalah irisan kehidupan dalam arti yang paling murni, sebuah kisah yang menyambut kita menjadi keluarga untuk sementara waktu dan memungkinkan kita untuk berbagi sepotong kehidupan mereka. Ya, itu terlihat buruk. Ya, ini omegaverse. Tapi yang lebih penting adalah kehangatan seri dan cara yang nyaman memungkinkan kita percaya bahwa, pada akhirnya, semuanya akan baik-baik saja.
Richard Eisenbeis
© Okina BABA, Tsukasa KIRYU/PUBLISHED BY KADODAWA/So I’m a Spider, So Apa? Mitra
Jadi saya laba-laba, jadi apa? adalah salah satu kisah fantasi favorit saya dalam dekade terakhir. Ini dimulai sebagai sentuhan komedi pada genre Isekai, di mana protagonis kita bereinkarnasi sebagai monster laba-laba jauh di ruang bawah tanah paling berbahaya di dunia sementara teman sekelasnya menjadi ksatria dan bangsawan. Sebagian besar pertunjukan mengikuti pertempuran Kumoko untuk bertahan hidup saat dia langkah demi langkah naik rantai makanan-secara harfiah.
Saat ceritanya bergerak, sementara komedi tetap, misteri dan bahaya yang dipasang. Menjadi jelas bahwa segalanya jauh dari apa yang muncul. Siapa pahlawan dan siapa penjahatnya dipertanyakan, dan bahkan sifat dunia, dengan sistem sulap seperti permainan, menjadi misteri yang harus dipecahkan. Lebih baik lagi, seluruh musim pertama dibangun di sekitar trik bercerita yang dibuat dengan baik dan aktual-yang tidak sepenuhnya terungkap sampai episode terakhir seri ini. Tapi untuk tampilannya… yah, saya kira sekarang saatnya untuk menyebutkan itu dianimasikan oleh Millepensee dan disutradarai oleh Shin Itagaki seperti halnya Berserk 2016.
Menonton episode pertama-atau bahkan musim pertama-jadi saya laba-laba, jadi apa?, Anda mungkin terkejut menemukannya di daftar ini. Meskipun ada banyak CG sub-par dalam acara ini sejak awal (bersama dengan lebih dari sedikit CG tampan), fakta bahwa itu digunakan untuk menghidupkan monster menyembunyikan seberapa rendah kualitasnya. Namun, begitu protagonis laba-laba kami meninggalkan batas-batas penjara bawah tanahnya dan semakin banyak perkelahian termasuk karakter manusia, cacat menjadi jelas dan langsung menyakitkan.
Dalam beberapa episode terakhir, di mana aksi lulus ke dalam adegan perang habis-habisan pada skala epik, hal-hal mencapai titik terendah mereka di depan CG. Model 3D untuk karakter utama sangat kontras dengan seni 2D mereka, dan jumlah tak berujung dari atau dua prajurit yang sama adalah copy-past di medan perang untuk melakukan tindakan yang tampak robot. Hal terburuk adalah latar belakang dalam beberapa adegan. Untuk mengatakan mereka terlihat seperti grafik PS1 dengan geometri datar mereka yang tidak wajar dan blok tekstur kecil tunggal yang diulangi Infinitum akan menjadi penghinaan terhadap permainan era itu. Bahkan ketika acara mencoba melakukan sesuatu yang keren dengan animasi 3D, seperti bidikan yang bergerak atau berputar yang tidak mungkin untuk kamera nyata, frame rate jatuh ke dalam satu digit-membuat Anda bertanya-tanya apakah itu masalah komputer atau tablet Anda dan bukan animasi.
Sayangnya, pertunjukan itu tidak jauh lebih baik di departemen 2D. Saat cerita bergerak semakin dekat ke klimaks terakhirnya, animasi yang sebenarnya semakin jarang. Kami mendapatkan panci di atas bingkai statis untuk memberikan ilusi gerakan dan bahkan memiliki karakter yang membicarakan bidikan lebar yang tidak bergerak di mana tidak ada mulut yang ditampilkan dan tidak ada yang dianimasikan. Dan bahkan ketika segala sesuatunya bergerak, kami memiliki masalah seperti komposisi bidikan yang tidak masuk akal, mata miring pada karakter, dan kurangnya detail pada karakter yang berdiri pada jarak yang jujur.
Dengan semua negatif visual dan fakta bahwa Anda hanya bisa membaca seri novel untuk cerita, Anda mungkin bertanya-tanya mengapa Anda ingin menonton ini. Jawabannya sederhana: Aoi Yūki. Sebagian besar anime ini adalah pertunjukan satu orang dengan Aoi Yūki’s Kumoko di pusatnya. Kami hanya memiliki monolog yang berlari untuk terhubung dengan sebagai pemirsa dan dia memberikan Tour de Force yang sesungguhnya. Baik komedi dan bahaya datang melalui nada-sempurna dan tidak mungkin untuk tidak melakukan root pada kumoko yang dapat dipenuhi-bahkan ketika dia melakukan hal-hal yang lebih buruk. Ini adalah pengalaman yang sangat berharga dari subpar animation dan saya mendorong semua orang untuk mengalaminya sendiri.
Andrew Osmond
© 2006 竜騎士０７／ひぐらしのなく頃に製作委員会・創通
Begitu banyak dampak Higurashi berasal dari tikungan dan triknya, dan memalukan untuk merusaknya, dengan cara yang sama Anda tidak boleh memanjakan seseorang yang menonton Psycho atau The Wicker Man untuk pertama kalinya. (Apa maksud Anda, yang mana?) Seperti yang disarankan perbandingan itu, Higurashi adalah seri horor. Episode awalnya menceritakan kisah menyeramkan yang akrab. Seorang anak laki-laki, Keiichi, pindah ke desa pedesaan Jepang yang terpencil, bertemu penduduk setempat yang cantik-terutama gadis-gadis lucu di sekolahnya-dan terlibat dalam hijinks dengan mereka. Memang, itu setelah prolog flash-forward di mana kita melihat anak laki-laki yang sama dalam situasi yang tertekan. Kelelawar bisbol terlibat, dan darah-gulungan dan banyak darah. Ah well, saya yakin itu tidak penting.
Adegan awal terasa seperti spoof anime harem. Apa bahaya yang tak terduga bagi seorang anak laki-laki yang dikelilingi oleh wanita yang hidup, karena mereka membawanya ke mitos dan misteri kota mereka? Masterclass dari bercerita non-linear mengikuti, melompati sudut pandang dan kerangka waktu namun tetap terlibat dan adiktif. Trik utama Higurashi bukanlah hal baru bahkan di tahun 2006; Apa yang memukau adalah betapa indahnya acara ini dibangun di sekitarnya.
Serial ini terdiri dari beberapa alur cerita multi-episode, dan kisah-kisah horor yang digerakkan oleh karakter yang disajikan sebagai cerita yang sama. Mereka saling terkait sehingga Anda mulai membaca setiap detail. Semua cerita melibatkan kota desa, sebagian besar berlatar musim panas yang sama. Mereka membawa karakter yang sama-sekitar sepuluh yang penting, termasuk Keiichi dan para gadis beragam.
Karakter ini bertindak secara radikal-meskipun tidak pernah tidak mungkin-cara yang berbeda dari satu cerita ke cerita lainnya. Pembunuh menjadi pahlawan, lalu pembunuh lagi. Penjahat menjadi korban. Karakter beralih dalam satu detik dari ramah ke menakutkan. Pemburu kebenaran terlarang menghilang atau gila. Saya harus menekankan ini horor. Ada banyak kekerasan berbilah berdarah, beberapa menentang korban kecil yang mengejutkan, meskipun adegan mengerikan itu sering berjalan bertentangan dengan aturan penyiksaan porno. Banyak korban menolak untuk melihat diri mereka sebagai korban, tetap menantang karena mereka diiris dan robek. Ada sentuhan horor yang lebih lucu; Plotline tengah menangani dengan pembunuhan”sempurna”yang gagal.
Serial yang luar biasa ini diceritakan dengan gambar yang ceroboh, jelek, dan samar, milik Studio Deen. Saya bisa mengerti siapa pun yang menjatuhkan Higurashi jauh sebelum mereka mencapai barang-barang bagus. Tapi dengan penuh belas kasihan, acara ini cukup diarahkan dengan cukup baik untuk melampaui rasa malu ketika diperhitungkan, dengan wajah bengkok histeris dan ketegangan dan kekejaman yang diedit dengan penuh semangat. Ini juga memiliki urutan judul yang luar biasa, dengan bunga yang terbuka di layar kaleidoskop dan gadis-gadis waifish menatap layar, wajah mereka diwarnai dengan air mata atau darah.
Jean-Karlo Lemus
© akihito yoshitomi/height=”460″>
© aKihito yoshitomi Adaptasi Eat-Man Mashimo tahun 1997 adalah, seperti yang pernah dikatakan Justin Sevakis, hal yang hanya Anda rilis saat Anda ingin bangkrut. Apakah ini adaptasi yang baik dari manga tahun 1996 Akihito Yoshitomi? TIDAK; Anime hanya mengambil elemen paling dasar dari manga dan menaburkannya di sekitar jarang. Ini mempertahankan protagonis Bolt Crank dan dua kemampuannya (makan sisa industri yang tidak bisa dimakan dan memanggil senjata yang sepenuhnya terbentuk dari tangannya). Kalau tidak, itu benar-benar ada di lam.
Apakah itu terlihat bagus? TIDAK; Acara ini memiliki anggaran sepatu sehingga banyak jalan pintas animasi diambil. Jauh dari dipenuhi dengan baku tembak di mana Bolt memanggil senjata kiamat besar-besaran dari tangannya, pertunjukan ini menggunakan banyak wajan lambat dan berhenti untuk mengeluarkan episode-hampir frustasi. Acara ini suka berhenti pada citra yang tampaknya acak untuk apa yang bisa terasa terlalu lama.
Tapi itu berarti ceritanya bagus, bukan? Tidak tepat; Eat-Man adalah narasi yang jelas episodik di sepanjang tahun 1970-an, Hulk yang luar biasa; Bolt Crank mengembara ke dalam kehidupan seseorang, menawarkan jasanya sebagai jack-of-all-trade, hal-hal terjadi, dan Bolt Wanders pergi ke gurun pasca-apokaliptik yang diselimuti oleh pesawat ruang angkasa yang hancur melayang di langit. Apakah cerita-cerita itu mendapatkan akhir yang bahagia? Mereka mendapatkan akhir, itu sudah cukup.
Apakah pertunjukannya payah? Tidak. Eat-Man jauh lebih dari jumlah bagian-bagiannya. Sudah pemahaman saya bahwa Eat-Man adalah anime yang ditayangkan pada apa yang saya suka sebut”Otaku O’Clock”(1 pagi). Ini adalah pertunjukan yang memanfaatkan slot waktu itu. Pada jam 1 pagi, visual yang berdebu dan panci lambat memberikan suasana hati kontemplatif ini; Setiap baut pandang mencuri apa pun yang terjadi terasa lebih bermakna. Cut-in dan kilas balik berulang-ulang disempurnakan setiap kali Anda melihatnya, mengisi lebih banyak dan lebih kosong untuk drama mingguan. Setiap sosok bayangan yang tidak berdaya dalam seminggu bersembunyi adalah jauh lebih menakutkan. Ini adalah nada yang mendengar kembali ke usia televisi yang lebih tua, di mana Anda bisa duduk dan menikmati getaran sebuah pertunjukan-jika Anda mengizinkannya. Kami belajar sedikit tentang Bolt, tetapi hampir tidak masalah; Kami terlibat oleh orang-orang Bolt membantu, misteri yang ditinggalkan oleh mereka yang telah berlalu jauh di depan mereka, dan kehidupan yang mereka jalani di dunia pasca-apokaliptik mereka yang sia-sia. Dalam beberapa hal, ini agak seperti anime yang mengambil pertunjukan sepotong-kehidupan yang ditetapkan di dunia menengah menara gelap: dunia telah pindah, tetapi mereka yang tinggal di dalamnya terus mencari keberadaan mereka.
Eat-man akan mendapatkan sekuel”lebih baik”pada tahun berikutnya dalam bentuk Eat-Man `98. Animasinya lebih baik, warnanya lebih cerah, kisah-kisahnya saling mengikat daripada dongeng-dog berselingkuh episodik, dan mereka semua melakukan pekerjaan yang lebih baik untuk mengikat cerita dari manga. Namun-Eat-Man asli adalah orang yang saya sukai. Kelemahannya menghasilkan sesuatu yang mengesankan yang tidak dapat saya temukan di tempat lain. Terkadang, kurang benar-benar lebih.
Christopher Farris
Proyek seperti ini bisa menyenangkan karena mereka mendorong saya untuk mencapai jauh, jauh ke dalam ceruk istana pikiran saya dan mengingat anime yang saya tidak punya banyak alasan untuk dipikirkan sejak itu.”Benar,”kataku pada diri sendiri,”ada beberapa pertunjukan yang saya ingat dengan jelas bersenang-senang meskipun ada animasinya yang terdiri dari begitu banyak kerak. Saya ingat pernah berbicara dengan teman-teman tentang hal ini. Apa lagi?”Tentu saja, itu adalah Phantom in the Twilight, kisah haram terbalik supernatural 2018 dari saat tren industri panas adalah produksi dengan studio animasi Cina. Itu menyapu bangsa.
Phantom in the Twilight tidak pernah terlihat terlalu mengerikan. Beberapa episode bahkan cukup halus! Ada selera gaya yang umumnya keren mendukung segalanya, yang masuk akal mengingat daya tarik yang jelas untuk menjual pacar seksi yang juga manusia serigala dan vampir dan sejenisnya. Tapi Phantom in the Twilight cukup kaku sepanjang waktu, dan ketika semirnya tidak ada, model karakter meluncur lebih dari kekuatan serigala-gulung yang meluncur di sekitar atap. Tren efek visual menuju yang murah dan stok, dan banyak pengeditan yang terburu-buru, sering membingungkan menyatukan semuanya. 200% ini bukan pertunjukan yang saya tonton untuk visual, yang sangat lucu karena”terlihat seksi”harus menjadi alasan seluruh seri seperti ini ada.
Untuk apa saya menonton Phantom di senja? Sederhananya, itu hanya menyenangkan, sebagian besar karena karakternya dan beberapa pilihan yang agak unik dalam genre-nya. Gijinkas monster universal yang merupakan peristiwa utama yang diduga tidak buruk-meskipun dalam seri yang sudah hampir tidak ada model, saya cukup yakin anak laki-laki Jiangshi Tauryu tidak pernah tertarik. Berteriak ke Hot Werewolf Luke dan saudaranya Chris, yang entah bagaimana terlihat seperti karakter Kingdom Hearts yang tidak ada. Daya tarik yang sebenarnya adalah pahlawan wanita, yang, meskipun hampir tidak satu-satunya pemimpin harta terbalik yang kuat, tetap sangat mengagumkan. Cara ton mengulangi, mengelola, dan secara keseluruhan menangani anak laki-laki monster di orbit romantisnya, terutama calon pacarnya vampir Vlad, sangat menawan untuk dilihat. Dan dia melakukan semuanya sambil bertarung dengan senjata multi-rantai supernatural yang sakit ini dan rambut merah bersinar yang memungkinkannya terlihat sangat keren. Atau setidaknya sekeren yang diizinkan oleh seni acara ini.
Di atas semua itu, Phantom in the Twilight adalah seri Harem Girls’yang juga cukup berani untuk menjadi Yuri. Inti emosional yang sebenarnya adalah Ton dan teman istimewa Shinyao melakukan hal-hal-teman-teman yang dimulai pada tingkat”Tidak ada penjelasan heteroseksual untuk ini”dan hanya meningkatkan romansa dari sana. Shinyao mendapat Damsel’d untuk sebagian besar pertunjukan, dengan Ton berusaha menyelamatkannya, saya kira karena mereka menyadari hubungan mereka akan mengalahkan kemungkinan pengiriman ton dengan manual monster dari paramours pria sebaliknya. Sebagian besar berhasil, karena semua gel dengan betapa sungguh-sungguh, sangat bodoh Phantom di senja. Akan membuat frustrasi jika ton bahkan 20% lebih sedikit keren, dan mungkin membawa saya keluar dari pertunjukan jika terlihat lebih baik. Setiap kali model karakter beralih ke jank, atau ada sudut Belanda yang keliru atau menghapus transisi, itu mengingatkan saya pada ketidakseriisan latihan ini, mencontohkan mengapa kadang-kadang 7/10 yang solid lebih menyenangkan daripada produksi prestise yang sempurna.
Caitlin Moore
Ini adalah adaptasi dari sepotong hebat dari sejarah alternatif spekulatif oleh Mangaka Fumi Yoshinaga yang terkenal, di mana penyakit mematikan membunuh sebagian besar pria di Jepang. Akibatnya, negara itu dijalankan oleh wanita sementara pria dihargai sebagai komoditas. Seperti yang ditunjukkan judulnya, cerita ini berfokus pada pengadilan shogunat, khususnya halaman dalam-ōoku, di mana ratusan pria disimpan, tidak dapat diakses oleh siapa pun selain shogun. Yoshinaga menggunakan pengaturan untuk mengeksplorasi bagaimana dinamika kekuatan sosial akan bergeser dalam situasi seperti itu, mempertimbangkan dan menggabungkan berbagai faktor di luar membuat matriarki yang secara fungsional identik dengan patriarki kecuali bahwa wanita yang bertanggung jawab.
Dengan inklusi dalam daftar ini menyiratkan, animasi ini tidak hebat. Animasi karakternya kaku, dan storyboarding adalah salinan langsung tanpa seni dari panel Yoshinaga yang disatukan tanpa mempertimbangkan maksud bagaimana gambar diatur dan bagaimana pergeseran dari satu media ke media lain dapat memengaruhi bagaimana penonton menerimanya. Namun, di luar satu atau dua adegan erotis lucu yang tidak disengaja di mana sepertinya pasangan di layar saling menyerang wajah satu sama lain daripada terperangkap dalam pergolakan gairah, produksi yang buruk tidak menahannya sebanyak beberapa seri lain yang saya pertimbangkan untuk daftar ini, seperti hal perpisahan, cramer yang disayangi.
Yang pertama adalah bahwa hal yang benar-benar ini adalah jenis cerita ini. Bagaimanapun, ini adalah kisah intrik pengadilan, dan banyak karakter berada di posisi di mana mereka terlindung dari konflik fisik. Alih-alih aksi, ketegangan berasal dari menyaksikan manusia berjuang melalui situasi putus asa di mana mereka merasa terjebak, merencanakan, dan berkonspirasi saat mereka joki untuk potongan kekuatan apa pun yang dapat mereka temukan. Itu dalam emosi yang saling bertentangan dan koneksi yang singkat. Sementara animasi yang indah tidak diragukan lagi akan mendukung berbagai cerita ini, itu cukup baik. Tulisan Yoshinaga yang luar biasa menjadi hidup dengan pertunjukan vokal termasuk orang-orang seperti legenda industri Kikuko Inoue, Mamoru Miyano, dan Seki Tomokazu. Setiap karakter itu kompleks, menavigasi dunia motivasi pribadi yang bersaing dan kewajiban masyarakat. Setiap aktor suara tunggal melakukan keadilan karakter mereka dengan pertunjukan berlapis-lapis. Penampilan Miyano sebagai Arikoto, seorang bhikkhu diculik dan dipaksa menjadi salah satu pria pertama yang memasuki ōoku, termasuk bacaan baris yang masih bisa saya dengar di kepala saya, bahkan lebih dari setahun setelah menonton pertunjukan.
ōoku adalah jenis anime yang saya dapat menerapkan kedua makna”Saya menontonnya untuk cerita.”Secara langsung, itu hanya memiliki cerita yang sangat bagus yang layak ditonton! Ini ditulis dengan baik dan kaya secara tematis! Pada yang kedua, interpretasi Snider, presentasi visual sangat kurang, dan tidak ada yang akan menontonnya untuk animasi. Namun, dongeng Yoshinaga yang luar biasa membuat semuanya sepadan… terutama jika Anda tidak mampu membeli manga.
Jeremy Tauber
© Lynn Okamoto • Shueisha/Vap • Genco
Saya menonton Elfen berbohong untuk ceritanya, tetapi bukan karena saya pikir itu hebat. Itu karena misantropinya sangat hambar dan berat sehingga saya tidak bisa menahan diri untuk menonton yang lain. Masalahnya? Saya menontonnya pada waktu yang salah. Sebagai seorang anak terlindung yang keluarganya melarang dia untuk bermain game-m-rated dan ditinggalkan dengan bayangan game Hedgehog GameCube sebagai proxy for edginess, saya yakin bahwa penjajaran Elfen Lied dari Kawaii Moe dan kekerasan grafis akan bekerja keajaiban pada saya. Tapi saya menontonnya hampir satu dekade setelah dibebaskan, bertahun-tahun setelah fenomena anime mereda. Saya bukan lagi remaja tetapi berusia 21 tahun di perguruan tinggi, Zeitgeist sepak bola dan bir uber-macho saya membuat saya melakukan 180 tepat ke dunia sepotong kehidupan. Itulah mengapa Elfen berbohong begitu kontroversial. Ini bekerja jika Anda dapat menempatkan diri Anda dalam pola pikir remaja emo era 00-an. Jika Anda tidak bisa, Anda akan melihatnya sebagai omong kosong evangelion-meets-A Clockwork Orange. Bagi saya, ini sedikit dari keduanya.
Elfen berbohong tetap menjadi salah satu anime paling edgiest yang pernah menghiasi gelombang udara, dan episode pertamanya akan selamanya diingat sebagai momen penting bagi orang-orang yang berpikir anime adalah hal-hal anak yang tidak berbahaya seperti Pokémon dan Sailor Moon. Tapi kegelisahannya hampir tidak didukung oleh apa pun yang intelektual. Bukannya Anda bisa memeras kecemerlangan dari plotline Jekyll dan Hyde-nya, tapi saya tidak berpikir itu terlalu banyak meminta ketika Anda menuntut kekerasan serampangan, seks, dan misantropi untuk menjadi lebih dari sekadar berpakaian jendela. Lucy beralih bolak-balik dari menjadi amnesia kekanak-kanakan menjadi pembunuh berdarah dingin yang membenci kemanusiaan. Kemanusiaan terburuk ditampilkan di sana-sini, dan ada banyak kematian OP yang membuat pintu masuk. Sisa pertunjukan dan karakternya terasa dangkal secara tematis, dipermudah dengan animasi 00-an dan membaca seperti fanfiksi yang berusia empat belas tahun akan memantapkan kemarahan terhadap ibu yang membumikannya selama seminggu. Ketika ceritanya tidak basah kuyup dalam darah, itu tampak canggung dan tidak sengaja lucu.
Namun, pertunjukan ini berfungsi sebagai kesenangan yang bersalah, jadi saya akan memberikan kredit yang layak. Itu memang sesuai dengan kontroversi dengan membuat aksi ultraviolent dan beberapa adegan mengganggu. Desain karakter Lucy dan estetika horor acara mungkin membantu memberi jalan kepada orang-orang seperti Madoka dan sekolah-hidup!. Dub Inggris bukan yang paling halus, tetapi masih dilakukan dengan baik; Sebagian besar akurat terlepas dari perubahan, meskipun penambahan sumpah serapah tidak perlu. Saya tidak tersinggung olehnya-saya dari Philadelphia. Vulgaritas hanyalah bagian dari bahasa sehari-hari di sini. Namun, ketika salah satu orang jahat bersumpah seperti pelaut untuk membuatnya tampak lebih antagonis, rasanya sangat kaku sehingga saya tidak bisa menahan tawa setiap saat. Sekali lagi, ini mungkin akan membuat saya terpesona sebagai pra-remaja yang belum dewasa. Tetapi setelah mengulangi seri ini sebagai orang dewasa, dialog itu berbunyi seperti komedian jahat yang berpikir menambahkan lebih banyak kata-kata bersumpah akan membuat tindakannya lebih berkesan.
Dirilis di awal aughts, Elfen Lied tetap menjadi produk dari waktu ketika topik panas masih masih dalam masa pertumbuhan, dan Renaissance Tim Burton berada tepat di sekitar sudut. Menikmati Elfen Lied hari ini adalah dengan melihat kembali era itu dan lusinan AMV evanescence muncul di belakangnya. Untuk mereka yang bernostalgia untuk anime tahun 2000-an, kisah Elfen Lied masih layak untuk dilihat, bahkan jika itu tidak bertahan.
Reuben Baron
© 2006 Kadokawa Shoten/Selamat datang di N-H-K Partners
Jauh sebelum dikurangi menjadi NFT Shilling, Studio Anime Gonzo memiliki reputasi untuk Digimasi Visius dengan anggaran Besar dan Efek Breaking-Grounds (mereka menggunakan BEDE BEDIOUS. CG era 2000-an tidak selalu menua yang terbaik, tetapi usahanya ada di sana, dan seri seperti Last Exile, Gankutsuou: The Count of Monte Cristo, dan Afro Samurai masih bertahan secara visual hari ini berkat pekerjaan desain yang hebat dan animasi tangan yang mengesankan. Selamat datang di NHK-salah satu dari sembilan anime Gonzo yang dibuat pada tahun 2006, dua tahun setelah studio menjatuhkan”Digimation”dari namanya-bukan prioritas utama studio di bagian depan animasi. Orang mungkin berharap seri ini kurang ambisius daripada tarif Gonzo yang lebih berat mungkin setidaknya memungkinkan konsistensi visual, tetapi tidak. Kualitas animasi naik dan turun di seluruh, mencapai ketinggian”lumayan”paling baik dan jatuh ke dalam scribbles off-model (dan bukan jenis artistik yang menyenangkan) paling buruk. Bahkan ketika dimasukkan ke dalam model, desain karakter adalah downgrade generik dari ilustrasi Yoshitoshi Abe untuk novel ringan asli Tatsuhiko Takemoto.
Saya bertaruh bahwa menyambut baik masalah visual NHK adalah alasan paling signifikan kedua acara ini tidak dibicarakan seperti halnya anime hebat lainnya dari ERA. Namun, saya menduga alasan terbesar untuk popularitas yang lebih rendah adalah salah satu kekuatan terbesarnya: itu sangat nyata. Takemoto adalah salah satu penulis pertama yang secara serius mempelajari subjek menjadi seorang Hikikomori, mendasarkan perjuangan Satou dengan kecemasan dan depresi yang ekstrem pada pengalamannya sendiri. Any progress Satou makes towards becoming a productive member of society always leads him to run into some new big problem, from developing a porn addiction to falling for a multi-level marketing scam to accidentally joining a suicide pact. As the show eventually reveals, Misaki’s fraught Manic Pixie Dream Girl quest to cure Satou of his hikikomori-dom is driven by her deep psychological wounds. None of this makes for easy casual viewing, and if you found this anime too triggering, uncomfortably relatable, or just plain cringe to keep watching at any point, I can’t blame you.
That’s not to say the show isn’t entertaining. It’s often hilarious, just in a very dark register. Scenes like Satou talking to his furniture about his conspiracy theories on how TV networks are turning their viewers into hikikomori or Satou and Kaoru trying to apply every single fetish to their gal game protagonist are comedy gold. The English dub gets credit for doing a good job localizing and punching up jokes (I’m thinking of Chris Patton’s delivery of “BEGONE, DIRTY WHORES” and “SUCK ME DRY!”). The anime’s sense of humor prevents this series of so many unfortunate events from turning into misery porn, guiding the viewer along to find the light at the end of the tunnel.
Welcome to the NHK uses its pitch-black humor and twisted story to explore many social problems, deal with mental health issues, and expose the darker sides of otaku culture. Ultimately, it’s a story about trying. It doesn’t promise everything will turn out okay, but it says it’s worth it to keep living and trying to help yourself no matter how much you mess up. Satou and Misaki might not find redemption, but they find hope and the strength to keep going. The many places where the show’s animators messed up should not detract from the strength of the series’message, the realism of its characterization, and the catharsis of its comedy and drama.
Kalai Chik
© 時計野はり・白泉社／「学園ベビーシッターズ」製作委員会
Gakuen Babysitters is a comfort anime for the ages. The lockdowns of 2020 must have done a number on my brain because I forgot this anime was released in 2018, not 2020. I have watched a clip or a full episode of Gakuen Babysitters anytime I need a pep in my step, and that’s a testament to the levels of serotonin this series has brought to my life. Its premise is straightforward as the slice-of-life anime focuses on the life of Ryuuichi Kashima and the children in the daycare part of his high school.
Every episode has one or two self-contained stories, some more emotional than others. However, there’s character development and overall plot progression as brothers Ryuuichi and Kotaro learn to adapt to their new normal after losing their parents in a tragic plane crash. Although the series lacks any notable moments for animation quality, each episode is consistent and mirrors the charm and simplicity of the source material. The muted, pastel colors help to provide a relaxing watch for the eyes, while the overall character designs easily communicate their unique personalities. Mina Oosawa, the character designer who adapted the manga art for the anime, has gone on to work on designs for other heartwarming series like Given and Tadaima, Okaeri.
Ryuichi and Kotaro are taken in by the matriarch of Morinomiya Academy, Yoko Morinomiya, on the condition that the Ryuichi help with the school’s babysitter center. The series’twelve episodes are a collection of various stories, such as a zoo field trip and Kotaro going on his first errand to deliver his brother’s lunchbox. To put it simply, cute preschoolers are always busy with the normal antics expected of schoolchildren.
Of course, it’s not only the children who care deeply for Ryuuichi. The parents also watch over the two orphaned brothers as an unofficial community, guiding them without being patronizing. Chairwoman Morinomiya, who also lost her son and daughter-in-law in the same plane crash, provides the brothers with tough love, which is undercut when Kotaro occasionally calls her hair “shaggy.”
There are no overarching stakes, though, I find it emotionally heart-wrenching to see young children in distress even if it’s relatively minor. For example, my heart simply breaks when Taka—the loudest and ‘brattier’ of the children—loses his beloved toy sword during a festival. Or, on a more serious note, when Kotaro attempts to jump into open water when he thinks his brother is drowning and cries in anguish when the mother of his classmates holds the toddler from doing so.
By the end of episode one, you’ll be emotionally invested in the well-being of Ryuuichi and Kotaro, which will extend to all the characters in the series. The lighthearted nature of Gakuen Babysitters leads you to forget that it revolves around a teenager and his four-year-old brother who lost their parents, and only have each other. Every episode provides a moving, overarching narrative, and shows simple moral lessons that kids can understand while including relatable subjects for adults. Like a father who fears his children are emotionally distant from him because of his busy work as an actor, or an emotionally insecure schoolgirl. Maria Inomata, Ryuuichi’s classmate, is a book-smart but socially awkward schoolgirl with a stern attitude. She bottles up her feelings of loneliness, which the children help unload and relax by simply being happy to see her. Gakuen Babysitters also dabbles into light romance but never goes anywhere with that subplot, as the number one person in Ryuuichi’s heart is his younger brother.
You’ll laugh and you’ll cry at this simple series about babysitting in a daycare center. Come forget your woes while watching a heartwarming anime with cute depictions of toddlers.
MrAJCosplay
© 2006 CLAMP・講談社/アヤカシ研究会
There is a lot about xxxHOLiC that I think still holds up today. Just like how the title is a play on words with the xxx representing a blank space, and the rest of the title is a stand for addiction (for example, being an ALCOholic), the series is all about going through the miserable experiences that are afflicted on other people. Sometimes, these afflictions are random and circumstantial, while other times, they are self-imposed. There’s a strong emphasis on how words and language hold special meanings that can physically and spiritually affect others. Our main character, Watanuki, is somebody cursed to see horrific spirits that also find themselves attracted to him. All he wants to do is live a normal life. There’s this prevailing sense of misery throughout the show and while there are genuine moments of old-school comedy thrown in there for the sake of levity, almost every episode ends on a bit of a downer note. The series is episodic, going through different types of people who need help from our beautiful witch Yuko, who does her best to help. But I never walked away from an episode feeling happy. It’s more like a cold, hard truth gets revealed, and a lesson is learned, but that doesn’t necessarily mean the world gets brighter.
It makes sense that a show where words hold such power would have the dialogue and writing would be treated with such care. A major selling point of this show is Yuko and how she talks to those around her, particularly with our main character Watanuki. The writing is so tightly packed with comedic punch and plenty of wordplay that it doesn’t always translate well in the English version, but the effort is still there in trying to communicate the layered double meanings in a lot of the exchanges. There is a lot of exposition about spirits, but there’s also a lot of talk about the human spirit, destiny, and the power of choice. I’m glad these exchanges still hold up because the animation and art direction certainly have not.
Some gorgeous, aesthetic shots work perfectly as stills, and almost all of them have to do with Yuko. She is the definition of aesthetic, and the animation staff tries their hardest to ensure we, the viewers, understand that. But this animation style has not held up so many years later, outside of those shots and a few scant moments throughout the season. This is the show that I think about whenever somebody makes fun of the CLAMP art style with the incredibly long and lanky body proportions. These body types work for comedy, but so much of the show is dragged in serious melancholy that it gets incredibly distracting. The show is trying to combine real-world issues with supernatural influences and the art design doesn’t work in communicating that idea. The color palette emphasizes shades of brown and plenty of black with the illusion of very dim lighting across most scenes outside of the high school the main character attends. However, the character designs and movements are too cartoony to convey any major sense of realism. Everything looks so flat and lifeless.
At best, the show can look very messy, and at worst, it just looks very boring with a soundtrack that mostly exists as background noise outside of a few scant tracks, such as the themes that play when Yuko is present. In some ways, I almost think the show would work better as an audio drama where I can just listen to the characters describe everything taking place. Maybe that would’ve been a better way to consume it, or maybe the show would work a lot better if there was some kind of reboot with an updated aesthetic because other studios have shown that they can adapt the CLAMP art style incredibly well.
Bamboo Dong
© 2003 Shuichi Shigeno/KODANSHA/prime direction/OB PLANNING
But the story! The story was pure perfection. It turned an entire generation of fans into street racing enthusiasts. Even if you didn’t care about cars, the tension of every episode kept you coming back for more. Initial D wasn’t just a sports anime—it was the story of an unlikely underdog whose coolness wasn’t even desired. It was just thrust upon him as a filial chore!
You see, the main hero of Initial D, Takumi Fujiwara, wasn’t even the chosen one. He was just a guy who had to deliver tofu for the family business in the early hours before school. And if you’ve ever had freshly made silken tofu, you know how delicate it is. That was the burden thrust upon Takumi, whose daily chore led his father—a racing legend back in his day—to teach Takumi the finely honed art of drifting. It’s a technique where drivers intentionally oversteer a car through a turn so that it skids sideways with the wheels turning in the opposite direction. It was also awesome that Takumi’s car was an underdog too.
Compared to the flashier, much more expensive cars driven by the other racers, Takumi’s ride was a Toyota AE86 Trueno, part of the Corolla lineup. On the straight-aways, it simply couldn’t compete with the fancier race cars, but on the turns? That’s where Takumi’s ridiculous and unbeatable skills shone. And yes, that’s the entire show. Sure, there are some side stories here and there about the people in his life, and he gets embroiled in several racing team spats and increasingly complex race courses, but at the end of the day, he always pulled ahead because he’s just a damned good driver.
The fact that this series became such an enduring cult classic despite its unfortunate character designs, clunky animation, and truly awful CG car animations is a pure testament to how magnificently the action was written. They probably could have animated the entire show with stop-motion Kleenex boxes, and it would have still been immensely thrilling—that’s how good the story is for Initial D. The classic Eurobeat soundtrack doesn’t hurt either.
Jairus Taylor
© 荒木飛呂彦/集英社・ジョジョの奇妙な冒険製作委員会
Before you all raise your pitchforks in protest, hear me out. Yes, Jojo has a pretty distinctive visual style, and yes, the quality of David Productions’work on the series has (mostly) gone up with each subsequent part that’s been adapted. However, that hasn’t always transferred over to its actual animation quality, especially so with its first season when David Productions was a much smaller studio. Going by their portfolio before 2012, they were a pretty strange pick to adapt a property like Jojo, as their biggest claims to fame at the time were titles like Inu x Boku S.S., Ben-To, and assisting Studio Pierrot with Level E. It’s not a terrible track record, but certainly not the one you’d expect when they were given the keys to one of the biggest and seemingly unadaptable manga franchises in Japan. As such, it’s not too surprising that the animation quality of Jojo’s first season is pretty inconsistent. While there are a couple of standout episodes on that front, the majority are merely passable compared to what you’d expect out of the adaptation of such a big title, and some of the shortcuts taken with action scenes make it feel more like watching a comic book in motion than a TV show. However, it speaks to the strengths of Kenichi Suzuki and his team that they were able to leverage that into a feature rather than a weakness, and compensating for production flaws by leaning into that comic book aesthetic is a great example of how direction and intent can be more important to the aesthetic of a show than raw animation quality.
Of course, it also speaks to how great Hirohiko Araki’s writing is, that it’s so easy to get swept into the series despite some of those shortcomings. The pseudo-Victorian drama that forms the basis for Phantom Blood is more entertaining than it has right to be. It’s fun seeing the conflict between British gentleman Jonathan Joestar and his newly adopted brother, Dio Brando, escalate from a battle for the family fortune to vampires versus humans with magic breathing. Dio contributes a lot to the appeal here, as he’s the kind of villain you love to hate, and both Takehito Koyasu and Patrick Seitz do a great job of chewing the scenery regardless of which language track you listen to. Whether he’s stealing the first kiss of Jonathan’s girlfriend Erina, or tricking a newly formed vampire into eating her baby, he’s so delightfully punchable that it’s hard not to be drawn in by his villainous antics. That energy gives the story a kind of goofy charm that’s impossible to look away from.
This goes double for Battle Tendency, which shifts into a style more akin to an Indiana Jones movie and sees Jonathan’s descendant, Joseph trying to prevent the resurrection of an ancient race of superhumans as he crosses paths with vampires and actual nazis along the way. However, while a lot of series survive on escalation, the real strength behind Jojo is in just how good Araki is at crafting melodrama out of even the most bizarre of circumstances. For as silly as things like Jonathan and Dio’s rivalry, or the tragic history of the Joestars can get, a lot of it manages to be genuinely compelling, and Araki knows how to squeeze the most out of even the most off-putting of characters (that Stroheim, is even tolerable despite being a literal nazi-cyborg speaks volumes). With all those strengths working together, it makes sense that this first season helped take Jojo from a property with little reach outside Japan, into a global powerhouse, and while this isn’t the best-looking entry in the franchise, it wouldn’t be where it is without it.
Kennedy
© 桜井画門・講談社／亜人管理委員会
Ajin is one of those shows where I couldn’t even form a sentai team with all the people I’ve met who’ve seen it. But few as they are, everyone I’ve ever encountered who’s watched Ajin thinks it’s fantastic. One of the first few inmates of what would eventually become known as “Netflix jail,” Ajin primarily follows a seemingly ordinary high schooler named Kei Nagai. He has two key things that set him apart: first of all, getting hit by a truck didn’t result in him getting isekai’d. He probably would’ve been better off if he had been because, secondly, despite being soaked in his own blood, he didn’t die—in fact, his body instantly healed itself. He didn’t realize it until now, but he’s an Ajin: a rare, immortal demi-human. Ajin is routinely subjected to a relentless, neverending onslaught of painful tests and experiments, so thus begins Kei’s new life on the lam.
But good as it is overall, this anime has some issues that are nothing if not visible—because most of them center around, well, the visuals. This TV anime from 2016 was animated entirely in CGI by Polygon Pictures (who, at the time, was fresh off the heels of Knights of Sidonia—another CGI, Netflix original anime). Now, does being animated entirely in CGI inherently make this show ugly? No. That being said, this isn’t exactly Land of Lustrous. Among other issues, figures (and especially the hair) tend to look a bit blocky, movements are choppy, and the color palette barely ever leaves the realm of neutral tones. Though, to be fair, I’ve seen way worse-looking CGI in anime, too (cough EX-ARM cough).
But once you get past the visuals, you’re left with one of the most thrilling “maybe humans are the real monsters”-stories in all anime. This anime has interpersonal drama, violent ghost fights, and the kind of tension that constantly keeps you at the edge of your seat, but more than anything, this anime has spectacle and plenty of it. And it’s often helmed by this anime’s shining star, the strategic and highly capable Ajin Satou.
Satou is the force of nature behind more or less everything that happens in Ajin—and oh, how shih-tzu-minus-the-zu hits the fan in this show. While things become more complicated the further this anime gets (but I don’t dare spoil it for you, so we’re going to leave it at that), for most of the show, he seems to be acting primarily out of a desire to see the suffering the Ajin are subjected to put to an immediate end—no matter what it takes. He stands in sharp contrast to Kei, who’s far from the altruistic hero that you might expect an anime like this one to follow. This unusual dynamic between the two main characters is fascinating and also makes this anime perfect for people who like a story where the protagonist isn’t necessarily a good person.
I think in 2016, the visuals and Netflix jail were the main two factors that kept more people from watching Ajin. But in 2025, Netflix has become a much bigger player in the anime industry than they were a decade ago. And the visuals—well, okay, fine, they haven’t aged all that well. Still, my point is that this anime has been massively overlooked, and a really big part of that has been because of how it looks. While I think the criticisms to be made about this anime’s visuals are fair (or at least the actual criticisms relating to the CGI itself, rather than the plain fact that it’s CGI), the show itself is nonetheless a fun watch, and I’m willing to die on this hill.
Knights of Sidonia
Kevin Cormack
© TSUTOMU NIHEI・KODANSHA／KOS PRODUCT COMMITTEE
Back in 2014, I’m not sure what possessed Netflix to license a Polygon Pictures CG animated series as their first ever “Netflix Original Anime,” raising more than a few eyebrows among anime fans. At the time, Polygon was most recognized in the West for their contribution to US-produced animated shows Star Wars: The Clone Wars, Transformers Prime, and Tron: Uprising, all CG-animated shows that didn’t exactly scream “typical anime.” Similarly, the works of mangaka Tsutomu Nihei weren’t typically mainstream either. Even his most notable manga, the inscrutable but fascinating Blame!, had only received a seven-episode short ONA/OVA series in 2003.
Based on Nihei’s fifteen-volume manga series of the same name, Knights of Sidonia follows young male protagonist Nagate Tanikaze’s life in the gargantuan (29 x 5km) sub-light-speed seed ship Sidonia, a typically stark, alien Nihei setting. Having been raised in seclusion by his grandfather, deep in the bowels of the ship, following his grandfather’s death, Tanikaze finds himself as an outsider among the other, subtly posthuman, Sidonia residents.
One thousand years previously, the seemingly mindless alien “Gauna” entities destroyed the solar system, with humanity’s survivors fleeing in their huge concrete ships, expanding from the asteroids from which they were mined. To adapt, humanity developed the ability to photosynthesize (to reduce food requirements), while also maintaining population via cloning and asexual reproduction. One prominent character is a new, third sex, with the ability to choose between biological female and male sexual capabilities. The comparatively unaugmented Tanikaze struggles to assimilate while also being drafted into the military as a child soldier in the eternal war against the ever-pursuing Gauna.
Knights of Sidonia is a mecha show with fairly standard shonen action and romance filtered through Tsutomu Nihei’s deeply strange mind. Tanikaze finds himself embroiled in a weird love triangle between one of the aforementioned third sex characters, and a fifteen-meter-tall human/Gauna hybrid who interacts with other characters mainly in the form of a massive phallic tentacle. No one else does romance quite like Nihei, and that’s probably for the best!
Compared to the exemplary work of Studio Orange (BEASTARS, Land of the Lustrous, Trigun Stampede), Polygon Pictures’Knights of Sidonia looks jarringly janky. While the plentiful and kinetic mecha action scenes are incredibly detailed and dramatic, the character rigs and accompanying animation are hopelessly stiff and jerky. Faces are difficult to distinguish, with mask-like expressions that barely change, let alone emote. With a muted color scheme erring on the side of visually boring, it’s no wonder that many fans of more traditional 2D animation were repelled by Sidonia’s substandard presentation.
Beneath the surface, however, is a compelling story of a people driven to desperate measures to survive. Tanikaze himself isn’t that interesting a protagonist, but the surrounding characters are quirky and entertaining, such as the twenty-two-strong “Honoka series”, a group of cloned pink-haired sisters with accelerated growth and development. Sidonia also isn’t afraid to kill off or horrifically alter characters if it serves the plot, which isn’t at all predictable.
While its visuals can easily repel potential viewers, the soundtrack is superb, especially the first season’s pulse-pounding opener, and the dramatic, operatic score that accompanies battle scenes. After a six-year break following Sidonia’s second season, the story definitively concluded in the theatrical movie Love Woven in the Stars, which greatly compresses and alters the manga’s conclusion. Sidonia must have met with some measure of success for Polygon Pictures, because they subsequently produced a movie version of Nihei’s Blame! (which I also enjoyed), and the more recent Kaina of the Great Snow Sea (un?)fortunately using the same divisive CG approach.
Disclosure: Kadokawa World Entertainment (KWE), a wholly owned subsidiary of Kadokawa Corporation, is the majority owner of Anime News Network, LLC. Satu atau lebih perusahaan yang disebutkan dalam artikel ini adalah bagian dari kelompok perusahaan Kadokawa.
